Análisis: Narita Boy para PS4

Por Luciano Macchioli

El estudio español Studio Koba lleva casi cinco años desarrollando Narita Boy, su hasta ahora único título. De la mano de Team 17, llegó recientemente a PlayStation 4. Xbox One, Nintendo Switch y PC. Veamos de qué trata.

La historia comienza en la habitación de un gamer de los años 80’, quien se encuentra desarrollando la consola Narita One y su primer juego, un cartucho que nos absorbe y nos permite integrar una especie de reino digital. Pero dentro de este reino devastado deberemos derrotar a HIM, el malvado de turno, que se encarga de destruir archivos y corromper el entorno donde nos encontramos. No estamos ante un despliegue de medios narrativos, pero cumple la función de crear un entorno ideal para justificar el enfoque artístico del título. En paralelo, una segunda historia nos acompañará al desbloquear “memorias del creador”, que poco tiene que ver con la temática principal y no encaja muy bien dentro del juego.

La jugabilidad es uno de los puntos altos de Narita Boy. Nuestro héroe, quien portará la Techno-espada, aprenderá a lo largo de la aventura una infinidad de nuevos movimientos, que hará el combate mucho más dinámico y nos permitirá abrirnos paso por zonas que, a priori, se encontrarán bloqueadas. 

Los enemigos, en concordancia con el combate, serán muy variados. Esto hace que la curva de dificultad esté bien lograda, aunque en ningún momento encontraremos un gran desafío.

En cuanto a su apartado artístico, no sólo se trata de otro indie pixelart. Los entornos, enemigos y personajes están cuidados hasta el mínimo detalle. La paleta de colores utilizada logra a la perfección ambientarnos en la época elegida.

Mientras escribo estas líneas me encuentro de pie, para aplaudir la magnífica banda sonora que está presente en el juego. De lo mejor que escuché dentro de la industria independiente en los últimos tiempos.

El inicio Narita Boy es algo aburrido. La primera hora y media de juego vamos a estar descifrando qué estamos haciendo, con cuadros de texto larguísimos y un trasfondo poco claro. Pero una vez superada esa barrera, no podremos parar de jugar hasta ver los créditos. El 100% del título me llevó unas 9 horas, dejándome con ganas de más. Sin entrar en terreno de spoilers, el final nos deja la puerta abierta para una segunda parte que hasta podría cambiar drásticamente de género. Esperemos que no se haga esperar mucho.

Mientras tanto, a los jugadores interesados en el título les pido que tengan paciencia en los inicios de la aventura, porque la recompensa será un juego que trabaja muy bien todos sus apartados y que nos dará un puñado de horas de diversión.

Calificación: 8/10

Reseña: Es lo que es

Por Sebastián Arismendi

Esto es lo que hay

De común conocimiento ya sabemos lo que está pasando en el país y en el mundo con la pandemia, no hay que explicar cuando, cómo y porqué, lo que si da curiosidad son las situaciones que se vivieron en el confinamiento, además de las negativas, seguramente hay muchas divertidas (no todo este mundo es caos y destrucción como los medios hacen ver). Algún antecedente artístico de esto es la película antológica Homemade, serie de cortometrajes de distintos directores sobre cómo se veía el confinamiento y ahora puedo señalar a esta divertida comedia que recién vi en el espacio cultural NoAvestruz en Palermo.


Es lo que es, es una comedia escrita y dirigida por Juan Washington y Felice Astorga, la misma es protagonizada por Marisa Picollo y Mariel Beninca, junto al reparto de Ricardo Schneider. La obra narra las vivencias de una nieta que pasa un estricto aislamiento con su abuela para poder cuidarla, a medida que convivan sucederán situaciones tan cotidianas y tan reales que seguramente a todos nos habrá pasado en este encierro.
La obra tiene una puesta en escena muy peculiar ya que vemos a los personajes separados por formas geométricas colometricas que hacen ilusión a algún cuadro de arte conceptual moderno, además la musicalización evoca a las bandas sonora de los juegos de Atari y los vestuarios hacen contraste con estas formas, las actrices irán contando sus vivencias diarias de una manera muy divertida, utilizando la mímica y la libre interpretación para describir acciones. Hay una carga ligera de nostalgia, especialmente en el personaje de la abuela, que además se vuelve el más entrañable de todos.


Es lo que es, una propuesta fresca, divertida e ingeniosa del teatro under, que si bien toca un tema que nos agobia a todos, nos hace reír y desconectarnos por un rato.
Disponible en el teatro NoAvestruz en Palermo Hollywood (Humboldt 1857) los domingos a las 19.
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Análisis: It Takes Two

Por Marta Ros

Tras el éxito de A way out, Hazelight Studios nos trae una obra similar con un corte más desenfadado. Es el momento de trabajar en equipo de nuevo y resolver este entuerto.

Un matrimonio roto

La historia nos pone en la piel de un matrimonio deteriorado por el paso del tiempo que ha decidido dar el paso de separarse, al parecer sin vuelta atrás.

En medio de esta vorágine de dolor se encuentra su pequeña hija que lo único que quiere es que sus padres vuelvan a ser felices juntos. Así, compra “El libro del amor” para que sus padres aprendan a resolver sus problemas y no rompan el matrimonio.

Además, la pequeña ha diseñado unos curiosos muñecos tipo marioneta de sus padres con los que idealiza un futuro en común.

Sin saber cómo, acabaremos atrapados en esos muñecos. Para poder volver a la normalidad, el Dr. Hakim, representado por “El libro del amor” nos hará realizar todo tipo de pruebas para reavivar la llama del amor.

Puzles y plataformas

Cuando iniciamos It takes two debemos tener claras varias cosas. En primer lugar, si conocemos un poco el estudio, sabremos que el juego es obligatoriamente cooperativo bien a través de la modalidad online o bien local, pero siempre debemos jugarlo siendo dos. 

Esto hace que el juego resulte realmente divertido y curioso pues si bien iremos la mayor parte del tiempo por nuestro lado, en ocasiones debemos cooperar de manera directa llevando a cabo acciones simultáneamente para seguir avanzando.

En segundo lugar, un juego así puede parecer que no de mucho juego, pero ya hicieron una maravilla con A way out y esta vez no iba a ser diferente. El juego es básicamente un juego de plataformeo y puzles con tintes de aventura gráfica, aunque no en el término estricto del género.

No obstante, le han dado tanta variedad a los niveles que no resulta repetitivo en ningún momento. En cada fase nos ofrecen alguna “habilidad” nueva con la que nos divertiremos a la vez que avanzamos.

Y en tercer lugar, es un juego sencillo, pero que nos hace exprimirnos en ciertas ocasiones el cerebro para seguir avanzando. Y, aunque no tenemos coleccionables, el juego esconde gran cantidad de minijuegos y cosas con las que interactuar que nos entretendrán un buen rato.

Avanzar hacia el amor

Como ya he dicho, la idea principal es conseguir la reconciliación de la pareja y para ello debemos superar de manera conjunta una serie de retos.

Con esto en mente y con el tipo de juego en el que estamos, creo que huelga decir que el juego será lineal y no extremadamente largo, aunque más de lo habitual. La duración ronda las 10-12 horas lo cual es realmente gratificante ya que han conseguido que les cojamos cariño a los personajes dado que van desarrollando su relación según avanzamos y realmente entendemos a la pareja cuando llegamos al final.

A esto le sumamos la variedad de escenarios y dinámicas y lo conseguido que está el manejo de los personajes y tenemos un juego excelente. Algo que siempre delimita el juego en este género es la cámara y su deficiente movilidad, pero en este caso no podemos aplicar eso pues la cámara se adapta perfectamente a nuestra posición y nos permite moverla libremente a nuestro antojo.

En lo referido a la jugabilidad, por tanto, creo que han conseguido un acabado final perfecto fluido y sencillo. 

Bonito por dentro y por fuera

El juego presenta una estética animada que recuerda a cualquier dibujo animado que conozcamos. El apartado artístico y sonoro también es increíble y está cuidado al detalle. La iluminación, las texturas, las animaciones (hasta las más insignificantes) y cada mínimo detalle del entorno está mimado y consigue generar un halo de cuento muy llamativo.

Si bien este apartado está realmente conseguido al igual que la jugabilidad y la variedad, la historia, aunque pueda parecer mucho más profunda, no consigue calar hondo. Es cierto que es una historia profunda, con un gran desarrollo y que toca temas cotidianos, pero a mi parecer hay poca historia tras cada nivel y toda nuestra atención se desvía a resolver dicho nivel por lo que terminamos perdiendo el hilo de la relación.

Conclusión

It takes two nos ofrece una historia llamativa y diferente de la mano de un modelo de juego al que no estamos acostumbrados, pero que realmente resulta en una experiencia divertidísima pues es una fórmula que desarrollan de manera perfecta y anima no solo a la cooperación sino también a la competición con el otro jugador.

Como punto negativo destaca que, si bien hay mucha variedad en los niveles, no terminan de desarrollarla al límite y que, cuando le hemos cogido el gusto, nos vemos obligados a adoptar una nueva dinámica.

A pesar de eso, It takes two sigue siendo una obra magnífica que solo puedo recomendar al igual que A way out.

Calificación 9/10

Reseña: El reñidero

Por Sebastián Arismendi

Olor a sangre

Hace un siglo atrás la sociedad era más violenta de lo que es hoy, se regia la norma del más fuerte o el más guapo, por lo que la ley y autoridad se ausentaban en los duelos por poder y hombría. No podemos imaginarnos con exactitud cómo debía ser vivir en Buenos Aires de 1905, especialmente en Palermo, que en su momento no era un barrio lleno de pubs y boliches cómo lo es hoy, sino un lugar marginal y peligroso.


Sergio de Cecco en 1962 trajo la aclamada obra El reñidero, esta a su vez es la interpretación criolla porteña y post colonial de la tragedia de Griega de Electra de Sófocles y el clásico de Shakespeare Hamlet. Sus personajes están encerrados en un reñidero, una pelea de gallos sangrienta para ver quién tiene más poder. Sacando sus deseos impuros y vengativos.
El baño de sangre ya estaba desde hace tiempo y no es hasta el asesinato de Pancho Morales, uno de los hombres más respetados de Palermo que comienza. Su hija Helena, siente deseos por su padre y celos de su madre, su hermano Orestes debe vengar la muerte de su padre o dejarse influenciar por su madre.
Antonio Leiva nos trae esta maravillosa adaptación, su magistral dirección en el emblemático teatro Empire, todo esto con un alto elenco comprometido para recrear esta tragedia porteña de inicio de siglo: Yamila Gallion, Javier Salas, Tamara Cynthia Paganini, Omar Ponti, Juan Pablo Rebuffi, Hermes Molaro, Juan Carlos Uccello, Rocio Belén Moragues y un coro interpretado por Rocío Belén Moragues, Érica Ruiz, Enzo Abel Dupre Cristian Emmanuel Frenczel. Además de las potentes actuaciones, otro factor destacado es la impecable escenografía que aboca dos escenarios entre sí: el velorio y el reñidero dónde fungen todas las desgracias.


Hay una enorme carga de lunfardo de inicio de siglo pasado, así como referencias a obras literarias de Marechal, puede que sea una obra compleja y pesada para quien quiera ver una opción divertida de teatro sabatino, pero sin dudas el despliegue actoral y de dirección hace que valga la pena, nos adentra dentro de un clásico argentino y a su vez si nos gusta, podamos indagar más en el teatro griego y otras obras clásicas si no tenemos mucho conocimiento de ellas.


El reñidero está disponible todos los sábados de abril a las 21 horas en fabuloso teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934) en la zona de congreso.

Reseña: DOS/Un elogio escénico para el amor

Por Sebastián Arismendi

¿Qué es el amor?

La pregunta que todo filósofo, poeta o artista se hace. Responderla sería hacernos más preguntas y creo que la respuesta al sentimiento más profundo que siente el humano ademas del odio, nos llevaría al punto de inicio. Dos “Un elogio escénico para el amor”, es una obra escrita y actuada por Diego Starosta y dirigida por Sebastián Ricci, un monólogo que se presenta en el acogedor teatro Payró en la zona de retiro.


Starosta nos regala una frenética y apasionada interpretación o más bien dos, acá realiza dos personajes, una especie de maestro y su pupilo, el primero quiere desarrollar un proyecto para darnos la respuesta del amor y el segundo lo ayuda pero también pone en duda sus planteamientos. El autor pone el cuerpo y la voz para ambos caracteres, luego vendrá una lluvia de pensamientos filosóficos sostenidos e una sola base: Explicar el concepto del amor, todo según según la visión del filósofo francés Alain Badiou.
Starosta explora el significado del amor según la política, la religión, la ciencia, la poesía y el arte, siendo el último el peso principal, ¿Amor al arte?, ¿El arte es una expresión de amor?


Mediante mimicas, desmontaje del escenario, piruetas y debates se da un monólogo rico en ideas pero que también nos hace replantear nuestra idea del amor y el arte. Es una buena propuesta de teatro under para disfrutar los viernes a las 21 horas en el teatro Payró (San Martin 766)

Análisis: In Rays of the Light para PS4

Por Maximiliano Daniel Perez

Inmersión, exploración, terror y soledad hacen que este corto y sencillo pero atrapante juego sea una aventura más que interesante. Veamos en mayor detalle que nos depara esta aventura creada por Noskov Sergey.

In Rays of the Light puede ser un juego corto y solamente con dos finales alternativos, quitando de la formula cualquier tipo de rejugabilidad, pero aun así logra dejarnos satisfechos con poco, ya que lo poco que tiene, lo entrega de forma inspirada y excelente. La inmersión que logra este juego pocos lo tienen, los sonidos, la ambientación, los efectos, la música, todo esta perfectamente equilibrado para transmitirnos una variedad de sensaciones y sentimientos que en las dos horas de juego que nos ofrece hacen que nuestro ritmo cardiaco suba y baje como una montaña rusa.

El juego es en efecto, extremadamente corto, y vale recalcarlo, así como también el apartado de jugabilidad, movimientos básicos, interacción con objetos limitada a un par de ítems y notas, y poca cosa más. A pesar de esto, desde el momento en que empezamos el juego hasta terminarlo solo nos vamos a topar con incertidumbre y sorpresas, conociendo muy de a poco que fue lo que sucedió en este mundo desolado y en ruinas. La temática es simple, explorar, interactuar con todo lo que este a tu alcance y avanzar, al principio de forma algo desorientada y luego de manera bastante mas lineal. Nos vamos a topar con un par de rompecabezas o puzles que no van a ser difíciles si estamos prestando atención y poca cosa más.

Donde si se lleva todos los aplausos es en la atmosfera que nos otorga este título. Desde el apartado visual como el auditivo (les recomiendo MUCHISIMO que utilicen unos buenos auriculares y traten de jugarlo de noche y con una luz muy tenue) este juego es impresionante. Los detalles gráficos mezclados con los sonidos ambientales y la musicalización del juego hacen que de a momentos se nos ponga la piel de gallina, y les prometo que en una parte van a sentir un terror como pocos juegos pueden lograrlo. A medida que avancemos en nuestra aventura, el juego se torna de a poco en una aventura con un tinte relajado a un juego prácticamente de terror psicológico sin perder esa primera sensación de exploración. Y es que de esto se trata In Rays of the Light, darnos sensaciones mediante una temática simple pero contundente, entregando un mensaje de un autor casi a nivel literario, de una forma muy interesante y memorable. Si bien en la PS4 el juego es disfrutable y gráficamente se lo ve bien, es muy recomendable jugarlo en las nuevas consolas o en una PC, para que la experiencia sea realmente completa. 

In Rays of the Light es una breve pero necesaria bocanada de frescura en un mercado bastante saturado de videojuegos frenéticos y carentes de sentido o que no transmiten ningún mensaje, este lo hace, de una manera muy interesante, sumergiéndonos en un espectacular ambiente repleto de recursos visuales y auditivos. A pesar de lo impresionante que resulta la experiencia, la falta de contenido hacen que sea un punto a considerar a la hora de recomendarlo. Sin embargo, y a mi criterio, es sumamente recomendable. Una ultima aclaración, In Rays of the Light es un Remake para las nuevas generaciones del juego The Light, el cual tuvo su versión Remake para PC el año pasado y pueden encontrarlo en Steam como The Light Remake a un precio muy accesible.

Calificación 8/10

Análisis: Danger Scavenger para Nintendo Switch

Por Castor Troy

Copiar por copiar. Esas son mis sensaciones después de jugar a este videojuego del estudio Star Drifter (fundado en 2014). Nos encontramos ante un juego que peca de bastantes fallos y tiene algunas virtudes destacables.

La historia nos sitúa en un futuro distópico donde las grandes corporaciones dominan el mundo y una temible IA llamada A.I.O.N.E ha hecho que los robots se rebelen ante la raza humana. Ante esta situación existe un grupo llamado Scavengers que va a plantarles cara. Podremos elegir entre cuatro posibles personajes (Rhino, Captain J., Professor y Hun-73R)  que, a su vez, tendrán un árbol de habilidades e inventario que podremos ir mejorando según vayamos avanzando.

Nos encontramos ante un título del género “roguelike” con una estructura de niveles aleatoria de tal forma que debemos movernos por un complejo de rascacielos dividido en diferentes plantas. Según avancemos podremos elegir entre varias rutas posibles (en base al ascensor que cojamos) donde debemos tener en cuenta que el nivel de dificultad también variará.

Si nos consideramos unos verdaderos expertos en este subgénero os recomiendo ir por la ruta más rápida (aunque más difícil) puesto que las recompensas merecen la pena y podrás avanzar más rápido al personaje que si optamos por elegir la ruta tradicional.

El avance en las diferentes plantas está claramente diferenciado en tres partes. Las primeras plantas son bastantes sencillas con pocos enemigos y algunas cajas de objetos. Los niveles intermedios contienen partes de hackeo donde debes piratear los servidores de la corporación A.I.O.N.E. a la vez que despacháis a un número más elevado de enemigos. Y por último nos encontramos con los niveles élite que cuentan con zonas más amplias con mayor número de enemigos y generalmente incorporan uno o más minibosses.

Respecto a los jefes finales nos encontramos que no son excesivamente difíciles. Cuentan con dos rutinas de ataque y, como bien sabréis en este tipo de juegos, muchas veces conseguiréis vencerles por repetición de muertes.

El apartado gráfico cumple sin más puesto que los diferentes niveles son muy similares y no tienen muchos detalles ni objetos que los hagan visualmente impactantes.

A nivel jugable resulta fácil de jugar con una respuesta correcta de los controles y con ciertas rutinas (rodar, hacerte invisible, añadir unas sierras que te rodean para golpear enemigos, etc) que hacen bastante divertido jugarlo.

El apartado sonoro cumple su función con una música sencilla y bastante efectista sobre todo cuando nos referimos a los enfrentamientos con los jefes finales.

En conclusión, puedo decir que nos encontramos ante un videojuego más que se sube a la moda de los “roguelikes” pero que no perdurará en la retina de los más viejos del lugar.

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Os quiero 3000😊

Calificación: 5/10

Crítica: Nomadland

Por Candela Otero

Una película al estilo “road movie”, que cuenta la historia de una mujer de sesenta años que, luego de perder a su marido y ante la falta de oportunidades que plantea la sociedad estadounidense, se encuentra en una delicada situación económica.

Un poco por obligación y un poco por voluntad propia, el personaje de Fern, encarnado por Frances McDormand, se convierte en una “houseless” (en español significa “sin casa”, como ella misma se define). Actualmente vive en una casa rodante, e ingresa en una comunidad “nómade”, en la cual conoce personas de su edad que viven sobre las cuatro ruedas: todos víctimas de la falta de oportunidades, las bajas pensiones y el alto costo de vida del país; y con ganas de rendir homenaje a la libertad y al goce de la vida.

Este viaje por la carretera que emprende la protagonista, implica, como en toda buena road movie, cierta búsqueda humana (consciente o no) de los personajes, y una transformación que muchas veces deja en evidencia los cambios que han experimentado hacia el final de la historia con respecto a quiénes eran al comienzo: característica que podemos observar tanto en la protagonista, como en los personajes secundarios.

Focalizando en el plano actoral, Frances McDormand realiza un trabajo para destacar y logra conmover con su lenguaje gestual, cuyo papel parece haber sido escrito especialmente para ella. Otra particularidad del film es que, entre los papeles secundarios, encontramos personas que no son actores, sino que se interpretan a sí mismos como miembros de la comunidad nómade (tal es el caso del “líder”, o mejor dicho el “impulsor” de la comunidad, llamado Bob). Estas incorporaciones parecen muy acertadas, ya que aportan frescura, vida y emoción al relato.

Nomadland es una película que, en cuanto a la puesta en escena, apela a escenarios e iluminación naturales: la mayor parte de las escenas se lleva a cabo en los paisajes montañosos y rocosos que rodean a la carretera. La fotografía se destaca, sacando provecho de los momentos lumínicos “mágicos” que proporcionan el amanecer y el atardecer. A su vez, la música instrumental en “off” tiene una importancia vital y trabaja muy bien en conjunto con lo visual: en numerosas ocasiones se apela a piezas sonoras que aportan muchísima emotividad a las imágenes.

En el plano narrativo, la historia parece estancarse y por momentos se vuelve repetitiva, está claro que es una película más cerca de las emociones que de las acciones.


Calificación: 6/10

Análisis: Crash Bandicoot 4 It’s About Time para PC

Daniel Alvarez

Desarrollador: Toys for Bob
Editor: Activision
Plataformas: PC (Battle.net).
Estilo de juego: Plataformas 3D de Aventura y Ciencia Ficción.

Uno de los personajes más icónicos del mundo de los videojuegos regresa en su cuarta entrega con toda la nostalgia y calidad que siempre lo caracterizó.

Análisis del juego

Crash bandicoot 4 demuestra que el paso del tiempo no lo ha afectado en lo más mínimo, aún no siendo desarrollado por Nughty Dog (responsable de su trilogía original). Su calidad como plataformero en 3D y su estilo único a la hora de esquematizar niveles que exprimen todo el potencial de las mecánicas y la diversidad temática en los aspectos visuales, hacen de esta entrega un perfecto complemento al ya exitoso remake “N. Sane trilogy”.

Nuevas máscaras en una historia vieja

La premisa del juego es tan simple como todas sus predecesoras; los enemigos de Crash, N. Trophy y Neo Cortex trabajan para dominar el mundo y utilizando todo el poder de la máscara flotante “Uka Uka” abren portales interdimensionales que generan grietas peligrosas (ahora) para el multiiverso; así es que nuestro Bandicoot favorito y su hermana Coco serán los encargados de salvar el día junto a Aku Aku y (las nuevas máscaras cuánticas que se irán incorporando a medida que avancemos niveles) Lani-Loli, Akano, Kupuna-Wa e Ika-Ika; cada una con un poder diferente que nos ayudará a sortear cada obstáculo que encontremos en nuestra alocada aventura. 

Más mecánicas, mismo desafío.

Crash 4 sigue demostrando que, aunque en un comienzo parece un plataformero sencillo, la dificultad de los niveles avanzará con gran velocidad. A los clásicos movimientos de doble salto, giro y barrida se le sumaran las habilidades de las ya mencionadas “máscaras cuánticas” (hacer transparentes o solidos diferentes objetos del nivel; potenciar nuestro giro para hacerlo más poderoso e incluso “flotar” y “deflectar ataques” con el mismo; ralentizar el tiempo; y cambiar la gravedad).

También tendremos la oportunidad de jugar niveles alternativos con 3 personajes diferentes de la saga: Dingodile, Neo Cortex y (una versión alterna de) Tawna; cada uno con habilidades y características diferentes que enriquecerán la historia y los desafíos por sortear.

Una vez completado, cada nivel invitará a rejugarlo en un modo invertido que espejara todo el mapeado y cambiará de manera artística las visuales del mismo (el conseguir los diamantes que otorgan los niveles nos permitirá desbloquear skins bellos y variados para nuestros dos protagonistas).

Ya era tiempo de tener un juego de consolas con un buen port a PC

Considerando que su salida inicialmente fue para la consola Playstation 4, era de temer que el port de este juego para PC tuviera fallos como tantos otro, pero en las más de 6 horas que he dedicado a pasar todos los niveles del modo historia más gran cantidad de misiones paralelas y “modos invertidos” no he notado problema alguno con una PC que satisface los requisitos mínimos.

Conclusión

Crash Bandicoot 4 : It’s about time es un Crash con todas las letras y que aporta los cambios justos y necesarios para integrarse a la saga y captar nuevos jugadores que nunca probaron la franquicia con un excelente port a PC sin muchas exigencias para disfrutarlo en gran calidad.

Calificación: 9/10

Análisis: Hellbound para PC

Por Gabriel Farisello

Desarrollador: Saibot Studios
Editor: Nimble Giant Entertainment
Plataformas: PC (steam).
Estilo de juego: FPS de Acción.

Las puertas infernales de los 90’s se abren a través del homenaje que nos traen dos estudios Argentinos.

Análisis del juego

Hellbound propone (sin ninguna intención de usurpar un lugar histórico) regocijar de unas breves, pero intensas horas a los absolutamente nostálgicos de aquellos FPS (juegos de disparos en primera persona) frenéticos que se apoderaron de los Cibers y PCs hogareñas por los años 90 como DOOM, Quake, Serious Sam o Duke Nukem 3D.

Esta historia la vi en otro infierno

La premisa del juego es simple y concisa, los humanos reviven a Hellgore un ser grotesco de gran porte y con una misión clara, exterminar a los seres que aniquilaron a su especie de la forma más brutal posible. Por ello los humanos lo envía a su devastado planeta infestado de demonios, en donde deberá destruir los pilares antiguos en el núcleo del planeta para detener la invasión de los mismo y satisfacer su sed de venganza. 

Una mecánica clásica que se sigue manteniendo a través de los portales interdimencionales demoníacos.

El juego, como todo FPS manda, se disfruta más con teclado y mouse. Como es de suponerse no será necesario recargar las armas (recarga automática) y la munición, escudos y vida se acumularán al pasar sobre los ítems correspondientes. 

Este infierno se quedó sin ideas originales pero con resoluciones aceptables

El juego consta con 8 niveles correctamente estructurados con algunos rompecabezas de fácil resolución y que apuestan constantemente a las hordas incesantes de enemigos para mantenernos en movimiento. Para luchar contra estos horrendos seres contaremos con 5 armas (rifle de asalto, escopeta, garrote, ametralladora y lanza cohetes) y con ellas nos abriremos paso hacia el único jefe final del juego en un promedio de 2 a 4 horas dependiendo de la intención del jugador por descubrir o no los secretos en cada zona y el nivel de dificultad que elija (noob, normal, old school, hellmare!). También contaremos con un modo de supervivencia para cada nivel (este modo se puede descargar de forma gratuita en la plataforma steam).

El diseño de los personajes es genérico y remite demasiado a sus predecesores, viéndose así como un “clon” que no aporta detalles interesantes y queda con las etiquetas de “Héroe musculoso de acción brutal” (que no escatima en la cantidad de “frases hechas” conocidas como “One-liners” en un tono cómico a lo Serious Sam); “Demonio enemigo genérico”; “Humanoide demonio con variante de arma genérica”. 
La estética de los niveles en general es correcta y acorde al género.

En breves ocasiones experimenté varios “bugs” visuales y uno en particular que me obligó a reiniciar toda una sección para poder avanzar.

Otro detalle nostálgico es la representación del rostro de nuestro personaje que se irá deteriorando a medida que sufrimos daño.

El aporte de David Levill y Christian Adagio en la banda sonora es destacado y nos da la inmersión necesaria para conectar con ese estilo metalero noventoso.  

Conclusión

Hellbound es un juego que logra verse como un sentido homenaje y algunos nostálgicos puedan disfrutar, pero que a su vez esto le juega en contra por no presentar ideas originales propias y algunos fallos de rendimiento a corregir.

Calificación: 6/10