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Sicario es el término utilizado mayormente en latinoamérica para referirse al servicio de contratar a alguien para que realice un asesinato en tu nombre,en inglés se les dicen Hitman, para los mas refinados »asesinos a sueldo», el fin es el mismo: El dinero cura la culpa de matar.
El montaplatos, también traducida como El montacargas, es una obra de teatro en un acto del dramaturgo británico Harold Pinter, escrita en 1957. Rafael Spregelburd es el encargado de traducir y adaptar esta obra dirigida por Alejandro Vizzotti, donde esta vez los sicarios, serán sicarias.
»Dos asesinas a sueldo aguardan en un sótano la orden para realizar su trabajo. La espera y el encierro se vuelven agobiantes y pequeños sucesos triviales empiezan a resultar sospechosos. Mediante un montaplatos, bajan pedidos de comida extravagantes ¡y ellas ni siquiera pueden tomar una taza de té! Es el momento de entrar en acción y una de las asesinas ocupa un lugar inesperado». Es la sinopsis de la obra de Vizzotti.
Las actrices Claudia Mac Auliffe y Sonia Novello interpretan a estas dos sicarias que esperan órdenes y mientras lo hacen, las pésimas condiciones del lugar abrirán las tensiones, al ver el montaplatos ir y venir y no poder comer nada, más bien recibir acertijos y órdenes de comida elegante que jamás reciben. La falta de comunicación será el contra de esta obra, que si bien conjuga con el humor para romper con el hielo, es el final que justifica los medios.
La escenografía de Ariel Vaccaro es estupenda, el hecho de recrear una habitación lúgubre y austera donde este montaplatos cobra toda la atención, ese diseño del elevador de comida la hace destacable (además de un buen efecto sonoro a cargo de Rafael Sucheras lo cual hace pensar que si hay un montaplatos en la sala)
El cambio de género que se le da a esta obra da una perspectiva interesante, pues poco se conoce si hay mujeres que realizan este »trabajo» ya que como es sabido, está controlado por hombres de sangre fría.
El matar no tiene género y eso se conoce, Vizzotti nos regala una hora de deleite marcada de trivias, ironías, incertidumbre por montón y dos actrices estupendas en el rol de dos sicarias que intentan cumplir una misión de forma poco eficiente.
El montaplatos está disponible los domingos a las 19 horas en el Teatro el Extranjero (Valentín Gómez 3378)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
El realismo mágico es sinónimo de tradición latinoamericana, el hecho de darle magia, fantasía y misterio a la forma de contar nuestros relatos, hace de nuestra región rica y vasta en artes literarias, todo ello gracias al profundo proceso de mestizaje que está aún con nosotros.
No he ido a Santiago del Estero pero conozco su chacarera y sus mitos, Eugenio Soto nos trae un pedacito de Santiago desde lo trágico, lo escatológico, lo mágico y lo personal.
»Un rancho pobre en el calor de Santiago del Estero. Allí, el hijo (Santiago) cava la tumba de su madre. Cosas raras suceden en Santiago, los muertos siguen hablando y se van silenciando despacio. Doña Rosa Quiroga acusa a su hijo de haberla asesinado y en consecuencia se niega a ser sepultada. Trama su venganza. Llegan los hermanos Carón, enviados de la muerte que deben llevarse su alma. Se esperan las vísperas para cumplir el ritual del entierro. El tiempo pasa, noche, alba, mediodía, siesta, vísperas. Corren así las horas y la muerta sigue allí clamando justicia. Aferrándose a la vida y a las trampas para poder seguir». Así describe Soto a la obra que dirige y escribe, exhibida en el Teatro del Pueblo.
Pedro León Alonso, Paula Baigorri, Lucas Delgado, Darío Pianelli, Bianca Vilouta Rando son los actores que darán vida a estos personajes que estarán luchando y cantando entre la vida y la muerte.
Lo primero que hay que destacar de La Noche Oscura es su valentía para tomar riesgos teatrales rompiendo la cuarta pared desde el inicio, uniendo al público haciéndolo cantar, bailar incluso incitándole a comer empanadas, estos detalles la hacen única, además el hecho de aligerar la trama con humor ya que no queremos ponernos tensos al ver una obra sobre un matricidio pero esto no nos desconecta de la misma, más bien nos hacer ser parte de ella, impactarnos y también preocuparnos.
Los números musicales le dan energía a la obra todo esto gracias a Pedro León y Alonso Paula Baigorri, quienes interpretan a los hermanos muerte, cuya función de llevarse a las ánimas en pena no es tan eficiente que digamos, pero si nos dejarán cantando las chacareras y zambas que interpretan.
La obra de Soto posee una estructura shakesperiana tanto en sus diálogos como en la historia en si, solo se añade regionalismo santiagueño, humor y chacarera para hacer de La Noche Oscura un espectáculo ameno para una noche de sábado.
La Noche Oscura está disponible los sábados a las 19 horas en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636) Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
“El verdadero viaje está en los amigos que hacemos por el camino.”
Catorce años después de su debut original, el equipo de h.a.n.d. trae a las consolas actuales la segunda parte de la afamada saga “The World Ends with You”, un título que marcó una generación de consolas portátiles muy queridas, como fue la Nintendo DS.
Si bien no se podía esperar menos de un producto diseñado por una compañía con tanto recorrido e influencia como es Square Enix y un equipo dirigido por Tetsuya Nomura, The World Ends with You fue un éxito de ventas, principalmente en Japón y Norteamérica.
Tras una larga espera, el 27 de julio de 2021, salió al mercado la secuela con título homónimo, NEO: The World Ends with You, inicialmente para Ps4 y Nintendo Switch.
En este título, se narran las aventuras de un nuevo grupo de personajes, que de igual manera que en las anteriores, se ven atrapados en el inframundo, o I.M. un reino entre la vida y la muerte el cual está controlado por los segadores y se rige por las reglas de su juego. El ganador de este puede pedir lo que quiera, incluso, volver a la vida. Pero obtener este premio no es cosa fácil, y hace falta mucho más que un peinado moderno y una personalidad electrizante.
Y es que uno de los principales puntos fuertes del título es su estética. De igual manera que ocurre con la primera parte, todo el apartado audiovisual del videojuego está basado en el manga y el anime oriental, presentando personajes muy estilizados con estilos nada comunes. Si bien el gameplay sucede en un entorno 3D, las conversaciones, animaciones y secuencias en las que avanza la historia emulan el estar leyendo un manga, en el que pasas de viñeta a viñeta y, es algo que el juego hace muy bien.
Esta secuela cuenta con los artistas que trabajaron en la primera, con un estilo todavía más pulido tras catorce años de trabajos intermedios. Si disfrutaste el pasear por las calles de Shibuya en 2007, en esta segunda parte vas a disfrutarlo todavía más, ya que el título aprovecha la potencia de la Nintendo Switch para mostrar un escenario mucho más detallado y bonito. Si bien de forma general, la consola es capaz de mover estos escenarios sin mucho esfuerzo, en momentos con exceso de partículas y efectos, es notable una ralentización momentánea del juego, que no llega a ser una molestia excesiva ni impide el disfrute del título.
Para ganar el macabro juego de los segadores, tendremos que superar una misión diferente cada día. Estas incluyen dos mecánicas distintas: explorar y combatir. Tendremos que explorar el barrio de Shibuya para encontrar los secretos que los directores del juego esconden, como en una yincana. Pero este inframundo no está libre de peligros, por lo que tendremos que enfrentarnos a una generosa cantidad de monstruos, conocidos como ruidos. Para ello utilizaremos los poderes que nos otorgan unos pines especiales que iremos encontrando conforme avancemos, una mecánica ya utilizada en la primera parte.
El equipo de Square Enix ha querido trasladar aquel sistema de combate, que utilizaba de forma muy original las dos pantallas de la Nintendo DS, a uno que mantenga el mismo estilo, pero en una sola pantalla. Si en la primera parte contábamos con dos personajes que peleaban a la vez, en esta podremos controlar hasta a 4, utilizando los distintos botones del mando para utilizar en cada uno un tipo diferente de pin. Dando lugar con esto a una elevada personalización de las habilidades de combate. En un primer encuentro con el título, este combate es algo confuso, provocando que podamos recibir muchos golpes de forma involuntaria y resultando poco satisfactorio, pero conforme comienzas a entender los tempos de los enemigos, y como combinar tus habilidades de una forma óptima, ese caos inicial se convierte en un sistema muy original para patear a tus enemigos.
Además, en caso de verte abrumado, o aburrido por su sencillez, es posible cambiar la dificultad de los combates en cualquier momento. Siendo que, a mayor dificultad, mayor será el botín que obtengamos.
Al superar un combate, obtendremos experiencia para nuestro grupo, y también para los pines que hayamos utilizado en ese combate, los cuales aumentarán su poder al subir de nivel, y en ocasiones, evolucionarán a formas más poderosas.
En cuanto a la narrativa, de igual forma que en la primera parte, el título destaca por presentar una historia sorprendente y original, pudiendo recordar a títulos como Kingdom Hearts en cuanto a las relaciones personales entre los distintos personajes, arco fundamental de la evolución del relato. A lo largo de nuestra hégira conoceremos a sujetos muy particulares, con misteriosos trasfondos. Las relaciones entre estos distintos personajes se irán forjando conforme pasen los días, convirtiendo algunos en aliados fundamentales y a otros en gigantescos adversarios.
Y, ante todo, está Shibuya. Este famoso barrio es el terreno de juego. A lo largo de los días patearemos una y otra vez las diferentes calles que lo componen y veremos reproducidos los elementos que hacen destacar esta zona de Tokio en todo el mundo. Al principio, desplazarse por la zona puede ser confuso, ya que está conformada por muchas calles conectadas entre sí por múltiples días, pero con el paso del tiempo terminarás formando parte de este barrio al igual que el resto de sus habitantes. Atravesar estas calles, cuando empiezas a reconocer cada una de las zonas y sentirlas más cercanas, es una experiencia recomendable para todo el mundo, y el título premia a aquel que las explore de cabo a rabo, con pequeñas misiones secundarias que permitirán que desbloqueemos nuevas habilidades pasivas que nos otorgarán mejoras en el juego.
En conclusión, NEO: The World Ends with You es la secuela que merece el título original. Si hace catorce años, disfrutaste de las aventuras de Neku, ten por seguro que vas a pasarlo igual de bien en esta ocasión. Hay que tener en cuenta que es un título que se centra en la narración, por lo que, si esperas una aventura con grandes dosis de acción, más allá de los combates, no encontrarás lo que buscas. En caso contrario, preparáte, porque el juego, empieza de nuevo.
Desde La Butaca Web, agradecemos a Square Enix por proporcionarnos una copia del título para su análisis.
La película se adentra en lo mas abyecto del mundo televisivo retratando la historia de Marcela Robledo (Florencia Peña) una panelista televisiva en decadencia que de repente se entera la noticia que podría catapultarla al éxito. La película cuenta con un variete de estrellas argentinas como Flavio Posca haciendo del narcisista conductor televisivo Chiqui Marconi, Soledad Silveyra como la cabecilla del canal en donde se desarrolla la historia, Diego Reinhold en el rol del rival de Chiqui, Ricardo Tobledo y un Campi que se luce en drama como un periodista y abogado mas vivo que todos los demás juntos. Jose Luis Giogia, Diego Muñoz y, en forma de cameo, Diego Ramos completan el reparto.
La idea de hacer una comedia de humor negro en el infame mundo televisivo nacional suena como una genialidad, y mas para gente como yo que se deleita de morbo viendo como en los medios se disfraza inmoralidad de moralidad y como temas banales son tratados con una seriedad que termina comprando al televidente, y hasta por momentos la película exprime conceptos que quedan piolas en una historia que tiene como contexto este mundo. Lamentablemente le falto pulir algunos detalles y muchos de los chistes buenos se quedan a mitad de camino por querer tomar un rumbo mas serio del que estaban planteandonos.
Las actuaciones son mas que aceptables, lo que deja en claro que el laburo de dirección esta aprobado. Florencia Peña está hermosa y su tipo de laburo encaja perfecto con el personaje, lo mismo el resto. Flavio Posca no suele gustarme pero acá pasa lo mismo que con Florencia, el personaje le queda genial. Soledad Silveyra le pone garra y despliega carisma al punto de hacer su latiguillo algo pegadizo y no forzado. Aunque el que brillo a mí parecer fue Campi, realmente espero que su carrera actoral evoluciones de acá en adelante y le brinden desafíos mas copados … Ultimamente escribo cosas que jamás pensé que iba a escribir, pero bueno, mejor.
El problema que tengo es mas con respecto al tono, se vuelven muy solemnes en base a la trama central, dejando de lado la comedia para meterse en el thriller. Ambos aspectos de la película, tanto el humor como la tensión, estan bien hechos en forma individual pero entrelazados hacen que la película se torne inestable y se pierdan detalles. Ademas hay algunas subtramas que pudieron haber terminado con mejores remates. Por otro lado el final oscuro de la historia me pareció fresco y distinto a lo que se vió, no entrare en detalles pero probablemente al espectador promedio lo deje medio desubicado acostumbrados al tipo de finales que esperan de una película con éste reparto de comediantes.
¿La recomiendo? Sí. Es divertida, tiene enganche y buenas actuaciones … Pero con un concepto como este se pudo haber hecho algo mas jugado y crítico con respecto a un mundo muy jugoso para pinchar.
En 2005 se estrena la épica película de Peter Jackson »King Kong», una enésima adaptación del legendario monstruo pero esta vez con un enfoque distinto: La humanización. Si bien el filme de tres horas no logra encantar a todos, hay algo interesante acá y es la representación del cuento de La Bella y Bestia.
La autora del ensayo »Teoría King Kong» (Libro publicado en 2006 por Virgine Despentes), analiza mediante metáforas y teorías feministas la película de Peter Jackson »En esta película, King Kong se convierte en una metáfora de la sexualidad antes de la separación de los géneros impuesta políticamente a finales del siglo XIX. King Kong está más allá del hombre y más allá de la mujer. Está enganchado en el vínculo entre el hombre y la bestia, adulto y niño, bueno y malo, primitivo y civilizado, blanco y negro. Es híbrido, antes de la imposición del binario. La isla en la película se convierte en el potencial de una sexualidad polimórfica ultra poderosa. Justo lo que el cine desea capturar, mostrar, distorsionar y, al final, destruir». Despentes en su ensayo abarca temas aún polémicos dentro del feminismo conservador clásico, la necesidad de hablar sobre el sexo, la masturbación, las violaciones, el poder, la prostitución y la pornografía como herramientas de empoderamiento femenino.
El Teatro Cervantes tiene el honor de adaptar La Teoría King Kong en cuatro monologos ensayo representados en cuatro episodios: Porno brujas, Imposible violar a esta mujer llena de vicios, durmiendo con el enemigo y Chica King Kong del cual haremos reseña. Dirigida por Mariana Obersztern, protagonizada por Muriel Santa Ana y adaptado por Alejandro Maci. Un escenario hecho añicos, como si King Kong hubiera roto las cadenas y escapase a destruir la ciudad y rescatar a la bella, en este caso es Muriel Santa Ana quien aparece luego de la destrucción, ¿Fue ella la Chica King Kong?
Con un tono pausado comienza a expandir la metáfora de King Kong y su bestia, para luego subirlo para hablar sobre el empoderamiento femenino según aquellas mujeres que no encajan dentro del modelo impuesto por la sociedad, a su vez establece que ya revolución femenina ya pasó, ahora es turno de los hombres que inicien su emancipación y se liberen de los patrones impuestos por el machismo y patriarcado. Santa Ana da un perfomance lleno de fuerza y agilidad para mantener un discurso con ligeras pausas pero con constancia, dramatiza este ensayo donde deja al espectador interpelado con temas aún polémicos dentro de la sociedad actual, temas que nos llenan de pudor y que la obra de Despentes viene a liberar con la furia de King Kong. Al salir de la sala los espectadores tendrán un caluroso debate sobre los temas que el ensayo deja sobre butacas.
Chica King Kong fue presentada los jueves a las 20 horas en el Teatro Cervantes. Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Confieso que desconocía la leyenda del Lobisón hasta que vi esta obra. En el Paraguay, sur de Brasil y norte argentino existe la creencia de que el séptimo hijo varón, al llegar a la adolescencia, se transforma en Lobisón (el equivalente al Hombre Lobo europeo).
Es un ejercicio interesante cuando el teatro juega con las leyendas tradicionales y las representa en un entorno poético e interpretativo, este el caso de Voraz y Melancólico de Toto Castiñeiras.
»Una obra atravesada por el mito del hombre lobo y la mujer lobo. Voraz es la historia de una posible historia de amor. Un amor que trae consigo un apetito que pareciera no saciarse con nada. Es una historia de amor trunca, que de tan trunca podríamos sospechar, no es tal, no existe.» Así describe Castiñeiras esta obra que dirige y escribe.
Santiago Garcia Ibañez, Rey Micaela, Ignacio Torres son los encargados de interpretar a estos personajes envueltos en juegos de peña, inocencia, voracidad, romance y poesía.
El guión de Castiñeiras permite jugar con una hermosa prosa en primera persona que irán conjugando con una coreografía frenética de folclore, acompañados por música en vivo interpretado por Santiago Garcia Ibañez, todo esto para ofrecernos una historia de amor impulsiva pero genuina, marcada por una leyenda que definirá el destino de los personajes. La escenografía es sencilla pero hermosa, Gonzalo Cordoba Estevez es el encargado de crear esta tarima muy bien cuidada y llena de detalles.
Voraz y melancólico se vuelve una grata y linda sorpresa donde el folclore del cono sur será una de los protagonistas de este tierno romance, la poesía el enclave principal que aporta belleza necesaria a esta historia de amor.
Voraz y melancólico está disponible los viernes a las 21 el Teatro Nün (Juan Ramirez de Velasco 419) Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Tuvimos el placer de realizar la cobertura de la obra «Trepadores», una producción que se puede ver los jueves en el teatro Picadilly, y que cuenta con las actuaciones de Rodrigo Noya, Bautista Lena, Santiago Caamaño y Federico Barón, con la producción de Nazarena Vélez. Se trata de una comedia ambientada en una fábrica de aceitunas con morrón, que nos muestra situaciones absurdas e hilarantes y que nos deja una amena noche para reírse en el teatro.
La obra nos lleva a una fábrica de aceitunas con morrón llamada Abelar, ahí mismo nos encontramos con el jefe de producción junto a tres empleados rellenadores de aceitunas. Luego de que el jefe comunique que en nombre de la empresa uno de los integrantes es despedido, empiezan a ocurrir absurdas situaciones entre los personajes, que si bien nos hace perder el hilo de la historia, nos otorga momentos graciosos en su performance. Es una realidad que la verosimilitud casi no se hace presente en la producción, pero que aprovecha este absurdo para usarla en función de la comedia, es así como observamos números casi musicales , momentos en que los actores se pierden en los personajes y se les escapa una risa involuntaria, contagiandola también en el público.
En cuanto a las actuaciones, los cuatro intérpretes se manejan con soltura , aunque me resulta necesario destacar a Federico Barón , a quien le toca realizar al personaje más desentendido, o como mejor diríamos al más colgado, y que logra dar risas al público sobre todo en una situación en el que se involucran ciertas confesiones sexuales. La dirección de Ariel Basaldua es correcta, apoyando el peso de la obra en los actores, tanto en su guión como en las situaciones perfomaficas que existen en la puesta.
Trepadores es una comedia que juega con el absurdo, que es de un tipo que si bien llega lejos, logra enganchar al público contagiando las risas fácilmente. Es un espectáculo ideal para despejarse un jueves a la noche y pasar una velada agradable, terminando con una sonrisa.
«Trepadores» se puede ver los jueves a las 21 horas en el Teatro Picadilly, les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.
Interpretes: Rodrigo Noya, Bautista Lena, Santiago Caamaño y Federico Baron
Se trata de una remake, es decir una nueva versión de un juego del amplio repertorio de PS2 y Xbox1. La historia esta ambientada en los años 50’ y eres un extraterrestre de nombre Crypto-137 que tendrá un único objetivo: matar, aniquilar y destruir todos los humanos que se le crucen por el camino ya sea a pie o a bordo del plato volador, tal como propone el titulo.
El personaje, algo violento, gracioso y sarcástico además de robarte alguna sonrisa contará con varios mecanismos de destrucción: un rayo desintegrador, el método de psico-kinesis con el que podrás levantar y arrojar objetos (autos, pollos, otros), controlar el platillo volador a voluntad y quitar el SNC (cerebro y médula) a los humanos.
La extracción del material genético, el ADN, te permitirá obtener y canjear mejoras, tanto para Crypto como para la nave espacial. Algunas de ellas aplicadas a: la extracción de cerebros, el electromatic, el escáner cerebral, los escudos, en la carrera/movimientos, al rayo de la muerte, el boom sonico, el desconstructor quántico, entre otros. En cuanto a la estrategia y jugabilidad, te convendrá canjear en primera instancia, mejoras referidas a: la extracción de cerebros para aumentar los valores de ADN, los escudos para mejorar la defensa y disminuir la probabilidad de morir y la carrera para tener más movilidad e escabullirte fácilmente.
A medida que avanzas en el juego deberás completar misiones o desafíos y te encontrarás con variadas y novedosas tareas a ejecutar como: arrojar un pollo para matar un humano, la manipulación psíquica de personas, la destrucción de edificios al voltear vehículos y hasta infiltrarte entre los humanos para pasar desapercibido.
El audio esta en ingles, mantiene las voces originales de los actores pero cuenta con subtítulos en español. En comparación a la versión anterior, se observa una mejora (esperable) en los gráficos, en los escenarios por la variedad de edificios y en la mecánica general del juego (podrás volar y disparar e impulsarte y desplazarte al mismo tiempo, modificar la altura del platillo, el efecto que produce el agua al estar en contacto con el Alien, otros). En síntesis, es un juego entretenido, ameno y simple. Personalmente me gusta la historia, la propuesta y el estilo de juego. Entiendo que podrán disfrutar más de esta nueva versión aquellas personas que hayan jugado anteriormente las versiones originales o antiguas.
Tuvimos la posibilidad de probar un juego que inicialmente fue lanzado para las plataformas vr pero que ahora podemos disfrutar en PC y consolas en un título roguelike con tintes de terror, que nos ha hecho pegar unos cuantos saltos.
The Persistence es un título en el que controlamos a Zimiri Eder, quien después de morir fue tranferida su consciencia a otro cuerpo a través de una IA y que tenemos la tarea de reparar la nave para volver a su hogar. La cuestión es que las cosas no van a ser tan sencilla, ya que cada vez que morimos vamos a aparecer en un nuevo cuerpo y con ello vienen cambios en la memoria de la protagonista y dificultades en el escenario que vamos a explorar. Si, es un título en el que predomina la exploración, y aunque estemos en un título que se juega en primera persona a raíz de su nacimiento como juego para dispositivos vr, la jugabilidad se basa en la exploración de la nave y su avance procedural. El terror se hace presente a través de los enemigos que irán a atacarnos, y que realmente nos llega a pegar algunos sustos, más si tienes la posibilidad de probar la versión vr. El título también nos permite la mejora, y tener una memoria a través de las células madres que se extraen a la hora de morir, manteniendo las estadísticas contra los enemigos , que permitirá avanzar en nuestras habilidades. Si, reparar la nave requiere de mucho trabajo, son numerosos los desafíos y los enemigos que debemos enfrentar para avanzar de a poco en nuestro objetivo, la experiencia es satisfactoria en sus poco más de 10 horas de juego. Toca también aclarar que no hay auto guardado, por lo que hay que llegar a unas compuertas para poder guardar la partida, si es que no mueres en el camino.
En cuanto al apartado visual, estamos ante un título que realmente se ve muy bien. Predominan los tonos oscuros, ya que es parte de una ambientación sombría y hasta claustrofobica. Podemos apreciar las texturas en los escenarios de la nave y los enemigos, con un sonido extremadamente inmersivo. Por lo que a nivel técnico el juego es una buena pasada.
The Persistence Enchanced Edition es un título mas que interesante, dónde predomina la exploración en una nave, la cual debemos reparar y dónde el terror se hace presente con los enemigos que nos atacan. Puede que su concepción como juego de VR nos resulte algo abrumador ya que he terminado algo mareado en algunas ocasiones. Pero es un título con una excelente inmersión tanto para el que lo juega en dispositivos de juego tradicionales.
Si había una facción de personajes salida del comic, que no merecían tener el film que tuvieron en su momento, era el Escuadrón Suicida. Ahora de la mano de James Gunn, este equipo de villanos clase b que deben trabajar para el gobierno, tiene una nueva oportunidad en el cine ¿La segunda es la vencida?
La historia retoma las tareas del Escuadrón Suicida, ahora teniendo que ir a la isla de Corto Maltes, para sabotear unas instalaciones militares, luego de que el ejercito diera un golpe de estado, intentando usar los misteriosos experimentos en contra de los Estados Unidos.
La trama, como pueden ver, es por demás sencilla. En este sentido James Gunn decidido ser honesto, y no hacer algo rebuscado. Pero con eso, no decimos que la historia sea floja, ya que, dentro de esa simpleza, se encuentra una brutal critica a como se suele comportar Norteamérica con respecto a países que pueden resultarle un problema; mostrándose inicialmente como los salvadores del mundo, y luego dándole igual que les pasa a los civiles, siempre y cuando los intereses del gobierno de turno no corran peligro.
Algo de lo que quizás muchos se temían, es que de nuevo Harley Quinn tenga un innecesario protagonismo. Y podemos decirles que la payasita tiene el tiempo suficiente en pantalla, dejándole el lugar principal a Idris Elba. Su Bloodsport es de lo mejor de la película, y la dupla que hace con un sorpresivo y bien actuado John Cena, va a sacarle más de una risa a varios; en especial cuando ambos personajes (Bloodsport y Peacemaker) compitan para ver quien es el mejor asesino del equipo.
Pero la película no es perfecta. James Gunn tomó la decisión de no contar la historia de forma lineal, con la trama dando pequeños saltos al pasado casi de forma constante. A veces esto funciona, pero en esta ocasión, lo único que se logra es cortar el ritmo del film, incluso a veces interrumpiendo momentos de acción.
A eso debemos sumarles que algunos personajes se sienten desperdiciados. Hacemos foco, sobre todo, en King Shark, quien es utilizado como el Groot del grupo. Es decir, el bicho en cgi que se comporta como un niño pese a ser una fuerza bruta de la naturaleza. Una lastima que a Stallone no se lo explotara más en su trabajo vocal.
Escuadrón Suicida se establece como de lo mejor que nos dio un DCEU que no se sabe que rumbo va a tomar. Si bien no tenia mucha competencia (en especial con su predecesora), es una buena película por méritos propios, pese a las obvias comparaciones.
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