La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Sensaciones dolorosas y el fin del amor, el reconocer que ya no hay vida en una relación que fue en su momento, un motivo de esperanza, nos hace ver que el proyecto fracasó, nos sentimos impotentes cada vez que terminamos, las heridas aumentan y también la desconfianza a darse una nueva oportunidad. ¿Qué tan difícil es volver a amar?
»Asesinato de un Ángel presenta una profunda reflexión sobre el valor de nuestras cosas más preciadas y la facilidad que tenemos para destruirlas» Es la premisa de la obra escrita y dirigida por Juan Alvarez Prado. Luján Blaksley, Abril Di Yorio, Tomás Harguinteguy y Michel Hersch interpretan a los personajes de esta historia, donde una pareja debe enfrentar un juicio por haber asesinado a un ángel (o a su amor)
Asesinato de un ángel es un recomendable musical compuesto por canciones originales de Hernán López Sosa. Ignacio Zirolli hace un hermoso piano en vivo.Alvarez Padro ofrece una mirada sincera y metafórica sobre el rompimiento, los miedos y el momento final en que ambos deben decir adiós, lo duro del momento y el dolor que deja en nosotros.
Asesinato de un ángel está disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.Instagram: cachalote94
Cero espectativas al entrar, la animación era genérica y el trailer se veía fofo y carente de personalidad. Era ese típico proyecto animado que pasa sin pena ni gloria, pero al terminar me quede sorprendido … No SUPER SORPRENDIDO, pero algo de buen humor. RON DA ERROR es una de las primeras películas de FOX tras la compra de Disney, por lo que el enfoque que se le de a éste proyecto era crucial para determinar que tanto la empresa del ratón pasivo agresivo se iba a meter en sus ideas. Aparentemente se les dejo trabajar con cierta libertad creativa y sello personal, quiero creer que ésto se mantendrá así y no es que hubo poco tiempo para infiltrarse.
La historia sigue a Barney, un pibe que quiere sumarse a la corriente de la moda adquiriendo un robotito que básicamente es un celular capaz de tener movimientos propios. Al adquirirlo se aviva de que el modelo que le llego está fallado, y en su falla, se encuentra una humanidad que inesperadamente complementara al muchacho en cuestión.
La animación es el punto flojo, no por sus detalles sino por la carencia de innovación. Los diseños de los personajes podrían ser mejor, son personajes que se vieron en repetidas ocasiones en otros proyectos. No obstante la historia y el mensaje que intenta dar es coherente y, con un final arriesgado, nos brindan una lección que para los niños internautas puede ser muy valiosa.
Henry Jackman compone una carismática banda sonora que acompaña muy correctamente el tono familiar de la película. Todos los personajes cuentan con un momento propio y la relación HOMBRE MAQUINA (for kids) esta plasmada dignamente.
RON DA ERROR funciona para chicos y quizas para algunos adultos que todavía se enganchen con proyectos animados. Ojala Disney continúe dandole rienda suelta tanto a los animadores como a los cineastas de cine carne y hueso.
No cabe duda que Leonardo Sbaraglia es uno de los actores vigentes más talentosos. Desde su debut en la película La noche de los lápices (1986), con más de 30 años de carrera, se ha consolidado a nivel nacional e internacional.
La nueva película de Leonardo Brzezicki, es una producción argentino- española que nos lleva a conocer la vida de un hombre de mediana edad (interpretado por Sbaraglia), este entre el abuso de alcohol y sustancias debe lidiar entre cuidar a su hija (Miranda de la Serna) y su conducta dependiente a los demás.
Sbaraglia nos ofrece su papel más arriesgado, se sale de su zona de confort para interpretar a un hombre que grita por afecto y que busca llenar vacíos. Todo esto en un marco de sexualidad desenfrenada, intimismo y violencia.
Muchas películas de temática gay han mostrado la soledad del hombre, esa búsqueda incesante de ser correspondido, amar y pertenecer: todo esto en un marco de superficialidad, banalidades, sexo y drogas. Errante Corazón cae en los mismos arquetipos de este estilo de dramas pero el enfoque es más intenso, íntimo, sincero y desgarrador.
Miranda de la Serna (hija de Rodrigo de la Serna)interpreta un excelente papel que muestra sus cualidades como joven promesa actoral. La química entre ella y Sbaraglia está muy bien, siendo el punto de ternura de la película.
Errante Corazón tiene una dirección desprolija y un guión que pierde fuerza y a veces interés, la fotografía no aprovecha los lugares sino se reduce a un cuadro más encerrado y enfocado hacia el protagonista, la cámara lo sigue a todas partes por lo que el relato se vuelve en primera persona.
No es una película excelente pero tampoco mala, es el personaje principal y su complejidad lo que hace interesante la trama; todo esto acompañado con una interpretación atinada y totalmente comprometida, quizá la mejor de Sbaraglia, dónde no tiene miedo a desnudarse y mostrar sus miedos desde el principio. Disponible en HBO max y en cines.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
En 1991 se estrena la película que hoy sigue siendo una leyenda viva: Thelma y Louis. Dirigida por Ridley Scott, escrita por Callie Khouri y protagonizada por Susan Sarandon y Geena Davis. Hasta el día de hoy sigue siendo uno de los mayores referentes feministas de la historia reciente, a 20 años de su estreno, Thelma y Louise están en Chaco.
»Esta es la historia de dos mujeres relegadas, compañeras inseparables torturadas por sus compañeros del Secundario. Una reunión cumbre de reencuentro de la promoción ’97 enciende la posibilidad de venganza. Dos mujeres capaces de todo, incluso de robar un auto, viajar a Chaco y arruinar un casamiento para que aquello que no es amor, no sea nada.» Es la sinopsis de la obra de Belén Amada, Micaela Fariña, Gonzalo Quintana, la cual es dirigida por Quintana.
Marina Ortega y Micaela Fariña son las protagonistas de esta historia. Tumbadas en el piso con vestidos largos, en medio de la carretera chaqueña. Ambas recrean esta venganza, huyen por el chaco a modo de Thelma y Louise mientras afianzan su relación.
Lula Rojo es quien recrea este escenario desértico estilo road movie. Marina Ortega y Micaela Fariña interpretan el repertorio musical que va desde Selena Quintanilla y boleros.
Chaco arde es una comedia queer sobre venganza, intensidad femenina y carreteras. Una buena decisión para un sábado por la noche. Chaco arde está disponible los sábados a las 21 horas en Teatro Tadrón (Niceto Vega 4802) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
En una ciudad tan grande como Buenos Aires, las diferencias de clase son muy claras. Desde la forma de caminar, la vestimenta, la manera de hablar y hasta nuestros desechos. La basura de uno es la oportunidad de otro. Diariamente vemos a hombres y mujeres con carritos y bolsones que arrastran por toda la ciudad, revoloteando la basura: Cartoneros o recuperadores ambientales, como se les quiera llamar a este trabajo precarizado que está desde los inicios de las antiguas crisis.
»Dos jóvenes cartoneros se conocen en la calle mientras recogen basura y todo tipo de residuos. Emprenden un viaje de búsqueda y conocimiento mutuo que los lleva a reflexionar sobre la clase de vida que se puede vivir en medio de la basura y la clase de sociedad que permite que algunos de sus integrantes deba y pueda ganarse el sustento en esas condiciones.Una obra que reflexiona sobre una ciudad “tomada” por cartoneros, trapitos, piqueteros, manteros, comerciantes enojados, sindicalistas y todo tipo de protestatarios que utiliza a la ciudad y a sus habitantes como rehenes incapaces de reaccionar ante tanto abuso. Todo ello bajo la mirada indiferente o cómplice de nuestra clase política» Es la sinopsis de la obra de Lázaro Droznes (del autor recomiendo Liv y Bergman), dirigida por Adriana Grinberg.
Ailén Dettano y Fabian Martino es el dúo actoral que encarna a personajes marginados que debaten sobre grietas sociales, discriminación, privilegios de clase, estado y empresas. Somos todos cartoneros es una sátira que ofrece dos visiones distintas sobre un colectivo que no conocemos, solo vemos y preferimos bajar la mirada.
Lázaro Droznes nos ofrece una fuerte crítica social en forma de sátira, los toques de comedia romántica hacen más ligera la trama, así como su lenguaje canchero, no obstante ejerce chicanas que no escapan de la realidad, pues la visión que tenemos como clase media no es más que el prejuicio hacia lo que desconocemos y no estamos dispuestos a experimentar.
Héctor Calmet acierta con su escenografía, utiliza 100% materiales y residuos reciclados sin perder el estilo ni detalles.Adriana Grinberg acierta con esta dirección donde los recursos del escenario son utilizados en pro de la trama, los actores se desenvuelven muy bien en tablas y el resultado es un producto tierno, reflexivo y crítico.
Somos todos cartoneros está disponible en el Teatro Taller El Ángel (Mario Bravo 1239) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.Instagram: cachalote94
En 2007 el catalán Jaume Balagueró estrena una de las mejores películas de terror de habla hispana: REC. Este suceso surge en el auge del cine español, empresa que sigue aun creciendo, creando producciones hechas en España, con alta calidad e incluso con elenco internacional. Para este caso Balagueró junta a dos estrellas conocidas: Freddie Highmore y Liam Cunningham, estos actores británicos comparten pantalla con José Coronado y otras figuras del cine español en un heist movie.
La serie hispana mas vista de la historia de Netflix es La Casa de Papel, cuya primera temporada fue todo un éxito en crítica hasta que se fue exprimiendo más de lo necesario para su quinta temporada. La mención de la casa papel tiene que ver ya que Asalto a la casa de la moneda habla sobre el robo de un equipo internacional hacia el banco de Madrid. Las relaciones son obvias, tanto la traducción del título en español (Way down original) como la premisa. Esto puede hacer pensar al espectador que se trata de un remake yanki de la casa de papel, pero la película es española, aunque habla del plan para poder robar un banco, no es la dirección ni los métodos que maneja la serie de Netflix.
Way down es un thriller heist lleno de momentos inverosímiles y ligeros toques de comedia. Este equipo debe idear un plan para poder sacar un tesoro colonial de la bóveda del Banco de Madrid, bóveda cuya leyenda dice que es inexpugnable. Freddie Highmore interpreta al personaje bueno, inocente y tímido que sabe hacer desde que comenzó su carrera, su papel no supone un desafío para él y sabemos que es apto para el rol. La forma en que involucran el robo durante el mundial de fútbol Sudáfrica 2010 donde ganó España, hace del filme más interesante. El montaje la hace muy dinámica y fácil de ver, llena de suspenso toda la sala las escenas de los planes y ejecución del robo.
Way down es una película simple que no ofrece nada nuevo, entretiene pero solo eso, no va más allá y se queda con rítmico, ignora la profundidad que pudo tener y solo da un espectáculo de fútbol, robos inteligentes y sorpresas convenientes. Es divertida, símil o con estilo a Ocean Eleven pero se olvida al dia siguiente.
Asalto a la casa de la moneda está disponible en los cines Multiplex y en todos los cines a nivel nacional.
Calificación 6/10
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.Instagram: cachalote94
El fin de semana pasado tuvimos el placer de asistir al reestreno de la obra «La lección de anatomía» , un clásico del teatro argentino escrito por Carlos Mathus , que celebra su 49 aniversario con una nueva reposición en el teatro Buenos Aires.
La lección de anatomía es una obra que estrenó en el año 1972 , y que presume ser la obra argentina más representada, estando alrededor de 36 años en cartel y celebrando ahora su 49 aniversario. Esta obra surgió para ser representada en un congreso de psicología , y resultó ser un éxito, y quizá un tanto controvertida para esos tiempos. Uno de las características más conocidas del espectáculo, es que cuenta con una performance inicial en el que cada uno de los actores demuestran en escena un desnudo integral ¿Es esa la única cualidad distintiva de la obra? Para nada. Luego de eso, el espectáculo se atreve a explorar algunas historias representadas en forma de antología, que sirven para mostrar lo más profundo y hasta perturbador del comportamiento humano. De ese modo, la lección de anatomía nos cuenta historias como la de un padre hace uso y abuso de su persona para armar la vida de su hija, de una persona al borde del suicidio recuerda momentos con sus seres cercanos, entre otras situaciones.
En cuanto a las actuaciones, podemos destacar a cada una de ellas, ya que se trata de una obra obra que aporta muchísima intensidad en varias de sus situaciones. La perturbación también es interna en los personajes , y esto se acompaña con una performance que aporta también un desgaste físico que se maneja de manera impecable.
La lección de anatomía es una obra que todos en algún momento deberían ver, ya que se trata de un clásico de nuestro teatro, que si bien se estrenó en el año 1972, su historias resultan casi atemporales, manteniéndose vigente aún en un 2021 totalmente distinto, y que seguramente tendrá cuerda para mucho tiempo más.
El pasado jueves 14 de octubre a las 20hs tuve la oportunidad de ver el estreno de esta obra de teatro escrita por Pacho O’Donnell y dirigida por Daniel Marcove, una puesta en escena llena de referencias y metáforas que nos lleva a pensar en planteamiento filosóficos profundos como resultado del argumento de la historia que se cuenta.
La trama sucede en un ambiente cerrado, con una ubicación desconocida y por un tiempo indeterminado, en este lugar conviven cuatro personajes Bill, Mónica, Diego y René que se ubican en el tiempo recordando sus antiguas vidas, su pasado, que lo ordenan y rememoran utilizando números para no perderse en ellos y en el tiempo.
Durante la puesta se hacen referencias claras a las frustraciones de la vida en libertad que tenían los personajes y a las posibles aspiraciones que podrían tener si vuelven a la libertad fuera de esta situación a la que están sometidos en el momento que los conocemos. La obra me deja preguntándome: ¿Este lugar es real o está dentro de la mente de cada uno de nosotros o ellos? ¿Qué haríamos si tuviéramos la oportunidad de ser libres? Pero realmente libres.
¡Bravo! Que bueno volver a ver buen teatro independiente en Buenos Aires.
El elenco está conformado por: Juan Manuel Correa, Pablo Flores Maini, Julieta Perez, Nicolás Amato García y la actriz trans y actual presidenta de la Cooperativa Arte Trans, Emma Serna. Con su equipo que realiza el trabajo detrás de escena:
Asistente de dirección: CHRISTIAN DE MIGUEL. Música original: SERGIO VAINIKOFF. Escenografía: HÉCTOR CALMET. Diseño de iluminación: MIGUEL MORALES. Vestuario: PAULA MOLINA. Diseño gráfico: NAHUEL LAMOGLIA. Prensa: DANIEL FRANCO.
El GTA del mar. No concibo mejor definición para este título de action rpg desarrollado por el estudio Tripwire Interactive (fundado en el año 2005 y que es famoso por desarrollar títulos como Killing Floor y Rising Storm). En este caso nos encontramos con un videojuego lanzado con una cierta demora respecto a sus hermanas mayores (Ps4 y Xbox One) ya que llega a Nintendo Switch un año más tarde.
El juego está ambientado en aguas del golfo de México lo que nos permite disfrutar de diferentes localizaciones muy atractivas como pantanos, playas, bahías, etc. Allí se encuentra un equipo documentalista encabezado por un célebre cazador de escualos (Scaly Pete) que está tratando de cazar a un peligroso tiburón. Es así como empieza nuestro tutorial manejando a dicho tiburón lo que nos permite familiarizarnos de manera rápida con los controles. Nuestra misión es investigar los alrededores y reponer fuerzas a costa de la fauna marina (tortugas, focas, meros y un largo etcétera). El plato fuerte viene cuando se nos enseña a dar caza al manjar más delicioso (y que en nuestro subconsciente se nos vendrá a la memoria la famosa melodía de la aclamada película de Steven Spielberg) que no es otro que los descuidados humanos. El principio de la historia parece que nos pone las cosas muy fáciles pero inmediatamente se cambian las tornas cuando somos capturados por Scaly y nos mata…No os preocupéis porque al destriparnos se lleva la sorpresa que hay una cría en su interior con bastante “carácter” que al ser marcada por el cazador con su cuchillo se revuelve y le secciona uno de sus brazos en la huida. A partir de entonces es cuando verdaderamente comienza todo. Empezamos manejando a un pequeño tiburón que deberá abrirse camino en la inmensidad del océano y donde nuestra curiosidad y amenazas marinas nos ofrecerán momentos muy divertidos e intensos. Contamos con dos barras que debemos que vigilar mucho (barra de oxígeno y vida). Al ir cumpliendo diferentes misiones podremos evolucionar nuestro personaje e interactuar con elementos del escenario para ir avanzando en la historia. La curva de dificultad está bastante ajustada (debemos habituarnos al manejo de los botones y poder memorizar rutinas para sobrevivir). Entre los aspectos que podremos personalizar al personaje está el tamaño, mandíbula, aleta y órganos (este último aspecto lo veremos reflejado al final de la historia) lo que hace que queramos rejugar el título para ver diferentes versiones de nuestro personaje.
Los gráficos son bastante correctos destacando la fluidez de movimientos del tiburón así como los enfrentamientos con cazadores humanos así como enemigos tales como caimanes, otros tiburones y demás.
Un punto muy a su favor es que el título viene traducido al castellano por lo que nos introduce más en esta curiosa historia del camino del guerrero con aleta. El aspecto sonoro es bastante cumplidor y satisfactorio en términos generales.
La historia principal dura alrededor de diez horas aunque os aconsejo que os dejéis llevar y exploréis los diferentes escenarios sin mirar el reloj. Va a ser una experiencia muy gratificante (os lo aseguro).
En definitiva nos encontramos ante un videojuego muy correcto (quizás el mejor desarrollado por este estudio) con bastante potencial para próximos títulos de esta ip.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
“No importa la gravedad del problema, siempre que haya munición de sobra y gente para utilizarla”.
De manos de Warner Bros. Games y Turtle Rock Studios llega Back 4 Blood, el sucesor espiritual de la famosa saga matazombies Left 4 Dead. Se podría discutir hasta que punto se trata de un sucesor realmente y no una nueva entrega, debido a que dentro del equipo de desarrollo del título se encuentran antiguos miembros del juego de Valve. Siendo esta la situación, uno podía esperar del nuevo juego un continuismo en la esencia jugable y en todas las características que definieron tanto a la saga y la convierten, incluso 10 años después, en uno de los cooperativos más queridos de la historia del gaming en PC. No obstante, aunque el título recuerda mucho a los anteriores, en ciertos aspectos no parece estar a la altura de tal renombre.
Back 4 Blood es un shooter cooperativo para cuatro jugadores, los cuales encarnarán el papel de cazazombies, en una casi imposible misión por salvar el mundo (o al menos la parte de este que sea posible).
¿Cómo podemos salvar la situación? Efectivamente, de la única manera que sabemos, pegando tiros y derramando toda nuestra furia homicida contra casi infinitas hordas de no muertos. La campaña principal se desarrolla en cuatro actos, cada uno de los cuales está separado en fases, que consisten en abandonar un refugio y abrirse paso a balazos hasta el siguiente. En el camino habrá que completar todo tipo de desafíos, desde hundir un ferry hasta cargar un camión de ensayos de laboratorio. En este recorrido, a parte de los zombies más simples, los cuales no son un gran problema (hasta que te ves rodeado por un centenar), nos encontraremos con varios tipos de mutaciones, que conforman super bestias variadas. Principalmente nos cruzaremos con 4 tipos: zombies grandes, que correrán hacia nosotros y explotarán al morir, zombies (todavía más) grandes con un enorme brazo digno de bromas adolescentes que tratará de aporrearnos hasta convertirnos en papilla, monstruos de cuatro brazos que escupirán a distancia y se abalanzarán contra nosotros y pequeñas crías que saldrán de huevos en la pared para intentar devorarnos.
Junto a estos, los más frecuentes, apracerán también de vez en cuando otros dos: viejas, terroríficas criaturas, que si bien son ciegas, no cesarán en perseguir y matar al pobre diablo que las enfade y unas criaturas que actuarán como sirena, alertando a todas las hordas cercanas en caso de detectarnos.
Además de estos enemigos, nos enfrentaremos a varios bosses y minibosses, siendo estos todavía más grandes y peligrosos que los nombrados anteriormente.
Una vez dicho esto, toca centrarse en lo más importante del título: la diversión. Si estais interesados en el juego, es muy probable que hayais jugado o conozcais el referente a este, Left 4 Dead. Un título cuya secuela debutó hace más de 10 años y a día de hoy sigue siendo muy disfrutable y querida por la mayor parte de los jugadores de ordenador. Esto no es una casualidad, y es que el matazombies original es uno de los juegos más divertidos para jugar con amigos. Nada como volver a casa después de un duro día, conectarse a internet y disponerse a destruir a ingentes hordas de monstruos hambrientos, en los más dispares escenarios. Junto a esto, la clave que permitió que el título se mantuviera en boca de muchos y en manos de más durante tanto tiempo fue la Workshop, un punto de encuentro donde los fanes podía crear sus propios niveles, armas y enemigos y distribuirlos fácilmente, gracias a la facilidad con la que el motor Source puede ser editado y contando con un medio como Steam. Esto convirtió el modelo original en una fiesta de disfraces, donde lo más común es ver una horda de Teletubbies avanzando por el abismo de Helm.
Por desgracia, Back 4 Blood no cuenta con este soporte nativo para mods, ni ofrece herramientas al público para que desarrolle sus propios niveles. Hay que entender que a diferencia de los anteriores, este título se lanza para todas las plataformas actuales, y el gaming en consola no es muy amigo de las modificaciones. No obstante hecho muy en falta esta opción al menos para la versión de pc, puesto que significaría, sin ir nada más lejos de la realidad, contenido infinito.
Y aunque no tenemos mods, tenemos una campaña, y es buena. Los cuatro actos que ofrece actualmente el título (hay disponible un pase de temporada que añadirá nuevo contenido en un futuro) es lo bastante diverso y caótico como para ser muy disfrutable y rejugado una y otra vez. Más teniendo en cuenta las distintas opciones de dificultad, de las que hablaremos más adelante.
Si has llegado hasta aquí, y sigues planteándote si comprar el juego o no, permíteme recomendarte fervientemente que busques un grupo de amigos para jugarlo. El título permite crear partidas con bots o con desconocidos, o unirte a partidas de otros, pero no es ni de lejos tan disfrutable como jugar con amigos. En mi experiencia, al intentar unirme a partidas rápidas, todo ha salido mal, desde gente abandonando la sala a la mínima de cambio (el título no penaliza abandonar partidas) a autosabotajes por parte de mi equipo, me ha sido imposible avanzar más allá del acto 1.
En cambio, jugando con mi grupo de confianza, la experiencia ha sido un auténtico disfrute. En primer lugar completamos la campaña en la dificultad básica, mientras nos hacíamos con las mecánicas y estrategias del título, y se trata de una experiencia que guardaré en mi memoria por mucho tiempo. Mantiene la misma esencia, las mismas experiencias que ya viví hace 10 años en el título de Valve.
Las dificultades que siguen a la primera, son otro mundo. En mi opinión, el escalado entre una y otra es extremo. Partiendo de la base, al aumentar la dificultad aumenta el daño que hacen los zombies, el daño que nos hacen nuestros compañeros (he aprendido en esta experiencia que en un apocalipsis zombie, la mayor parte de la población moriría en el fuego cruzado) y la cantidad y dureza de los enemigos. Y es que el título aboga por aumentar la frecuencia de apariciñón de los terribles mutantes, los cuales son realmente difíciles de abatir sin morir en el intento.
Jugando “seriamente”, hemos sido capaces de avanzar en la dificultad intermedia, y el desafío ha hecho que la experiencia sea todavía más divertida. No osbtante, en ciertos momentos de la campaña, ha sido imposible no verse superado por todas partes por la ingente cantidad de enemigos que aparece por todas partes. Y más allá, también está la dificultad máxima, la cual (aun a riesgo de alimentar con estas palabras la recurrente discusión sobre las habilidades jugonas de la prensa del medio) no nos ha dejado ni abandonar el primer refugio de la primera misión. La cantidad de mutantes era tan elevada que no había opción de abatirlos, teniendo a demás en cuenta que todos ellos tienen una opción para inmobilizarte, no se trató de una experiencia disfrutable sino de una masacre inversa.
Respecto al apartado técnico, hay una clara evolución desde Left 4 Dead, que refleja el cambio en 10 años del medio videolúdico. Si bien el motor Source permitía la generación “rápida” de nuevos escenarios y enemigos y facilitaba el diseño de mods, está demasiado anticuado para los estándares de la época. Back 4 Blood se ve realmente bien, y el diseño de enemigos muestra grandes dotes artísticas en el equipo de desarrollo. Junto a esto, el sistema de menús e interfaz está mucho más pulido y es más agradable estéticamente que los toscos menús que teníamos en los anteriores. Junto a esto, el título está lo bastante optimizado como para jugar con equipos relativamente modestos a día de hoy.
Un factor muy importante, es que el título se encuentra incluido dentro del Gamepass desde el día uno, lo que significa que podeis jugarlo sin tener que desembolsar su precio íntegro, y que atraerá a mucha más gente que contrata el servicio de forma habitual. De esta forma, es esperable que se mantenga durante más tiempo una base de jugadores suficientes para poder disfrutar del juego (aunque ya sabeis mi opinión sobre el sistema de juego online con desconocidos).
En conclusión, Back 4 Blood cumple con creces como sucesor espiritual de Left 4 Dead en algunos aspectos como la jugabilidad, el caos y la diversión, ofreciendo una versión superior del título original, pero cogea enormemente en cuanto a la personalización externa del título, elemento que asegura horas y horas de contenido gratuito. No obstante el contenido incluido es tremendamente disfrutable, y puede ofrecer muchas horas de juego para completarlo en las dificultades superiores. En caso de tener Gamepass, es un título obligatorio en tu biblioteca.
*Agradecemos a Warner Games por proporcionarnos una copia de revisión del juego en PC para poder realizar nuestro análisis.
La Butaca Web 