Reseña: La Culpa

LA CULPA – de David Mamet con Gabo Correa, Diego de Paula, Adriana Salonia, Martín Urbaneja, bajo la dirección de Hugo Urquijo – Prensa: Duche & Zarate / Duración: 65 minutos / Funciones: Viernes y Sábado a las 22:15 / Entradas: $ 450.- / Centro Cultural de la Cooperación Corrientes 1543 Ciudad Autónoma de Buenos Aires (Tel: 5077-8077) Crítica: CJ COLANTONIO.


David Mamet es un dramaturgo novelista y prolifero guionista conocido por ser el autor de películas como Los Intocables, Ronin, American Buffalo, Hanibal. Bajo la dirección de Hugo Urquijo, podemos acercarnos a uno de sus textos, el que escribió en 2017, LA CULPA (The Penitent) y que ya ha tenido su estreno en español a principios de este año en Madrid.
Esta versión Argentina reúne a un elenco de cuatro actores, pero donde Diego De Paula se acerca a una especia de monólogo rodeado por las correctas actuaciones de Andrea Salonia, Martin Urbaneja y Gabo Correa.
LA CULPA desarrolla el dilema moral que se erige cuando un psiquiatra se encuentra presionado por la justicia, la prensa, y la sociedad para que rompa la confidencialidad de una terapia –que le otorga el juramento hipocrático- cuando uno de sus pacientes entra a juicio por asesinar a diez personas.
Mamet logra con esto hablar además de la integridad, de las convicciones religiosas y de la manipulación.

BANFF: Mountain Film Festival World Tour

Por Bruno Glas

El Festival Nacional de Cine de Aventura no es, en principio, un festival de cine en el sentido tradicional. Los cortos que se exhiben no están orientados por la lógica “estética” del cine tradicional, pero tampoco por la expresión crítica de la realidad propia de un documental. Más bien, lo que el festival busca es compartir la experiencia real de los realizadores, protagonistas de sus hazañas en la naturaleza.
Los cuatro cortos vistos en el festival comparten algo interesante en cuanto a su idea de fondo, independientemente de sus tramas: el factor humano es lo central, no sólo en los desafíos que los recorridos comportan para los aventureros, sino en la realización. En este sentido, la puesta de cámara resulta el elemento de mayor importancia, puesto que de ella depende la inmersión en el viaje.
El primer corto se titula Rogue elements: Corbet’s couloirofrece un recorrido en mountain bike por el circuito de Corbet, en las Montañas Rocosas. El uso de subjetivas y de planos generales favorecen una visión vertiginosa del terreno, aunque el uso de música termina por generar una sensación de videoclip, que a la larga resulta bastante molesta.
The passage, segundo corto, cuenta, como un recuerdo, el viaje de los padres del director, que en 1974 se lanzaron al océano Pacífico con las canoas que ellos mismos construyeron. Casi treinta y cinco años después, el realizador emprende de nuevo junto a sus padres, ahora viejos. El clima de intimidad familiar y la visión palpable del paso del tiempo se dejan entrever a lo largo del relato y lo sostienen con convicción a lo largo de la casi media hora que dura. Mención especial merece la escena de la construcción de las canoas, que demuestra todo esto a través de la materialidad de la embarcación en cuestión.
Ice & palmspuede que resulte el corto más flojo, en parte porque la aventura de los amigos Max y Jochen a través de los Alpes está contada a través de un montaje demasiado veloz. Los viajes a través de cicloturismo, montaña y esquí se apelotonan uno atrás del otro con demasiada velocidad, como si no hubiera un riesgo real por parte de quienes lo llevan a cabo, demasiado seguros de su propia capacidad.
For the love of Maryes el último, y el mejor de los cuatro. Comparte con The passagela idea del paso del tiempo como algo tangible, captado por la cámara. George Etzweiler tiene 97 años y es corredor de montaña (¡!). En su viaje por el monte Washington hasta la cima, lo acompaña el recuerdo de su difunta esposa. La vitalidad recorre al protagonista a través de su cuerpo con casi un centenio encima, y su tremendo valor al subir el pico más alto del Noreste de los Estados Unidos tiene algo de obstinado, como si en verdad estuviera escapando a su propia muerte. De allí que lo veamos feliz enfundado en su indumentaria deportiva, y en los primeros planos de su rostro sonriente, esculpido por el tiempo, materia prima del cine.

Reseña: Karamazov

KARAMAZOV autoría y dirección de César Brie
Adaptación teatral basada en la novela “Los hermanos Karamazov” de Fiodor Dostoievski
Sábados 20hs. Galpón de Guevara (Guevara 326)

César Brie, dramaturgo, director, actor y escritor, reestrena su obra Karamazov con nuevo elenco. La obra fue estrenada en 2013 en Italia y al año siguiente decide estrenarla en Argentina con su elenco italiano y posteriormente con actores y actrices de nuestro país . Este año, con elenco renovado (aunque con el vestuario original), vuelve a escena su versión del clásico “Los hermanos Karamazov” de Fiódor Dostoievski, publicada en el año 1880, siendo la ultima novela del autor.
La historia trata temas como el poder del dinero, la destrucción de valores familiares y los conflictos morales en donde se juegan las ideas sobre la fe versus el racionalismo.

Fiodor Karamazov es un hombre cruel, egoísta y dominado por pasiones incontroladas. Tuvo tres hijos de dos matrimonios: en el primer matrimonio tuvo a Dimitri en donde se reflejan la pasión y el instinto, y en el segundo matrimonio tuvo a Iván, ateo y racionalista, y a Aleksej,el menor: bondadoso, puro y aprendiz de un monasterio. A ellos se les suma un cuarto hijo bastardo, Smerdjakov, a quien Fiodor contrata como sirviente. Los personajes femeninos, Katherina y Grushenka, juegan un rol importante ya que son los factores desencadenantes de un doble triángulo amoroso en el que todos los personaje se verán involucrados. La novela también platea una trama secundaria de igual importancia: la vida de Iliusha. Es uno de los estudiantes de la escuela local que se ve comprometido en los conflicto que tiene su padre con Fiodor sobre una deuda monetaria. El conflicto familiar hace que el niño caiga enfermo para eventualmente morir. El autor ruso termina su novela con la muerte del niño remarcando que cualquier acción, ya sea mínima, puede repercutir en la vida de otros. El pequeño resumen recién expuesto sirve como ancla al momento de ver la obra. Recomendamos que tengan presentes los datos anteriores, ya que los que desconocen la novela puede que se pierdan en la trama.

La puesta de Brie está cargada de imágenes bellísimas y potentes, donde ningún detalle está librado al azar. Los objetos y el elenco se unen en uno solo, haciendo que más de un objeto se resignifique y que los actores y actrices interpreten varios papeles. El vestuario hace de lo suyo para identificar al personaje. Unas perchas sirven a la vez de cruces, el escenario está delimitado por cuerdas de barco que a la vez son utilizadas como látigos, bancos en los dos laterales que son usados de diferentes maneras para crear diversos espacios y elásticos que refuerzan la idea de tensión entre los personajes. También hay tres muñecos que son utilizados en varios momentos. Todo da la impresión de tener la misma importancia. Según palabras del director las escenas fueron apareciendo a la luz del trabajo que hacían con los objetos. La obra también cuenta con música en vivo y algunos cantos corales por parte del elenco.

El elenco compuesto por: Fernando BENDER, César BRIE, Emiliano DIONISI, Germán FONZALIDA, Iván HOCHMANN, Gabriela LEDO, Abril PITERBARG y Florencia MICHALEWICZ, se destacan por su excelente manejo corporal y vocal. Por momentos se hacen confusos los cambios por eso volvemos a insistir en que es importante tener una idea de la novela antes de ver la obra.
César Brie nos invita a reflexionar y volver a sumergirnos en los grandes temas que siempre plantean los clásico. Citando palabras de Dostoievski: «Encontrar al hombre en el hombre. Me llaman psicólogo: no es cierto, soy solamente realista en el sentido más alto, porque describo todas las profundidades del alma humana.»

La obra la pueden ver los sábados 20hs en el Galpón de Guevara (Guevara 326)

Crítica: La odisea de los giles

Por Darío Benítez

Esta pelicula compuesta por actrices y actores con mucho peso, nos lleva a los tiempos en donde la crisis económica del 2001 fue un antes y después de nuestras vidas. Donde ellos, no fueron exentos en este tema.
Un grupo de personas de un pequeño pueblo de Buenos Aires, deciden reabrir una fábrica abandonada donde tuvo su esplendor mucho tiempo atras. Pero para eso, arman una cooperativa entre varios vecinos del pueblo. Al juntar la plata en dolares, por seguridad, deciden guardarla en el banco del lugar. Lamentablemente como muchos de nosotros fueron victimas del corralito y sumandole una estafa, perdieron todo el dinero guardado y esperanza de expandirse como pueblo.
Con una serie de eventos tragicos y extraños, se dan cuenta que podrían recuperar todo ese dinero.

La pelicula está basada en el libro La Noche de la Usina de Eduardo Sacheri. Ricardo Darin lleva la posta en esta pelicula, aunque la propuesta en esta ocasión es tener al conjunto de actores como Luis Brandoni, Daniel Araoz, Verónica Llinás, Carlos Belloso, Rita Cortese, Chino Darín como todos protagonistas. Cada uno tiene sus momentos, sus problemas sumandole el conflicto de la película.

Con un gran reparto y guión, la pelicula encaminaba sola. Mucho humor del lado de Brandoni y varios personajes,se hace muy entretenida la pelicula. Se genera una empatía al instante, por la cultura el humor y la desgracia de esos tiempos.
Tambien con varios planos generales apreciando la vista y adentrandote mas al mundo del que se esta y donde se esta narrando. Podría ser una de las mejores peliculas del año en producción, adaptación y dirección.

Calificación 9/10

Análisis: Heavy Rain para PC

Si hay algo que fue noticia no hace mucho, fue que los juegos desarrollados por Quantic Dream, dejaban el acuerdo de exclusividad que tenían para con Sony. Es así como vimos en un principio como el juego protagonizado por Ellen Page, Beyond Two Souls llegaba a PC poniéndole fin a la exclusividad con Playstation. Quantic Dream cuenta con tres geniales juegos, con el que comparten un estilo de jugabilidad que le es propia a lo a desarrolladora. Los siguientes juegos han sido, Heavy Rain y Detroit: Become Human. Es el primero el que da el salto a PC a través de la Epic store, siendo una gran opción si no has tenido la oportunidad de disfrutar de sus juegos.

El juego cuenta una historia coral que gira alrededor de unos personajes que se ven envueltos en un hecho particular, los crimenes provocados por el asesino del origami. Si hay algo que predomina en este tipo de juegos , es la historia, que se construye a través de las decisiones que el jugador toma, y que también necesita que aquel mantenga el mayor control sobre la misma, para que no quede solo como una película para consolas. El juego comienza con un arco argumental muy bien planteado, y va poniendo los acontecimientos sobre el relato para que el jugador ya pueda comenzar a tomar su propio camino, existen algunos cambios en el control en relación a la versión de PS4 , pero básicamente la experiencia es la misma.

Para aquellos que ya han experimentado los juegos de Quantic Dream, y quizá le ha faltado este, se mantiene en la misma línea de los demás trabajos a nivel argumental, aunque tampoco cuenta con la refinada jugabilidad que ha tenido Detroit, quizá su mejor juego hasta ahora. El mayor logro de los juegos de la compañía, es el equilibrio que existe entre la jugabilidad y el curso de la historia, algo que han sabido trabajar para no quedar solo como una película interactiva. En cuanto a su duración, el título puede llegar a teardarse alrededor de 8 horas, aunque también existe cierta rejugabilidad para aquellos que quieran conocer las demás alternativas con la que cuenta la historia.

Heavy Rain es un juego que es parte de la marca Quantic Dream, que nos ha dado los mejores juegos del género interactivo y de toma de decisiones. Esperamos que esto sea un manifiesto para que los desarrolladores piensen en crear nuevos juego, esta vez en multiplataforma.

Calificación 8/10

Crítica: Mi amigo Enzo

Por Agustín Villegas

Otra de perritos…

Éste subgenero cinematográfico de historias de perritos se volvió bastante común en está era. Tuvimos la popular ‘MARLEY Y YO’, protagonizada por Owen Wilson y al ladito salió la depresiva ‘Hachiko’, películas que abordan un lado sensible para el espectador promedio, las mortalidad. Con ‘MI AMIGO ENZO’ se va un poco mas allá, se intenta explicar la vida desde el punto de vista de un perrito (con la voz de Kevin Costner) pero dejando en su haber un realismo algo excesivo que no se mantiene por si mismo.

La historia sigue a Enzo, el perro de un piloto de carreras que se dedica a ir recapitulando las enseñanzas que fue absorbiendo en su vida junto a sus dueños. Milo Ventimiglia es Denny, el protagonista humano de la historia que en cierto punto conoce a Eve (Amanda Seyfield), iniciando una vida familiar que generara en Enzo unas cuestiones cargadas de comentarios pedantes y de fácil impacto. Los protagonistas humanos son los que barajan el drama de la historia, los escritores no dejaron mucho margen para que Enzo destaque con creatividad su condición de mascota, solo tenemos una insulsa voz de Costner explicando lo que pasa con un intento de inocencia poco creíble.

La posta es que no me emociono mucho la historia que plantea la película. Las actuaciones son solidas pero hay elementos que pudieron haber explotado mas, una mascota puede ser un problema en un principio, un problema que podría derivar en un desarrollo narrativo creativo. En este caso se desaprovecha, todo lo importante con respecto a Enzo queda de lado, situando el drama en los humanos y dejando al animalito como un espectador que mueve poco la historia.

«Mi amigo Enzo» es una película para ver con los abuelos un Domingo. Hay momentos dramáticos fuertes pero muy mezclados en una historia algo cliche y cargada de personajes aburridos. El punto mas fuerte es la segunda mitad, donde el perro intenta comprender a los personajes con una inocencia que pudo haber sido mas solida con una voz menos ronca como la de Costner. La dirección es normalita, pero la fotografía de las escenas de carreras sobresale ante todo. Si les gustan las comedias dramaticas sobre perritos les va a gustar, pero definitivamente no es para un loquito como yo.

Calificación 6/10

Crítica: Angry Birds 2

Por Daniel Alvarez

Para hablar sobre Angry Birds nos tenemos que remontar varios años atrás, cuando recién comenzaba la revolución de los teléfonos móviles con pantalla táctil y los sistemas android e iOS. Es en ese momento que nació un juego que resultó ser un boom a lo que juegos móviles se refiere, Angry Birds tenía una premisa muy sencilla, lanzar pájaros con una resortera para acabar con los cerditos que se han robado sus huevos.

La popularidad de este videojuego, que llegó a tener varias versiones , como las de Star Wars, Río , además de las adaptaciones para consolas de videojuegos. El cine también debía aprovechar esta oportunidad para usar la popularidad de estos animales para lanzar su adaptación al cine. La primera película ha logrado adaptar correctamente la corta premisa que nos dejaba el juego, teníamos pájaros de distintos colores y con diferentes habilidades, y a los cerdos, que eran nuestros máximos enemigos. El primer Film ha funcionado, gracias a una historia sencilla, y con personajes que contaban con un carisma que lo hacía divertido para los más chicos. Ahora el problema, es que para su secuela se nota que se han encontrado faltos de ideas, queriendo dejar un mensaje sobre la amistad y el bullyng que nunca se desarrolla, igual nos otorga algunos momentos divertidos.

Resulta que en esta secuela, aparece una tercera isla, y que supone un peligro que obliga a los pájaros y cerdos (antes enemigos) a unir fuerzas en contra de la nueva amenaza. La nueva amenaza es una águila un tanto despechada, que quiere vengarse de un viejo amor del pasado, además de tomar las islas para vivir en un sitio caluroso, ya que su isla se encuentra congelada. Los pájaros y los cerdos viajan para infiltrarse en la isla, regalando situaciones divertida, y algún que otro chiste que parece más dirigido hacia el público adulto. Pese a los esfuerzos por otorgar una historia cómica, la trama no termina de cerrar, dejándonos un conjunto de momentos absurdos y poco carisma.

En cuanto al apartado técnico, la cinta cuenta con un trabajo de animación a la par de la primera entrega, representando correctamente el colorido de los personajes en relación al juego. Esta secuela llega solo con doblaje en castellano, que justamente uno de los personajes cuenta con la voz de Dario Barassi, interpretando a un personaje secundario pero un tanto carismático.

No hay mucho más que decir sobre esta película, su historia no es más que un relleno para exprimir un producto reconocido. Puede ser una buena opción para los más chicos, para mantener una cinta familiar luego de las vacaciones de invierno. Aún así no tiene la fuerza suficiente y el carisma que nos dejó el juego y su primera entrega.

Calificación 4.5/10

Reseña: Madame Sabo Cabaret

Por Candela Otero
Madame Sabo Cabaret se presenta todos los sábados en Patio de Actores a las 21.30 hs. hasta fines de septiembre.


Max Accavallo es gigante y muestra de manera impecable sus dotes profesionales. En el escenario se luce sobremanera tanto actuando como cantando. Su voz es perfecta. Y la narración se da de esa manera, mezclando el relato oral, la canción y un poco de baile.
La historia que se cuenta en la obra tiene que ver con el amor, la resistencia, la esperanza, la superación y la clandestinidad. Las acciones suceden dentro de un contexto histórico muy problemático como lo fue el nazismo y las consecuencias de sus políticas como así también con el comunismo; y es que la historia que cuenta la travesti brasilera Madame Sabo, la escuchó en detalle por su abuelo. Es una historia que aunque roza lo heroico y lo conmovedor, hay que estar preparados para la tragedia.
La dramaturgia a cargo de Lucía Laragione es muy buena, todos los momentos son dinámicos y la narración fluye. Es muy interesante que ofrece Patio de Actores, no se la pueden perder, una obra muy completa para disfrutar.
Ficha técnico-artística

Dramaturgia: Lucía Laragione
Intérprete: Max Accavallo
Música: Federico Mizrahi
Coreografía: Teresa Duggan
Escenografía: Marcelo Valiente
Vestuario y maquillaje: Silvia Zavaglia
Diseño de iluminación: Marco Pastorino
Fotografía: Claudio Larrea
Prensa y Comunicación: Mutuverría PR
Producción ejecutiva: Pablo Toporosi
Producción general: Clara Pizarro
Asistente de dirección: Martín Cruz
Dirección y puesta en escena: Clara Pizarro

Duración: 75 minutos

Análisis: Battle Worlds Kronos

Últimamente la consola híbrida de Nintendo le está dando espacio a géneros de juego que quizá no tan propios del equipo de la compañía nipona. Muchos juegos que son más populares en PC se han trasladado a las consolas de sobremesa también, y está no es la excepción, Battle Worlds Kronos es un juego de estrategia por turnos que ha desembarcado en PS4, xbox one y Nintendo Switch luego de su paso por PC, y vamos a comentar un poco sobre de qué va.

Se acerca una guerra y los diferentes clanes van a combatir para decidir quién va a ser su nuevo gobernador. Lastimosamente alguno de sus participantes no siguen las reglas impuestas, por lo que se desata la guerra para evitar que el enemigo llegue a gobernar. Contamos con tres campañas diferentes, y entre ellas vamos visualizando algunas cinemáticas que nos ponen en el lugar de la historia, en Kronos y Rhea, que son los planetas en los que tiene lugar la acción. El juegos nos ocupa alrededor de 30 horas para pasar su campaña principal, aunque por experiencia propia, su jugabilidad me ha resultado algo más lenta de lo normal por motivo de no estar acostumbrado al género. Si, bien su premisa es sencilla de comprender, quizá para el que no consume los juegos de estrategia por turno, no sea el que los haga entrar en este terreno, aun así, la campaña está bien implementada, al igual que el contenido, la progresión y el ritmo de su jugabilidad. Sus batallas están bien implementadas, el objetivo es derrotar las unidades enemigas, que sirve para seguir el curso del relato.

A nivel visual , estamos ante un juego que mantiene un diseño artístico correcto, con una ambientación futurista donde se lleva a cabo la historia. Las cinemáticas cuentan con un buen componente gráfico, y se muestra lo justo y necesario para continuar con el juego. El apartado sonoro es acorde a la ambientación del título , y que se acopla con dinamismo a la jugabilidad.

Battle Worlds Kronos es un juego hecho para Target que están familiarizados con los títulos de estrategia. Si bien es una buena noticia que el género se traslade a otras plataformas más allá del PC, donde tiene concentrado la mayor parte de su público, y así ampliar la llegada de géneros variados en consolas. Lamentablemente no es un juego para todos los públicos, aún así es efectivo en su premisa, otorgando un título entretenido y con una historia interesante.

Calificación 6.5/10

Reseña: Inés

Por José Rossi

Inés es una actriz quien por primera vez fue contratada para realizar un papel protagónico en una obra de renombre. Pero en una de sus funciones tiene una revelación que le hará dar un tumbo en su carrera profesional.

La respuesta a la pregunta ¿quién soy? a veces parece fácil de responder, pero ¿quién realmente soy?, Inés decide adentrarse en este viaje y contar las historias de su vida que la definen como quién es hoy. Esas historias, involucran como protagonistas a sus padres.

Esta obra es un rio de sensaciones y emociones, donde pasamos de la risa al llanto, de la nostalgia y la melancolía, a la alegría de nuestros recuerdos más felices. Una obra que describe la relación con los padres a medida que estos crecen y se vuelven más ancianos, que refleja el sufrimiento por ver partir a aquellos que más queremos y nos muestra cómo el rol de los hijos a lo largo de los años va mutando. Una obra que conecta con nuestras emociones más sensibles y nos propone pararnos un momento a contemplar la belleza de los pequeños momentos.

La dirección del espectáculo está a cargo de Julio Chávez y Camila Mansilla y es protagonizado por Mabel Salerno, acompañada de Chela Cardalda y Luis Canduci. La obra se realiza viernes y sábados a las 22:15hs en El Camarín de las Musas.

FICHA TECNICA
“INÉS” de JULIO CHAVEZ & CAMILA MANSILLA
Elenco: MABEL SALERNO CHELA CARDALDA LUIS CANDUCI
Asistencia de Dirección: PAULA FANELLI & JAVIER ROLDÁN
Diseño gráfico: PABLO BORDENAVE & ANDREA CARDINALI
Diseño de luces: CRISTINA LAHET
Diseño de escenografía: JULIO CHAVEZ
Diseño de vestuario: JIMENA BORDES
Asistencia de escenografía: ILEANA VALLEJOS-CLAUDIO MENDEZ
Prensa: TOMMY PASHKUS AGENCIA
Música: DIEGO VAINER
Producción Ejecutiva: CANDELARIA AUDI & RAMON GAONA
Dirección: JULIO CHAVEZ & CAMILA MANSILLA