Por Laura Pacheco Mora

Calabria es el segundo largometraje de Pierre-François Sauter. En 2009, dirigió Facing the Judge, un documental que fue proyectado en 30 cines en Suiza. Proyectos anteriores incluyen su trabajo para el programa de televisión Strip-tease en el canal RTBF (Comunidad Francesa de la Emisora Pública de Bélgica), y su dirección de unos cincuenta retratos documentales en nombre del programa Voilà en el canal suizo (alemán) SF1 DRS. Antes de eso, el director trabajó en sendos estudios de grabado en Lausana y Milán y sus grabados se mostraron en varias galerías en Suiza. Pierre-François Sauter pasó su infancia en Mozambique, luego vivió y trabajó en Lisboa, París, Bruselas y Lausana. Desde 2003, se ha dedicado a producir y dirigir sus propias películas.

En Calabria nos relata lo que sucede tras la muerte de un migrante calabrés que llegó a Suiza en busca de una nueva vida, Jovan y José, dos trabajadores también migrantes, que viajarán desde aquel país hasta Italia para repatriar el cadáver a su pueblo natal. Juntos enfrentarán las contingencias y las sorpresas del viaje. Este desplazamiento será una oportunidad para rendir homenaje no sólo a la persona fallecida, sino también a todos los trabajadores migrantes. Todo esto se constituye en una atractiva road movie. Vemos permanentemente, el cajón fúnebre, como si estuviera más presente que una persona viva, éste nos habla, incomoda y hace que «algo» nos suceda.

La muerte resulta omnipresente a través del film, mientras que un denominador común, -los tres son inmigrantes-, nos cuenta así a través de ciertos diálogos sus respectivas historias de desarraigo, amor, familia y de la vida, justamente, lo que se terminó para Franco, que es el apodo del reciente fallecido.

También está presente la idea que tiene cada uno con respecto a la muerte y en relación a quién transportan. Jovan, el músico gitano que cita a Paco de Lucía, y a quién vemos tocar la guitarra y cantar muy hábilmente, por cierto, cree en la vida después de la muerte y profesa una fe ciega, esto quizás debido a su sensibilidad artística; José por el contrario es más pragmático, y piensa que cuando uno muere, todo se termina y ya, generando para el espectador un interesante contraste entre ambas personalidades.

Calificación: 8/10

Por Laura Pacheco Mora
Fernando Spiner viaja al pueblo frente al mar donde pasó su adolescencia (Villa Gesell), para cumplir un ritual que comparte con Aníbal Zaldivar, periodista y poeta: nadar hasta una boya. Pero este año Fernando tiene un plan adicional: hacer un documental sobre Aníbal y su relación con la poesía y el mar. Al indagar en la vida de su amigo, Fernando investiga su propio pasado; ya que Aníbal tuvo una fuerte amistad con su padre, Lito. Antes de morir, Lito le encargó a Aníbal que soltara en el mar una antigua boya.

A través de las cuatro estaciones, la boya une a los amigos, pero a la vez representa para Fernando un enigma familiar. La poesía y el mar, la boya tiene como destino la inmensidad del océano. Me recordó a “Alamar” (2009), una película mejicana, que recomiendo para quienes deseen refugiarse por un rato en el silencio y disfrutar. Este artefacto en sí representa al bisabuelo de Fernando, que emigró de Ucrania escapando de trágicos sucesos, como tantos de nuestros antepasados; además de soportar la incertidumbre a través de un duro y difícil viaje. Esto nos transmite la idea de que tan sólo somos un grano de arena en la inmensidad. Infinidad de personas conviviendo en este mundo, en esa playa de Villa Gesell, en donde el mar funciona como observador benevolente recordándonos permanentemente que sin importar lo que suceda en tierra, la fluidez del océano siempre estará allí, expectante.

Así se nos presenta este relato, entre bellísimos pasajes poéticos, que nos enamoran de la pureza del bosque natural y el transcurrir de las estaciones. A través de la poética se nos comunica no sólo esas palabras e ideas, sino las muchísimas connotaciones que puedan dimensionar el significado de cada frase, para que cada uno guarde en su intimidad un mensaje personal, quizás algo que esperamos escuchar o alguna verdad que intentamos evadir representado de esa forma. Personalmente me conmovieron varios de sus textos. La guardavidas dijo como al pasar que, de alguna manera, con su labor, se estaba salvando a ella misma.

Los encuadres, desde el punto de vista del director, resultan muy atractivos, el agua está también representada en la furia y la grandilocuencia de las tormentas eléctricas, que, combinadas con la playa, la noche y los contrastes de sus colores, resultan magníficos.

Es un documental que logra abstraernos completamente, gracias a su música que resulta casi terapéutica, pinturas despojadas de un rédito económico (arte puro), los sonidos constantes del mar, el ruido de la tormenta, las tomas en las que utiliza cámaras sumergibles, simulando un nado y donde nos sentimos realmente, nadando junto al protagonista.

Cómo el mar interactúa con nosotros y se comunica a través de su sonido se ve plasmado en el film de una forma sutil y muy cuidada, que quizás nos remita al significado que tiene éste para cada uno de nosotros de acuerdo a nuestra experiencia y vivencia personal. La imagen inicial resulta muy atractiva y el final nos deja una parábola que podría aplicarse a cada uno de nosotros, lo cual resulta excelente y encantador.

LA BOYA
¿Quién los ve nadar entre la sal y el viento?
¿Qué los lleva a un mismo sitio, siempre?
Un mar amigo los mece y naufragan juntos.
Los únicos testigos son los ojos de la arena,
La piel empapada…
Porque la llegada a la boya es una nueva partida
Es origen, fin y tiempo.

Calificación: 9

Por Laura Pacheco Mora

El film está basado en hechos reales extraídos del libro de memorias de la periodista colombiana Virginia Vallejo “Amando a Pablo, odiando a Escobar”. 

Se trata de la historia del mítico líder del cártel de Medellín, Pablo Escobar, narrada desde la perspectiva de esta reportera. Escobar era llamado el “Robin Hood” de los pobres, dado que su organización sustituía al estado en términos de asistencia social y generación de «empleo». Virginia lo entrevista en dónde viven los sectores más humildes, allí, Escobar relata y muestra cómo ayuda a los carecidos, les construye casas y aún sueña en construir el país que siempre soñó, un país sin niños muriéndose de hambre. La periodista mantuvo una relación sentimental con el narcotraficante al introducirse en su mundo y decidir que ya no le importa cómo hacia su dinero, sino sólo cómo lo usa. Virginia eventualmente se enamora, se gana su confianza por lo que conoce sus secretos, pero luego irá descubriendo el peligro y la dimensión que toma, el accionar violento de Pablo Escobar, interpretado por Javier Bardem y Virginia Vallejo por Penélope Cruz.

Por un lado, tenemos a un narcotraficante poderoso que compra a la prensa, a la policía, a los jueces, políticos, nadie se le enfrenta o desafía, utiliza sicarios y mulas, y por otro ayuda a los pobres, lucha contra los oligarcas y le enseña a su hijo Juan Pablo a decir NO a la hora de enfrentarse a la decisión de tomar cocaína. Representa al pueblo y es un hombre que buscar espeto y exposición. Pero todo se le va de las manos porque el así llamado «enemigo imperialista» por el mismo lo perseguirá incansablemente, aunque Escobar fuese muy astuto a la hora de escaparse estratégicamente.

Excelentes interpretaciones por parte de esta pareja de actores, a quiénes hemos visto juntos y disfrutar de una interesante simbiosis en “Todos lo saben”, una producción franco-italiana y española.

Si hablamos de sicarios, recuerdo “La virgen de los sicarios” (2000), producción franco-venezolana, una película muy dura y realista y, si hablamos de mulas, “María llena eres de gracia” (2004), una simple historia, aunque muy cruel, en ambas se respeta la forma de hablar en ese país, ya que sus protagonistas son de origen colombiano. Muy recomendables para quiénes se interesen por el tema.

“Loving Pablo” no cuenta nada novedoso, es una historia ya contada por otras películas, documentales y series. No resulta nada realista y creíble el enfoque del director y guionista español Fernando Leon de Araona. Además, está hablada en inglés, y claramente dirigida al público hollywoodense y no al de habla hispana, el tÍtulo en inglés nos dice todo.

Calificación: 6/10

Sucia (Špina – Filthy) – Dirigida por Tereza Nvotová (País: República Checa, Eslovaquia) – que se proyecta en el “Festival Al Este” en Buenos Aires. // Crítica de CJ Colantonio.

Una mirada crítica, acabada y valiente desde el punto de vista de una adolescente, como si se tratara de una justificación sobre cómo -la mujer- se aísla de una sociedad incompetente, con instituciones incompetentes.  Aquí -el varón- ni siquiera es invitado a acompañarla en su camino porque es incapaz de formular -siquiera- una acción de la que se encuentre protagonista. En ése lugar de relegación, es donde se dibuja el miedo que subyace y atrapa –en especial al varón- en un cuarto vidriado del que no puede abrirse paso.

La película subraya el hecho de romper con ése silencio, algo tan básico, pero tan inútil en las circunstancias de enorme violencia que se producen en ámbitos hogareños.

En su primera película de ficción, esta directora eslovaca hace uso de su conocimiento como actriz al conducir la mayoría de las escenas a un lugar de enorme libertad para que los intérpretes puedan desarrollar lo auténtico, a tal punto que -durante la filmación en el psiquiátrico- tomó la decisión de mezclarlos con adolescentes que verdaderamente viven en ésos lugares.

En una sociedad que se siente relativamente abierta y justa, esta talentosa directora, nos demuestra cómo el cine es un arma poderosa que si se sabe usar, grita más fuerte que cualquier acción política.

(Calificación: 8/10).

“Corazón amante” (Serce miłości – A Heart of Love)  dirigida por el polaco Łukasz Rotunda que se proyecta en el “Festival Al Este” en Buenos Aires.

La película es una puesta en escena que ronda sobre lo mismo una y otra vez donde se desarrolla lo mínimo e indispensable para hablar de dos artistas contemporáneos de Varosvia (Wojtek Bakowski y Zuzanna Bartoszek) considerados emblemáticos en el mercado local.  Lamentablemente -para mi gusto- desaprovechado.

No existe un mínimo atisbo de interés en ahondar sobre algo que vaya más allá de una historia de amor básica donde los personajes parecen alienados (puestos, en postura) y le restan importancia a la profundidad de la construcción que se desarrolla en la búsqueda artística y que se relaciona en el acto violento de la exposición personal; algo que -sin duda- el director escatimó y desde mi punto de vista es un insulto hacia el sentido valiente de la creación.

Reniego de piezas antojadizas que hubieran tenido mayor interés si se entendiera que el público –además- está interesado en algo que vaya más allá de la superficie.

El material invitaba a algo más que una puesta cuasi documental, lo que hubiera sido aún mejor.  Lo destacable es –justamente- las actuaciones; parece una copia exacta de los verdaderos artistas y deja al descubierto la pregunta del porqué varios directores se empecinan en hacer ficción con una realidad que escupe sus rostros.

Mi respuesta es que el narcisismo eclesiástico en esta ficción le pertenece al mismísimo director, quien parece burlarse de esas búsquedas, pero lo único que hace es mirar y no profundizar en nada, ni siquiera con la intención de invitar -a quien vea la obra- de reflexionar sobre el deseo de conectarse con algo más allá que lo que vemos.

(Calificación 5/10)