Por Agustín Villegas

Miente, miente, que algo quedará … Quizás.

Es innegable el hecho de que el cineasta Guillermo Del Toro es uno de los maestros de la puesta en escena. A nivel estético estamos ante una película gigante que toma la exquisitez visual de la USA de los 40′, con un reparto de lujo que colabora, gracias a su talento, en hacer brillar una película con una historia turbia que fue mal aprovechada por los escritores.

Basada en la novela de culto de William Lindsay Gresham la historia tiene como eje central la oscuridad a la que el humano puede llegar con tal de ser lo que el ego necesita, mas concretamente, las mentiras y traiciones que se usan para alcanzar un objetivo. Un errante Stanton Carlisle (Bradley Cooper) llega a una feria de pueblo en donde es contratado, en ella conoce a un matrimonio de adivinos, interpretados por Toni Collette y David Strathairn, a los cuales hace lo imposible para chorearles la formula que les permite sacarle la ficha al cliente y así lograr saber que decirles para sacarles un mango. La historia se divide en dos partes, una es el viaje de Carlisle en la feria, donde conoce a un elenco de personajes bizarros, entre los cuales está su futura esposa Molly (Rooney Mara), y la otra es en los ambientes nevados de la urbanidad de la ciudad de Buffalo. A partir de éste punto medio empiezan a surgir los verdaderos actos abyectos de nuestro perverso protagonista, ya que utiliza las habilidades de sus conocidos para estafar millonarios, todo con la ayuda de una psiquiatra de la high society interpretada por Cate Blanchett. Al reparto lo completan grosos como Willem Dafoe, Ron Perlman, Richard Jenkins, Holt McCanally y Mary Steenburgen.

La película no tiene miedo de meterse en los terrenos del psicoanálisis, el arco principal de Stan parece sacado de un ejemplo universitario sobre Freud. Tampoco se esconde a la hora de irse por terrenos oscuros, no necesitamos una trama alegre, sino una trama fuerte, y ya ésto es digno de ser alabado … Pero lamentablemente la trama no tuvo la fuerza suficiente. La producción se distrae haciendo un mundo soberbio en lo visual y vacío en lo emocional. El personaje de Cooper es tan tieso que no le creo todos los mambos que nos quieren hacer que tiene, sumando que la película dura casi dos horas y media, por lo que cuenta con un relleno injustificado y momentos vacíos que realmente me hacían mirar las luces de salida de emergencia de la sala.

A nivel actoral todos estan bien, cumplen. El problema es mas la fuerza de los personajes, ninguno es memorable. Con una trama así de fuerte se pudo haber aprovechado mucho mas en hacernos querer (u odiar, en éste caso) a los personajes que componen la historia. La estética es el plato fuerte, la fuerza del proyecto esta en lo visual, una representación romántica de esa época con un apartado visual saturado y digno de Guille y compañia. Otro elemento favorable es que no se diluyeron la oscuridad del protagonista, si bien esta mal tratado a nivel interpretativo (la producción estaba mas ocupada con los sets que con la dirección de actores se ve) las acciones del personaje nos hacen odiarlo con fuerza, y tener un personaje principal con esa templanza es algo fresco entre tantos héroes.

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS es una película floja para los estandares de Guillermo Del Toro. Puede volverse tediosa por su duración y su carencia de rumbo, pero vale la pena ser vista por todos aquellos adictos a las puestas en escena grandiosas.

Calificación 7/10

Por Jorge Marchisio

Los viajes de Gulliver es quizás uno de los libros más adaptados a la gran pantalla, sin necesidad de pertenecer a una gran productora. Esta vez a nuestros cines nos llega El regreso de Guillier, una secuela a la historia que ya todos conocemos. Veamos que tal es.

La historia es bastante simple, con Gulliver volviendo a Lilliput, pero esta vez sin ser un gigante. Esto hace que la gente se sienta bastante decepcionada, lo cual le da carta abierta al rey, para acusar a Guillier de ser un fraude y culpar de cuanto mal asola el lugar.

Antes de comenzar, debo decirles que es bastante difícil hacer esta reseña. Y no porque estemos ante una película existencialista, o con muchas metáforas. Sino que es el claro caso donde uno no es el público al que obviamente apuntaron cuando aprobaron el proyecto, pero no por eso es justo que uno mate al film en cuestión. Así que veamos que sale de esta review.

Lo primero a destacar a favor, es que la animación es bastante buena. Es colorida y los personajes tienen el suficiente grado de caricaturización como para atraer a los más chicos de casa (quienes sí son el público al que se apunta), pero sin caer en dibujos simplones que demostraran unas nulas ganas de trabajar por parte del equipo de animación.

Lo que, sí podemos decir que no tiene demasiado sentido, es la trama. La gracia principal de Los viajes de Gulliver, es que cuando llega a Lilliput, este es un gigante. Si le quitamos ese factor, no habría nada que le de el toque de particularidad a la historia, y eso es lo que pasa con El regreso de Gulliver. Si, a través de la historia se busca explicar porque pasa esto, pero sigue sin cuajar y al menos a los grandes, nos va a quedar la sensación de que acabamos de ver algo sin mucho sentido.

Lo que sí destaca bastante es el apartado musical. Y no, no tenemos canciones al más puro estilo de la productora del ratón, sino que toda la banda sonora tiene un dejo a música celta que al menos a quien les habla, le gusta bastante; y ya por eso, se lleva un punto extra.

En conclusión, El regreso de Gulliver es un film infantil con todas las letras; ya que es de esos proyectos que, como adultos, solo nos va a tocar llevar a los chicos al cine y ya, nos queda muy poco para disfrutar. Una lástima.



Calificación: 5/10

Belle (Mamoru Hosoda, Japón, 2021)

El cuento de La Bella y La Bestia lo conocemos todos, quizá la versión más vista es la de Disney pero a casi tres siglos de que fue publicado, son infinitas las adaptaciones, Belle le dio un giro de tuerca interesante al clásico.

BELLE es una película de anime japonesa de 2021 escrita y dirigida por Mamoru Hosoda. Está basado e inspirado en el cuento de hadas francés de 1756 La Bella y la Bestia de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont.
El año pasado Facebook anunció su cambio de nombre como entidad cooperativa y además, dio a conocer el metaverso, una especie de realidad virtual que en una década aproximadamente estaría lista para todos, esta idea causa fascinación en muchos y pánico en otros. Me refiero a esto ya que los personajes de Belle viven en una.

Belle es una película totalmente hermosa que vale la pena ver en cine, es cautivadora y emocionante, parte de ello es por el universo que plantea donde la realidad virtual suele ser más atrayente que la física, todo esto está muy cerca de lo que vivimos actualmente con nuestra adicción a las redes sociales.
Este mundo de fantasía y ciencia ficción que plantea Belle en su animación es fascinante y prolijo, aunque el mayor atractivo es sin duda la banda sonora original creada por Taisei Iwasaki. Las canciones son emocionantes y pegadizas.
Belle no usa el cuento de la bella y bestia cómo sostén sino lo lleva más allá, creando una idea propia y una historia empática.
Quizá es una de las mejores del estudio Chizu junto a ‘La chica que saltaba en el tiempo’ de Hosoda.

Es un filme que puede gustar tanto a grandes como a chicos, pues la tecnología y la comunicación humana nos interpela a todos en nuestra cotidianidad.
Recomendada.

Calificación 8/10

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web

The power of the dog (Jane Campion, 2021)

La grandiosa y legendaria Jane Campion regresa con un western lleno de capas y mensajes sobre la masculinidad.
The power of the dog es una película escrita y dirigida por Jane Campion, basada en la novela del mismo nombre de Thomas Savage. Está protagonizada por Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie y Frances Conroy.
Jane Campion nos ofrece un neo western que oscila por distintos géneros, desde el drama familiar y romántico y el thriller.
Ambientado en 1925 en Montana, los hermanos Phil y George Burkbank viven una vida acaudalada dueños de un rancho donde fabrican cueros.

Phil es un vaquero desaliñado, tosco, machista e iracundo pero carismático. George es tímido, cortes y prolijo. La relación entre ambos hermanos se ve comprometida cuando George se casa con una viuda que tiene un hijo poco masculino para los estándares del lugar, Phil hará la vida imposible a esta mujer.
Campion nos lleva a lo más íntimo de la vida del viejo oeste, su visión sobre la masculinidad opresiva y los sentimientos reprimidos es clara. Hay un tratamiento delicado a los perfiles de los personajes, una ambivalencia sutil pero que nos darán sorpresas.

Si bien para muchos el ritmo del filme podrá ser muy lento, se vuelve hipnótica desde el principio, la música la hará muy tensa junto a la fotografía que muestra desde las imponentes tomas del paisaje, lo gráfico y crudo de la matanza animal y el lenguaje visual de los personajes que dicen mucho por este medio.
Benedict Cumberbatch realiza su mejor interpretación en este personaje hostil pero reprimido, es irreconocible y convincente, el desarrollo del mismo hace entenderlo más y empatizar. Kristen Dunst por un lado es una gran acompañante de reparto con su papel de mujer oprimida y solitaria.

The power of the dog seguramente triunfará en la temporada de premios, especialmente a dirección y actuaciones. Es un deleite de inicio a fin y un sublime regreso de Jane Campion.

Por Sebastián Arismendi

Instagram : @cachalote94

Calificación 9/10

he french dispatch (Wes Anderson, 2021)
El carismático Wes Anderson regresa este año con su crónica francesa y su homenaje al mundo del periodismo.

La expectativa de este filme con un elenco numeroso de estrellas reconocidas no se hizo esperar desde los primeros avances.
The french dispatch o La crónica francesa es la reciente película de Wes Anderson la cual es escrita a 10 manos.

El filme se recrea en Francia dónde el departamento de un periódico francés llamado The french dispatch recoge historias de interés, a su vez otro diario pero de Kansas, realiza la última edición de este medio impreso.
La película está protagonizada por un reparto coral con Benicio del Toro, Adrien Brody,Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric, Stephen Park, Bill Murray y Owen Wilson. El elenco de reparto cuenta con algunos de los colaboradores recurrentes de Anderson, incluyendo a Liev Schreiber, Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, y Anjelica Huston.
Al tener un elenco tan variado el foco estará puesto solo sobre algunos, el resto dará cameos.
Estos tres cortometrajes unidos entre si mediante crónicas narradas en voz en off por uno de los protagonistas.

Los personajes tienen la carisma característica de la filmografía de Anderson. Inanimados pero entrañables en situaciones absurdas y coloridas.
Acá Anderson exprime todos sus recursos filmograficos, parece ser un recuento de todos sus trucos para mostrarlos a nuevos espectadores o estudiantes de cine. La narrativa es fluida y amena aunque se vuelve tediosa pues carece de ritmo. Muchos personajes aparecen porque sí y no tienen siquiera una introducción. La dirección y montaje son un gran plus, es un deleite todo el trabajo de escenografía, arte, fotografía y vestuario.

The french dispatch es una carta de amor al periodismo, así la describe su director y en efecto lo es, una oda a la labor periodística profesional y sería del siglo pasado. Es una película muy de Wes Anderson para Wes Anderson

Por Sebastián Arismendi

Instagram: @Cachalote94

Calificación 7/10

2022 arranca de buena manera con el estreno en Netflix del esperado debut de Maggie Gyllenhaal. Luego de su gran recibida en el festival de Venecia, la actriz y ahora cineasta nos da un interesante y prometedor camino en el mundo de la dirección.

The lost daughter es una película escrita y dirigida por Maggie Gyllenhaal, basada en la novela del mismo nombre de Elena Ferrante. Olivia Collman, Dakota Johnson y Jessie Buckley protagonizan esta historia de mujeres.
Tanto la novela, la dirección, los personajes y toda la trama tiene un enfoque muy femenino pero también rompe con el binarismo de un tema que por cultura, las mujeres deben afrontar y responsabilizar: la maternidad.
La historia nos ubica en una isla del archipiélago griego, una profesora universitaria se va sola de vacaciones. En la playa observa a una madre con su hija, luego de que la hija de esta se pierda, la mujer comenzará a revivir recuerdos de su propia maternidad.

Olivia Collman nuevamente nos regala una interpretación para aplaudir de pie. Este papel le cae cómo anillo al dedo por la complejidad y el tratamiento que Maggie Gyllenhaal le otorga.
Gylenhall adapta la novela además de dirigirla así que opta por ofrecernos una historia intrigante, seductora y conmovedora, la misma viene a barrer los conceptos de buena o mala madre. El filme coge un ritmo de thriller psicológico que la hace más atrapante aunque en el fondo es un drama muy profundo sobre las relaciones madres e hijos.

Dakota Johnson está estupenda pero quién se roba el rol secundario es sin duda Jessie Bucley (conocida por el filme Estoy pensando en dejarlo).
The lost daughter nos confunde, nos deja envolver con esa atmósfera pesada veraniega dónde se rompe con lo que es moral y culturalmente aceptado, dónde la sororidad está a flor de piel pero con espinas peligrosas. Maggie Gyllenhaal elabora un debut prolijo y seguro estaremos esperando más de ella.

Calificación 8.5/10

Este año vuelven dos estrellas fuertes y recargadas para la competencia en los Globo de Oro, BAFTA y Óscar: Nicole Kidman y Javier Bardem. Ambos interpretan a la pareja icónica de la televisión estadounidense de los 50’s: Lucille Ball y Desi Arnaz, protagonistas del show ‘I love Lucy’.

Aaron Sorkin vuelve un año después de su éxito en El juicio de los 7 de Chicago, esta vez opta por un estilo menos frenético elocuente y se va más por el drama. sobre la actriz, pionera de la televisión, Lucille Ball (1911-1989). La historia se desarrolla durante una semana concreta de la producción de la exitosa serie de la época ‘I Love Lucy’ cuando Lucy y su marido, Desi Arnaz, se enfrentan a una crisis que podría terminar con sus carreras y también con su matrimonio.
Nicole Kidman fue muy criticada por el maquillaje para poder parecer a Lucille, habiendo actrices parecidas a Lucy, sin embargo Aaron Sorkin tomó una buena decisión. Si ven videos de Ball en Youtube, podrán ver qué Kidman captó toda su esencia sin imitarla.
Javier Bardem como Desi Arnaz tiene todo el carisma necesario, Arnaz fue una estrella cubana que supo enamorar al público estadounidense en pleno climax de la guerra fría.

Dentro del elenco está JK Simmons y Nina Adriana que lo hacen muy bien como los coprotagonistas del show. Sorkin intenta meter tres conflictos que sobrepasan a la protagonista, esto hace que el filme se vuelva muy tenso y no de respiro siendo el último acto que termina de forma abrupta.

El metraje a pesar de ser extenso no aburre además, esta mezcla de falso documental más dramatismo y representaciones del show original la hacen interesante y más realista.
Kidman hace uno de sus mejores papeles, con fuerza y dejando a lado su rol de mujer fría que lleva casi dos décadas haciendo. Acá se ven más matices y eso se agradece.

Being The Ricardos es un buen homenaje a este legendario show estadounidense, del cuál Wandavision tomó referencia para sus primeros capítulos. Aunque se queda corta, Sorkin relaja tanto palabrerío y decide dar espacio al drama y no tanto a la charla.

Por Sebastian Arismendi

Instagram: @cachalote94

Calificación: 8/10

La nostalgia es el principal motor de venta de Hollywood actualmente. Los clásicos de los 90 y 2000’s están volviendo en forma de reboots, secuelas o reuniones. Para el último caso se trata de un programa especial donde el elenco de alguna saga o serie se reúne para compartir vivencias de los rodajes y demás. El enfoque es remover la fibra de aquellos adultos de 30 40 años que vieron estas producciones cuando eran chicos. Los resultados si conmueven, efectivamente, ¿A veces son necesarias?, Digo por las secuelas de sagas que ya habían cerrado y reboots.

Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se unen al cineasta Chris Columbus y a otros queridos miembros del reparto de las ocho películas de Harry Potter en su viaje de regreso a Hogwarts por primera vez para celebrar el aniversario de la primera película de la franquicia, Harry Potter y la piedra filosofal, que se estrenó hace 20 años.

Warner se encarga de reunir a estos actores que ahora son adultos, varios decidieron dejar la actuación y otros siguen con decisión de continuarla. El ver a las grandes estrellas británicas aportar sus experiencias de rodaje y la gratitud de haber pertenecido a una octalogia de películas que marcaron a una generación, también es destacable.

No todo es comentarios de los actores, los directores y productores cuentan sus experiencias, así como también parte del equipo principal. Las tomas fuera de cámara y de los casting nos abre más la cabeza sobre cómo fue elaborar tal producción.

Conmueve ver el paso del tiempo en los actores, especialmente los de avanzada edad, también recordar que grandes figuras de Harry Potter ya no están como Alan Rickman.
Se esperaba controvencia con la aparición de JK Rowling pero por suerte no fue así. Al menos los fans juzgaron a la autora más no su obra. Recordemos que la escritora es abiertamente transfobica.

Harry Potter: regreso a Hogwarts toca la fibra de los fans acérrimos e interesa aquellos que vieron las películas durante o después que salieron.
Se nota que todo este especial fue guionado en muchas partes por lo que pierde naturalidad, aún así se agradece haber removido la nostalgia.

Recomendación de Sebastián Arismendi

Instagram : @Cachalote94

Calificación 8/10

Por Agustín Villegas

La clase de historia mas cool que se puede pedir…

La franquicia KINGSMAN amasó una cantidad de seguidores sorprendente, todo gracias a su humor ágil, personajes copados y secuencias de acción de alta calidad. Basada en el cómic de Mark Millar las primeras dos entregas exageran el concepto de AGENTE SECRETO sacando a relucir todos los elementos vistos en James Bond, como los gadgets flasheros o el arte de la seducción pero con anabólicos, al punto de ser una sátira sutil con un guión sólido y creativo. Las primeras dos entregas de la franquicia central tenían como protagonistas a Taaron Egerton, Colin Firth y Mark Strong, quienes se tomaron la idea muy en serio y dieron unas interpretaciones magistrales que dejaron a la franquicia en una posición envidiable. El estudio vio que, a pesar de que la segunda entrega subtitulada ‘THE GOLDEN CIRCLE’ no tuvo el mismo impacto que la primera, el universo de espías que planteaba Mark Millar y el cineasta Matthew Vaughn era lo suficientemente rentable como para contarnos, en una precuela, el origen de la agencia británica a la que tanta mitología se le había dado. Aca entra KING’S MAN: EL ORIGEN, una tercera película de la franquicia pero situada en la primera guerra mundial, con un nuevo reparto pero con Vaughn regresando como director.

A principios del siglo XX un grupo de tiranos reunidos en una mesa larga y sombría planean un golpe que llevará al mundo a una de sus guerras mas oscuras y violentas. En respuesta el duque de Oxford (Ralph Fiennes) lleva a cabo un contraataque facilitado gracias a una red de empleados domésticos de la alta sociedad que, gracias a su afán de parar la oreja, mantienen al tanto a nuestro protagonista permitiéndole adelantarse en su misión de prevenir o … Spoilers? … Terminar la primera guerra mundial. En el elenco de personajes tenemos al hijo del Duque, Conrad Oxford (Harris Dickinson), un joven obsesionado con ir al frente de batalla, el mayordomo experto en combate Shola (Djimon Hounsou) y la ama de llaves experta en tiro Polly (Gemma Artenton). Del lado de los antagonistas solo les mencionaré a dos para evitar entrar en spoilers, tenemos al siempre genial Rhys Ifans como el enigmático monje Gregori Rasputin y Valerie Pachner como la bailarina y espía Mata Hari.

Así como las primeras dos películas son una sátira de James Bond y todo lo que este relacionado al espionaje moderno éste film se centra mas en hacer, con la misma sutileza, lo mismo pero con el género bélico. La versión de la primera guerra mundial que vemos en la historia es sumamente didáctica, cualquier persona que sale de ver el film va a querer adentrarse mas en el conflicto bélico gracias a como los guionistas lo presentaron, y ésto no es poca cosa, que el espectador quiera informarse gracias a una película habla maravillas del proyecto en sí. La historia nivela el drama, la comedia y la acción de una forma brillantemente equilibrada, dándole a la franquicia una inesperada complejidad que tiene como motor una historia de paternidad hermosa, liderada por uno de mis actores favoritos Ralph Fiennes.

Otra de las cosas piolas de la película es que se lleva bien con todos los tonos a los que quieren llegar, cuando hay humor es buena con eso, lo mismo con el drama, ésta es una historia cargada con tragedia, y mecha con unas formas muy graciosas de contar la historia. La ridiculización de la rivalidad familiar entre los primos hermanos Guillermo II, Nicolas II y Jorge V es hilarante, toma mucho de como BASTARDOS SIN GLORIA caricaturizo a personajes de la segunda guerra mundial.

Espero que el público le de una oportunidad a THE KING’S MAN y asi evitar que sea aplastada por NO WAY HOME o MATRIX … Estamos ante un PELICULON que recomiendo sin pensar dos veces.

Calificación 8/10

Don’t look up (Adam Mckay, 2021, Netflix)

Otro de los estrenos más esperados del año es Don’t look up. De la mano de Netflix y su aparatoso motor de publicidad y más contando con este poderoso elenco, llega de una las sátiras más arriesgadas de los últimos tiempos. Su eslogan es: Basadas en hechos verdaderos que no aún ocurrido aún. En parte es así pero el filme puedes amarlo u odiarlo, la crítica y el público se van a dividir al verla.

Escrita, producida y dirigida por Adam McKay. La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como dos astrónomos de bajo nivel que intentan, a través de un recorrido por los medios, advertir a la humanidad sobre un asteroide que destruirá la Tierra. Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett y Meryl Streep completan el reparto.

Don’t Look Up es un filme de dos horas que no es la comedia parodia como nos tenían acostumbrados a comienzos del 2000 con las sagas de Scary Movie y otras, es una sátira por lo que el estilo de humor es afilado, ácido, cínico, algo déspota y bien en la cara.

Generalmente la sátira suele causar más polémica pues se usan chistes aplicados a la realidad pero con un sentido del humor delicado e inteligente. Lo que la verdad te puede ofender, a mí me puede dar gracia (o no).

Mckay con su frenético montaje y sagaz guión nos lleva al mundo actual en el que vivimos en una especie de idiocracia. Las redes sociales, los políticos, las conspiraciones, la economía, los influencers y los medios capaz no han vuelto algo idiotas y no hace falta una película que nos lo recuerde, solo hacer un repaso en las redes sociales y medios para ver cómo reaccionamos ante cualquier noticia global.

Mckay elige el finde del mundo y su visión de cómo lo enfrentaríamos, la cual es absurda, déspota, directa pero nada escapada de la realidad.
Dicaprio y Lawrence interpretan a estos científicos que intentarán todo para que los políticos, los medios y la gente se den cuenta de la gravedad del asunto. Streep por un lado hace una especie de Trump mujer con su movimiento negacionista.

Todos los eventos y críticas que hace están pasando y elegir no verlo es parte de la intención de la película: ¿Qué tanto aceptamos la realidad?

La película crítica de forma salvaje al gobierno estadounidense, los influencers, medios de comunicación y la gente en general, pero también se crítica a si misma. Parte de la comedia es primero reírse de uno mismo para comenzar con los demás.

No es una película fácil y seguro no gustará a mucha gente pero el mensaje que deja es fuerte y hasta desolador. ¿En qué nos estamos convirtiendo cómo sociedad?
Don’t look up en particular me ha gustado pero entiendo a quien no le vaya a gustar, así como lo hacen filmes como Borat, el filme va a dividir y capaz eso es lo interesante.

Calificación: 8/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.