La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Uno de los precursores del expresionismo alemán fue F.W. Murnau que, en la década de los 20 había triunfado con filmes como Nosferatu y Amanecer. Su llegada a Hollywood al igual que gran parte de la línea de directores expresionistas, supuso entrar a grandes productoras, en este caso la de WIlliam Fox. Al no tener 100 % de libertad creativa, se alejó de su estilo original y se fue hacia el realismo, tal es el caso de »El pan de nuestro día», primer filme sonoro de Murnau y también su último antes de fallecer.
El film, realizado en 1930, cuenta la historia de un amor comprometido por las circunstancias y una oposición entre el campo y la ciudad, con un padre que somete a su tiranía patriarcal. Charles Farrell, Mary Duncan, David Torrence y Edith Yorke son parte del elenco de este filme ambientado en un campo de trigo, donde una joven de ciudad debe enfrentar al machismo y a su suegro, todo esto en una época y en un contexto socio geográfico donde la mujer tenía poca voz.
La historia de »El pan de nuestro día» es simple, el filme cobra fuerza en su segundo acto cuando la protagonista conoce a sus suegros, la tensión aumenta así como el conflicto que comienza a cocinarse bien. El manejo de cámara de Murnau es espléndido, fue uno de los precursores del traveling, a su vez la fotografía es impecable. La referencia del trigo y del pan como alimento, fuente de trabajo y opresión es clara. Los prejuicios, la tiranía, la reivindicación, el perdón y el bajar el orgullo son partes de las fases que enfrenta el villano.
Este filme fue exhibido en el VIII festival Asterisco en el CCK el domingo 31 de octubre, para ello se reprodujo en un proyector de celuloide de cintas de rollo,su versión muda original, acompañada por banda sonora en vivo a cargo de 107 Faunos y Niño Elefante. (Se encuentra en Youtube, la recomiendo) Más información sobre la programación del festival la pueden encontrar en https://festivalasterisco.com.ar/ El festival termina el 7 de noviembre.
Lo inevitable (Fercks Castellani, 2021, Argentina)
El cine de terror está muy ligado con lo religioso, especialmente lo cristiano. El subgénero de posesiones está muy presente hoy en día con la saga del Conjuro de James Wan o cualquier otro refrito que sale dos veces al año. Se relaciona al fanatismo religioso y de la fe dentro del terror pues se habla de portales, los mismos son el paso entre el más allá o el infierno con el plano material, así como también el enlace para poder contar historias.
»Una familia se refugia en una antigua casa de campo las últimas horas antes del anunciado juicio final. Pero la aparición inesperada de un intruso, que dice ser un salvador, pone en riesgo su fe y su destino.» Es la sinopsis de la nueva película escrita y dirigida por Fercks Castellani.
Luciano Cáceres, Juana Viale, Daryna Butryk y Javier Godino encabezan el elenco de este filme donde los recursos son aprovechados, el 90 % de la película ocurre en una casa donde esta familia debe tomar una decisión en esta especie de apocalipsis que anuncia la radio. La fotografía de Eduardo Pinto es un gran acierto, le da un enfoque sofocante, lúgubre y onírico, parece haber salido de una pesadilla esos tonos opacos y negruzcos. La música de Nicolás Iaconis IV nos adentra más dentro de esta historia que resulta asfixiante, así como el manejo del sonido detallista.
El problema con Lo Inevitable cae en su guión, que si bien como dije anteriormente, aprovecha los pocos recursos para contar una historia decente, las lagunas argumentales son tantas que pueden ahogar a los espectadores. Los personajes no son proactivos y se limitan a lo que tienen, les falta chispa y dinamismo. El final si es inesperado y un 30 % convincente. Si bien no es una excelente ni mala película, puede ser el inicio de un resultado mejor en caso de que Castellani decida involucrarse más dentro del cine de terror.
Calificación 6/10
Lo inevitable está disponible en cines en Buenos Aires a partir de este jueves 28 de octubre. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Cero espectativas al entrar, la animación era genérica y el trailer se veía fofo y carente de personalidad. Era ese típico proyecto animado que pasa sin pena ni gloria, pero al terminar me quede sorprendido … No SUPER SORPRENDIDO, pero algo de buen humor. RON DA ERROR es una de las primeras películas de FOX tras la compra de Disney, por lo que el enfoque que se le de a éste proyecto era crucial para determinar que tanto la empresa del ratón pasivo agresivo se iba a meter en sus ideas. Aparentemente se les dejo trabajar con cierta libertad creativa y sello personal, quiero creer que ésto se mantendrá así y no es que hubo poco tiempo para infiltrarse.
La historia sigue a Barney, un pibe que quiere sumarse a la corriente de la moda adquiriendo un robotito que básicamente es un celular capaz de tener movimientos propios. Al adquirirlo se aviva de que el modelo que le llego está fallado, y en su falla, se encuentra una humanidad que inesperadamente complementara al muchacho en cuestión.
La animación es el punto flojo, no por sus detalles sino por la carencia de innovación. Los diseños de los personajes podrían ser mejor, son personajes que se vieron en repetidas ocasiones en otros proyectos. No obstante la historia y el mensaje que intenta dar es coherente y, con un final arriesgado, nos brindan una lección que para los niños internautas puede ser muy valiosa.
Henry Jackman compone una carismática banda sonora que acompaña muy correctamente el tono familiar de la película. Todos los personajes cuentan con un momento propio y la relación HOMBRE MAQUINA (for kids) esta plasmada dignamente.
RON DA ERROR funciona para chicos y quizas para algunos adultos que todavía se enganchen con proyectos animados. Ojala Disney continúe dandole rienda suelta tanto a los animadores como a los cineastas de cine carne y hueso.
No cabe duda que Leonardo Sbaraglia es uno de los actores vigentes más talentosos. Desde su debut en la película La noche de los lápices (1986), con más de 30 años de carrera, se ha consolidado a nivel nacional e internacional.
La nueva película de Leonardo Brzezicki, es una producción argentino- española que nos lleva a conocer la vida de un hombre de mediana edad (interpretado por Sbaraglia), este entre el abuso de alcohol y sustancias debe lidiar entre cuidar a su hija (Miranda de la Serna) y su conducta dependiente a los demás.
Sbaraglia nos ofrece su papel más arriesgado, se sale de su zona de confort para interpretar a un hombre que grita por afecto y que busca llenar vacíos. Todo esto en un marco de sexualidad desenfrenada, intimismo y violencia.
Muchas películas de temática gay han mostrado la soledad del hombre, esa búsqueda incesante de ser correspondido, amar y pertenecer: todo esto en un marco de superficialidad, banalidades, sexo y drogas. Errante Corazón cae en los mismos arquetipos de este estilo de dramas pero el enfoque es más intenso, íntimo, sincero y desgarrador.
Miranda de la Serna (hija de Rodrigo de la Serna)interpreta un excelente papel que muestra sus cualidades como joven promesa actoral. La química entre ella y Sbaraglia está muy bien, siendo el punto de ternura de la película.
Errante Corazón tiene una dirección desprolija y un guión que pierde fuerza y a veces interés, la fotografía no aprovecha los lugares sino se reduce a un cuadro más encerrado y enfocado hacia el protagonista, la cámara lo sigue a todas partes por lo que el relato se vuelve en primera persona.
No es una película excelente pero tampoco mala, es el personaje principal y su complejidad lo que hace interesante la trama; todo esto acompañado con una interpretación atinada y totalmente comprometida, quizá la mejor de Sbaraglia, dónde no tiene miedo a desnudarse y mostrar sus miedos desde el principio. Disponible en HBO max y en cines.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
En 2007 el catalán Jaume Balagueró estrena una de las mejores películas de terror de habla hispana: REC. Este suceso surge en el auge del cine español, empresa que sigue aun creciendo, creando producciones hechas en España, con alta calidad e incluso con elenco internacional. Para este caso Balagueró junta a dos estrellas conocidas: Freddie Highmore y Liam Cunningham, estos actores británicos comparten pantalla con José Coronado y otras figuras del cine español en un heist movie.
La serie hispana mas vista de la historia de Netflix es La Casa de Papel, cuya primera temporada fue todo un éxito en crítica hasta que se fue exprimiendo más de lo necesario para su quinta temporada. La mención de la casa papel tiene que ver ya que Asalto a la casa de la moneda habla sobre el robo de un equipo internacional hacia el banco de Madrid. Las relaciones son obvias, tanto la traducción del título en español (Way down original) como la premisa. Esto puede hacer pensar al espectador que se trata de un remake yanki de la casa de papel, pero la película es española, aunque habla del plan para poder robar un banco, no es la dirección ni los métodos que maneja la serie de Netflix.
Way down es un thriller heist lleno de momentos inverosímiles y ligeros toques de comedia. Este equipo debe idear un plan para poder sacar un tesoro colonial de la bóveda del Banco de Madrid, bóveda cuya leyenda dice que es inexpugnable. Freddie Highmore interpreta al personaje bueno, inocente y tímido que sabe hacer desde que comenzó su carrera, su papel no supone un desafío para él y sabemos que es apto para el rol. La forma en que involucran el robo durante el mundial de fútbol Sudáfrica 2010 donde ganó España, hace del filme más interesante. El montaje la hace muy dinámica y fácil de ver, llena de suspenso toda la sala las escenas de los planes y ejecución del robo.
Way down es una película simple que no ofrece nada nuevo, entretiene pero solo eso, no va más allá y se queda con rítmico, ignora la profundidad que pudo tener y solo da un espectáculo de fútbol, robos inteligentes y sorpresas convenientes. Es divertida, símil o con estilo a Ocean Eleven pero se olvida al dia siguiente.
Asalto a la casa de la moneda está disponible en los cines Multiplex y en todos los cines a nivel nacional.
Calificación 6/10
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.Instagram: cachalote94
Disculpen, pero acá estoy como sapo de otro pozo. Accedí a ver CATO por el cringe, no tenía idea de quien es Tiago PZK o a que se dedicaba, por lo que al terminar la película me puse a investigar QUIÉN ES CATO y la verdad no encontré nada muy interesante con lo que armarles mí previa informativa. Tengan en cuenta que tengo tendencia a ser un animal cruel con lo que es una moda que no me interesa, no planeo fingir amabilidad. El artista en cuestión es un rapero que también se especializa en el arte del trap, osea, una fusión entre rap y reggeaton. Al parecer el pibe ganó varios torneos de freestyle, lo que lo catapultó a la fama muy recientemente al punto de protagonizar un videoclip que intenta ser la respuesta argentina a la película de Eminem.
Cato es un pibe de barrio humilde que sueña con ganarse la vida haciendo música. Pero las tentaciones de los bajos mundos del conurbano lo llevan a tomar el mal camino. Despues de zarparse con un vecino y terminar humillado, el flaco decide buscar venganza mandándose la cagada de su vida, una cagada que le genera una culpa insostenible HASTA QUE SE ENTERA QUE TIENE UNA AUDICIÓN PARA CUMPLIR SU SUEÑO Y LISTO, PASÓ. Lo que Cato no se imagina es que las consecuencias de sus actos le van a pasar factura y … Bueno, no estoy autorizado a spoilearles nada … Pero no puedo evitar mencionar la carencia de evolución que nuestro héroe urbano tiene a lo largo de la historia.
A fin de no ser monótono voy a empezar mencionando las cualidades de la película. La fotógrafia esta bastante bien trabajada, si bien abusan de conceptos básicos como los contrastes de luz tengo que admitir que las tomas estan muy bien logradas. Los dialogos son otro de los elementos que suenan bastante realistas y no tan forzadas como otras de las millones producciones nacionales centradas en los barrios turbios de Buenos Aires. Las actuaciones zafan, sobresale Alberto Ajaka como el refinado comisario Carrillo, un personaje caricaturesco que por alguna razón funciona.
Ahora con respecto al guión sí tengo varios comentarios. Estamos ante un protagonista que VIVE EQUIVOCADO, todo su accionar es errático y LITERALMENTE todos tienen razón excepto el. Para ejemplificar les cuento el detonante a fin de esquematizar la atrocidad argumentativa del film. Cato le hace una joda cruel a un vecino interpretado por Daniel Araoz, el tipo se enoja con total razón y le mete al pibe un boleo en el orto. La película intenta demostrarnos que el malo es Araoz y no Cato, hasta cuando claramente vimos que el error estuvo en el pibe. Hasta acá me dije por dentro OK, ÉSTO ES ALGO QUE EL PERSONAJE VA A CAMBIAR A LO LARGO DE SU VIAJE, pero no, al otro dia entra a lo del vecino y se venga, llevándose como daño colateral a un ser querido. Ésto tiene consecuencias PORSUPOLLO QUE NO! Su vecino interpretado por Araoz, conocido como EL RUSO, resulta ser el hermano gemelo de un gangster (también interpretado por Araoz) conocido como EL POLACO, lo que lleva al antagonista a buscar venganza en la banda rival liderada ppr EL LOCO (Walter Donado), en lo que queda todo en una guerra sin cuartel que se lleva a cabo mientras Cato la rompe con la música y olvida en cuestión de horas el tremendo quilombo que hizo. Sería mucho más verosímil decir que el villano es el peluquero de Tiago PZK y no esos mafiosos con nombres inventados en el momento.
CATO es un producto insalubre para jovenes educados en piloto automático. Intenta hacernos empatizar con un personaje errante, pero considerando que éste no tiene evolución y la película se las ingenia en dejar mal parados a personajes que NO TIENEN NADA QUE VER entonces es solo un producto demagogo que busca a toda costa romantizar la pobreza sin sátira ni sensibilidad social. Un producto comercial que, de no ser por el corte honguito del protagonista, caería en el olvido a los tres segundos después del estreno.
Desde 2008, Liam Neeson se ha reinventado como actor, convirtiéndose mayormente en un intérprete de películas de acción. Es por ello que no debe resultar raro que el título que se le puso a esta película en Argentina remita al film que lo llevó a ser casi una estrella del cine de este género: Taken fue en nuestro país Búsqueda implacable, y hoy Honest thief es rebautizada como Venganza implacable.
El título original, en verdad, se traduce literalmente como “ladrón honesto”. Esta honestidad se trasluce a poco de empezada la película. Ahí vemos al protagonista Tom Dolan comunicándose con el FBI para anunciar que él es el famoso ladrón al que apodaron “bandido”. Y no solamente revela su identidad, sino que también confiesa, sin pelos en la lengua, dónde escondió el dinero que robó a lo largo de tanto tiempo. Y el director incluso filma a Dolan llevando a cabo estos robos en una secuencia de montaje sumamente pacífica, donde las acciones y los movimientos del personaje son mínimos. Ahí se halla una de los aspectos más interesantes de esta película: el registro que hace de Neeson como un protagonista ya algo viejo, cansado; con una forma de moverse que no pretende la agilidad que tendría un actor más joven. Las escenas de pelea podrán mostrarnos un Dolan habilidoso y rápido para reacciona, pero también a alguien avejentado, que recibe golpes y que tiene dificultad para levantarse y para correr. La escena en que esto se hace más evidente es aquel en que se enfrenta a los agentes que lo persiguen en una casa. Luego de un breve tiroteo, uno de los agentes se escapa, y vemos a Dolan ponerse de pie adolorido. Toma asiento mientras respira agitadamente y se comunica con él, que ha logrado escapar. A esto le seguirá el momento más curioso de la película, ya que Dolan podrá hacerle frente a su enemigo, no a través de la honestidad que lo caracteriza, sino mediante una mentira que lo pondrá en jaque. Un antagonista, además, que se muestra como un agente de la ley absolutamente corrupto, en contraposición con la rectitud moral de Dolan.
En medio de la acción, también hay espacio para algunos apuntes humorísticos simpáticos, como un agente del FBI llevando un perrito a su trabajo. O ver a Dolan manejar un camión de dulces con un dibujito en una persecución.
Por cierto, no todo funciona en el film. El director tiene la necesidad, más de una vez, de detener la acción para caer en explicaciones innecesarias, que no aportan a la acción. Esto ocurre cuando se muestra al protagonista contando a su novia por qué se dedicó a robar, o en qué consiste su plan de entregarse a la justicia. Sin embargo, estos momentos resultan lo bastante breves como para no eclipsar la narración.
En una entrevista, Liam Neeson declaró que dejaría de hacer películas de acción, ya que está cansado y no se siente en condiciones de hacer proezas físicas. Se ve que la honestidad vale tanto para Dolan como para Neeson.
La otra vuelta me deprimí fiero leyendo que David Chase, creador de LOS SOPRANO, dijo que el actor James Gandolfini, conocido por interpretar al protagonista del show Tony Soprano, le expreso abiertamente las ganas de volver a ser el personaje en alguna película de la serie … Pero lamentablemente ésto jamás paso ya que este crack encontro a la parca en el 2013 a sus 51 años durante su estadía en Roma, Italia. El vacío que Gandolfini dejo en la industria fue corrosivo y LOS SOPRANO quedo como una obra de culto a la que jamas pensamos que se iba a volver a revisitar. Antes de empezar me gustaría aclarar que ésta serie de HBO sobre la intimidad de los criminales de New Jersey es mí favorita, estando por encima de clásicos como Breaking Bad o Twin Peaks. El manejo que tiene la serie del drama y la comedia es solo la punta de las cualidades que tiene ésta epopeya emocional que usa el mundo gangster como escenario. La sensibilidad que los escritores alcanzaban con TODOS los personajes del programa llegaba fuerte y nos hacía empatizar con gente muy errante gracias a la humanidad con que eran tratados. La narrativa era vanguardista para la televisión de esa epoca (principios de los 2000) ya que la trama hacía enfasis en los tiempos muertos, osea, en momentos en los que la trama dejaba de tener importancia y se ponía como foco cosas casuales que, de ser sacadas, la historia central seguía teniendo sentido. En definitiva, en lo que a mí respecta, LOS SOPRANO es la mejor serie de la historia … Ahora paso a hablar de LOS SANTOS DE LA MAFIA, la precuela centrada en un joven Tony Soprano, interpretado por Micheal Gandolfini, hijo puro se James, y en Dickie Moltisanti (Alessandro Nivola), mentor del protagonista y padre de uno de los personajes estrella del programa, Christopher Moltisanti, interpretado en su momento por Micheal Imperioli.
La historia tiene como escenario los disturbios raciales en la Newark de los 60, usando como conductor al personaje de Dickie, un capo mafia que busca ser lo mejor persona posible dentro de las circunstancias en las que su «trabajo» lo deja parado. Como acompañantes tenemos a Jon Bernthal y Vera Farmiga haciendo de Johnny Boy y Livia Soprano, los padres de Tony quien vuelve aparecer interpretado por el hijo del actor original, un pibe que encima salio RE parecido al padre y que, ENCIMA, tiene un talento actoral que complementa al parecido físico. El chabon no es un actor haciendo de Tony Soprano, ES Tony Soprano de joven … Es un cast perfecto, poético y muy fuerte para los fanáticos de la obra de David Chase. Lo mismo Corey Stoll heredando el papel de Junior Soprano, interpretado originalmente por Dominic Chianese. Despues tenemos a Billy Magnussen y John Magaro como las versiones juveniles de Paulie Gualteri y Silvio Dante, quienes no brillan pero si sirven como apoyo referencial con la serie. Ray Liotta vuelve al genero triunfante (despues de ser inexplicablemente rechazado por Scorsese) haciendo de dos personajes (gemelos) muy diferentes que dejan en evidencia la versatilidad actoral.
Alan Taylor vuelve al Sopranoverse para dirigir la película y, con sus manejos de cámara, deja en claro que tiene total conocimiento de que es lo que los fans quieren ver, porque en definitiva, LOS SANTOS DE LA MAFIA es una película hecha para los que vieron la serie. Los regresos de los personajes estan muy bien presentados, saben como ser sutiles y épicos al mismo tiempo. Chase vuelve y demuestra que sigue teniendo su toque escribiendo personajes tan trimidensionales que podemos seguir queriendo hasta después de verlos en sus momentos mas oscuros.
Lo que me molesto fueron dos cosas:
1) La película se vale por si sola, el guión es sólido … Pero se nota que la idea original era hacer una película sobre los disturbios de Newark y despues se avivaron de que quedaría mejor con los personajes de LOS SOPRANO en la mezcla … Esto está mal? No, para nada, pero por momentos se sienten como dos películas diferentes en una. Por un lado esta la tragedia shakespeareana de Dickie Y por la otra tenemos la de Harold Cross (Leslie Odom Jr), un gangster que la historia lo muestra como uno de los fundadores de la mafia afroamericana. Ambas historias son brillantes, toman rumbos bastante paralelos al punto de no cruzarse lo suficiente como para sentirse UNA SOLA COSA.
2) Hubiese estado bueno que se desvíen de la trama central para apoyarse mas en el absurdo de los tiempos muertos, bien como hacía la serie. Ustedes dirán «yyy bueno, es una película, no hay tanto tiempo como en una serie» pero en ese caso hubiese estado bueno que LOS SANTOS DE LA MAFIA sea la EL IRLANDES de HBO haciéndola de tres horas, y uso EL IRLANDES como comparación ya que en esa película se podían ver bastantes elementos de los que les menciono (la escena del pescado).
LOS SANTOS DE LA MAFIA es cine de calidad y a la vez una carta de amor para aquellos que quedamos fascinados con LOS SOPRANO. Espero que hagan una o dos películas mas de éste periodo, ya que me quede con MUCHAS ganas de ver mas de Micheal Gandolfini como el joven Tony Soprano.
No hay etapa más documentada que la adolescencia. Son toneladas de series, libros y películas que nos muestran el duro paso de la niñez a la adultez.Si bien muchas son representaciones idílicas, descontextualizadas y pop; hay muchos directores que desafían esta norma y nos muestran relatos más intimistas.
Si he de contar las representaciones realistas (que yo considero) sobre la adolescencia, lo cierto es que mis recuerdos siempre remiten al cine estadounidense, incluso estando en Buenos Aires solo podría pensar en dramas que ocurren acá. Karnawal nos lleva al norte en Jujuy, donde el Malambo es uno de los protagonistas. Cabra (Martin Lopez Lacci) es un adolescente metido en problemas cuya única convicción es competir y llegar al festival nacional de Malambo. En un entorno familiar difícil y en un ambiente polvoriento en la puna, este personaje usará el zapateo para escapar de su realidad, no obstante la llegada de su padre biológico (el gran Alfredo Castro) redefinirá las cosas.
Karnawal juega entre el drama familiar, el thriller y el drama de superación, en instantes es tensa y en otros se vuelve encantadora a medias, hay una fuerza increíble que transmite Lopez Nacci en sus escenas en solitario durante el baile, también cierta inocencia con la relación que establece su personaje con el de Alfredo Castro.
El personaje de Castro en este filme la hace remarcable, la ambivalencia entre la protección y violencia que ejerce, destaca un carácter con un destino ya marcado y que no puede formar parte del presente de Cabra. La relación entre ambos no existe pero se intenta reconstruir, el reflejo padre- hijo se vuelve difuso. Karnawal también es un road movie pues varias de las aventuras ocurren en las carreteras jujeñas. La representación del carnaval juyeño- boliviano la hace interesante pues le agrega color a una historia que no se define del todo en su estilo.
Juan Pablo Félix es el director y guionista de esta obra, su visión nos hace entrar en una atmósfera donde el polvo, el calor y las noches carnavalescas pero sombrías envuelven a estos personajes. El diálogo es preciso y no da muchas resoluciones a la trama pues el objetivo es llegar hacia el cometido del protagonista, así que los trasfondos quedarán a cargo de nosotros.
Karnawal estrena este 23 de septiembre en Argentina.
El director Will Gluck nos trae una nueva aventura Petter Rabbit. En esta nueva entrega tenemos la boda de Bea (Rose Byrne) y Thomas (Domhnall Gleeson) y la conformación de esta nueva y peculiar familia en la cual también sumamos a Petter y los demás conejos. Esta nueva entrega está llena de humor y diversión, resultando perfecto para ir al cine en familia con los chicos, quizás no tan chicos, pero si apta para todo público. Una película para nada aburrida y con momentos hilarantes.
Hay que resaltar el trabajo que se tomaron el realismo con el que hicieron a Petter y el resto de animales en la película, quizás no al cien por ciento, pero con una perfecta combinación entre lo real y lo caricaturesco. Algo que quizás hubiera estado bueno en cierta película de un leoncito huérfano (guiño, guiño), debido a que el exceso de realismo en animales parlantes hace que se pierda un poco las expresiones gestuales que los humanos tenemos y sabemos identificar en otros; no es lo mismo ver un animal de caricatura alegre y sonriendo que su versión alegre en la realidad. Siendo así una buena producción de modelado 3D. Quizás no tanto la animación en algunas escenas, que rompen un poco con la realidad, pero puedo llegar a pensar que quizás es debido a que es un mundo fantasioso y de alguna forma le suma al humor y se puede ignorar.
Para finalizar diría que la película da para una que otra aventura más, mientras mantenga la buena labor que han estado haciendo, pero sin explotarla como cierto estudio lo hizo con cierta ardilla (guiño, guiño).
La Butaca Web 