Por Agustín Villegas

No, no son David Lynch.

Es muy feo cuando se intenta ser flashero. El don de poder aplicar el surrealismo y salir bien parado es algo con lo que se nace, como el humor. LA SOMBRA DEL GATO es la segunda película del director Jose Maria Cicala, la cual intenta narrar una historia sobre los diferentes tipos de encierro tomando como foco las razones del mismo. Tenemos un reparto bastante bien armado y una dirección que resalta la estética, lastima que el guión no acompaña al proyecto, siendo el producto final una sucesión de eventos bizarros que carecen de una conexión solida.

La historia sigue a Emma (Maite Lanata), una piba de campo aislada del mundo real. Con ella viven su padre Gato (Guillermo Zapata), el mentor de éste, llamado Sombra, interpretado por la estrella mexicana invitada Danny Trejo, una especie de abuela interpretada por Rita Cortese y una descendiente de aborigenes llamada Kimana, interpretada por la preciosa Griselda Sanchez. En su hambre de ver el mundo real, la joven Emma se mete de cabotaje en la camioneta de su abuelastra y se aventura al pueblo y termina encontrándose un celular que usará para mostrar su pequeño mundo a la red. El problema es que sus videos, los cuales subió a no se donde, ni se como, ni por qué, terminan siendo vistos por un lacayo de su familia materna, la cual fue totalmente anulada de su historia por su padre. La chica decide escapar a ver a su otra gente, que vive en una mansión en el medio de la nada y cuenta con unas … Particulares formas de ver la vida.

Aparentemente la temática de secta satánica no les basto, tuvieron que agregar detalles de todo tipo y color que nos muestren sin ningún tipo de tridimensionalidad, unas entidades oscuras que parecen ser científicos nazis que hacen experimentos malignos y paran a morfar o a hacer rituales. La historia abusa de unos flashbacks que parecen estar escritos en el momento, dejando detrás lo que se plantea en el primer acto. Tenemos toda una historia de como Gato conoció a la madre de Emma, interpretada por Monica Antolopulus, y a su familia, encabezada por el patriarca Otto, encarnado por el siempre genial Miguel Angel Solá. Luego tenemos otros recuerdos centrados en Gato de chico, en donde nos brindan detalles poco claros de como Sombra lo rescato, pero todo por encima, como un supuesto trato que la granja tenía que cerrar y que después queda en la nada misma.

Los diálogos no solo son cursis, sino que son irreales. Intentan ser solemnes y quedan desubicados y anticuados, como el personaje de Trejo, que es una especie de chaman estereotipado que tira frases indias que no vienen al caso. La trama toma rumbos que parecen interesantes, como los flashbacks de la familia materna de Emma, pero todos desembocan en un final surrealista que no se si está intentando venderme un simbolismo inteligente o una secuencia random que intenta emular a TWIN PEAKS: THE RETURN.

Las actuaciones son lo mas fuerte, todos están mas que aceptables en sus papeles, en especial Lanata, Zapata y Solá, a quienes se les nota que son actores de raza. Trejo nunca me gustó, me parece un rostro que sirve para vender y ya. A la película le doy crédito por no ser para nada aburrida, dentro de sus inconsistencias uno esta atrapado hasta el final queriendo ver a donde toda esta ensalada de conceptos.

LA SOMBRA DEL GATO es una película para ver fumandose un porrito y escabiando algo, uno de esos films que uno pone cuando esta con sus mejores amigos y le hace observaciones graciosas encima comiendo una picada. A pesar de lo mala que es la recomiendo, dudo que la pasen mal viendola.

Calificación: 7/10

Por Agustín Villegas

De vuelta a los orígenes (del miedo).

La saga de videojuegos RESIDENT EVIL siempre se caracterizó por su estilo camp cargado de elementos del cine de horror clase B. La cámara fija y los gráficos poligonales colaboraban con la estética de terror que siempre pidió a gritos tener una chance REAL en el cine. En la década del 2000 tuvimos una saga cinematográfica libremente inspirada en la saga, dirigida por Paul W.S Anderson (no, no es el mismo que Paul Thomas Anderson, de hecho, ni siquiera cerca) y protagonizada por, actualmente su esposa, Mila Jovovich. Fue una franquicia exitosa de no se cuantas películas, cargadas de acción, gran presupuesto y efectos de primera linea … Pero todo muy alejado de lo que la saga de juegos buscaba transmitir. No puedo decir si fue una buena o mala franquicia ya que nunca le preste la atención suficiente por, justamente, irse muy por las ramas con respecto al material original, siempre vi pedazos sueltos de sus películas en canales de televisión al punto de nunca poder distinguir cual es cual. Ahora el estudio cambia de enfoque totalmente, haciendo un 2×1 adaptando los primeros dos jueguitos con un poco del tercero. johannes Roberts no solo dirige, sino que también escribe, haciendo que la película tenga mucha mas consistencia y tenga una aura mas de autor. Hasta el propio Anderson vuelve como productor ejecutivo.

La historia sigue a Claire Redfield (Kaya Scodelario), quien regresa a su natal Raccon City a fin de sacar a la luz los chanchullos de la corporación Umbrella, una farmacéutica exageradamente perversa (lo cual queda GENIAL con el tono de la película) que está en pleno proceso de cerrar la ciudad tras haberla usado para sus experimentos. En la misma se recuentra con su hermano Chris (Robbie Amell), un policía que lidera un equipo integrado por Jill Valentine (Hannah John-Kamen), Albert Wesker (Tom Hopper) y el novato Leon S. Kennedy (Avan Jogia). Ese primero de Septiembre de 1998 un accidente en la mansión Spencer, donde reside el cabecillia de Umbrella, William Birkin (Neal McDonough) junto a su familia, lleva al team a presenciar como todo el lugar termina de ser envenenado al punto de convertirse en muertos vivientes.

La cualidades de éste film son muchas. Como ADAPTACIÓN DE VIDEOJUEGO la película es un diez puntos, entiende la mitología y las mecánicas del mismo haciendo de la experiencia un placer para todo que sea fan del universo Biohazard. La puesta en escena es brillante, la estética y los detalles tienen un nivel de pulido excepcional, creativo y muy bien trabajado, todo sin salirse del estilo perturbador que intentar plasmar. Los infectados son de lo mejor, desde EXTERMINIO que no se ven Zombis tan bien hechos, las criaturas muestran su agonía en el proceso de conversión, logran modular, lo cual es realista dentro del demencial contexto que se nos presenta. Si bien hay algunas diferencias con respecto al tiempo en el que los juegos se llevan a cabo la historia logra fusionar las entregas de una forma prolija en la que los personajes van de punto A a punto B sin caer en secuencias que sobren. Tenemos fan service del bueno, vemos personajes como Lisa Trevor y locaciones como el tren de RESIDENT EVIL 3: NEMESIS que dan gusto y se adaptan a la historia sin forzar nada. Los sustos estan muy bien trabajados, quizas se hace mucho uso del efecto de sonido fuerte injustificado, pero al ser un homenaje al cine noventero de horror se deja pasar y hasta se entiende el recurso.

Es perfecta? Para nada, hay algunos defectos. El primero es que se enfoca demasiado en la acción y no tanto en la tensión dramática. Ésto se debe a que algunas elecciones de cast son bastante erradas, como Avan Jogia o Robbie Amell, quienes son una versión diluida de los personajes originales. El guión hace mucho énfasis en la moda actual de Hollywood de que los personajes masculinos sean tontos y los femeninos sean fuertes y determinados. Las relaciones entre los personajes no terminan de entenderse, algunos de los diálogos casuales son incómodos de escuchar, dan medio verguenza ajena de la cantidad de cliches que tienen a cuestas.

No obstante RESIDENT EVIL: WELCOME TO RACCOON CITY es una película completa que merece ser vista. Si son fanáticos de la franquicia de Jovovich sin haber consumido mucho de los videojuegos probablemente se encuentren con un proyecto mucho muy distinto al que imaginan, pero si conocen la obra previa les aseguro que van a salir bastante contentos. El director y guionista declaro que quiere hacer una secuela que fusione CODE: VERONICA y, el que yo considero uno de los mejores videojuegos de la historia, RESIDENT EVIL 4. No me importa ver a este cast de vuelta siempre y cuando Roberts sea el escritor y director de lo que se viene, espero que suceda.

Calificación 7.5/10

El arte de arruinar un concepto.

La película, basada en la francesa «53 THE WAGES OF FEAR, tenía simplemente que enfocarse en el peligro que es cruzar los lagos congelados que se encuentran bien al norte del continente, agregándole algún conflicto que genere interés tanto en los valientes héroes como en el ambiente. La idea era muy copada, un entorno asi puede sacar a relucir comportamientos muy piolas en los protagonistas, pero el director Jonathan Hensleigh se fue por el lado ‘ »fast an furiu’ y hasta contacto a Liam Neeson, porque con deformar una obra no le bastó.

La historia sigue a un chofer de camiones especializado que tiene la misión de llevarle provisiones y un medio de escape a unos muchachos atrapados en el medio de la nada. Para llegar los vehículos tienen que cruzar unas zonas de lagos y arrollos congelados que, a la minima modificación de peso o velocidad, se romperían haciendo que nuestros héroes se pierdan en la nada.

El suspenso se vende y se convierte en una mezcolanza de generos que, a partir del punto medio, pasa a ser una idea genérica mas del monton. Los giros se ven venir desde antes de entrar a la sala, el bueno que es malo era el que todos pensabamos que iba a ser y lo mismo a la inversa, un concepto que en su simpleza pudo haber funcionado acá se llena de anabólicos y nos terminan dando un vaso de Pepsi con hielo puesto hace una hora.

El reparto tiene en su haber estrellas como Liam Neeson, quien desempaco y se instalo en el genero de acción/suspenso como si fuese en su casa, o Laurence Fishbourne, quien se la paso dos años haciéndose el que no vuelve a THE MATRIX: RESURRECTIONS porque no le gusto el guión. Despues hay otros, que la verdad no conozco y no planeo googlear sus nombres porque no lo vale, no hicieron nada especial ni merecen ser mencionados. Hasta se perdieron la chance de hacer que Benjamin Walker tenga algun parentesco con Neeson en la trama.

THE ICE ROAD es una de esas películas que pasaban los sabados en telefe con unos doblajes que nos pedían a gritos que nos suicidemos. Alejense de éste proyecto mientras les pidan dinero a cambio de verlo, no lo vale, que la próxima no nos tomen por idiotas y hagan cosas que nos hagan pensar. Dicen que la versión original que puse mas arriba está piola, probemos con esa.

Calificación 3/10

Sinopsis: En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida.

Director: J. A. Bayona (Lo imposible, El orfanato, Jurassic World: El reino caído). Reparto: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella, Tomas Wolf, Diego Ariel Vegezzi, Esteban Kukuriczka, Francisco Romero, Rafael Federman, Felipe González Otaño, Agustín Della Corte, Valentino Alonso, Simón Hempe, Fernando Contigiani García, Benjamín Segura, Jerónimo Bosia.Guionistas: JA Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego.Productores: Belén Atienza (Lo imposible, El orfanato) y Sandra Hermida (Lo imposible, Un monstruo viene a verme).

La película está basada en el libro La sociedad de la nieve de Pablo Vierci. El rodaje se llevará a cabo en Sierra Nevada (Andalucía), Montevideo (Uruguay) y en distintas localizaciones de los Andes (tanto en Chile como en Argentina) incluyendo El Valle de las Lágrimas, localización real donde sucedió la historia. De J.A Bayona: Fue durante el proceso de documentación para Lo imposible cuando descubrí La sociedad de la nieve, la fascinante crónica que Pablo Vierci hace de la tragedia de los Andes.

Más de diez años después, mi fascinación por la novela permanece intacta y estoy feliz de afrontar el reto que tengo por delante: contar uno de los acontecimientos más recordados del siglo XX, con toda la complejidad que implica un relato que da tanta relevancia a los supervivientes como a aquellos que jamás regresaron de la montaña. Además, lo encaro en español, al que regreso emocionado después de 14 años sin rodar en mi lengua, y con un plantel de jóvenes actores uruguayos y argentinos con los que estoy entusiasmado.

De Belén Atienza y Sandra Hermida: Después de años trabajando en el proyecto, estamos muy emocionados de arrancar el rodaje de La sociedad de la nieve. Queremos dar las gracias a Netflix por su decidido apoyo al proyecto, que se rodará íntegramente en español. También a Cetursa Sierra Nevada por su implicación brindándonos rodar en la estación de esquí durante la temporada de invierno y especialmente agradecer a los supervivientes y a los familiares de los fallecidos en la tragedia de los Andes, por su enorme generosidad al compartir con nosotros su historia.

Por Agustín Villegas

Ella no quiere Gucci ni Prada, Fendi ni Louis Vuitton 🎵🎵

Ridley Scott es la personificación del dicho «viejo, pero no obsoleto». A sus 84 años el cineasta conserva todas las cualidades que lo llevaron al podio de los grandes Podría decirse que es de esos, no solo directores cinematográficos, sino artistas a los que la edad no les quito la heterogeneidad a sus proyectos. La película se basa en la trágica historia real de la familia Gucci, foco infeccioso de traiciones, manipulaciones y hasta de asesinatos, todo a fin de controlar el imperio de la moda que fue (y es) la marca.

El reparto está mamadisimo de estrellas. Adam Driver nos prueba sus dotes camaleónicos en el rol de Maurizzio Gucci, un tímido abogado al que la codicia y hambre de ser un noble como su familia lo empieza a contagiar. La conversión del personaje no sería nada de no ser por Patrizia Reggani, interpretada por Lady Gaga. La elección de casting es una de las mejores que se hicieron, la cantautora cumple con todo lo que el personaje necesita para ser lo que es en pantalla, totalmente verosímil y el elemento mejor controlado de la película. Jeremy Irons y Al Pacino hacen de Rodolfo y Aldo Gucci, los patriarcas de la familia. Irons es siempre sinónimo de calidad, se sabe, es ir a lo seguro, pero con Al la cosa se puso inesperada. Tras unos pares de años de fracasos, al actor le costo volver. La maldición se le terminó con su paso victorioso como Jimmy Hoffa en EL IRLANDES de Martin Scorsese, el tipo volvió al ruedo y acá desborda el carisma que lo caracterizó por años. A pesar de la CLARA edad, el tipo se desenvuelve con excelencia haciendo de la parte comercial de la marca, el visionario que complemento la visión de Rodolfo y la llevo a lo largo del olaneta. Para completar tenemos a un locuaz Jared Leto haciendo de Paolo Gucci, la oveja torpe de la familia. Una interpretación que intenta representar el lado bizarro de la marca, funciona y el personaje es copado, pero desentona y distrae un poco con lo que la historia quiere contar. Noto que los directores le dan a Leto una libertad que no se le da a ningún otro actor, una libertad algo injustificada ya que rara vez sus decisiones interpretativas cumplen con lo necesario.

A nivel narrativo la tragedia que cuentan está construida con excelencia. Todo está armado para que el final sea lo que en un principio se nos adelanto, es como Gucci a lo Shakespeare. Lo visual acompaña a la historia muy bien, remarcando la personalidad de cada uno con detalles sutiles muy bien puestos por el señor Scott. Por ejemplo, siempre que alguien llega a la mansión de Rodolfo Gucci (Irons) el plano es el mismo, vemos al personaje ser recibido a traves de un ventanal y de fondo se visualiza el mismo juego de jardín ubicado de la misma forma, simbolizando lo conservador del personaje. Se puede percibir como en un principio intentaron fichar a Scorsese para la película, el ritmo tiene mucho de su cine e intenta recrear el tono del cineasta para contar la historia. La puesta en escena es buena, no MARAVILLOSA, pero buena. Muestra el mundo de la moda de forma realista y, como nos tiene acostumbrados Ridley Scott, la película parece filmada en la época en la que nos situa el tema en cuestión.

House of Gucci es una película funcional y hecha con buena visión. Si bien la historia y la dirección de la trama se torna algo desprolija en ciertos momentos, el resultado final es un cine de calidad que deja de lado agendas políticas y modas actuales para enfocarse en contar una historia con todos los elementos que eran necesarios para retratar el caso.

Calificación 8/10

Tick, tick, boom! (Lin Manuel Miranda, 2021)
El boricua Lin Manuel Miranda posee una prolífica carrera en teatro musical y composición, esto le ha válido premios Tony y reconocimientos, además de componer canciones para películas y actuar en ellas, en Tick, tick, boom! Toma las batutas de dirección para su primer largo, su proyecto más personal.

Es un drama musical estadounidense dirigido por Lin-Manuel Miranda en su debut como director, a partir de un guión de Steven Levenson, basado en el musical semiautobiográfico del mismo nombre de Jonathan Larson. La película está protagonizada por Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesús, Joshua Henry, Judith Light y Vanessa Hudgens.

Un seguro y energético Andrew Garfield aparece y consume toda la pantalla con su representación de Jonathan Larson, es esta energía y sus dotes musicales que desconocíamos, más la empatía de la historia en general, lo que hace una de sus mejores actuaciones.


Tick, tick Boom! Cuenta la historia de un aspirante a compositor y director de teatro musical en Nueva York, luego de muchos años queriendo estrenar el musical que más le ha costado, su cumpleaños 30 se acerca, así como también la presión social y personal por tener una carrera estable y enfrentar la adultez. En medio sus relaciones interpersonales se ven afectadas por su obsesión a estrenar este musical, además en 1990 estaba en auge la pandemia del VIH.


Tick, tick, boom! Tiene la intensidad y emotividad necesaria para atrapar al público desde el minuto cero, sus canciones son totalmente pegadizas y saben llegar. Garfield se roba la pantalla pero cada personaje tiene su minuto de brillo, acá vemos el acompañamiento de la recordada Vanessa Hudgens y su hermosa voz.

Tick, tick, boom! Utiliza el recurso de falso documental, drama musical y recreación del musical anónimo de Broadway. La prematura muerte de Jonathan Larson es homenajeada por su mayor admirador, Lin Manuel Miranda.
Es un musical que vale la pena y destaca entre los varios que se estrenan por año.


Recomiendo pues toca temas que cualquier joven ha enfrentado, la empatía por la historia se siente de inicio a fin.
En Netflix.


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Calificación 8.5/10

Por Agustín Villegas

Alto ahre…

La GHOSTBUSTER es una película que revisito muy frecuentemente. Me parece una película divertida y creativa pero que no es la joya de la corona que los fans dibujan. En lo que a mí respecta, la secuela y el reboot de 2016 (‘LAS CAZAFANTASMAS’) están al mismo nivel que la primera, es más, el producto que mas disfrute de la marca son las series animadas. Ahora nos llega está continuación de la original, enmarcada dentro del neo genero de revivals de sagas clásicas que apuntan a la nostalgia (o nostalgia inducida, algún dia les hablare de ésto) del espectador, una nueva ola madre de bodrios como la trilogia de secuelas de Star Wars o la nueva 3 de TERMINATOR. Por lo general estas secuelas/remakes/spin-offs suelen errarle fiero, intentan hacer algo nuevo pero a la vez nostálgico y queda un bodrio que no entienden ni ellos, pero con GHOSTBUSTERS: AFTERLIFE se encontro un balance perfecto, pasen al consultorio y les cuento…

Dirige y coescribe Jason Reitman, el mismísimo hijo de Ivan Reitman, productor y escritor de la película que comenzo con éste fenómeno. En éste caso el hijo le hace honor al padre, haciendo la que es probablemente el revival mas completito y satisfactorio de todos los vistos hasta ahora. Se respeta a los personajes originales sin abusarse de las referencias y se le da un abrazo fuerte y emotivo al difunto Harold Raimis. La historia está contada con un ritmo muy ochentero, pero no ochentero tipo la primera, sino que ochentero en su simpleza, hasta me atrevo a decir que es la mejor película del subgenero NIÑOS EN UN PUEBLO HACIENDO LOCURAS de los últimos tiempos. Se siente la aventura y el misterio, el cual sirve para darle al universo una identidad mitologíca propia.

La historia sigue a los hermanitos Splencer (Mckenna Grace y Finn Wolfhard), nietos de Eagon, una niña genio y un intento de rebelde, quienes se mudan junto a su madre (Carrie Coon) a la antigua granja de su abuelo quien era considerado un demente por los lugareños del pueblo cercano. Los pibitos encontrarán allá su identidad sacando a relucir los genes de su abuelo.
Hago un párate en mí intento de sinopsis para mencionar que la decisión de usar a los familiares del personaje del personaje que interpretó el difunto Raimis fue la decisión PERFECTA. Ésto hizo que los guionistas usen la ausencia del actor (y ENCIMA cocreador de la franquicia junto al también actor Dan Aykroyd) como motor narrativo, generando en los personajes un misterio a resolver en base al personaje.
Sigo con la historia. En el pueblo, la nena, Phoebe Spencer, une fuerzas con su maestro de primaria, interpretado por el hilarante Paul Rudd, para investigar unos misteriosos sismos que habrían llevado a Eagon a ese lugar. En su nuevo team de niños ghostbusters tenemos a Podcast (Logan Kim) y Lucky Domingo (Celeste O’Connor), personajes que solo existen para hacer una rima narrativa y visual con los originales, ya que la película se la roba Grace con su carismática inexpresividad intencional.

Los efectos especiales son brillantes, lo mismo con la fotografía, la se amolda a los tiempos con unos planos muy bien formados que complementan un BEST OF BOTH WORLDS entre el cine ochentero pochoclo y el cine blockbuster actual. El team no es tan único como el original, pero cumplen su función y todo el viaje hasta el final boss (el cual fue una sorpresa MUY grata, hasta para mí, que no pierdo la cabeza por esta saga) se torna creíble y no es una sucesión de eventos random sin justificación (*EJEM* estarwarssieteochonueve *EJEM*).

Un defecto es que me hubiese gustado mas fantasmas caricaturescos como los de la original, hay unos pares pero en su mayoria son copy paste de los antes vistos. Se pudo haber agregado personajes creativos, como los vistos en la de 2016, sin haberse ido de la onda moderna y diferente que querían plasmar. No obstante, el producto esta tan bien encaminado que puedo perdonar ésto.

Recomendada con ganas.

Calificación 8/10

Es una realidad que cuando llegó la oportunidad de ver la nueva película de Marvel, ya había caído el bombardeo de malas críticas luego de su pase en Estados Unidos. En mi caso, me sucede que cuando pasa algo de esto, si bien las expectativas bajan, trato de hacer oídos sordos a lo que dicen. Así que fui a ver Eternals sin importar sus malas críticas, porque era un film que me interesaba mucho ver, y si, puedo decir que es una película bastante regular pero no es un desastre, aquel desastre que pintaron.

Algo está sucediendo en Marvel, y es que tienen que presentar nuevos personajes para la fase siguiente en su universo cinematográfico. En este caso, los nuevos personajes no son tan populares como los Avengers en su primera presentación, es por ese motivo, que deben centrarse más en los orígenes y desarrollo de personajes. Los eternals siempre estuvieron, pero bajo las sombras porque tenían una misión específica que cumplir. Si, es una realidad que en sus más de dos horas y media se duración, la primera mitad es para conocer a los personajes y sobre cómo es su universo. Eso es algo muy bueno, pero también hay que reconocer que es una presentación bastante aburrida. Aburrida porque trata de mostrar una mirada diferente de contar una historia de superhéroes, pero que a su vez quiere mantener el humor característico de Marvel, y que en su mayoría, hay exceso de chistes sin mucha gracia. En tanto metraje, los personajes tampoco están muy bien explorados, sobre todo aquellos importantes como Thena y unos villanos que quedan relegados a nada, aunque es obvio que hay algo más grande de trasfondo. Una vez que se desata el conflicto principal, la película repunta y mucho, dejando algo interesante sobre que ver en el futuro.

Eternals tiene sus estrellas, y si, habia expectativas en ver qué daban al film personajes como los interpretados por Salma Hayek o Angelina Jolie, sus personajes funcionan muy bien , aunque su desarrollo no están tan explorados. En cuanto a los demás Eternals, existe una buen manejo en cuanto a la relación entre ellos y lo que depara el futuro con los personajes.

Un tema del cual se habló también en el film, fue sobre su elemento inclusivo. A decir verdad no es algo criticable , ni siquiera se trata de la inclusión forzada que suele tener Disney. Hay una pequeña trama de los personajes, que trata una relación con alguien de su mismo sexo, y si bien es un pequeño añadido en el metraje, no es algo que irrumpe en el argumento, al contrario, son algunos momentos agradables que sucede en el film y no molesta en absoluto con la trama principal. El casting también está bien, aunque no tenga el mejor desarrollo de los personajes. Los problemas de eternals son otros, en la narrativa de los orígenes del personaje , y en no saber cómo dar algo diferente pero seguir siendo Marvel.

Para no ser tan crítico con la película, está tiene una segunda mitad que es fantástica a comparación con lo visto anteriormente. Y si, nos deja un buen saber de boca si hablamos del futuro, no solo de los personajes, sino de su universo. Eternals es una película que tiene muchos fallos, con unas más de horas y media que son irregulares pero que tiene mucho potencial, porque la realidad es que vale la pena seguir viendo más de ello, aunque con ciertos cambios.

Calificación 6/10

El rescate: El día de la redención es un film que nos relata la historia de un marine estadounidense que sufre el secuestro de su esposa en Argelia, por lo que debe salir hacia su rescate mientras sufre estrés post traumático debido a una misión casi suicida en Siria. Vamos a la realidad, la película en su premisa es bastante correcta, aunque para ir adelantando, cae en los chichés de este tipo de films, el supuesto patriotismo, la caricatura de los terroristas, sumado a una historia desarrollada de forma superficial.

La historia arranca bastante bien aunque no ofrezca algo nuevo, el protagonista vuelve a casa luego de una misión y empieza a sentir problemas en su cabeza por lo que sucedió antes de su regreso. En ese momento las cosas llegan a seguir su curso de igual manera, su esposa tiene la oportunidad de encabezar una expedición a Marruecos, y a pesas de que su pareja lidia con sus propios problema, alienta para que ella cumpla con su trabajo. El viaje ocurre de forma adecuada, hasta que «accidentalmente» cruzan la frontera hacia Argelia, dónde todos los asistentes de la expedición son secuestrados. El marine se entera, y obviamente va hacia esos lados a tratar de encontrar una solución, que siempre será volver a las armas. Luego de eso, que está muy bien presentado, se desarrolla todo de forma demasiado vaga, el protagonista al parecer era un experto en todo , que lo conocían todos y por dicho motivo , tenía todo el poder para llevar a cabo el rescate por si solo. El secuestro fue una trampa pero nunca se sabe porque fue así, ni si quiera se sabe cuál es la motivación de los terroristas, mostrado como unos seres brutos que actúan por puro impulso , que para algunas cosas son unos novatos, y para otras, pueden contra cualquier inteligencia.

No hay obligación de pedir verosimilitud cuando el trayecto está bien narrado, pero el film termina yendo por lo fácil, cuando en un principio venía muy bien encaminado. En cuanto a las actuaciones , Gary Douran está bastante bien, aunque en el guión no llegan a definir que tipo de soldado es, y sus problemas de estrés post trauma quedan perdido en algunos flashbacks que no encuentra resolución. El resto es más que una caricatura, por no mencionar a Andy García, quien parece que cobró cheque para filmar todas sus escenas en un par de horas.

Podemos notar también la falta de presupuesto, si bien a veces se las pueden ingeniar para que el film no resulte dañado por este motivo, se nota la ausencia de locaciones donde se lleva a cabo la acción, hasta quizá la falta de extras, dónde los enemigos parecen ser no más de ocho o diez personas, pero luego van sumando a otros para poder mantener una duración razonable de acción y disparos.

El rescate: el día de la redención es una película que lamentablemente no funciona, arranca bien a pesar de no contar con una premisa original pero luego cae en clichés y vacíos argumentales que no tienen solución. Se trata de uno de esos filmes, que sin ser un total desastre, en otra época habría caído directamente a vídeo, o en la época actual, derechito al streaming.

Calificación 4.5/10