Película dirigida por Oz Perkins, protagonizada por Sophia Lillis(Gretel), Samuel Leakey(Hansel) y Alice Krige(en el papel de la bruja Holda). Encontramos en esta nueva adaptación del cuento clásico una trama que buscó ser un poco más fidedigna a la historia original que es más oscura en comparación al cuento que muchos conocemos desde niños. Ya de por si el título llama un poco la atención en la película, porque muchos lo conocemos como Hansel y Gretel, pero esta adaptación decidió poner el nombre de Gretel primero, no en vano debido a que la película está enfocada en ella.

Como diría el tío Ben, un gran poder conlleva una gran responsabilidad; y Oz se encargó de esto, para esta adaptación donde la industria cinematográfica demanda lo políticamente correcto, la inclusividad y el empoderamiento femenino tenemos una película que encuentro bastante equilibrada, en mi opinión, sobre lo que se quiere representar o dar a entender. Conocemos que el cine como arte no solo busca entretener, sino que también llama a concientizar o dar un mensaje al espectador. Y este se entiende perfectamente durante la película, sin necesidad de caer en la literalidad de las cosas. La representación de los personajes y el guion se encuentran bien desarrolladas para este tipo de adaptación.
La evolución de la historia se vuelve atrapante debido el misterio que envuelve al personaje de Gretel y su pasado, la ambientación de los escenarios me parecieron muy bueno, salvo quizás la casa de la bruja que en mi opinión parecía chalet alpino posmoderno (como de las cabañas modernas que se suelen ver en instagram), algo fuera de época. Sin embargo, los efectos, maquillaje y vestuarios me parecieron bastante buenos.

Cuando hablamos de empoderamiento femenino tenemos a una excelente Gretel a mi parecer, pues hoy en día existe una polarización de opinión en cuanto al feminismo; y encuentro a ésta película que sin ánimo de alabar el movimiento, con un enfoque de lo que es o podría llegar a convertirse. Y no quiero meterme tanto en este tipo temas, en cuanto a pensamiento o ideologías, pues lo dejo en la opinión de cada uno. Pero en mi opinión(sin ser feminista) encuentro todo bien con esta Gretel.

Calificación: 7/10

Por María Luz Stella

La vida al final del camino de ladrillos amarillos

Rupert Goold crea una biopic preciosa que muestra el detrás de escena de una estrella del cine de la Edad de Oro hollywoodense. Una historia emocionante por la lograda interpretación que realiza Renée Zellweger quien pone cuerpo y voz para recrear a la actriz y cantante Judy Garland. En ese periodo de tiempo va a Londres para dar una serie de shows con la finalidad de poder comprar una casa donde vivir con sus hijos. Para su sorpresa, allí su visita es muy ansiada y esperada por el público.

Zellweger hace lucir a Judy en sus facetas como madre, mujer y por
sobretodo destacándose arriba del escenario como cantante atravesando diferentes estados de ánimo tanto en el show como fuera del mismo. También es muy conmovedora, por la desafortunada y triste vida de la niña detrás de Dorothy (protagónico del considerado film de culto, El Mago de Oz, 1939) y los decorados de la Metro-Goldynw-Mayer (estudio con quien mantuvo contrato por muchos
años) que la llevaron a dejar de lado su niñez por la fama. El lado de esta trágica historia es retratado en el film a través de flashbacks que la complementan y permiten ver las
carencias y maltratos que arrastra Judy en su carrera y en su vida.

Calificación 8/10

Por Juan Ignacio Aguilar
Talento.
De una gran cantidad de personas, pero asimismo de pocos usuarios. Políticas, religiones, dinero y estatus intervienen en el camino. En acatadas condiciones se hace por demás complicado hacer uso autónomo y consciente de dicho talento.

Siendo un niño, la tarea se vuelve más ardua. No hay medida que valga para que la dote se vea aprovechada por personas ajenas a uno, sea cual sea la intencionalidad de este tercero.
Es noticia común enterarse, partiendo de tal precepto, cómo esa otrora joven promesa se acaba deteriorando en un mar de adicciones y excesos. La pubertad nunca es atravesada con soltura ya que desde afuera se obliga al joven a asumir responsabilidades ya propias de la adultez. La presión se vuelve demasiada e inician discretamente los problemas.
Hasta que ya no son discretos,
Corre el año 1968 y la artista Judy Garland no atraviesa un buen momento. Sin hogar propio, con pocas ofertas laborales en su país y un ex-esposo insistiendo por la custodia de sus hijos, las opciones no son demasiadas. Una agente sugiere una serie de conciertos en Londres, donde aún es muy amada. Con pesar y tristeza, Judy se lanza a la oportunidad.

Basado en la obra teatral «End of the Rainbow» de Peter Quilter, el guión de Tom Edge se sostiene ante todo en el enorme personaje que fue Judy Garland. Haciendo uso de algunas secuencias de flashback para dar más contexto a sus espectadores y una exploración bien resumida de la luz y oscuridad presente en la artista, el trabajo de Edge es uno bien contrastado. No hay una gran lección al final del arco iris. Es una historia de fortaleza, de cómo perdurar y mantener algo de esperanza a un mejor mañana. El opresivo pasado de Judy es uno que la sigue acosando y la mantiene al margen de sus iguales. Claramente no es una adolescente para echar culpas a alguien, pero su camino no es uno que le haya permitido tener una adultez plena.
A los hombros de una enorme Renée Zellweger, Judy brilla como cantante e interlocutora, tanto privada como públicamente. Zellweger logra mantener los propios demonios de la actriz a raya lo suficiente para que se pueden vislumbrar aún en tales situaciones, más no sin que esto haga sus estragos internos. Es angustiante ver el declive de la famosa actriz, pero la otrora Bridget Jones hace de todo para que el arco iris siga visible.
Vale destacar también el trabajo de Darci Shaw como una joven Judy, y la imponente figura de Richard Cordery como el polémico Louis B. Mayer.
Hay un sobrio trabajo en la dirección de Rupert Goold, pero su falta de experiencia pasa por alto con el excelente desempeño del departamento artístico. El despliegue visual para retratar los fines de los sesenta se puede apreciar tanto en el inicio en Estados Unidos hasta las frías calles de Londres. Luz, maquillaje, peinados, indumentaria y ambiente convergen para tener la mejor perspectiva posible de lo que pudieron ser los shows en tal época.

«Judy» no quedará en los anaqueles como una excelente película, pero sí como un grato recuerdo de quien fue una de las mejores artistas de su generación, y las consecuencias que acarreó por ello.

Calificación 7.5/10

Por Macarena Maidana

“Parasite” (Gisaengchung, 2019) es un thriller surcoreano dirigido y producido por Bong Joon Ho, quien también se encargó del guión junto a Jin Won Han. El reparto incluye a Kang-hoSong, Yeo-jeong Jo, So-dam Park, Hye-jin Jang, Ji-so Jung, Hyun-jun Jung, entre otros.

Dio la sorpresa durante la entrega de los Globo de Oro al ganar en la categoría de “Mejor Película» en Lengua No Inglesa” y consiguió seis nominaciones a los premios Óscar, incluyendo “Mejor Película” y «Mejor Director”. La familia Kim, compuesta por los padres Ki-taek (Kang-ho Song) y Chung-sook (Hye-jin Jang) y los hijos Ki-woo (Woo-sik Choi) y Ki-jung (So-dam Park). La familia vive en un precario sótano donde, todos, se dedican a armar cajas de pizza, un trabajo bastante malo,
por la cual reciben centavos a cambio . Un amigo de Ki-woo llega de visita y tiene la idea de que Ki-woo ocupe su lugar como tutor de inglés de una adolescente de la clase alta.
Gracias a una falsificación del título universitario, Ki-woo se presenta ante la familia Park. Con el paso de los días y la adquisición de confianza, Ki-woo y su familia logran distribuirse estrategicamente para con los distintos trabajos en la residencia Park. Bong Joon Ho nos sirve en bandeja una trama que logra la estabilidad entre distintos géneros, manteniéndonos siempre alertas ante los plot twist que se desarrollan a lo largo de la cinta. El director sienta las bases a lo largo de la película para que el espectador se vaya
sorprendiendo ante cada acto. Y lo logra, de una manera perturbadoramente increíble.
La clase alta y la clase baja, los ricos y los pobres, son un argumento que se vio hasta el, cansancio tan «cliché» que el destino de “Parasite” no parecía llegar a buen puerto. Pero una vez más, Bong Joon Ho y su espectacular reparto nos da un sacudon de realidad en cómo el capitalismo afecta e influye de una forma devastadora a la sociedad. Desde los pósters hasta la ubicación de los casas, todo lleva a la clase social de ambas familias.

Sin dudas, estamos ante lo mejor del año 2019 y es como una bocanada de aire fresco cada película, como en este caso , distinta e incluso con un final bastante impredecible.

Calificación 9/10

Por Bruno Glas

Bacurau abre con una escena llamativa y poderosa, de las que captan de inmediato nuestra atención: un grupo de gente que lleva a cabo el entierro ceremonial de la matriarca de su pueblo. Con seriedad, pero sin perder el humor, Mendonça Filho nos ubica en el tiempo y espacio del filme. Al mismo tiempo, va dibujando de a poco el perfil de varios de los personajes del lugar.

Esta construcción resulta virtuosa en tanto muestra del universo del filme, casi enteramente con imágenes y sin una palabra de más. El destino de la película supone una geografía imaginaria. En otro momento, el maestro del pueblo trata de enseñarles a los chicos de la escuela la ubicación precisa del pueblo. Al no poder encontrarla en el mapa de su tablet, opta por mostrarles uno tradicional, que de tan rudimentario no parece real. Esta creación de un lugar posible que Bacurau supone, se cae a pedazos con la aparición de un grupo comando estadounidense que pretende invadir el terreno.

El realizador parece haber querido contar varias películas: por un lado, la del retrato de un pueblo y sus habitantes, como si se tratara de un fresco; otra, una película que muestre la invasión y ataque del enemigo extranjero contra este mismo pueblo, con una estética más o menos miserabilista; finalmente, una película “de género”, que remite sólo de manera superficial al western, a la ciencia ficción y al gore. Si de estas tres, apenas sí funciona la primera, es porque el cambio de tono impide al filme tomar una forma coherente. No se trata de jugar con lo imprevisible y las expectativas, sino de tener la capacidad de mantenerse constante. Y Bacurau exhibe más de lo que sugiere, por eso sus costuras saltan a la vista con el cambio de un estilo a otro, renunciando a cualquier fluidez narrativa. La aparición misteriosa de un plato volador tipo ovni, que más tarde revela su funcionamiento, es tan poco sutil en su valor alegórico como la gruesa caracterización de los invasores gringos: sádicos, impiadosos y frívolos, frente a las virtudes de los nativos. Para que esto nos quede claro, Mendonça Filho no duda en mostrar las atrocidades que los primeros son capaces de llevar a cabo (cómo se explica, si no, el asesinato de ese nene que jugaba de noche, o los dos soldados que cogen después de matar). Sólo así se justificaría el contraataque brutal de los nativos, que el filme muestra de manera gozosa. El problema es que ese desenfado resulta incoherente con el desarrollo anterior de todo lo ocurrido. No hay, entonces, ni un compromiso fuerte con la sobriedad narrativa, ni con el exceso del gran espectáculo.

Por lo que vemos en el tercer acto, Mendonça Filho tiene muy en claro dónde se ubica a nivel ético con Bacurau. Pero su defensa de los valores del pueblo quedó perdida, en medio de una estética de la esquizofrenia.

Calificación: 4/10

Estrenada a los pocos días de iniciarse, el 2020, en el Malba y también en el Gaumont, la película de Clara Picasso, protagonizada por Rosario Varela, cuenta la historia de una mujer joven, actriz, que intenta ganarse la vida, como profesora de idioma, participa de castings, porque su deseo es trabajar en el ámbito teatral o cine.

Sus emociones están contenidas, su contacto con el medio exterior es su celular, con el cual con alguien siempre estará conectado. La cámara accede a un paneo del mundo externo a esta mujer, sus amigos, conocidos, su búsqueda frustrada en la actuación, la enseñanza de idioma, como el medio para comunicarse con alguien.

Una mujer que intenta agradar a todos, en un momento desea cambiar el look, porque de alguna manera esa mujer tiene que contar al espectador, que algo de ella o el medio que la rodea no está bien.

El género de esta película, es intimista, fluye por el comportamiento sicológico, por lo que quiso Clara Picasso, que esta protagonista diga y por momentos acalle.

La actuación del elenco es excelente, que logra crear el clima raro que es difícil de respirar que la guionista Clara Picasso ha querido imprimir. Por momentos, el ritmo cinematográfico decae.

La protagonista de esta historia, en castings podrá con facilidad reír y llorar, ser dúctil ante la cámara, el problema aparece cuando llaman al alma y le toca mirarse al espejo.

Clasificación: 7/10

FICHA TÉCNICA:

-Título original: La Protagonista

– Título internacional (en inglés): The Protagonist

– País/es: Argentina

– Duración en minutos: 65

– Dirección y Guion: Clara Picasso

– Fotografía: Lucas Gaynor

– Edición: Manuel Ferrari

– Dirección de Arte: María Eugenia Fermani

– Diseño de sonido: Francisco Pedemonte

– Música: Cheba Massolo y El mató a un policía motorizado

– Productor/es: Natalia de la Vega, Manuel Ferrari

– Compañía/s Productora/s: Natalia de la Vega, Manuel Ferrari

Distribuye: Santa Cine

ELENCO
Rosario Varela, Macarena Suárez Dagliano, Ignacio Rogers, Jimena del Pozo Peñalva, Facundo Aquinos

Reseña: Diana Decunto – anahidec5@gmail.com

Luego de filmar la versión cinematográfica de Les Miserables, el director Tom Hooper se embarca en la difícil tarea de adaptar uno de los musicales compuesto por Andrew Lloyd Webber , Cats. En nuestro país, la película llegó luego del estreno en Estados Unidos y otros países, donde el film fue realmente vapuleado por la crítica, colocándolo como uno de los peores films del año (estrenó a finales del 2019). Si bien no es el gran desastre cinematográfico (Al menos es mejor que el esperpento de Los Ángeles de Charlie) pero aún así estamos ante una película decepcionante debido a la dificultad de adaptar la obra musical a un carácter cinematográfico, además de fallos en sus aspectos técnicos y en el propio cast.

Quizá en el caso de les miserables, la cosa resultó mucho más airosa, ya que se trataba de un relato más apegado a la realidad, o al menos relacionado a un momento histórico, además de que es un producto diferente más allá de su propuesta musical. La cuestión es que en Cats, básicamente los personajes son humanos representando a gatos, algo muy parecido como cuando las personas hacían de monos en el planeta de los simios, como para hacerse una imagen. Si bien en la puesta musical, los actores subían a escena como gatos con el uso de vestuario y maquillaje, en este caso se usan actores pero también empleando el CGI para llegar a la forma gatuna. Quizá esta es una de las grandes fallas de la película, porque no logra darnos una imagen precisa de nos quieren vender como personajes, dando una realidad muy difusa entre la cara de los actores y su desproporción con lo creado por computadora, además de que en los actores secundarios se les nota la falta de ganas en los diseños . Lo que también llega a fallar, es la forma en que intentan trasladar el lenguaje musical al cinematográfico, ya que tenemos momentos que cuentan con interesantes coreografías, pero que la cámara se pierde enfocando primeros planos cuando lo que realmente importa es todo el ensamble. Vayamos al grano, la propuesta es buena, sobre todo por la música de Andrew Lloyd Webber y parte de su cast que es atractivo, lo que falla es la adaptación y hace que todo su conjunto llegué a verse borroso.

En cuanto a los actores , tenemos algunas participaciones bien logradas como otras que son realmente un bochorno. Una de las actrices que salen mejor paradas es Judi Dench, con un personaje un tanto espiritual, y que brinda sus buenos momentos como jueza del concurso que se lleva a cabo para lograr ir a una especie de Edén. Y aunque la protagonista (Francesca Hayward) mantenga la misma expresión durante casi todo el metraje, no se lleva la atención por see lo peor del film en cuanto a lo actoral. Rebel Wilson nos da un personaje totalmente tedioso, con escenas que son ampliamente aburridas y técnicamente espantosas (Véase el número de las cucarachas cantando) , un Ian Mckellen que se merece algo más que ponerse a lamer un tarro de leche , y a Idris Elba, quien dejó de lado la irrealidad de Marvel para interpretar con escaso carisma a un gato villano (…?)

Parece que lo que digo sobre la película son todas cosas realmente terribles, pero aún así debo admitir que en lo personal la terminé disfrutando. Su música y el contexto de su historia con los gatos, que aunque no cuente con un hilo conductor preciso, resulta bastante atractiva , al menos para acercarse a la obra original de Webber. Además la mítica canción Memory, mantiene casi la misma potencia y emoción que se tienen en la obra, destacando la labor de Jennifer Hudson en los minutos que aparece. También hay una pequeña participación de Taylor Swift, que si bien su número musical es bastante agradable, solo funciona para agregar una canción original al film para llevarla a entregas de premios, aunque también ese fue un intento fallido.

Cats no es el gran desastre del año, de este o el anterior, depende de cómo lo queramos ver. Sino más bien es una adaptación fallida de un musical complejo. A aquellos que se han acercado al musical anteriormente, se van a encontrar con algo interesante pero que no logra transmitir la misma escencia que lo ha hecho en las tablas. La música del gran Andrew Lloyd Webber cumple, sobre todo en su canción más famosa, pero su paso por el cine queda en la decepción, y por momentos en la vergüenza ajena.

Calificación 5/10