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Crítica: Rambo: Last Blood

Por Agustín Villegas

Reseña: Rambo – Last Blood

Cuando te haces el loco con uno mas loco que vos…

Recuerden, si van a secuestrar a una joven no secuestren a la sobrina de John Rambo, eso es mucho muy importante. Sylvester Stallone vuelve a interpretar al mítico ex combatiente de vietnam en una quinta entrega que se diferencia bastante del resto de la franquicia. Si bien el guión respeta las características básicas del gran John Salchichon (todavía lo vemos lidiando con su estres post traumatico originado en Vietnam) la película toma un camino genérico de PELÍCULA DE VENGANZA.

La historia se centra en un John Rambo retirado y relativamente alegre, habitando en el rancho que solía ser de su padre (el mismo que vimos al final de la cuarta película). Junto a el viven Maria Beltran, una amiga de la familia Rambo (… o algo así) y la nieta de ésta, personas que se convierten en la nueva familia del guerrero. La cosa se va un poco muy al carajo cuando la pibita decide huir a México para buscar a su papá, ya que al llegar es secuestrada por una red de trata de blancas. John se saca de quicio y junto a una periodista interpretada por Paz Vega va directo a enfrentar a los hermanos Martinez, lideres de esta diabólica organización.

En el reparto tenemos nombres como Sergio Peris-Mancheta, quien junto a Oscar Jaenada nos brindan unas geniales interpretaciones como los villanos del film. Unos hermanos tan perversos y crueles que la catarsis en el climax hace que se sienta hasta el hueso. Por otro lado tenemos a Yvette Montreal, la joven encargada de ponerse en la piel de Gabrielle, la sobrina adoptiva de Rambo y motivación principal del personaje. Ésta joven es mas un elemento argumental para justificar el regreso del Rambo que en teoría conocemos (los que vimos la primera película sabemos que el personaje es mas que eso), su actuación no es nada del otro mundo pero su rostro y expresiones consumen (en el mejor de los sentidos) toda escena en la que sale. El personaje de Paz Vega se nota que fue agregado a último momento en el guión, sus aportes a la trama estan forzados y brinda información que literalmente ya sabíamos. Y por último tenemos a un Stallone que no se esfuerza mucho en lo actoral. El tipo es uno de los escritores comerciales que mas sentimiento le pone a lo que escribe, todas sus historias estan compuestas por personajes duros pero sensibles, con hermosas relaciones interpersonales … pero su actuación en ‘Last Blood’ se la noto genérica y carente de fuerza. Dudo que sea la edad, mas bien creo que pasa por una zona de confort en la que el interprete se quedo guardado.

La historia en su simpleza funciona. Rambo es la violencia necesaria, la justicia en su estado mas animal, cada traquea que arranca, cada cuchillazo que pega se siente bien. Estamos lejos de ver una película perfecta, se nota mucho que el director Adrian Grunberg deja en evidencia que todavía es un director amateur, recordemos que estamos ante su segundo largometraje como director (el primero es el genial ‘GET THE GRINGO’ protagonizado por su mentor Mel Gibson, muy recomendado), sus elecciones de vestuario y puesta en escena son bastante cutres … pero cumplen con su función. La violencia se hace esperar, no vemos violencia hasta ya adentrado el acto dos, no obstante cuando esto ocurre se torna un festival de sangre y cuchillazos que culmina en un climax soberbio y cargado de emocionalidad.

Quizás el problema mas grande de la película sea que es una película de venganza más. Conceptualmente se aleja de la esencia del personaje al meterlo en una trama que vimos miles de veces.

Recomiendo ‘RAMBO: LAST BLOOD’ porque es divertida de ver y se le nota una gran dedicación detras de la historia. A pesar de sus errores es una buena película que volvería a ver.

Por cierto, recuerden que el primer borrador de ‘RAMBO V’ se centraba en John cazando a una criatura mutante en la frontera de México, asi que el resultado final pudo haber sido mucho peor.

Calificación 6/10

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Crítica: Desertor

Película nacional, estrenada el jueves 31 de octubre, con dirección de Pablo Brusa, con guion de Mario Pedernera, Hugo Curletto, con las actuaciones en papeles centrales: Santiago Racca y Marcelo Melingo con la actuación de Daniel Fanego, en un rol secundario, pero no por eso menos importante.

La película, está filmada en Mendoza, excelente el paneo fotográfico de Gio Croatto. La trama se centra en un joven soldado, Rafael Márquez, interpretado por el actor Santiago Recca un personaje de unos 20 años, que sigue la carrera profesional dentro del ámbito militar, estudiando para recibirse de médico, en un regimiento de montaña de Mendoza, próximo a Camino del Inca.

Su padre de condición militar fue oficial en el mismo regimiento, y según cuentan los camaradas de su padre, un día, el padre de Rafael, desapareció del regimiento y fue declarado desertor.

La película hace una mirada sutil, sobre como Rafael no es mirado con buenos ojos, porque su padre lleva el estigma de ser desertor.

A medida que avanza, el eje comienza a centrarse en el enigmático coronel Santos, quien conocía y era amigo del padre de Rafael y además intenta acercarse al joven.

Una misteriosa mochila, arrojada en la puerte del regimiento será el punto de inflexión disparador para desarrollar la trama y llegar al desenlace, en la que acá juega un rol importante el personaje de Daniel Fanego.

La película, tiene un elenco que supera ampliamente las expectativas, el guion guarda intriga suspenso. Lo que no comparto, es a la crítica, que en general la ha tildado de western. Con todo respeto, la encasillo dentro del thriller, del género de suspenso. Me da la impresión como que está de moda decir que una película argentina es western, le da más categoría a la hora de querer captar público. Y me parece un error, porque el cine nuestro no es western es latinoamericano y a mucha honra, porque la calidad no tiene nada que envidiar a un western.

Pore las dudas, deseo aclarar que bajo ningún concepto, quiero caer en algún tipo de discriminación tratando peyorativamente a las películas del género western, porque tuvo, tiene y tendrá excelentes realizaciones.

Pero bueno, no quiero salir de contexto, porque el elenco tiene un excelente desempeño, la dirección, logra mantener la tensión. Tal vez, la única crítica es un amesetamiento pequeño en el medio del relato, pero como thriller se comprende.

Calificación 7/10

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

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Crítica: Maléfica: Dueña del mal

Por Macarena Maidana
“Maléfica: Dueña del Mal” (Maleficent: Mistress of Evil, 2019) funciona como secuela de «Maléfica»(Maleficent, 2014).


Dirigida por Joachim Rønning y co-escrita por Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue, esta mega producción vuelve a estar protagonizada por Angelina Jolie y Elle Fanning, como Maléfica y la princesa Aurora; sumando en esta entrega a Michelle Pfeiffer, Sam Riley, Harris Dickinson, Robert Lindsay, Chiwetel Ejiofor y Juno Temple, entre otros.
Aurora (Elle Fanning) es feliz con su reinado en el Páramo, conviviendo y mantiendo la paz entre las criaturas mágicas y hadas del lugar.
El príncipe Phillip (Harris Dickinson) decide proponerlo matrimonio, cosa que Aurora acepta sin dudarlo. Aunque, no sea de su agrado, debe presentar a su Madrina/ Maléfica (quien la crió) ante los padres de su prometido,los reyes Ingrith (Michelle Pfeiffer) y John (Robert Lindsay). El Rey encuentra dicha unión como el inicio de paz entre los dos reinos pero Ingrith no está muy de acuerdo con dicha paz.
Maléfica llegó allá por el año 2014, de sorpresa para muchos, planteando el punto de vista de una de las villanas mas malas de Disney, esta adaptación live action basada en la película de 1959,incluía muchos detalles que nadie había visto, e inclusive, cambió su final. «El beso de amor verdadero» ya no lo realizaría un príncipe sino que sería la misma Maléfica. Pero, hoy estoy acá para hablar sobre su segunda parte.
Maléfica : Dueña del mal, es de esas películas que nadie pidió y que será fácil de olvidar. La historia se carga de clichés, montajes más que notables y un cambiazo de último momento para el príncipe Phillip. Una vez más, una villana con propósitos muy predecibles a la vista e intenciones muy a lo Lannister y una sed de venganza que implica destruir todo lo que se le interponga, la verdad un desperdicio de Michelle Pfeiffer.
Podría destacar la intención de demostrar conciencia a la hora de mostrar el resultado del ser humano destruyendo lo que no le corresponde (como siempre) y hasta ahí no más. Ya que con casi dos horas de duración, se torna un tanto aburrida. Otro paso en falso en el camino de los live action para Disney.

Calificación 4.5/10

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Crítica: ¿Dónde estás, Bernardette?

Por Macarena Maidana
Antes de comenzar un viaje familiar a la Antártida, Bernadette (interpretada por Cate Blanchett) la mamá de Bee desaparece inesperadamente que creen está relacionado con sus ataques de ansiedad. Así, Bee comienza su búsqueda y en el camino descubrirá algunos secretos de su mamá.


¿Dónde estás, Bernadette?” (Where’d you go, Bernadette, 2019) es una comedia dramática dirigida y co-escrita por Richard Linklater ( Trilogía Antes del Amanecer 1995, 2004 y 2013 ; y Boyhood ,2014). Basada en la novela homónima de Maria Semple, la película cuenta con el protagónico de Cate Blanchett e incluye un reparto con nombres como el de Emma Nelson, Billy Crudup, Kristen Wiig, Judy Greer, Laurence Fishburne, Troian Bellisario y Zoe Chao, entre otros.

Bernadette Fox (Cate Blanchett),es una prestigiosa arquitecta (y muy creativa) que sufre un grave caso de agorafobia, lo que la obligó a dejar su trabajo. Su única hija, Bee (Emma Nelson) está a un par de años de emigrar a un internado y su esposo Elgin Branch (Billy Crudup), es un destacado trabajador de Microsoft. Tal como mencioné, Bernadette sufre de agorafobia, que según el diccionario es un trastorno de ansiedad y significa “Miedo a los lugares y las situaciones que pueden ocasionar pánico, impotencia o vergüenza.”, por lo que cuenta con un asistente virtual, al que nunca conoció en persona, para las compras y recordatorios diarios.
Como regalo por sus buenas calificaciones en la secundaria Bee decide optar por un viaje familiar a la Antártida. Sin embargo, sin previo aviso, Bernadette desaparece de la casa.

Si bien está catalogada como una película de misterio, ¿Dónde estás, Bernadette? también funciona como una película de autodescubrimiento y la carga de las frustraciones constantes. Cate Blanchett hace un espectacular trabajo como Bernadette ,demostrando una vez más su capacidad para papeles tan complejos porque a pesar de que el título hace referencia a su desaparición física, el transcurso de los minutos nos dejan en claro que también se pregunta a dónde fue mental y creativamente, una artista que no encuentra la forma de crear , no tiene mucho para aportar en el día a día.
Lamentablemente, se pierde en varios diálogos que no llegan a nada ni aportan demasiado a la trama, o situaciones bastante inverosímiles pero el buen desarrollo de los personajes principales logra que empaticemos de entrada con el argumento y con la historia que intenta plantear Linklater. Es una historia agradable y conmovedora, conecta fácilmente con el espectador logrando que entendamos a Bernadette desde el primer minuto.

Calificación 7/10

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Crítica: Pistolero

El jueves 10 de octubre en el cine Gaumont, concurrí a la función de prensa de Pistolero, un film con dirección y guion Nicolás Galvagno, con las actuaciones de Juan Palomino, Lautaro Delgado Tymruk y el debut en el cine del boxeador Sergio «Maravilla» Martínez.

La historia está basada en hechos reales, en la década del sesenta, Isidoro Velázquez, un correntino, que fue un asaltante y secuestrador y que durante seis años asoló junto con su hermano Claudio, con sus fechorías hasta que fue abatido por la policía.

La trama, no es original, el final está anunciado, la dirección es excelente, fue filmada en el departamento de Lavalle en Mendoza, las actuaciones son todas impecables, los silencios y ese odio de Isidro Velázquez protagonizado por el actor Lautaro Delgado Tymruk, es interesante, logrando con la actriz María Abadi, escenas fílmicas atractivas a la visual.

La actuación de Juan Palomino es excelente, como la del actor Diego Cremonesi, y por ser el debut la actuación de Sergio «Maravilla Martínez» me pareció más que correcta.

Si me preguntan cuál es la debilidad que le encuentro al film, diría que es la falta de tensión en la trama, tiene momentos argumentales en que decae, pero al momento de aludir fortalezas, podemos decir que el film nada tiene que envidiar a un película de Sergio de Leone, en lo técnico y lo actoral.

Tiene mucho del cine clásico, y las interpretaciones crean ese climax. Pero tal vez, las emociones se diluyan y eso es lo que hace que pierda la potencialidad del film.

Una película para ver, por aquellos que le gusta un cine donde le dan valor agregado a la sicológica de los personajes, con excelente fotografía y donde el mensaje social, de los que protegían a Isidro, ese es el principal mensaje, un Robin Hood argentino, donde ahí comienza a hilvanarse otra historia.

Calificación 7/10

Pistolero»

Policial. Argentina, 2019, 110’. SAM 13. Dirección y guion: Nicolás Galvagno. Con: Juan Palomino, Lautaro Delgado Tymruk, María Abadi, Sergio «Maravilla» Martínez, Diego Cremonesi.

Reseña Diana Decunto – Inboxmatutino@gmail.com

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Crítica: Porno Para Principiantes

Por Candela Otero
Una comedia protagonizada por Martín Piroyansky y Nicolás furtado, y dirigida por Carlos Ameglio. Ezta coproducción entre Uruguay, Argentina y Brasil, nos sitúa en los años ’80 en Montevideo, y cuenta la historia de un treintañero, cineasta amateur, que solo ha logrado hacer unos cortos de muy bajo presupuesto y trabajar en eventos sociales. A punto de casarse con su novia (También protagonista) de todos sus cortos, y ante la incomodidad de no poder pagar los gastos que la boda y la mudanza implican, al hombre le llega la oportunidad, gestionada por su amigo, empleado de un videoclub (Nicolás Furtado) de dirigir una película tan particular como sospechosa, en la cual el productor,un hombre bruto y agresivo, que nada sabe de cine, invierte mucho dinero, logrando contratar a una actriz de renombre en el extranjero.


A medida que avanza el proyecto, el personaje descubre que se trata de una película pornográfica, lo cual entusiasma muchísimo a su socio, fanático del género, pero a él lo aterra por completo. La necesidad del dinero y el deseo de realizador son más fuertes que el miedo. Así es como este personaje, inspirado en La novia de Frankenstein (película de 1935), comienza el viaje de filmar la película, procurando que la novia y el suegro no descubran de qué trata el proyecto, lidiando con el productor que lo presiona, su amigo (un tiro al aire), una actriz muy seductora y el desafío de dirigir una porno.

La película refleja una época en la cual, luego de la dictadura militar en Uruguay (que abarca desde el ’73
hasta el año ’85), resurge la curiosidad y el interés por hacer, explorar y explotar las cosas que durante esos años estuvieron restringidas y/o prohibidas: tales como el cine, la libre expresión y la pornografía.
En cuanto a las actuaciones, se destaca Nicolás, Furtado que compone al personaje con las intervenciones más cómicas y vuelve a sorprender con un personaje diferente; Martín Piroyansky cumple con su papel, pero no se destaca. La mujer que encarna a la célebre actriz, Carolina Manica, realiza un buen trabajo y compone a una mujer intrigante, decidida y sensual, con mucho que contar.

Una comedia que no resulta muy efectiva, con mucho del absurdo, chistes que no terminan de cerrar y pocas intervenciones cómicas (la mayoría en manos del personaje de Furtado). La parte interesante puede ser la originalidad y el hecho de que aborda temas que son difíciles de encontrar en las películas actuales, pero lejos está de ser una película para no perderse.

Calificación: 5/10

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Crítica: Guasón (Joker, 2019)

Por Agustín Villegas

«Y no te asustes si me río como un loco, es necesario que mañana sea así»

Vamos a ser honestos, desde que Joaquin Phoenix firmó para protagonizar una película de autor centrada en los origenes de EL JOKER, eterno nemesis de Batman, sabíamos que algo bueno estaba cocinandose. Phoenix es un actor con un criterio similar al de Daniel Day Lewis, el tipo no se mete en proyectos sin futuro, siempre elige películas que lleven su carrera mas y mas lejos. A esto se le sumó que Todd Phillips, director de comedias (‘¿Que Paso Ayer?’ ‘Todo un Parto’), fue el encargado de diseñar la historia y dirigir con excelencia éste futuro clásico del cine de cómics. Al principio nadie creyó que de verdad la idea iba a tratarse como cine de autor, la apuesta general era que probablemente se intente hacer algo distinto pero sin salirse del estandarte hollywoodense, pero tras ver la película tengo que admitir que no solo la película es diferente para ser de un personaje de cómics, sino que es diferente hasta para los estandares del cine actual.

Arthur Fleck (Phoenix) labura en una agencia de payasos, su sueño es ser comediante para llevarle risas y alegría al mundo. El problema es que éste muchacho sufre una enfermedad que lo hace reir de forma insana ante situaciones de estrés. El entorno, la Gotham City ochentosa elegida por Phillips, fue un elemento ideal para desencadenar la locura del principe payaso del crimen. La ciudad se encuentra al borde de una guerra civil en plena epoca electoral, idea que nos permite revistar personajes como Thomas Wayne, padre de Batman, al cual se lo presenta como un candidato a alcalde. También nos presenta otros como Murray Franklin (Robert De Niro), un showman televisivo que es clave en el descenso de Fleck hacia la locura.

Todos los personajes, todos los planos, todos los dialogos funcionan para que Phoenix brille. La película funciona para el, todo esta hecho para la necesidad de este único protagonista, no hay subtramas, no hay coprotagonistas, todo es sobre y para el personaje. El estilo claramente se acerca a ‘Taxi Driver’ o ‘The Master’, películas centradas en el conflicto interno del personaje, al cual se lo vive como si fuese un avión en plena turbulencia, nosotros estamos adentro de este personaje y vibramos con el sufrimos con el y, por ese rato, nos volvemos locos con y como el.

A ustedes les encanta preguntar cosas como ¿¿Phoenix es el mejor Joker?? Por lo que les voy a dar el gusto de caer en esas comparaciónes respondiendo que no, no creo que sea el mejor. ¿¿Heath Ledger es el mejor Joker?? Respondo lo mismo, no. Lo mismo con Nicholson, Monaghan, Hamill y Leto … bueno, no, Leto no. Mí respuesta suena tibia y sin huevos, pero es la realidad. Éste es un personaje tan marcado, tan rico para jugar que no se puede poner una encarnación por encima de la otra, todos y cada uno otorgaron visiones del personaje diferentes al igual que los cientos de autores que escribieron al personaje en los cómics, es un concepto que sirve para reinterpretar una y otra y otra y otra vez. El Joker de Phoenix es brillante pero no es mas que un nuevo enfoque, no es superior, sino diferente.

«JOKER» es una de las películas mas completas, creativas e interesantes del año. Que se haya tratado como un film de cine negro, como un capítulo aparte y separado de un universo cohesionado le dio una identidad única y fresca. Si me pongo en jodidito solo puedo mencionar como defecto la víctimizacion excesiva en algunas lineas del Joker en el tercer acto del film, pero al tratarse de un producto masivo es entendible que el espectador necesite sentir identificarse con el personaje y se valora la creatividad y la objetividad con la que trataron el asunto. Colaboren con hacer de este proyecto un éxito en taquilla, necesitamos que el subgenero de cine de cómics vuelva a brillar y se vuelva a sentir distinto. No esperen secuelas, no esperen ver a Phoenix peleando contra el Batman de Pattinson, esto es una película para gente que ama el cine clásico y esta decidida a dejar una marca y a ser la gran estrella del año.

Gracias Warner. Gracias Phoenix. Gracias Phillips.

Calificación 9.5/10

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Crítica: Que Sea Ley

Por María Luz Stella
El 14 de junio de 2018 representa una fecha histórica para las mujeres y personas gestantes ya que tras debates previos, el proyecto de ley de Interrupción voluntaria del embarazo obtuvo media sanción en una jornada de 20 horas en la cámara de diputados. Juan Solanas, quien se crió en Francia, quedó asombrado al enterarse que el aborto en su país de origen está penalizado. Movilizado por el gran debate que generó en la sociedad esta problemática, salió a la plaza a tomar registro de la vigilia en la que se concentran manifestantes a favor y en contra del proyecto a la espera del resultado en la cámara de senadores. A causa del rechazo de la misma, fue que el director decidió avanzar en la realización de lo que hoy es el documental Que sea ley.


Siguiendo el ejemplo del documental de Fernando Solanas y Octavio Getino, La hora de los hornos (1968), el director usa sus conocimientos para la realización de una película que es un registro sobre el movimiento feminista y su lucha por el proyecto de ley por el aborto legal, seguro y gratuito. En una clara referencia al film de su padre, utiliza como recurso el sonido de los bombos y el montaje con intertítulos para presentar a la gran marea verde y todas sus voces.
El film, que tuvo su presentación en el Festival de Cannes en mayo de este año y ha sido galardonado con el premio Otras Miradas en el Festival de Cine de San Sebastián, tiene como eje central diferentes testimonios que son registrados en un recorrido de 4000 km dando un panorama amplio de la problemática en distintos lugares del país. Los testimonios centrales son de familiares y víctimas de la clandestinidad. Estos representan un crudo registro del maltrato que se ejerce desde el estado y el sistema de salud en donde se violan derechos y se expone a la mujer a la muerte a modo de castigo por su decisión.
Para que sea vista por todo el público pero por sobre todo a aquellos espectadores que no tienen una opinión formada sobre esta problemática recomiendo fuertemente que la vean. Se estrena en las pantallas argentinas el 3 de octubre.

Calificación 9/10

Para más info:
https://www.facebook.com/Que-sea-Ley-La-Pel%C3%ADcula-por-el-aborto-legal-en-la-Argentina-2013909928735921/

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Festival de escuelas de cine con perspectiva de género.

Por Gonzalo Esteban Borzino
El viernes pasado, en Avellaneda, se llevó a cabo el primer festival de escuelas de cine con perspectiva de género (FECPG). Organizado por la municipalidad y la comisión de género de la IDAC, el edificio municipal Leonardo Favio se llenó de estudiantes y activistas que buscaban compartir una jornada con referentes del feminismo audiovisual.

Hubieron cinco bloques de cortometrajes realizados por estudiantes de escuelas de toda la Argentina, con el objetivo de darse a conocer y difundir la diversidad de miradas. Contando con cortos con protagonistas transexuales, animaciones stop motion, documentales de socorristas y hasta fiestas de drag queens tucumanas, las proyecciones rondaron un amplio espectro de temas siempre presentes en las agendas políticas contemporáneas, consiguiendo acercar al público de siempre obras renovadas y modernas. No obstante, si bien gran parte de los trabajos buscaban celebrar la diversidad y el compañerismo, varios tomaron una posición más cruda. Tal es el caso de Pluma fuerte, fragmento de la realidad brasilera que toma imágenes de una manifestación contra los asesinatos brutales de transexuales de ese país. De esta forma, el evento funciona como una ventana de difusión artística, pero también de reflexión critica.

«El arte tiene una función transformadora. Es una piedra que choca contra el espejo» – Mostras, documental de drag queens

Una de las dos presentaciones del evento fue un conversatorio con Lita Stantic, legendaria mujer de la industria local, a quien se le otorgó un reconocimiento por su trayectoria y trabajo en un campo donde la figura femenina era tenida por sobrante. Ella misma relató como uno de sus primeros jefes le dijo que era innecesaria su presencia en un rodaje, debido a que el cine no era para mujeres. A pesar de ello, insistió que los malos compañeros de trabajo no distinguen genero, y que no es cuestión de marcar a un grupo particular como los responsables del malestar laboral. A su vez, admitió que le gustaría ver más cine nacional que reflejase la realidad social, y no tanto de mero entretenimiento. Comentó que, si volviera a dirigir, haría una película de «los casos de gatillo fácil y los pibes chorros». Sobreviviente de la censura de las dictaduras y formadora de su propia productora, es una poderosa referente para todas las realizadoras que intentan hacerse un lugar en la industria.

Resultando un éxito de convocatoria, el festival ocupó la entrada de la facultad junto a un móvil de radio Avellaneda, dejando abierta la posibilidad de repetición en un futuro cercano. Pronto, más estudiantes nacionales tendrán la chance de mostrar su contenido cinematográfico en las proyecciones y sus trabajos visuales en las muestras de arte. De esta forma, se pluralizaran los discursos y fomentará la diversidad, visibilizando a los autores pertenecientes a disidencias

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Crítica: Las buenas intenciones

Por María Luz Stella

Cine Argentino/Cine x Mujeres

Opera prima de Ana García Blaya que se ha estrenado a nivel mundial la semana pasada en el Festival Internacional de Cine de Toronto en la sección Discovery y que llegará a las salas argentinas en diciembre de este año. Su equipo técnico se conforma en algunas áreas por integrantes de la familia de la directora como es el caso del de la producción que está a cargo de su hermana Juana García Blaya.
La película nos transporta a la década del 90 creando un clima envuelto de melancolía por aquellos años en los que se comercializaba música en formatos analógicos y se usaba vhs en televisores de tubo. Se centra en la esfera de la cotidianidad de tres hermanos cuyos padres divorciados son completamente distintos. Pareciera ser que el protagonista de este film es el padre de la historia, Gustavo, interpretado por Javier Drolas, ya que narrativamente es el personaje que está más descripto y tiene mayor presencia en la historia. Se caracteriza por tener una personalidad totalmente despreocupada, ser indiferente a los compromisos (incluyendo a sus hijos), es encargado de una disquería, músico y aficionado camarógrafo. Sin embargo, es Amanda, la hija mayor, una preadolescente que es interpretada por Amanda Minujín, quien mueve la historia y la lleva adelante con pequeñas acciones que hacen a la relación padre-hija y que constituye la línea argumental.
Ante una decadencia económica y la falta de colaboración de Gustavo, Ceci (Jazmín Stuart), la madre de los niños, toma la decisión de trasladarse a Paraguay donde su marido (interpretado en una breve colaboración por Juan Minujín) tiene una oferta laboral que mejorará su calidad de vida. Gustavo entiende que es la mejor opción, aunque le duela, y lo acepta pero Amanda no está conforme y decide quedarse con su padre.
Una historia repleta de momentos de la niñez entre ellos: la escuela, reuniones familiares, pasar el tiempo acostados en la cama mirando la televisión, los desayunos, etc. Con el agregado de un padre que vive en la suya pero que transmite, a su manera, un gran amor por sus hijos.

Calificación 6/10

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