Por Bruno Glas

Envejecida

Rodolfo se jubila después de 50 años de ser obstetra. Al comienzo del filme lo vemos siguiendo su rutinaria vida de retiro, sin demasiados sobresaltos. A Rodolfo no lo notamos muy contento. Sabremos que es viudo. Pero poco más que eso. Lo notamos siempre cansado, con un dejo de agotamiento en los ojos, como si la vejez y el consecuente cese de su trabajo implicaran el fin de cualquier alegría posible para el personaje. Desconocemos sus gustos, sus manías, sus aficiones. La vejez del protagonista tal cual la caracteriza la película parecería estar signada por esta única cualidad. Incluso en los pocos momentos en que Rodolfo sonríe lo notamos como incómodo. La llegada de Ignacio, un amigo suyo, que cae a su casa sin avisar y con intenciones de festejo, constituye un gag efectivo, porque en su irrupción exagerada rompe con la congoja de Rodolfo.

La tranquilidad de Rodolfo se verá afectada cuando quede al cuidado de Diego, el hijo de 8 años de la mujer que limpia en su casa, y que se ha ido a Santiago del Estero. Laura, la hija de Rodolfo, toma la decisión de quedarse con ellos en la casa, y es a partir de la convivencia entre los tres que gira el núcleo dramático. Pero este no llega nunca a buen puerto. Y esto ocurre por la ya mencionada unidimensionalidad de Rodolfo, con un Luis Brandoni monogestual hasta lo exasperante. A ello debemos sumar los constantes reclamos que Laura le hace a su padre, puestos en diálogos que subrayan el cariño que él le ha tomado a Diego, pero que ella jamás obtuvo. De hecho, el vínculo padre-hija entre ambos aparece de forma muy superficial, a las apuradas, y sólo para llegar a una resolución forzada, y por tanto malograda en su búsqueda emotiva. Lo mismo pasa con la muerte de uno de los personajes secundarios, como por un volantazo de guión, que sirve solamente para que éste ilustre en un grosero primer plano la idea de que “hay que aprovechar la vejez”.

En medio de todo esto, está Diego, que con su presencia otorga una imprevisibilidad que al resto del filme y a sus personajes les falta. Su comportamiento de niño rebelde aparece en dos escenas clave. La primera, cuando vemos que el quilombo que ha hecho en la cocina de Rodolfo fue especialmente para prepararle el desayuno. Y la segunda, en el acto escolar al enunciar el discurso “verdadero” del Sargento Cabral antes de morir en batalla. Son dos momentos donde los componentes emotivo y cómico funcionan, en una película que por lo demás no sabe sostenerlos en el resto del metraje.

Calificación: 4/10

Por Marina Biondi

Poli Martínez Kaplun nos presenta su segunda película documental llamada “La casa de Wannsee”. Durante todo el film la directora se adentra a una historia familiar desconocida para ella y de la que todos parecen querer olvidar. Desde siempre supo que los orígenes de su familia se radicaban en el judaísmo pero ella jamás se identificó como judía. Su familia no practicaba la religión y su educación tampoco correspondía a una familia judía tradicional ni mucho menos; fue con la sorprendente celebración del Bar Mitzva de su hijo que ella se dispone a indagar en sus orígenes y en su historia familiar. A través de maravillosos registros fotográficos y fílmicos característicos de su familia, logra reconstruir su historia y su propia identidad viajando en el tiempo y espacio, reedificando acontecimientos históricos, familiares y redescubriendo paisajes maravillosos que no solo contribuyen a la reconstrucción de sucesos familiares, sino también a su propia historia e identidad.

Poli va adentrándose a su historia familiar al mismo tiempo que lo hace el espectador, entrevistando a sus familiares, dejando en evidencia como la misma historia varía e impacta de diferente forma en cada uno, pero siempre dirigiéndose a un mismo camino en común. El documental emociona, impacta e invita al espectador a querer saber más sobre su propia historia, ya que evidencia que nada es casual y que, en parte, todos somos consecuencia de experiencias y sucesos heredados.
La casa de Wannsee es la casa de su historia y la de sus antepasados, una casa que a pesar de los daños y de los años sigue en pie reflejando que la familia y la identidad son más fuertes que cualquier suceso o situación.

Calificación: 9/10

Por Macarena Maidana
Si de live actions hablamos, Disney tiene bastantes de un tiempo a esta parte. Quizás no sean su fuerte en cuanto a agradar al público adulto, pero a los que repetimos los diálogos de principio a fin es un cariño al alma enorme. El Rey León (The Lion King,2019) regresa a las salas de cine de una manera casi controversial.

Aunque, más que live action es remake en CGI del clásico animado que se estrenó allá por 1994 ;¿Innecesario ? Puede ser, pero que sigue causando el mismo impacto, hay que reconocerlo. Esta vez dirigida por Jon Favreau, quien estuvo al mando de El Libro de la Selva ( The Jungle Book, 2016) , y escrita por Jeff Nathanson. Para la banda de sonido, regresa el ganador del oscar de la primer versión, Hanz Simmer sin perder absolutamente nada de su talento. La música es una pieza casi fundamental en los clásicos de Disney, y por supuesto el Rey León es de las más icónicas.
Para aquellos que no recuerdan la sinopsis o,simplemente no la vieron: Simba, un cachorro de león, es el heredero al trono en la sabana africana. Su padre, el Rey Mufasa, de quien aprende todo lo que necesita saber para enfrentar su destino. Pero cuando el malvado tío Scar causa una tragedia para apoderarse del reino, Simba termina en el exilio. Ahora, con la ayuda de 2 curiosos amigos, Simba iniciará el camino de regreso a casa y reclamará el trono que le pertenece.-
Esta remake tiene algo seductor que , por lo menos a mi , me atrajo desde un principio y es el reparto de voces que van desde Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones hasta la mismísima Beyoncé Knowles. Con un despliegue visual demencial, digno de pagar la entrada al cine más cercano y con mejor sala (si el bolsillo lo permite), El Rey León es una copia más del Clásico que está cumpliendo 25 años , pero no deja de ser una joya para nuestros ojos.

Calificación 7.5/10

Elogio del amor.

Por Rodrigo F Ruiz

El cine, desde sus inicios ha demostrado su capacidad para narrar el pasado, el presente y el futuro.  Esta manipulación temporal evidencia o al menos cuestiona la verdad del relato, al poner en primer plano el tratamiento subjetivo del tiempo. Ricordi? , de Valeriano Mieli, es un relato sobre la subjetividad, sobre el recuerdo y como este se transforma, en el recorrido de una relación amorosa.  Lo que en la literatura se vuelve forzado, en la pintura y la fotografía extremadamente críptico, en el cine es casi su materia prima, su capacidad máxima. Las imágenes y sonidos provenientes de la mente de los protagonistas del filme, sus recuerdos y sus deseos nos configuran un relato que funciona como una multiplicación de espejos, donde el reflejo al transformarse constantemente alude al incesante transformar y re armar de la mente, de los vínculos, de la vida.

En Ricordi? se narran los pormenores de una relación amorosa. Pensemos cómo narrar el amor; en una relación se comparten recuerdos construidos, elaborados, idealizados. La construcción de un pasado y un futuro en común, el tener un testigo de la vida del otro. El amor, en muchos casos consta de compartir el ser con otra persona, abrirse al mundo. Este film lo construye a través de la manipulación temporal, vemos el pasado, el presente de los dos protagonista, hay saltos temporales constantes, prácticamente de plano a plano, lo cual da una profundidad y una forma de narrar contemporaneamente bella. Quizá tan bella como intrigante o bella justamente porque la intriga se construye mediante esta pregunta de lo idealizado y de lo bello y como eso se marchita o mejor decir se renueva para representar y para poder presentar.

El film trata esta tensión constante entre el pasado y el presente, el pasado entrando en tensión con el presente, transformándolo. Es que somos nuestro pasado, pero nuestro pasado es subjetivo y se transforma con cada acción del presente; esto busca representar el film, y lo trabaja sobre algo que el amor o las relaciones amorosas nos fuerzan a enfrentar y es pasar desde la idealización completa a la realidad. El recuerdo idealizado, o  peor petrificado se transforma indefectiblemente con el paso del tiempo y del amor. El recuerdo traumático pasa a poder ser sobrellevado, tamizado , por la complejidad de la vida, complejidad en el sentido de la variante. Aquí se nos muestra dos formas de transformación del recuerdo desde la desidealización en el caso de la protagonista hasta, el dejar de ver todo negro en el pasado departe de el protagonista. El autor, expone esta hipótesis sobre el amor, donde al compartir esta experiencia aprenden a matizar la vida. Así el arte cinematográfico exhibe todos sus trucos, desde el trabajo con el color, que nos permite establecer que tipo de recuerdo expectamos, hasta el puro trabajo de punto de vista de cámara, donde revivimos una misma situación desde la mirada o el tamiz de otro personaje, o del mismo pero con una visión diferente de lo sucedido. La mayor virtud en el film es también su defecto, en la constante manipulación del espacio / tiempo en el film muchas veces no queda aire, justamente se fuerzan ciertas situaciones y al recurrir siempre al artificio se esquiva la crudeza. En este gesto podríamos decir, inquieto del director, hay una falta de sutilezas y una dirección demasiado incisiva sobre el adónde mirar.

Como dije al principio esta forma de narración es la que hace propio al cine, es una forma que despega todas sus facultades. Ricordi se enfrenta tanto con su forma, como con su tema frente a dos cuestiones universales, eternamente tratadas y sale airosa, extremando en la forma y profundizando en el tema logra desde sus minutos iniciales meternos en la particularidad de su tiempo narrativo, y una intensa identificación con sus protagonistas. Este tipo de films muestra  cómo a estos 100 años de cine, el autor puede darse grandes libertades a sabiendas que cualquier espectador podrá seguirlo. Ricordi resulta una película atrayente y recomendable, y una muestra que siempre hay una nueva forma de volver a tratar los temas de siempre. Porque el amor y el tiempo no son solo la materia prima del cine, sino de la vida.

CALIFICACIÓN: 7.5 / 10

Título original: Ricordi?

Estreno: 04.07.2019

Clasificación: Apta para mayores de 16 años

Actores: Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo, Camilla Diana

Director: Valerio Mieli

Guionistas: Valerio Mieli

Director de fotografía: Daria D`Antonio

Montaje: Desideria Rayner

Producción: Angelo Barbagallo

Ricordi? fue estrenada, en nuestro país, en el marco del “La semana de Cine Italiano”. A partir de el primer fin de semana de Julio puede verse en el BAMA y en el Village Recoleta.   

rfraudiovisual@gmail.com

por Ignacio Festa

“¿Como vamos a hacer? Somos niños”,  le dice Mariel al mono Vivaldi. Este dibujo animado, que habla gracias a la voz de el negro Rada, le dijo a ella y a sus amigos que son ellos quienes tienen que luchar con la empresaria que quiere destruir la selva. Increíblemente, la magia de la naturaleza le permitirá a estos chicos que viven una pequeña ciudad del noroeste argentino entorpecer los planes de una empresa multinacional.

Cara Sucia, con la magia de naturaleza es la nueva película de Gastón Gularte. El film cuenta la historia de Mariel, una chica que vive en la provincia de Misiones, en un localidad cercana a las cataratas. Ella y sus amigos tiene mucha preocupación por cuidar a los animales del lugar y la naturaleza. Después que su papá pierde su trabajo talando árboles, ella y sus compañeros de escuela reciben la visita del mono Vivaldi. Una empresa dirigida por una malvada ingeniera se acaba de instalar en el lugar con el fin de destruir la selva y se ha ganado el agrado de los adultos haciéndoles regalos para que apoyen el proyecto de la compañía. Por este motivo, el mono les dice que son ellos quienes deben luchar por salvar la naturaleza, que con su magia les permitirá a los chicos transformarse en dibujos animados y tener superpoderes.

“Los niños somos el presente señor. El presente y el futuro”, le dice Mariel al comandante del ejército que ha ido a secuestrar a la malvada empresaria. La película transmite como mensaje la capacidad de los chicos de dejar de lado el dinero para hacer valoraciones y defender lo que para ellos es importante. El problema es que la trama se plantea de una manera poco realista y los personajes, en particular el de la antagonista, están demasiado exacerbados. El desenlace de la historia conduce a que los adultos recapacitan sobre su actitud de respaldar a la empresaria y terminan ayudando a los chicos para derrotarla.

Cara Sucia, con la fuerza de la naturaleza es una película que fracasa por su falta de innovación. El papel de los personajes está propuesto sin ningún aporte creativo y transmite un mensaje poco realista. Lo único destacable del largometraje es que incorpora imágenes de la selva misionera y a animales autóctonos como algunos de los personajes animados. La trama se basa en el reiterativo argumento de que los buenos triunfan sobre los malos.

Calificación 3/10

Por Macarena Maidana

Spiderman: Lejos de Casa (Spider-Man: Far From Home, 2019) es la tan esperada secuela de Spiderman: De Regreso a Casa (Spider-Man: Homecoming, 2017). Jon Watts vuelve a ser el director así como el guión otra vez está co-escrito por Chris McKenna y Erik Sommers. Tom Holland vuelve a ponerse el traje arácnido;y junto a él también regresan los personajes interpretados por Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Marisa Tomei, Tony Revolori, Angourie Rice, Martin Starr, entre otros. Samuel L. Jackson y Cobie Smulders, también están presentes como Nick Fury y Maria Hill respectivamente; y a este gran cast llegó el increíble Jake Gyllenhaal como el nuevo villano: Mysterio.

La película retoma luego de lo sucedido en Avengers: Endgame, Peter Parker (Tom Holland) debe lidiar con la tristeza de haber perdido a su héroe y mentor, mientras carga una pesada mochila, la que conocemos como «herencia». Intenta despejarse aprovechando una excursión escolar a Europa, con la intención de hacer cosas respectivas a la edad que tiene y llevar a cabo su plan de conquistar a MJ (Zendaya).
Pero, por supuesto, la tranquilidad no existe en el vocabulario de un superheroe. En Venecia, Peter y sus amigos serán testigos del ataque de un villano compuesto de agua. Poco después de dicha catástrofe, Nick Fury contacta a Peter (Samuel L. Jackson), por lo que pronto conocerá a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal ), un superhéroe que viene de otra dimensión (explicando como funciona el multiverso) en donde los Elementales (fuerzas del mal en forma de fuego, tierra, agua y aire) mataron a su familia. De esta manera, Peter Parker no tarda en unirse con Quentin para que Italia no sea un desastre .

El fin de la Fase 3 dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, Spiderman: Lejos de Casa llega a la cartelera siendo una agradable secuela. Y lo hace fiel al estilo Marvel,con la cuota justa de comedia y acción, el amigable Hombre Araña logra ser mucho mejor que su predecesora.
Aunque la trama puede volverse un poco previsible para los que conocemos los cómics o a los que les dio curiosidad el papel de Gyllenhaal como para googlear que traje se calzaría, el desarrollo, tanto de, los personajes nuevos como los que ya conocemos esta muy bien adaptado y no deja nada sin explicar.

El lado más adolescente de Peter Parker está súper bien tratado, Tom Holland retruca (una vez más) por qué es el perfecto Hombre Araña. El guión hace un destacado trabajo al relucir lo que realmente es: un chico de 16 años bajo muchísima presión por aceptar el lugar que no le corresponde e intentar ser quien no es.

Por suerte para nosotros, el villano que construye Jake Gyllenhaal es impecable, logra que todos nos lanzemos de cabeza a su Quentin Beck. Hasta me animo a decir que se ubica en el top tres de villanos dentro del MCU.
Y si hablo de un gran desarrollo de personajes, es el momento de Zendaya, la joven se encuentra en un excelente camino actoral y nos regala una genuina y muy querible MJ. (Face it, haters) .

Spiderman: Lejos de Casa es el claro ejemplo que a las segundas partes del amigable vecino, siempre hay que darles una oportunidad. Con una montaña rusa de situaciones que van desde el romance hasta el típico autodescubrimiento heroico, es una espectacular adaptación del gran Hombre Araña.

Por último, pero nunca está demás aclarar, la cinta cuenta con dos escenas post créditos, y si, ambas valen la pena.

Por Bruno Glas

Cinepunk is not dead

El cine de terror argentino en clave más trash corre muchas veces el riesgo de que su espíritu de bizarrez por la bizarrez misma haga que las películas no puedan ser tomadas muy en serio.

Tr3sh, tercera parte de la trilogía cinepunk de la productora Sarna integrada por Trash (2010), y Trash dos: las tetas de Ana L. (2010), se hace cargo de esto desde el principio. Una voz en off aclara que “el que hace esto una o dos veces, es un hijo de puta o un enfermo. ¿Pero, tres veces? ¡Eso ya es una tomadura de pelo!”Esas palabras resultan lo bastante claras para entenderse como una declaración de principios hecha y derecha: con la autoconciencia de saberse lo más trash y bizarros posibles, el director Alejo Rébora y su equipo técnico utilizan todo el arsenal posible (léase: drogas, zoofilia, rituales, mafiosos, gore, escatología y un largo etcétera) con la humilde intención de divertirnos durante la hora y cuarto de metraje. Y, aún con cierta autoindulgencia, lo logra.

La trama gira en torno a Mamá Bruselas, que ante la desaparición de sus hijos Ansio y Ana, se lanza a buscarlos montada en su silla de ruedas con enfermera a cuestas. Al mismo tiempo, los hijos se hallan secuestrados y buscan escapar por su cuenta. Las calles de la ciudad, mientras tanto, se inundan de drogas nuevas y de peligrosas sectas. Lo curioso es que todos estos elementos se integran bien dentro de las líneas narrativas. Es así que el filme crea una coherencia donde los momentos más asquerosos y divertidos (lo de la secta de los abortistas del séptimo día es sublime) funcionan de manera individual pero aportando a la totalidad del universo. Por eso es que el momento de la batalla final sea lo más fallido, porque ahí el exceso no está más que de fondo a la acción principal, operando simplemente de relleno.

De todas maneras, la culminación (o no…) de la saga de Sarna transmite la mayor parte del tiempo la vitalidad de sus realizadores por hacer mucho, en términos visuales y narrativos, con pocos recursos.

Calificación: 6/10

Por María Luz Stella

Una semana en la vida de un niño de 11 años de escasos recursos que vive en un pueblo alejado. Su firme interés por la música lo llevará a retomar junto con su padre un camino olvidado.

Delfín es el nombre de esta película argentina dirigida por Gaspar Scheuer que se encuentra en la selección Cannes Écrans Juniors 2019. También es el inusual nombre del protagonista: un chico de 11 años que vive con su padre en una casa precaria de un pueblo aislado en la provincia de Buenos Aires. Allí, el tiempo se detuvo para su padre, que desolado en un contexto de pobreza y sin contención se encuentra solo frente al cuidado de su hijo.

En la cotidianidad que va construyendo la película se presenta la posibilidad de una audición para una orquesta juvenil en la ciudad de Junín. Delfín tiene en claro que quiere ir allí a hacer la prueba. LLega tarde a su casa, aún solo, saca de una caja una manguera y un embudo con los cuales improvisa el instrumento: el corno francés. El cual aprendió a tocar en la escuela, donde tienen uno, pero no se lo prestan por fuera de la institución porque es considerado una reliquia.  

La relación padre-hijo se ve afectada por la falta de recursos. El padre trabaja muchas horas en una construcción y el hijo en una panadería realizando entregas antes del horario escolar. El hogar se transforma en un reflejo de la supervivencia, allí duermen y se alimentan con lo que consiguen. Las pocas horas que pasan allí están impregnadas de cansancio y la necesidad de distenderse de esta situación agotadora. Causa por la cual, el padre de Delfìn no podrá cumplir con una promesa que le ha hecho. Sin embargo, la fuerte convicción que vive en Delfín será el motor para continuar un camino abandonado por su padre.

Más allá de que el film está bien logrado en cuanto a guión, puesta en escena, imagen y sonido, me deja la sensación de que hay un distanciamiento frente a la situación de pobreza que ilustra. La historia muestra un panorama desolador pero no se cuestiona las circunstancias. El film termina con un aire de esperanza sin dar ninguna solución a sus vidas, se queda en el hecho de resolver un conflicto interno estancado.

Calificación 6/10

Por Agustín Villegas

No sabíamos que la queríamos…

Me llene tanto la boca diciendo «P.I.X.A.R. va a cagarla, el final de la 3 fue perfecto, no pueden arruinar todo así por guita (…)» que ahora me da un poco de verguenza salir a decir que la cuarta película de esta saga que tanto amo es probablemente una de las películas mas geniales y creativas que salieron en esta primera mitad del 2019.

La historia sigue a Woody, Buzz y compañia en un viaje por la ruta junto a su nueva dueña Bonnie (la nena a la que Andy le regala sus juguetes al final de TOY STORY 3 … spoilers … supongo). En la banda nos encontramos a un nuevo integrante que trae a cuestas el drama existencial que enriquece la trama, Forky, un mitad tenedor mitad cuchara creado por Bonnie en su primer día en el jardín de infantes. Incomodo con su sensación de estar vivo el juguete salta del vehículo en el que se encontraban viajando, por lo que el vaquero de la serpiente en su bota ira, como siempre, al rescate … voy a volver con ésto más adelante. En su aventura Woody se reencuentra con su antiguo amor Betty, la pastorcita de las dos primeras entregas, la cual le genera al vaquero otro dilema que nos vuelve a hacer sentir muy identificados con el personaje.

Woody debe ser uno de los personajes con los cuales uno más puede empatizar, desde sus bajezas hasta sus virtudes. Uno entendía sus celos hacía Buzz Lightyear en la primera entrega … después de todo el niño que jugaba con el estaba dejandolo de lado por un juguete mejor. En la segunda entrega (la mejor para mí, la decisión de incluir bloopers al final me parece una de las mejores de la historia del cine) acompañamos al vaquero en un conflicto muy interesante, volver con Andy para jugar con el en lo que quedaba de su infancia, a pesar de ser conciente de que éste en algún momento iba a crecer y dejarlo de lado, o irse a un museo en Japón en donde, si bien no iba a ser olvidado, nadie iba a jugar con el nunca más. Luego en la tercera parte enfrentamos lo inevitable, el Andy adulto, acá vemos a un Woody que se niega a abandonar a su niño, totalmente negado y dispuesto a todo por acompañarlo. La tercera entrega cerro con una de las escenas más emotivas del cine, una despedida que nos toco por el solo hecho de que Andy es nosotros, crecimos (hasta literalmente hablando) junto a el, la despedida era hasta personal, eramos nosotros diciendole adios a nuestra niñez. La cuarta parte sigue éste camino pero con nuevos elementos, estabamos acostumbrados a ver como Andy sentía una preferencia por Woody, pero ahora con Bonnie eso no es tan así. Sin embargo, el vaquero se lanza en busca de Forky solo porque es el nuevo preferido de Bonnie, lo cual nos lleva a una etapa del personaje en la que lo vemos con terror de perder su rumbo y quedarse sin un motor que lo haga sentirse pleno. Buzz Lightyear toma un rol un poco mas secundario en está entrega, pero cada escena con el es un gusto, los guionistas mantuvieron la personalidad mambeada y heroica del guardián estelar y, a pesar de no haber profundizado mucho en el personaje, tuvo sus momentos de gloria tanto en lo que es acción como en comedia. Los demas juguetes como Ham, Los Cara de Papa, Rex, Slinky y la nueva banda de Bonnie fueron puestos más como personajes de soporte, se les dio una subtrama brillante con una culminación hilarante pero el peso se dejo caer sobre los personajes nuevos. La dupla cómica Key y Peele interpretan a dos ositos de peluche de feria con una personalidad delirante, lo cual le permitió a los escritores agregar nuevos elementos narrativos que hicieron de está entrega la mas ágil y bien armada de las cuatro.

Visualmente estamos ante la mejor entrega. La primera película se vio limitada por tecnología de aquella epoca (los nenes de la fiesta de Andy son todos Andy), la segunda, gracias a un mayor presupuesto, la rompió utilizando unos diseños de paisajes mas realistas que permitan sacar a relucir el potencial que P.I.X.A.R. por aquellos días. Acá seguro me van a re putear, pero siento que Toy Story 3 es la mas floja de la saga por su apartado visual, la paleta de color era muy amarronada, los ambientes eran incomodos y, si bien la primera vez me resulto algo re loco para una película de Toy Story, con el tiempo empece a notar que no me la quedaba viendo enganchado como la 1 o la 2 y todo se debe a que para mi gusto el filtro sucio que le hicieron no me hace querer revisarla tanto como las anteriores. En esta cuarta películas los colores son gloriosos, la casa de antiguedades cuenta con unos diseños increíbles que deja en evidecia algo que siempre digo con mis amigos cuando hablamos de estas películas … «a éstos tipos no se les escapa una». Todo chiste o idea que puedan incluir en los ambitos en los que desarrolla historia son buenos, nunca fallan. Hasta tenemos a Keanu Reeves haciendo de un muñequito temerario con una crisis de identidad (gracias a la distribuidora por pasar la película en Ingles).

Hay puntitos flojos, pero todos vienen de un veneno que esta afectando a la industria del entretenimiento desde hace rato, la agenda política progresista. Betty es el personaje menos interesante de la película por lo genérico que es, ya nos estamos cansando un poco de los personajes femeninos sin falencias ni defectos, emponderar al sexo femenino no es considerarlo superior a toda especie sobre la tierra, sino darle una buena historia que iguale a la de sus coprotagonistas, como fue el caso de Jessie en Toy Story 2 (por cierto, el cierre del arco argumental de Jesse es una joya). El problema no es que hayan hecho de Betty una guerrera salvaje, sino que quieren hacernos creer que ella siempre fue así, además de la evidente unidimensionalidad que se le da al personaje para evitar ofender a aquellos sectores que piden cambios excesivos en lo que nosotros amamos y ellos ignoran. No obstante los escritores son inteligentes y desviaron la atención para otro lado, dejando a Betty como un personaje de apoyo visualmente encantador del cual no se profundiza mucho más que ver como fue que se alejo de sus amigos durante la era Andy, hecho que nos había incomodado escuchar tan por encima en Toy Story 3. Les perdono ésto porque se nota que esta metido por ordenes de arriba, y como siempre digo es algo con lo que tenemos que lidiar y, tratandose de cine comercial, lo mejor es ver con que grado de viveza ejecutan las ordenes de los de arriba.

Me siento un poco idiota en haber dudado de «Toy Story 4». La verdad no sentí que la película cambie rotundamente la mitología de la saga como escuche a muchos decir, pero si que le dio un nuevo nivel de complejidad a la misma. Si bien soy medio boludo les cuento que con la otra mitad me las arreglo bastante bien por lo que les cuento que soy muy conciente de que está película está hecha para seguir exprimiendo la franquicia, pero si la hacen bien yo soy feliz … ganan ellos y gano yo. Con los excelentes TOY STORY TOONS (recomendadisimos para hacerse una previa, además hay referencias a éstos en la película) ya se estaba tanteando el terreno para ver como una cuarta película podía andar, es más, la historia se viene pensando desde antes de terminar Toy Story 3, así que rentabilidad de éstos personajes es más que clara.

Considero a Woody, Buzz y compañia unos grandes amigos, y me alegro haber llorado y reído una vez mas junto a ellos una vez más.

Calificación 9/10

Humano, demasiado humano.

Por Rodrigo F Ruiz

El silencio de otros es un documental dirigido por Almudena Carracedo y Alberto Bahar, trata sobre los crímenes no juzgados de la dictadura Franquista. España tiene una larga historia de silencio, una ley de olvido que busca borrar una parte importante de la historia del siglo XX. Aquí, las posibilidades testimoniales del cine brillan, lo que Carracedo y Bahar logran con el film es cumplir un rol histórico que las autoridades españolas aún eligen ignorar.
En estos casos, se comprueba cómo el cine puede ser una fuente de la historia, y a su vez visibilizar, en cierta forma crearla. Llenar esos huecos ( o en este caso enormes agujeros) que la historia oficial no quiere ver y mucho menos mostrar. Aquí, el testimonio, las voces y los cuerpos de los protagonistas de los hechos, llevan adelante el film. El film tiene una tensión añadida, y es que gran parte de los querellantes (quienes piden al estado español por sus familiares, quienes piden al estado español por la prisión de quienes los torturaron y siguen siendo sus vecinos, quienes piden al estado español no tener que vivir en una calle con el nombre de quienes ellos saben fueron asesinos o cómplices) están llegando al final de sus vidas. Los cuerpos envejecidos en pantalla, avanzan pidiendo que se haga justicia, mientras parte de lo que la “justicia” española espera es que sus crímenes queden escondidos por el paso del tiempo o sea por la muerte de quienes fueron sus víctimas.
Así, por un lado escuchamos los testimonios de las víctimas y por otro vemos avanzar la causa judicial. A modo de road movie, los querellantes buscan pueblo por pueblo sobrevivientes de los abusos de la dictadura (como ellos) , todos avasallados y silenciados por el estado Español. Mientras por otro lado ( y a miles de kilómetros), en nuestro país se avanza con el proceso judicial llevando órdenes de arresto ( ignoradas por las autoridades españoles en el presente) y pedidos de excavación buscando los cuerpos de los familiares asesinados. En este debate entre el lento avance de la ley y el paso inexorable de la vida transcurre el film. Es notorio, la geografía que logra armar la película, al mostrarnos en su búsqueda estos pequeños pueblos españoles con vidas y costumbres en vías de extinción.
El film documenta años de lucha y esta búsqueda de justicia, lejos de haberse concretado continúa en proceso. Es un film esperanzador y conmovedor, donde al ver un símil con los crímenes de estado cometidos durante la última dictadura en nuestro país, se realza y valora ( cosa que siempre tenemos que hacer) los avances que hemos logrado en materia de derechos humanos y en la búsqueda de justicia.
Impacta, el testimonio de uno de los torturados en la dictadura franquista, protagonista del film, el español cuenta que al ser torturado exigiendo que delate a sus compañeros, este en principio no daba nombres por convicción, pero a medida que pasaban las horas y las torturas se intensificaban el no dar nombres se transformó en un acto de resistencia, la resistencia que le quedaba, porque como decía este ser, lo único que él quería a esa altura es que lo vean, y sentirse un humano, un ser humano.
Para los antropólogos uno de los pilares que nos definen como seres humanos es el dar entierro a nuestros muertos. Hoy en día, lo que piden gran parte de estas personas cuyas familias fueron asesinadas por el estado, es saber dónde están los huesos de sus familiares a los que se quiere dar sepultura. Y por otro es que se juzgue a los torturadores, que puede sea lo más siniestro que pueda ser un ser humano. Estos dos espectros de la humanidad conviven en el film, donde lo que se pide es que se haga justicia. Asi, quizá la palabra humano, el ser humano tenga valor. Y podamos vivir en una sociedad cada vez más humana, realmente humana.

Calificación: 8 / 10

El documental fue estrenado en nuestro país en el marco del “Festival Internacional de cine de derechos humanos”; próximamente tendrá su estreno comercial. Por el momento para verlo pueden pedirlo en https://thesilenceofothers.com/castellano .

Título original El silencio de otros aka

Año 2018

Duración 95 min.

País España

Dirección Almudena Carracedo, Robert Bahar