Por Juan Ignacio Aguilar
Cine, un espejo de la realidad.
Cada etapa en la historia del séptimo arte está impregnada en menor o mayor escala por los acontecimientos culturales de la época. Películas bélicas, sobre crisis financieras, sobre exilios y sobre prejuicios sociales.

Las conversaciones que mantienen una fuerte impronta política siguen vigentes hoy en día, pero a diferencia de anteriores circunstancias, no parece que éstas pasen al olvido. La lucha por los derechos de la mujer, al igual que otras, sólo cobra más tracción año a año. Los entornos laborales lentamente se están volviendo más seguros, y a pesar de que la violencia sigue muy presente, hay un cambio significativo.
El cine, una vez más, acompaña este cambio.

Orna, una mujer israelí madre de tres, casada, y de pocos recursos financieros, empieza un nuevo trabajo en venta de bienes raíces con Benny, un pez gordo de amplios recursos. Sutiles comentarios y miradas inoportunas auguran lo peor, y Orna queda atrapada en una situación terrible entre sus responsabilidades y su dignidad.
El guión de la directora Michal Aviad, Michal Vinik y Sharon Azulay no es uno que sea ajeno a la historia de miles o incluso millones de mujeres en la actualidad. No es tanto un esfuerzo por una historia por completo original con giros imprevistos, sino una intención de dar una voz más particular y más íntima sobre lo que el acoso implica, y el enorme despliegue de sus consecuencias. El sufrimiento de Orna no es únicamente suyo, eso es claro, pero no por ello es menor.

Ella no pasa por alto las frases de coqueteo, ni tampoco los juegos perversos, pero el miedo a la pobreza y a la arraigada culpabilidad que también recae sobre la víctima la llevan a callar todo lo sucedido.
Es un guión sobrio, que deja suficiente espacio para que las interpretaciones y los silencios hablen por sí sólos. E incluso también para que las excusas de los monstruos se vean como son: insulsas, estúpidas y aterradoras. No hay justificativo posible, y no hay ninguna otra conclusión a la que el espectador pueda llegar, visto desde donde sea. Si bien el climax de la narración deja cierto sentimiento de vacío, no es uno que busque romantizar la idea de justicia. A veces, la realidad es lo que es y no hay más que hacer. Y el guión tampoco le escapa a ello.

Los mayores aplausos se los lleva Ben Slush como Orna Liron. Inteligente y muy capaz, aún en momentos donde el miedo debería consumirla, Slush sigue aportando la cuota de fiereza con precisión suficiente para transmitir el área tan gris en que se ve atrapada. Frágil pero fuerte, su Orna es la protagonista absoluta del film, y el crecimiento del personaje en pantalla es digno de admiración.
Es notable también el trabajo de Oshri Cohen como Ofer, el marido limitado pero de buenas intenciones, y la figura discretamente amenazante de Menashe Noy como Benny, el infame jefe.

No hay grandes maravillas en apartados técnicos como el sonido teniendo en cuenta que se trata de un film independiente que debe acotar su creatividad, pero la dirección de arte y la fotografía minimalista de Daniel Miller hacen que el relato no pierda su tan necesaria ident5ificación con su público. El silencio es un gran aliado, y si bien hay momentos en que la cadencia rítmica puede resultar algo pesada, los planos determinados por su gran directora dan el descanso propio para que el espectador cargue también con ese peso que Orna lleva a los hombros.

Pequeña y poderosa. «El Acoso» es un paso más en la dirección correcta, hacia mayor igualdad y más transparencia en las despreciables acciones de alguien con poder, y alguien suficientemente valiente como para poner un freno.

Calificación 9/10

Por Leonardo D’Assaro

¿Y dónde se encuentra la verdad?
Primero, una mención especial para el gran Clint Eastwood que, casi rozando los noventa años de edad, tiene la suficiente energía y talento para poder seguir dirigiendo grandes películas.

Si, por lo menos en esta última década, “El Caso Richard Jewell” esta entre sus mejores cintas. Técnicamente cumple; con una correcta fotografía y puesta en escena, aunque el fuerte está en la historia en sí, los personajes y las correctas actuaciones de los actores que les dan vida.
La película se basa en un hecho real que sucedió en los Juegos Olímpicos de Atlanta, allá por el año 1996. Un guardia de Seguridad (interpretado de manera convincente por Paul Walter Hauser) evita que, en uno de los eventos musicales, un acto de terrorismo cobre un gran número de víctimas fatales. El protagonista pasa a ser un héroe, pero a través de una noticia que se publica en uno de los medios locales y con complicidad del FBI, lo empiezan a contemplar como el principal sospechoso del atentado.
Hay mucha critica, no solo al accionar del FBI, sino también a los medios de comunicación y como estos pueden manipular la información, convirtiendo a una persona de héroe a villano de día un día para el otro.
Es una película emotiva, que atrapa desde el primer minuto y que nos deja con varios interrogantes acerca de las personas que se encargan de cuidarnos y de informarnos.

Calificación: 8 de 10

Por Daniel Alvarez

Disney ha alcanzado su punto máximo en cuando a éxito comercial gracias al estreno de la primera cinta de Frozen, un cuento de princesas que cambia un poco los valores tradicionales a los que estamos acostumbrados, de ahí la clave del su éxito. Vamos a ser sinceros, Frozen no necesitaba ninguna continuación, esto fue producto de la inesperada popularidad que la primera entrega cosechó, y siguiendo las reglas de Hollywood, esto se veía venir. En este capítulo se intenta indagar un poco sobre los orígenes de Elsa, en una película que es sumamente entretenida, pero a su vez poco trascendental.

Quizá el problema de hacerle una continuación a un cuento, es que estos quedan mucho mejor atesorados con el misterio de lo que pasó luego del «Y fueron felices…». Ya hace poco nos pasó con Maléfica, que de pasar una nueva visión de la bella durmiente, pasó a una guerra con criaturas antes escondidas y que denotaba un relato sin pies ni cabezas. Resulta que la historia de Elsa tiene un orígen, que tiene relación con un bosque, a través de una historia que vivió su padre antes de ser rey, y explica la existencia de la magia antes de tener a sus hijas. Aquí se hace la mención a un canto, que fue clave en esa historia, y que de repente Elsa empieza a escuchar, ahí mismo se desata un nuevo peligro para Arendelle, y los personajes deben iniciar un viaje para solucionarlo. Hasta ahí todo bien, pero la realidad es que no existía necesidad de buscar ese orígen, y que termina siendo algo forzoso solo para tener una nueva historia que contar.

Para compensar, el metraje resulta sumamente entretenido debido el desarrollo de la relación entre los personajes, el humor que maneja, y el código de musical al estilo Broadway que posee. Si, la relación de hermanas es a lo que mejor jugo le sacan, volviendo quizás un tanto secundaria la típica historia de romance entre un hombre y una mujer, en este caso Ana y Kristoff. Existe ese relato paralelo sobre la intención de Kristoff de pedir la mano de su amada, pero por suerte se maneja como un relajo para ofrecer momentos humorístico. Es el humor lo que también le sienta bien al film, y es el personaje de Olaf quien maneja esta parte para la diversión de los más chicos. Es una realidad que el personaje resulta un tanto insoportable, que es una versión mas inocente del burro de Shrek, pero aún así sus intervenciones funcionan y hacen reír a los más chicos, y también a los grandes.

En el apartado artístico reluce la calidad en su animación, aunque quizá en momentos hay cierta confusión en detalles como la distancia en los escenarios, los viajes y sobre el diseño del mismo Reino. No son cosas demasiado relevantes pero llegan a notarse ciertos vacíos. En cuanto a la música, aquí el film está montado con un código perteneciente al de la comedia musical , si, esto quiere decir que hay muchas más canciones, y que su repertorio varía con los climax que se presentan a lo largo de la historia. Puede que no tengamos un nuevo Let it go, pero las canciones son pegajosas y acompañan al relato, como si de una obra de Broadway se tratara.

Frozen 2 es una película innecesaria pero aún así se lo perdonamos por brindarnos una aventura que es sumamente entretenida y que mantiene el buen desarrollo de sus personajes. La realidad es que con algunos cuentos es mejor dejar el misterio luego de su final feliz, en vez de montar una historia rebuscada solo para tener una continuación. El éxito hacen a las secuelas y está no iba a ser la excepción, lo bueno es que a pesar de todo cumple con su función de entretener.

Calificación 7/10

El viernes 13 de diciembre a las 18 hs, se inició el homenaje al prestigioso coreógrafo Oscar Araiz,  en el hall Alfredo Alcón del Teatro General San Martin, con la presencia de numeroso público, con la asistencia de Jorge Telerman, Director General del Complejo Teatral de Buenos Aires y  del homenajeado.  Lamentablemente,  nada puedo comentar del espectáculo de danza en vivo, porque no llegué puntual a la cita.

Me pude agregar a las actividades, a las 19 hs, donde pasamos a la Sala Lugones, para participar del estreno del film documental, de Paula de Luque, directora y guionista  como homenaje al coreógrafo,  bajo el título: Escribir en el aire.

Si me preguntan, acerca de que pareció la  película,  la respuesta es  profunda. Tiene un alto contenido poético, hay buen nivel artístico, es excelente las escenas fílmicas, excelente la tarea de Marcelo Iaccarino a cargo de la fotografía, Fernando Soldevila como diseñador de sonido, la edición de César Custodio y también la dirección de Paula de Luque. 

A la función de cine, me acompañó una profesora de baile clásico, que me hizo una acotación, que vale la pena compartir. Es excelente  la calidad de la película, como logra mostrar el esfuerzo del bailarín/a,   el movimiento del múscula, esa previa, en el proceso interno y externo, del profesional del baile, en lograr esa imagen que el ojo del espectador, generalmente, en un teatro,  ve a lo lejos, sentado en una butaca.

Sobre el guión, es excelente, con algunas imágenes, que pueden resultar algo fuertes,  a  la  sensibilidad de ciertas personas, pero acá me quiero detener. La película, me es difícil conceptuar como documental. Es posible que esta polémica abierta sobre el concepto de los elementos con los cuales se debe construir un documental, sea transversal a esta reseña, pero me veo en la necesidad de hacer hincapié en mi opinión,  de en el  género  para pretender ser documental,  debe darnos más información  sobre la vida y obra del coreógrafo. Si se la carátula como película testimonial, les doy la derecha, fundamentado en que noto  oscuros,  sobre la vida de Oscar Araiz, que me imagino, que seguramente es un  ejemplo de vida y para los jóvenes un referente a emular. Me emocionó, cuando cuenta que en España, durmió en los camarines de un teatro, que el dueño le dejó las llaves. El elenco, utilizó naranjas, como herramienta coreográfica, las tiraban al suelo,  para conformar el espectáculo mientras  el elenco aprovechaban para  alimentarse con ellas por ser lo  más barato.  Tal vez, el espectador, diga que caigo en un contrasentido, si Araiz es confidente, de algo tan profundo. No la oscuridad no es sobre lo que piensa, o su life motiv, lo que adolece es de información, sobre cuando comenzó,  premios ganados,  sus hitos en la profesión.

En el film, además de Oscar Araiz, participan en cenas de profesionales de la danza, donde se charla de todo, en la que participan Renata Schussehim, Ana María Stekelman, María Julia Bertotto.

Una película, que no pasará inadvertida por el ojo y el alma del espectador, que tal vez se quede con ganas de más, pero en buena hora, darle el lugar que se merecen esos maestros que han logrado que el Teatro General San Martín, tenga uno de los mejores cuerpos de baile de Argentina y reconocimiento con premios internacionales.

Calificación 9/10

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Guillermo Benites
Película dirigida por Andy Fickman y protagonizada por John Cena, nos cuenta una historia del superintendente Jake Carson y su escuadrón de bomberos que luego de rescatar a un grupo de 3 niños de un incendio forestal debe cuidar de ellos hasta que lleguen sus padres.

Tener a John Cena, un hombre recordado como peleador de la WWE, estando al cuidado de 3 niños, nos hace pensar quizás un poco a The Pacifier (“Una niñera a prueba de balas” o como difícilmente podríamos adivinar el título de la película en España “Un canguro superduro”). Teniendo en consideración esto, uno espera que pase algo parecido, planteando a un hombre preparado para grandes peligros, pero no para el cuidado de unos niños.
Si bien la historia se desarrolla de forma algo entretenida, me parece que manejan una comedia algo burda, buscando generar muchos intentos risa de los cuales pocos son exitosos (fórmula que quizás nos recuerde un poco a las películas cómicas que veíamos en la década de los 90, donde vemos golpes y accidentes, estilo “Tonto y retonto” o “Mi pobre angelito” que resultaban cómicas y bastante entretenidas) y también sin mencionar las sobreactuaciones por parte de los personajes en algunas de las escenas no generan tanta al público adulto que la vea pero si a los niños.
Lo que podemos rescatar de esta historia es que los niños siempre serán niños y no podemos culparlos por ciertas actitudes que puedan tomar ante ciertas circunstancias de la vida o las cosas que puedan hacer, es importante velar por que tengan la mejor infancia posible. Concluyo esto como el mensaje de la película la cual creo que está para verla en familia.

Calificación: 3.5

El lunes 16 de diciembre se estrena en cines “El Recordador”, documental preseleccionada para los Premios Óscar, protagonizado por Matías De Stéfano, narrador, en voz e imagen, de esta ópera prima de Ariel Guntern y producido por Antarctica Films.

Una película que emprende un viaje, en el espacio, en diversos lugares que sea posible recorrer de este planeta y simultáneamente, transportarnos, en el tiempo, en el pasado, dar teoría sobre como todas las civilizaciones responder a un patrón de conducta «conciencia planetaria».

Matías De Stefano, es el caminante universal, un joven con apariencia igual al de cualquier otro, pero con un hecho peculiar, «un descendiente» que tiene la capacidad de recordar los mensajes de sus generaciones anteriores. Este narrador errante recorre pirámides, cavernas, civilizaciones antiguas y en el papel de educador, de pensante, nos habla de lo que pensaban sus ancestros.

Un protagonista que puede remontarse al recuerdo de 10,000 años atrás, en los orígenes de su familia, y con la capacidad de hacerlos contrastar con este siglo XXI. ¿Quién de nosotros pudiera? Llevar en nuestra memoria, esas vidas pasadas, lo cual nos permitiría seguramente ser más benevolos y tolerantes, a la hora de revisar nuestro presente.

Una película de replanteos y compartirlos con un público que tenga inquietudes filosóficas, existenciales o religiosas. Como preguntarse, «si uno es más feliz recordando u olvidando» , intentar dar una respuesta, «¿cuál es el sentido de la vida?». Proyectará sus teorías como cuando cuenta que las cavernas son úteros energéticos, donde la energía se concentra.

La apuesta es penetrar en la profundidad, con un profuso análisis, donde no se despoja del presente, intenta explicar como «llegamos al hoy» y es una apuesta importante, porque ante el vértigo de la ciencia y de la técnica agregado a eso, el desapego al pasado, hace que nos impida encontrar una justificación, que en realidad las respuestas están sobre cómo llegamos a vivir actualmente y plantea cuán errados estamos, dando propuestas orientativas sobre incorporar el concepto de «pensamiento planetario» y abrir el libro de la historia, para encontrar respuestas.

Una película, que tal vez, los destinatarios, no sean todos, pero como sucede con toda expresión creativa, apunta a un espectador cuestionador, que esté abierto a las documentales o que admire el trabajo de fotografía, que tan redondamente ha sido logrado por Mariano Cuneo y Rodrigo Dietrich.

En resumen, un intento por querer cubrir la necesidad de explicar «¿quien soy yo?» Con sólidos argumentos como «Un árbol es una neurona, pensante, a través de la cultura concientizamos». «La tierra es un ser pensante y somos parte de su pensamiento».

Calificación: 7/10

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

El sábado 7 de diciembre, en el marco del evento Argentina Cómic con, se presentaron en el auditorio del predio de Costa Salguero Juan Francisco Otaño (Director) , Leonardo Centeno (Guionista) y Matías Dinardo (Actor), responsables de la película de comedia y ciencia ficción Rebobinado La Película. Con gran asistencia del público, los anfitriones dieron una charla sobre cómo fue hacer la película, la experiencia que tuvieron en su estreno en el Buenos Aires Rojo Sangre y una distendida conversación sobre cómo es hacer cine independiente a pulmón.

Esta película que tuvo financiamiento a través de ideame, a través de un proyecto crowdfunding, cuenta la historia de Alejandro, un joven que, lleva el peso de un trauma infantil, ya que desperdicia la oportunidad de entregarle una carta de amor a la chica de la cual estaba enamorado cuando apenas era un adolescente. Luego de encontrar un reproductor de cassette que te otorga la oportunidad de viajar en el tiempo, intenta a toda cosas arreglar ese tormento del pasado.Dejamos adjunto un fragmento de la charla que se llevó a cabo en cómic con, junto al trailer de la película. Pueden seguir a Rebobinado la película por Instagram en https://instagram.com/rebobinadolapeli?igshid=ckoal66obyqf o a través de Facebook.