Por Ignacio Festa 

“Si estás vestida así es porque esperas a alguien”, le dice Mirna a Mercedes después de recalcarle que se le ve la ropa interior. Está convencida que mercedes es la amante de su esposo y la ha visitado con el único objetivo de enfrentarla.

Doberman es la primera película de Azul Lombardía, basada sobre la obra de teatro que presento en el ciclo de óperas primas del Centro Cultural Rojas en 2013. Interpretado por Mónica Riola y Maruja Bustamanente, el film trata sobre la conversación que Mercedes mantiene con Mirna en la cocina de su casa. Mientras espera que su hijo regrese, prepara un tuco para recibirlo con un plato de pastas. La visita de Mirna no es una casualidad: cree que su marido le es infiel con la dueña de casa y ha ido hasta allí en busca de una respuesta. El encuentro hará que las realidades de las dos mujeres se vean enfrentadas y termine de la peor manera: una tragedia doméstica.

La película busca retratar las habladurías que se gestan entre vecinos y como la envidia, el prejuicio y la hipocresía  repercuten en la vida de barrio. La personalidad de los personajes se va construyendo a través del diálogo. Si bien la conversación entre Mercedes y Mirna tiende a extraviarse, como suele ocurrir en cualquier charla ocasional, el espectador logra conocer la identidad de las protagonistas. El modo en que está filmada la película hace que el espectador se sumerja en ese mundo y presencie lo que ocurre en la película como si formara parte de la escena. A medida que la película avanza, las mujeres se irán embrollando cada vez más en la conversación, llevando al encuentro a un final inesperado.

A su vez, el film deja un mensaje de género acerca de una cuestión que afecta a ambas mujeres: la ausencia de la figura masculina. Mercedes es divorciada y, si bien vive con su hijo, pasa mucho tiempo sola porque el muchacho suele ausentarse en la casa. Mirna es madre de seis hijos, es consciente de que su pareja muestra poco interés en cumplir su papel de padre y esposo, pero se siente en la obligación de retenerlo para poder garantizar el sustento económico de su familia.

Doberman logra representar desde la cotidianeidad tanto miserias de estas mujeres como una problemática femenina que las damnifica a ambas. La cercanía de las circunstancias donde transcurre la historia hace que el mensaje que la película busca transmitir sea tangible para el espectador. La propuesta no carece de imaginación y creatividad como de verosimilitud. En un lugar cualquiera, donde parece que nada extraño puede llegar a ocurrir, suceden acontecimientos fuera de lo normal.

Calificación: 7/10

Por Macarena Maidana 

Maestras del Engaño (The Hustle,2019)  es una remake de la película de 1988 , Dos Pícaros Sinverguenzas . Protagonizada por Anne Hathaway y Rebel Wilson, ambas maestras del arte de la estafa se conocen en un viaje y deciden hacer equipo para mejorar sus habilidades y atacar a su próxima víctima: un multimillonario del negocio de la tecnología.-

Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que se dedica a estafar hombres por redes sociales, mientras que Josephine (Anne Hathaway) es una estafadora de que se dedica a engañar a lo grande. Ambas se cruzan en un viaje y no tardarán en establecer alianzas para ganar más dinero del que poseen actualmente.

Siendo este el debut como director de Chris Addison, yo diría que es un paso en falso. Lamentablemente el guión está cargado de chistes malos, los típicos chistes que hacen referencia al aspecto físico de Rebel Wilson en cada una de las películas que protagoniza. Quizás hubiese funcionado de una mejor forma sin hacer tanto hincapié en la contraparte que se da entre Anne y Rebel, “la gorda y la flaca” es una puesta en escena que ya vimos mil veces, desaprovechando por completo el talento para la comedia tanto de Hathaway como de Wilson, que hicieron lo que pudieron con lo que les dieron.

Por eso, Maestras del Engaño es eso, un engaño al espectador que va a salir completamente víctima de esta película que tenía bastante para dar pero lo desaprovechó.

TITULO: Maestras del engaño

TITULO ORIGINAL: The Hustle

DIRECCIÓN: Chris Addison.

ACTORES: Anne Hathaway, Rebel Wilson.

GUION: Stanley Shapiro, Paul Henning.

FOTOGRAFIA: Michael Coulter.

MÚSICA: Anne Dudley.

GENERO: Comedia .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 94 Minutos

Calificación 4/10

Por Ignacio Festa

Cruz se mete dentro de un túnel oscuro. La luz se ve al final del pasadizo, donde el camino vuelve a salir al aire libre. Mientras maneja el patrullero, escucha en el mp3 el audio de una conversación del asesino con una psiquiatra del hospital donde está internado. El esposo de su amante, principal sospechoso del crimen de su mujer, dice que hay una voz en su mente que le dice reiterativamente “muere, monstruo, muere”. Cuando Cruz vuelve en sí se encuentra detenido a un costado de la ruta. La ilusión del sospechoso de que el culpable de degollar a las mujeres es un monstruo empieza a atraparlo a él también.

Muere Monstruo Muere, la última película de Alejandro Fadel, es un thriller acerca de cómo el policía rural Cruz se enfrenta a la investigación de una sucesión de asesinatos. En zona de precordillera, varias mujeres aparecen decapitadas y parecen haber sido corrompidas. Francisca, la amante del policía, se convierte en una de las víctimas cuando aparece degollada en un descampado. En la escena del crimen, los compañeros de Cruz encuentran a David, esposo de la víctima. El marido, que es un desequilibrado mental, se vuelve el principal sospechoso del asesinato y es encerrado en un Psiquiátrico. Cuando habla con los médicos, David dice que el culpable de los crímenes es un monstruo y que escucha una voz en su cabeza que le susurra constantemente “muere, monstruo, muere”.

La resolución del caso terminará volviéndose una causa personal para Cruz. El policía siempre le reprochó a su amante no poder desprenderse de la carga que significaba su marido. Luego del asesinato de Francisca las cosas cambian. Cruz comienza a dudar de la existencia del monstruo. Empieza a perseguirse y obsesionarse com que el culpable de los asesinatos es un ser sobrenatural. La historia de David, al que él había descalificado tantas veces por su falta de cordura, se vuelve un tormento también para él. El hallazgo de una nueva víctima terminará desenmascarando al culpable de los asesinatos y hará que los personajes se choquen con algo peor que sus pensamientos.
Muere Monstruo Muere es un thriller que pierde su fuerza por querer ser una crítica a la violencia de género. Es atractivo porque propone utilizar la locura para generar suspenso. Encuentra el modo de retratar cómo los pensamientos pueden afectar lo que se presenta en la realidad, basándose en la distancia entre la razón y el delirio. Pero utilizar a un monstruo como vehículo para hablar de la violencia contra las mujeres se torna osado e inverosímil. La película se termina resolviendo de una manera desalentadora y poco atractiva que buscaba ser impactante y terrorífica

Calificación 5/10

Por Bruno Glas

Lo mínimo prescindible

Una de las principales discusiones que, dentro de la crítica, suscitó el cine nacional hacia mediados de la década anterior, tenía que ver con la tendencia minimalista por la que apostaban muchos de los filmes del momento. El llamado “Nuevo Cine Argentino”, surgido en la década del noventa, hace rato ya se había consolidado. Los directores de esta camada tenían en su haber más de tres películas, y era posible asociar su nombre a caracteres determinados de su cine. Caetano, Trapero, Martel, Burman, Alonso y la lista sigue: cada uno de ellos había afianzado ya un estilo propio, asociado a una mirada sobre el mundo. Pero ocurre que el cine argentino de la década siguiente se mostraba imbuido de una cierta apatía. A diferencia de la corriente anterior, no había personajes delineados con particularidades, con rasgos definidos; se los veía abúlicos, desganados. Las intenciones de contar, de narrar de forma clásica, también parecían haber sido desplazadas. Se veía más bien el intento por construir ciertos climas, pero esta decisión terminaba por llevar el relato hacia una suerte de abismo nadista. El universo de estas películas desembocaba, entonces, en una especie de apatía y desidia vital. Claro que después llegaría “Historias extraordinarias” y este panorama volaría por los aires, pero esa es otra historia.
Todo esto viene a propósito de “Traslasierra”. Es que la película de Juan Pablo Sasiaín apela al minimalismo como fondo, contando una historia simple. Es cierto que logra construir personajes definidos, pero en su decisión de narrar con una distancia prudente termina por diluir cualquier conflicto. La trama sigue a Martín, interpretado por el mismo director, un artista joven que, junto a su novia, vuelve a la casa de su padre ubicada en las Sierras. Allí se encuentra con Coqui, una amiga de la infancia, que es ahora madre soltera, y por la que Martín aún tiene cierta atracción. Descubrirá que la hija de su amiga bien podría ser la suya. Al mismo tiempo recibe la noticia de que su actual pareja está embarazada, y sabe que su padre se halla en los últimos momentos de su vida.
Hay un acierto por parte del director, y es el de manejar las situaciones que rodean al protagonista con discreción, evitando cualquier sobresalto o dramatismo exagerado . Esto se muestra en la puesta de cámara: por ejemplo, en los momentos donde Martín y su novia están juntos en la cocina. Ella ya intuye que él siente algo por Coqui. Vemos muy poco de ambos: un plano escorzo que muestra apenas una parte del rostro del protagonista que le pregunta qué le sucede, mientras que ella permanece desenfocada. Esta escena por sí sola basta para mostrar la tensión que se percibe entre los dos. Lo mismo en la cena entre los tres personajes, cuando la incomodidad aparece siempre a través de lo que nunca se dice, pero se puede intuir perfectamente. Ahora bien: así como el tono bajo, contenido, resulta muy adecuado en estos momentos, también termina por anquilosar a la mayor parte de la película. Es que el desarrollo minimalista no parece otorgarle a la película mayor vuelo. Los miedos de Martín frente a los diversos problemas que lo atraviesan se exhiben casi siempre mediante diálogos que muy poco aportan (ver, sino, las múltiples conversaciones con su padre). Más tarde, cuando se termina por cerrar el vínculo de Martín con Coqui, comprendemos que ha llegado demasiado tarde: muy poco es lo que el filme mostró entre ambos como para que aquella escena tenga algún peso dramático. Y en la búsqueda de “Traslasierra” de narrar una historia chiquita, despojada, termina por quedarse en la superficie.

Calificación:  5/10

Por Agustín Villegas

Si queres llorar, llora!

Mientras Marvel triunfa con su universo cinematográfico (y otros fracasan intentando imitarlo) en las tinieblas se viene formando otra mega saga de varias franquicias de terror que, calladita y en silencio, se hizo con las salas de cine presentando más de un éxito. A éste gran proyecto me gusta llamarlo CONJURINGVERSE, aunque su nombre real es THE CONJURING UNIVERSE, ya que todos los films que integran el paquete derivan de las geniales dos entregas de los films de James Wan. Tuvimos ‘ANNABELLE’ (1, 2 y una 3 en desarrollo con cameos de Los Warren), ‘LA MONJA’ (1 y una futura 2) y, en desarrollo, otro spin-off centrado en ‘EL HOMBRE TORCIDO’. Pero hoy nos toca hablar de «La Maldición de La Llorona», una nueva versión de la popular leyenda mexicana que tanto aterra a la cultura latina hace más de una generación.

El mito en si esta adaptado de una forma respetuosa, la calidad de la película es bastante solida. El director Micheal Chaves, un joven discípulo del maestro James Wan, no impone un estilo personal muy marcado, pero su simulación del trabajo de su maestro hace que el proyecto nos haga pegar unos sustos bastante grosos. Además el universo se ve más enriquecido con apariciones de algunos personajes vistos en otros films, que sin entrar en spoilers, les aconsejo que vean ‘ANABELLE’ para saber de que hablo.

La historia sigue a ANNA (Linda Cardellini), una trabajadora social que, en un intento de salvar dos niños, se ve agarrada de los pelos por la maldición de La Llorona. Ahora debe proteger a sus propios hijos de éste espíritu maligno que busca llevarse pal otro lado a sus hijos de una forma horrorosa.

Lo mejor de ‘THE CONJURING’ y sus hijas … o sobrinas fue que la historia se situó en otra época, lo cual genera una atmósfera mucho mas personal y atrapante para el publico. En éste film se repite esa fórmula, llevandonos a los 70′, una epoca muy rica y diversa para introducirnos una leyenda universal y atemporal como la que le da el nombre a la película. Si bien las actuaciones no son para nada sobresalientes la puesta en escena es una de las mejores del Conjuringverse, siendo posiblemente la mejor despues de la segunda entrega de la saga madre.

La historia tiene unos pares de cliches muy marcados, el tipico detonante (la parte del guión en la que se adelanta el primer punto de giro) de una persona metiendose hasta los huevos en un quilombo sobrenatural solo para ayudar, erroneamente, a otra que estaba siendo protegida. Los sustos son solidos y creativos, pero se cae bastante en el susto repentino facilongo al que nos tiene acostumbrado nuestro Hollywood tóxico que tanto amamos y odiamos.

Si son consumidores de cine de terror pueden pasar un buen rato con La Llorona, de lo contrarío mejor guarden ganitas para la tercera entrega de THE CONJURING, la cual estará dirigida por el pibe que se encargo de éste proyecto. Esas dos entregas son buenas en terminos generales, no solo para los estándares del cine de terror (los cuales, con todo respeto al que le gusta, suelen ser bastante bajos) sino para el cine en general.

Calificación 6/10

Por Daniel Alvarez

Lamentablemente esta no debería ser una crítica, porque no me gustaría hablar sobre el desarrollo de la película aunque no contenga spoilers. Voy a hablar sobre el film Avengers Endgame como el suceso que es, más bien retratando mis impresiones sobre el mismo, que puede servir para aumentar o no el hype que este genera. Es así como llega a culminar una fase, que a lo largo de los últimos años nos han brindado con la presentación y unión de muchos de sus personajes. Thanos ha logrado ser el villano definitivo, quien nos dejó una bomba en Infinity War, y que en esta fase final, el objetivo era reparar todo el daño ocasionado, que obviamente tendrá consecuencias.

Si hay algo que caracteriza a Avengers Endgame es la imprevisibilidad, porque a lo largo del año hemos tenido cientos de teorías sobre lo que podía llegar a suceder, y más allá de que nuestros pronósticos pudieron ser acertados o no, este film tiene la capacidad de sorprender en numerosas ocasiones. Otro aspecto más que caracteriza a Endgame es la emotividad, si , es el capítulo más emotivo de la saga. Todos sabemos que algo está terminando, es la finalización de toda una construcción, aunque los films de Marvel todavía sigan produciéndose, seguramente por un nuevo rumbo. Los personajes parecen que están al tanto de que algo está por terminarse, ese sentimiento de que «ya nada será igual» , así que para los más sensibles, a no olvidarse los pañuelos.

Que el equipo de los vengadores haya sido reducido ante el inminente chasquido de Thanos, le ha sentado muy bien a esta historia. Es así como la historia nos permite hacer un repaso sobre lo que sucedió en el MCU en sus capítulos anteriores, estableciendo una conexión de todas sus historias de una forma más simplificada y que ha efectuado muy bien. Sus tres horas de duración no se hacen para nada largas, puede que sea debido a su imprevisibilidad antes mencionada , ya que deja a uno expectante sobre lo que llegara a suceder. Quizá el único adelanto que puedo llegar a dar , es que el film tiene un ritmo pausado en relación a la acción, lejos de ser un aspecto negativo , esto sirve para preparar la batalla final sin que nada resulte apresurado. El humor característico de Marvel obviamente está presente, sobre todo en su primer tramo, que por cierto no viene nada mal su alivio cómico para anticipar la montaña de emociones que el film genera.

Obviamente que no es una película perfecta, en su historia existen algunas lagunas, que más bien serán para un análisis posterior y lleno de spoilers. Pero aún así eso no importa. Endgame sigue siendo la perfecta culminación que nos dejó Infinity War, gracias Thanos. El trabajo realizado por Anthony y Joe Russo es soberbio por la capacidad que han tenido para unir todas las piezas y construir un arco narrativo propio y que funciones para cerrar un fase, casi de una forma definitiva. Del apartado técnico no hay mucho que decir, tanto su música como sus efectos visuales están mejor que nunca, dejándonos su último y épico momento de acción.

Sepan disculparme si no he hablado sobre los personajes o el desarrollo de la historia, creo que lo fundamental es ir a verla sabiendo poco de ello. Solo aquí vengo a dar mi opinión para aquellos ansiosos que andas buscando repuestas sobre si la película está a la altura de las expectativas, y claro que lo está. Puede parecer una frase cliché, pero Avengers Endgame es una montaña de emociones, que logra despedir una etapa de una manera gloriosa. Simplemente vayan a emocionarse y cuidado con los spoilers…

Calificación 9/10

Por Ignacio Festa

“Tráigame más libros, por favor.  Cuando leo es el único momento en que nadie me persigue. yo persigo cosas en la historia”,  le dice el asesino a la esposa de su víctima. Ella lo visita en el psiquiátrico para llevarle libros y que le enseñe a leer. La mujer enviudó con cinco hijos a los que tiene que alimentar. El loco mató a su marido delante de su familia, pero aún así ella se sigue ocupando de contener  al asesino. La razón es que está enamorada de él.

ENTRE LA RAZÓN Y LA LOCURA es la última película de Mel Gibson. El film, basado en la novela  The Surgeon of Crowthorne de Simon Wichester, cuenta como un asesino internado en un psiquiátrico colabora con la confección del diccionario de Oxford. James Murray, un profesor de un colegio inglés, se embarca en la tarea de crear el diccionario más completo de la lengua inglesa. Para ello, junto com un equipo de trabajo empieza a recopilar términos y definiciones. Reciben la ayuda del público, que les envían por correo listas de palabras junto com sus significados. Minor, un asesino que se encuentra encerrado en un manicomio por el homicidio de un hombre, se entera del proyecto y colabora enviando más de 10.000 palabras al equipo de Murray. El investigador descubre la situación en la que se encuentra el mayor cooperante de su proyecto y empieza a pelear para que reciba el reconocimiento que no le quieren brindar por su locura. Mientras tanto, Minor recibe visitas de Eliza, la esposa del hombre al que mató. La viuda se acerca al psiquiátrico para llevarle libros y le enseñe a leer. La mujer y asesino empiezan a enredarse en una relación amorosa.

La película es excesivamente larga y la trama tiene múltiples aristas. El film deja de lado el proceso mediante el cual se realizó el diccionario de Oxford y hace hincapié en otras temáticas que no forman parte de su carta de presentación. Le da mayor importancia a retratar las penas de guerra y la vida en los psiquiátricos.

La guerra civil ha dejado graves secuelas en la cabeza de Minor. El padecimiento que vivió al servicio del ejército es la causa de su locura. Día a día, debe combatir en su mente alucinaciones y juegos persecutorios. El tratamiento que recibe en el hospital, lejos de contribuir a su mejoría, lo conducen a su destrucción. Los aberrantes métodos terapéuticos utilizados en ese momento en los psiquiátricos se hacen visibles en la película.  

Por otro lado, la conexión de Minor y los familiares de la víctima es poco creíble no solo su relación con Eliza. Luego del asesinato de su esposo, la viuda de mantener a su familia. Eliza tuvo que prostituirse para poder darle de comer a sus hijos. Aún así, la mujer lo visita en el hospital y contribuye a su contención. Después de iniciar su romance com Minor, los hijos de Eliza empiezan un proceso de reconciliación con el hombre que asesinó a su padre delante de ellos.

Entre la razón y la locura es atractiva por basarse en hechos reales, aunque pierde sentido por la gran cantidad de temáticas que busca abarcar. En la trama confluyen varias historias distintas y dispares. La película cuenta con escenas fuertes, pero los recursos de novela hacen que la película pierda sentido y valor. El film no llega a convertirse en un testimonio verídico de cómo fue el desafío de crear el diccionario más completo que se haya creado.

Calificación 5/10

Por Rodrigo F.Ruiz 

Infinito (aunque sea solo por un instante)

Andre Bazin, ya decía, en los años 50, que la realidad es la materia prima del cine, que el cine es un arte que se hace con la realidad. “Realismo Ontológico” decía el crítico, dado que todo lo que vemos en la pantalla es la huella de algo que realmente existió. Al ver una película sobre uno de los más grandes artistas de la humanidad, donde la materialidad de su obra juega un rol tan crucial, las ideas del teórico están más vivas que nunca.

Michelangelo Infinito es un film de Emanuel Imbucci, de forma en extremo pedagógica nos introduce en la obra de Miguel Ángel Buonarotti . A modo de docu-ficción biográfica, yendo linealmente desde sus primeras obras a sus últimas, Imbucci expone las más importantes obras realizadas por el maestro italiano.

El documental contiene tendencias típicas que lo emparentan a ciertos audiovisuales hechos para televisión: excesiva reiteración, planicie en los personajes que presenta y falta de audacia, falta de un autor que nos muestre y nos guíe por la obra del autor del David. Es un film de gran proeza técnica y es justamente en la técnica donde el director parece mostrarse realmente interesado en la obra de Miguel Angel. Imbucci, hace énfasis, sobre todo a través del relato hablado, en las dimensiones, en la majestuosidad, en el dominio de la técnica en la obra de Miguel Angel.

Cuando el film se separa de la docu-ficción, y se limita a mostrar la obra, es donde realmente se vislumbra la genialidad. En estos momentos en que la realidad, la materia prima, las obras del artista se imponen al relato, a la anécdota, aparece lo divino de la obra de Miguel Ángel y por lo tanto también de la de Imbucci. La mostración de la capilla sixtina, la escala humana al lado de las figuras esculpidas, los enormes bloques de mármol exhiben la monumentalidad de la obra y realmente aquí, el director logra imágenes que expresan al autor de “El juicio final”.

En síntesis, Michelangelo es infinito, y aunque al film de Imbucci le falte audacia a la hora de acercarse al artista, los instantes en que lo logra, por más breves que estos sean, nos conectan como espectadores frente al esplendor del arte. Tanto de la escultura, como de la pintura, como de la arquitectura y como, claro está, (y aunque sea solo por un instante) del cine.

Calificación: 7 / 10

Ficha técnica
TÍTULO ORIGINAL: Michelangelo Infinito
DIRECCIÓN: Emanuele Imbucci.
ACTORES: Enrico Lo Verso.
GUIÓN: Emanuele Imbucci.
FOTOGRAFÍA: Maurizio Calvesi.
MÚSICA: Matteo Curallo.
GÉNERO: Drama, Biográfica .
ORIGEN: Italia.
DURACIÓN: 97 Minutos
CALIFICACIÓN: Apta todo público