Disney ha tenido bastante éxito últimamente con sus producciones de Marvel y las habituales cintas animadas del estudio que estrenan año tras año. Si algo le faltaba era alguna película original más allá de estos productos mencionados, y ahí es donde entra en escena «Un viaje en el tiempo «. Se trata de una película sobre una fantasía y un viaje que traspasa el tiempo y el universo , basadas en las novelas de Madeleine L’Engle. ¿Resultado? Una historia con muy buenas intenciones , pero que estas no alcanzan para captar la escencia de un relato aparentemente complejo , convirtiéndose se un simple y soso entretenimiento.

Tras la desaparición de su padre científico, tres seres peculiares envían a la joven Meg, a su hermano Charles y su amigo Calvin al espacio para intentar encontrarlo.

La película comienza a partir de la desaparición de un hombre , padre de la protagonista , en el que siente la pérdida de aquel ser querido en su vida cotidiana. Un día , llega alguien para decirle que está vivo en algún lado , aunque para que sea posible debe realizar un viaje fantástico hacia una parte del universo que es desconocido por muchos. Sobre esta historia no podemos agregar algo que no hayamos visto , la importancia de esta es sobre el aprendizaje de dicho viaje ante la aparición de fuerzas como la luz y la oscuridad, y sé que forma repercuten en la vida real de todas las personas. Si , la película nos quiere enseñar que con el poder de la luz, esta que viene de nuestros corazones y el amor , es capaz de vencer cualquier oscuridad . ¿Después de eso que podemos aprender ? Absolutamente nada.

Es por eso que la película goza de buenas intenciones, además de una notable inclusión en cuanto a la diversidad racial , denotado en la participación del elenco. Que es algo interesante en cierto punto del film, pero que tampoco resulta algo crucial en la historia. El film relata un viaje tan largo para mostrar paisajes bonitos , aventuras algo peligrosas , pero que aún así se resolución podría haberse ejecutado en unos cuantos minutos.

Lo más destacable del film es su apartado visual, aunque no sean sobresaliente sus efectos visuales , si posee una estética que le es propia al film. Aquellas buenas intenciones se ven reflejadas en el colorido de sus paisajes , en los vestuarios que muestran la diversidad de culturas, algo que le da dado identidad a la cinta. A pesar de ello , el film de Ava DuVernay carece de esa complejidad que el relato requiere , además hacer a los personajes bastante llanos , evitando la capacidad de que el espectador pueda empatizar con algunos de ellos.

Un viaje en el tiempo es una película que parte de un relato con potencial , pero se queda ahí siendo un film con buenas intenciones pero con una deficiente resolución de su contenido. A pesar de ello es bella estéticamente, conteniendo una identidad propia marcada por sus coloridos escenarios y la diversidad cultural.

Calificación 5/10

Crítica de Andrés Prillo

Nosotros contra el mundo

Un retrato crudo, realista y con rigor documental de la parte menos turística de Italia, el sur profundo, hogar de los marginados de otras tierras.

La Ciambra es el nombre del complejo de edificios donde vive una pequeña comunidad de gitanos en los suburbios de Calabria. El protagonista de este relato de iniciación a la adultez es un carismático chico de 14 años llamado Pío.

Siempre con un cigarrillo en la mano, vive con su numerosa familia en un humilde departamento. Carente de educación formal, la vida lo llevó a adquirir una serie de habilidades prácticas. Sabe manejar autos y motos, propios o ajenos. Es que este chico cree estar preparado para integrarse al negocio familiar: el delito. Los robos de autos, casas, valijas o radios suelen estar encargados por un grupo de mafiosos locales: “los italianos”, como los llaman los romaníes.

La película está interpretada en su totalidad por actores no profesionales, residentes reales de La Ciambra, que actúan versiones ficticias de sí mismos. Este afán documental es consecuente con los diálogos y escenas cotidianas, que generan un clima tan verosímil que por momentos hace dudar si lo que se está viendo es realmente una película de ficción.

La mayor virtud de la película es su voluntad de ser genuina en su representación de los habitantes de la Ciambra. Los personajes parecen personas reales, creíbles, de carne y hueso, sin la tendencia a idealizar propia de la ficción.

Gran parte de la tensión surge a partir de la detención del hermano mayor de Pio, que lo obliga a asumir el rol de adulto y jefe de familia antes de tiempo. Pío se debatirá entre el deseo de demostrar su madurez y hombría ante sus familiares, y las inevitables dudas y temores que le genera su nueva responsabilidad.

El único momento en que la película se despega del estricto realismo es en una serie de encuentros oníricos que Pío tiene con un caballo blanco, al que nunca puede alcanzar. Su significado queda abierto a la interpretación del espectador (acaso la pureza, la libertad perdida).

Parte de la complejidad del film aparece en la relación de los romaníes con otro grupo de extranjeros marginados, los africanos. Por un lado Pío mantiene una cálida amistad con Ayiva, un exiliado de su propia tierra, Burkina Faso, que roba para enviar dinero a su familia. A través de él conocerá a un grupo de inmigrantes ilegales de distintos países (Ghana, Nigeria). Tras el recelo inicial, aprenderá palabras en su idioma, mirará un partido de fútbol con ellos, y en definitiva humanizará ante sus ojos a las figuras abstractas de los refugiados africanos.

Por otro lado, la familia de Pío, tiene una imagen negativa, estereotipada de los africanos como “borrachos” y “violentos” en quienes no se puede confiar. Curiosamente similar a la percepción de los italianos, que consideran a los gitanos un pueblo de ladrones de otra tierra.

Estas contradicciones llegarán a su clímax cuando Pío tenga que llevar a cabo un último crimen, ya no sólo material, sino moral. El niño deberá decidir hasta donde está dispuesto a llegar para demostrar su lealtad. Un cruel dilema ético se le presentará cuando tenga que elegir entre su familia y su amistad.

Una película frontal, genuina y agridulce sobre el paso del tiempo, la pérdida de la inocencia y los choques entre el orden familiar y la libertad individual. También una película compleja y ambigua que reflexiona sobre la otredad, el pensamiento de tribu y la eterna distancia que separa a los propios de los “de afuera”. En palabras de su abuelo: “Recuerda Pío, somos nosotros contra el mundo”.

Calificación: 7.5/10

TÍTULO ORIGINAL: A Ciambra

ACTORES PRINCIPALES: Pío Amato, Koudos Seihon, Damiano Amato

GÉNERO: Drama

DIRECCIÓN: Jonas Carpignano

DURACIÓN: 118 Minutos

ORIGEN: Italia

DISTRIBUIDORA: Zeta Films

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

Titanes del Pacífico (Pacific Rim) es un film del 2013 que ha sido dirigido por el mexicano Guillermo Del Toro, que relata la historia de una invasión de monstruos de otro mundo que son combatidos robots construidos por los humanos para luchar contra estos seres. Lo que ha resultado un fracaso comercial en Estados Unidos , ha puesto en peligro su continuación. Gracias a las buenas críticas que tuvo la primera entrega y el éxito que cosechó en el mercado asiático , hoy tenemos la esperada secuela que ha venido con algunos cambios pero que mantiene su escencia.

Han pasado 10 años luego de la gran guerra que se ha desatado contra los monstruos llamados «Kaijus», en el que han cerrado el portal que los traían a la tierra, aunque siguen desarrollando sus defensas ante un regreso de los invasores. La película se toma su tiempo para mostrar el después de la invasión, en como todo a proseguido y como las nuevas tecnologías acechan para cambiar el rumbo hacia el futuro. Aquellos famosos Jaegers , que se controlaban por dos pilotos mediante un enlace neural, están casi por pasar a obsoleto gracias a una nueva forma de control de estas armas. Todo esto hace desatar una guerra entre los humanos , antes de que los extraterrestres vuelvan para la Invasión.

Esta secuela ha logrado poder darle un nuevo aire a este film, tomando lo que sucedió anteriormente para comenzar casi desde cero y expandiendo el propio universo que ha creado. La historia es lenta , pero no aburrida , sino más bien que se toma su tiempo para sentar las bases del conflicto, que principalmente sucede entre las personas que quieren tener el control de aquellas armas que han sido importante para el mundo y deben estar listas ante un nuevo ataque. Hay personajes nuevos , ya casi no quedan rastros de los protagonistas de la anterior película, aunque ellos siempre están en conexión con su precuela. De este modo el film permite conectarse con los personajes antes de ponerlos en acción, que está más que claro que hacía su final la tiene , con su festin de luchas y explosiones.

Entre las actuaciones quizá quien más se llega a destacar es Jhon Boyega, quien resulta una nueva incorporación del film, necesario para este reinicio, ya que se han perdido a varios del elenco anterior.

Si bien el film no logra capturar del todo aquel estilo de animé que le ha dado Guillermo del toro, resulta una secuela entretenida y justa. Hacia el final tenemos un cliffanger que marca el camino que tomará si el film tiene el éxito necesario para una nueva secuela, esperemos que sea así.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Pacific Rim: Uprising

ACTORES PRINCIPALES: John Boyega, Tian Jing, Scott Eastwood.

GENERO: Ciencia Ficción, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Steven S. DeKnight.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 22 de Marzo de 2018

111 Minutos

Crítica de Paula Fossatti

Al posicionarnos en este film italiano nos encontramos con la mirada de Jonas Carpignano que retrata los conflictos presentes a lo largo del territorio italiano durante los diferentes periodos de crisis mundiales.

Su primer recorrido cinematográfico fue dado con Mediterránea (2015) en el que cuenta el engorroso camino de inmigrantes de Burkina Faso hacia Calabria, sur de Italia. Ahora se pone los zapatos y ajusta el cinturón para retratar la realidad de otra comunidad marginal en la que por decisión propia él ahora es uno más de ellos; los gitanos.

“A Ciambra“(2017) rodada íntegramente en el barrio de Gioia Tauro, es un auténtico “gueto” en el cual las fuerzas de seguridad recurren contantemente para recuperar objetos robados, allí Carpignano incursiona en diversas costumbres de la comunidad, el protagonista es Pío Amato, un niño de 14 años que debe irrumpir en el mundo adulto y sustentar lo que queda de su familia, ya que el resto de los integrantes; padre, tíos y hermanos están en la cárcel.

“A Ciambra”, a su vez habla de una infinidad de cosas más, borra la pequeña línea que separa la ficción del documental y la vida familiar se ve expuesta con la participación de todos sus integrantes que viven una vida llena de preocupaciones económicas, delincuencia y la incursión temprana a las adicciones de sus pequeños hijos y nietos. El anciano, antiguo patriarca, le recuerda a Pio que en el mundo se encuentran solos, esto lo representa imágenes oníricas en el mensaje inicial del film y en reiteradas ocasiones más.

Calificación: 8/10

Por Maximiliano Pouchan

Un joven desaparece. Es secuestrado por el aparato represor del gobierno militar. Su madre, atravesara entonces, el infierno encarnado en la realidad oculta dentro de los centros clandestinos de detención. Seremos, junto con ella, testigos de la tortura, la desesperación, el miedo y el extermino absoluto del ser.

La obra propone, en primera instancia, un ejercicio de memoria. Pero, es un relato sobre una transformación. Sobre cómo esta madre deja de ser quien es y comienza a dar pelea en búsqueda de la verdad.

Luciano Cejas asume varios riesgos. La desaparición forzada de personas es un hecho real, actual y de necesaria reflexión, del cual mucho se ha hecho y dicho en el arte. Es un tema doloroso y que a veces requiere incluso cierto rigor histórico y cierta corrección política y estética. En escena, el director se permite explorar sin miedos, confiando en la verdad que le dictan las vísceras y su sentido estético de la realidad. Construye una puesta no tradicional, con elementos de estéticas teatrales disimiles, encontrando entre ellas los nexos exactos para lograr un resultado orgánico. El manejo del espacio y la composición de la imagen es extraordinario y la dosificación de la información y la tensión es muy precisa.

La selección musical es ecléctica. A veces te golpea en el medio del pecho y por momentos, mezclándose entre respiraciones y gritos, se vuelve desgarradora. Sin miedo a caer en lugares comunes, introduce canciones muy conocidas, dándole pelea a todas las imágenes previas que tenemos de ellas.

El vestuario es de un valor simbólico poderoso y acertado. Hay ropa que deja de ser ropa, son restos de personas que llevan encima los personajes y que apenas los cubre. Los intérpretes se dejan atravesar por el dolor y construyen algo verdadero. Con gran habilidad ejecutan una composición de acciones y danza de una belleza conmovedora.

DEJAR DE SER es un poema hecho de fragmentos del pasado y la sensibilidad puesta en movimiento, sonidos e imágenes. Es una experiencia teatral necesaria.

Hay que verla, sentirla y pensarla.

Intérpretes

Alfonsina Macchi Herrera, Catalina Crusat Albornoz, Flavia Basilico, Jeanette Feal. Luciana Edelstein, Magalí Nuñez, Maite de León, Micaela Rivetti, Matías Sangougnet, Nahuel Alejandro Lozano, Sol Morales, Yasmín Gomez

Ficha Técnica

Dirección artística y coreográfica: Luciano Cejas

Coordinación General: Mónica Rodriguez Manzano

Asistente de Dirección: Micaela Rivetti

Dirección de Imagen: Pamela Dávalos

Asistente Audiovisual: Nahuel Alejandro Lozano

Community Manager: Guadalupe Peralta Caceres

Duración: 60 minutos

Publico: Adultos

Prensa: Kasspress – Sergio De Caro y Laura Kass Mathieu

Dirección General: Luciano Cejas

Funciones: Domingos 20 hs – IFA (Centro de experimentación teatral)

Debo decir que al desconocer el material de Beatrix Potter sobre el personaje Peter Rabbit, me resultaba muy poco atractiva la idea de una película Live Action sobre animales que hablan en guerra con un humano malhumorado. La cuestión es que Las travesuras de Peter Rabbit resultó ser una comedia con grandes dosis de humor, una realización técnica más que correcta y una emotividad propia que será del agrado de todos. ¡Vaya sorpresa!

Peter Rabbit y su familia se apropian de la vieja finca de Mr. Mc Gregor, donde realizan fiestas interminables de frutas y vegetales. Cuando un Mc. Gregor más joven y fastidioso llega para reclamar su herencia, Peter decide seguir con la fiesta. Pero el joven Mc. Gregor no es sólo un enemigo formidable, sino que también se está enamorando Bea, la artista local y tutora de los conejos. Ahora, Peter se pondrá en campaña para echar a Mc. Gregor en una guerra en la que los dos se querrán quedar tanto con el jardín, como con el afecto de Bea. Su rivalidad los llevará desde el idílico Lago District hasta el tumultuoso subte de Londres, a los pasillos de una gran juguetería de Harrods y de vuelta a casa. Pero al final, Peter se dará cuenta que las zanahorias y la gloria no son tan gratificantes como el amor y la familia

La película falla en algo pero quizá ese error es lo que , al menos en mi opinión lo ha hecho disfrutable. Peter Rabbit tiene un inconveniente para encontrar su tono , está claro que quiere vendernos un cuento familiar , pero en momentos roza lo adulto , sin tener escenas obscenas, se momentos parece una película de Seth Rogen con animales que se drogan con vegetales. Muchos de esos guiños quizá desentonan para el público infantil, aunque la inocencia y la ternura siempre está presente , sobre todo en su último acto, que nos termina de relatar el cuento sobre este alocado conejo. El film sabe manejar muy bien el humor , claramente con escenas absurdas y chistes para los más chicos , pero todo ocurre de manera ordenada sin llegar a abrumar y hacernos cansar de ello. Siempre en un cuento y en una historia familiar existe el espacio para la reflexión , cada personaje tiene una lección para aprender , para nuestro protagonista lo importante es la familia . Quizá el haber tenido una importante pérdida , es lo que hace actuar a este conejo como alguien pesado y hostil, cuando alguien aparece para arrebatarle el cariño que recibe de quien lo ha estado cuidando últimamente , en el transcurso de la película debe aprender a que ese amor se puede compartir.

En cuanto a los actores , quitando a los animales de cgi (que bien logrados están) , contamos con la participación de Domhnall Gleeson y Rose Byrne. Es el actor irlandés quien resulta la contraparte del animal protagonista, algo parecido a un villano pero que en realidad no lo es, solo se trata de una persona obsesiva que también necesita algo que aprender , buen aporte del actor.

Las travesuras de Peter Rabbit es una película que técnicamente está muy bien lograda , desde la adaptación de los animales al uso de los escenarios en los momentos de acción . El humor que maneja es constante y agradable , quizá muy adulto en algunos momentos. No será la mejor película sobre animales , pero para ser un live action, está bastante bien. Sí, atrevase a ver el film de este alocado conejo con su familia que la va a pasar muy bien.

Calificación 8.5/10

TITULO ORIGINAL: Peter Rabbit

ACTORES PRINCIPALES: Rose Byrne, Domhnall Gleeson.

VOCES ORIGINALES: James Corden, Elizabeth Debicki, Margot Robbie, Daisy Ridley.

GENERO: Familiar, Animación.

DIRECCION: Will Gluck.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP – Sony

ESTRENO: 22 de Marzo de 2018

95 Minutos

Crítica de Tomás Manzo

La filmografía ecléctica y algo irregular de David Gordon Green destaca por comedias notables como Pineapple Express, The Sitter y Your Highness, las cuales contienen ejercicios de humor ingenioso, casi al borde de la incorrección política. Y ahora (basándose en un hecho real) se desentiende de cualquier inventiva para realizar un producto digno del melodrama más oxidado y epiceno de la industria.

La película narra la vida de Jeff Bauffman luego del ataque terrorista cometido en Boston el 15 de abril del 2013, y de cómo mientras se convierte en un héroe para la ciudad, en la intimidad se va volviendo una molestia, especialmente para su novia Erin. El resultado es un énfasis a la vulgaridad manipuladora.

El golpe bajo moralizador transfigura la intención sentimental en exasperación y logra edificar el sistema de Stronger con las consabidas formulas de la demagogia fílmica, desde un costado poco honesto. Así la planificación de los hechos se imponen y Green no puede plasmar su visión del género sin ceder a los encuadres limitados a registrar ¨bien”, con música artera y escenas subrayadas como los flashbacks del atentado en montaje paralelo que aparecen cada vez que Jeff esta en una situación crítica. El moralismo aleccionador alcanza su apoteosis con el monologo infumable de Carlos, las historias de superación que el público relata a Bauffman y el “happy ending” modelo .

Además el humor que pretende suavizar la tragedia solo entorpece la consistencia del relato. Hay momentos que causan risa, pero son escasos y no terminan de cuadrar en la lógica interna de cada secuencia.

Para quienes lean un ligero reparo hacia el patriotismo, también se encontrarán en el mismo laberinto bien pensante. Las aparentes críticas no marcan una postura firme y hay una reivindicación constante a valores que nos remiten al nacionalismo más ortodoxo como la superación y voluntad.

Pero el cariz más nefasto nace de Jake Gyllenhaal, que se vuelve tanto un peso para la familia como para el espectador. Solo la abnegación de Tatiana Maslany logra dar esplendor a una película mancillada desde básicas extorsiones emotivas.

Calificación 5/10

TITULO ORIGINAL: Stronger

ACTORES PRINCIPALES: Miranda Richardson , Tatiana Maslany, Jake Gyllenhaal.

GENERO: Drama, Biográfica.

DIRECCION: David Gordon Green.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: BF + Paris Films

ESTRENO: 22 de Marzo de 2018

116 Minutos

Crítica de Paula Fossatti

María Magdalena es un film que innova la tradición de contar la historia a partir de la mirada de Cristo; llegando Semana Santa, Garth Davis arriesga a contar la visión de los acontecimientos que marcaron la religión católica partiendo de la vida de quien durante cientos de años, y para algunos en el presente, fue una mujer pecadora.

La película durante los primeros dos minutos deja claro el mensaje, hablando de la profundidad y la integridad, de sostener la fe pese a todos los males que vendrán; cuanto mas nos arraigamos a algo… esto traerá su recompensa.

Rooney Mara encarna el papel de Maria Magdalena, mujer a la que le habían resuelto la vida con un matrimonio arreglado, ella toma las riendas de su vida, abandona a su familia y se une a los bautistas, que más tarde se convertirán en apóstoles de Jesús.

Particularmente esta nueva historia de Davis, no intenta evangelizar ni predicar la palabra, rompe la estructura de las películas que hablan de la vida de Cristo, encaminándonos por medio de escenarios que ya no son puramente desiertos, movimientos de cámara, música y colores que claramente dejan entrever que realmente está hablando otro lenguaje.

Al papel de Jesús lo encara Joaquín Phoenix, posicionándose en la película en el minutaje exacto para darle otro giro y evitar la monotonía. Jesús es el Mesías, es quien no aguanta una injusticia más en el mercado de Jerusalén, preparado para el devenir obscuro y la muerte que lo esperaba.

María Magdalena es una película que según mi punto de vista es arriesgada en tanto el público más conservador le va a resultar muy difícil, casi imposible, suprimir lo que significó María Magdalena para la historia del catolicismo, que según el Papa Gregorio Magno era una prostituta; para el público no creyente resulta poco atractivo el visionado de un film que hable nuevamente de la vida del Mesías.

Sin embargo, considero que la película merece ser vista con ojos críticos ya que hablar de lo que no se hablaba es un acto de valentía que últimamente se ve en estos tiempos.

Valoración: 7/10.

TITULO ORIGINAL: Mary Magdalene

ACTORES PRINCIPALES: Chiwetel Ejiofor, Joaquin Phoenix, Rooney Mara.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Garth Davis.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

Crítica de Malena Batista

¿Cuántas veces nos preguntamos si servimos para hacer lo que nos apasiona? ¿Si seremos “buenos” en algo? ¿Llegará el éxito en algún momento?

Todas estas interrogantes rondan en el clima del film, con humor, pero allí presentes. Una comedia que entre el humor absurdo y la parodia, nos cuenta la historia de Simón y Mía dos cantantes de covers que se dirigen a presentar su show en un hotel de mala muerte en la noche de navidad. Pero un predecible inconveniente en su viejo auto los termina dejando varados en el medio del bosque, en donde conocen a Alan, que los guiará en su camino musical dándoles todo tipo de consejos en el que la película se vuelve realmente muy cómica y entretenida.

Lo musical es un componente fuerte en todo el film, siendo un ingrediente imprescindible en el juego que proponen los directores, guionistas y productores de la película Bernardo Francese, Agustín Gregori e Ignacio Laxalde. Y queda más que demostrado que para hacer cine no se necesitan un millón de dólares, ni un equipo inmenso, ya que lo que más admiro del film es que funcionan como un colectivo llamado Cine Humus, y hace más de diez años se dedican al cine.

Realmente te reís durante los 77 minutos de duración, y también salís pensando que a pesar de que Simón y Mía no son (indudablemente) los mejores cantantes del mundo, al fin y al cabo se dedican a hacer lo que les apasiona, aunque nunca lleguen a tener éxito.

Puntuación: 7 de 10.

Dirección y guión: Cine Humus (Bernardo Francese – Agustín Gregori – Ignacio Laxalde).
Producción Ejecutiva: Cine Humus (Bernardo Francese – Agustín Gregori – Ignacio Laxalde).
Dirección de Fotografía: Pablo Díaz.
Montaje: Cine Humus (Bernardo Francese – Agustín Gregori – Ignacio Laxalde).
Intérpretes: Maru Zapata, Agustín Gregori y Bernardo Francese.
Sonido: Bernardo Francese.
Música: Pablo Viltes – Bernardo Francese.

Reseña de Paula Fossatti

El sentido de la fragilidad en el ser humano nos remite a la quiebra constante de uno mismo, a la vulnerabilidad frente al caos de la vida, frágil al pasado que debatió el presente y el miedo de salir adelante para enfrentar al angustioso futuro que no sabemos que conllevará.

Wainraich nos invita desde el comienzo de su obra, con su particular sentido de la comedia, a interrogarnos sobre como vamos a enfrentar la vida, ¿realmente somos capaces de hacernos cargo de lo nuestro? ¿Qué nos pasará si eso sucede?. Frágil profundiza sobre la vida, la omnipresencia del miedo que angustia y a su vez resulta ser motivador para poder decirle al mundo todas nuestras verdades. El desafío artístico de la obra resulta agradable, atraviesa por medio de la creatividad audiovisual el terror a envejecer, a la enfermedad, a perder el tren de la vida en una posición pasiva.

Vemos a un hincha de futbol que tiene ciertos valores que no son del todo coherentes, critica a la creencia de algo sin argumentos sólidos sostenido simplemente por eso que muchos llaman “Fe”. Frágil se suma a la lucha del feminismo burlando situaciones cotidianas representando un antiguo personaje que lo único que busca es que se le reconozca su labor en el seno familiar.

Wainraich respira más lento hablando de una tragedia que solo genera en el espectador que el corazón palpite más fuerte. ¿ Cómo recuperas aquello que ya no está?, ¿ Vale la pena soltar los hilos de la vida sin comprometernos a resolverla?.

Frágil – Sebastián Wainraich.

Teatro Liceo Comedy.

Av: Rivadavia 1495

Capital Federal. Buenos Aires. Argentina.

Jueves: 21:30hs.

Viernes y Sábados: 22:00hs

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