Mi semana se vio recompensada, además de no llover, porque tuve la infinita suerte, de poder concurrir a la función de prensa de la obra El Vestidor, que debuta en el complejo La Plaza llevada de la mano, por Arturo Puig y Jorge Marrale. La versión original es de Ronald Harwood y fue adaptada por Fernanda Masllorens y Federico González del Pino bajo la dirección de Corina Fiorillo.

De antemano acudía entusiasmada al teatro porque con una dupla como Marrale-Puig o viceversa, era seguridad de una noche excepcional. Lo que me sorprendió es que me quedé corta en las expectativas, seguramente la representación fue el resultado final después de fatigosas horas de ensayo, pero es maravilloso como estos dos monstruos de la escena, de oficio «actores» demostraron con una soltura y naturalidad, el nadar como pez en el agua, logrando personajes tal grado de de verosimilitud a lo que podria ser en la vida real que logran que el público se meta en la historia y sus personajes.

Es una obra que está en tono de comedia dramática, Arturo y Jorge, logran una química excelente, se ven acompañadas de tres actrices que logran seguirle el ritmo, cosa muy meritoria por cierto, que son Gaby Ferrero, Ana Padilla y Belén Brito.

La obra relata en la época de la segunda guerra mundial, en un teatro londinense amenazado permanentemente, por aviones alemanes, prontos a bombardear. En ese contexto, hay un actor que interpreta al Rey Lear, quien desafía el peligro todo el tiempo, con una personalidad muy peculiar y que salir a escena se lo debe gracias a su mayordomo personal, que es el “vestidor”, quien lo ayuda a poder cumplir con el desafío que tiene el actor, diariamente, de salir a escena, logrando superar algunos momentos previos complicados, en los cuales se muestra la otra realidad, tras bambalinas, donde se deja entrever que todas las noches, minutos antes de salir, este afamado actor sufre de ataques de pánico escénico, con raptos caprichosos asegurando que no va a salir a escena y no recuerda la letra.

Contar este argumento no es develar ningún misterio, ni le restará puntos al momento de ir a verla, porque el gusto afrodisíaco de esta obra, es verlos jugar en escena a Puig y Marrale, junto al resto del elenco y además los diálogos, son muy interesantes. Me pareció fabuloso cuando Marrale dice “hoy lo ví, logré ver lo que él ve de mí”. Otra frase de la pieza: “Nada podemos hacer con la suerte del otro”.

Que más podríamos agregar sobre la música original al decir que es de Angel Mahler. El vestuario es de Silvina Falcón.

Me permito augurarle a la compañía, por suerte, una prolongada permanencia en las salas de Buenos Aires, con una gran cantidad de representaciones, porque va a ser una obra que el boca en boca, haga que la gente la vaya a ver. Y hasta me permito vaticinar que para este 2018 se va a llevar varios premios y de paso sea ha dicho, todos serán muy bien merecidos.

Un lujo para el Complejo La Plaza, en una excelente sala, con un teatro semicircular, que facilita que la obra sea perfectamente visualizada desde todos los puntos y además con una excelente acústica.

En este caso, “chapó”, me sacó el sombrero, haciendo honor a estos dos tótem del teatro y felicito a todos que logran una puesta en escena de un alto nivel artístico. Les deseo que disfruten del éxito, que es lo mínimo que se merecen ante tan excepcional esfuerzo. Viva el Teatro!! Viva las producciones nacionales, gracias elencos por este maravilloso regalo hacia el público, que los aplaudió durante las escenas y con mucha emoción y agradecimiento, de pie, al finalizar la obra. Nuevamente chapó!

El gran final hace gala a un espectáculo que representa un homenaje al director y coreógrafo Bob Fosse. Dicho artista, había dejado en claro que tras su muerte, el funeral debía ser toda una fiesta fiel a su estilo. De este modo, Gustavo Wons toma este hecho para montar un show que se convierte en la mencionada fiesta de Fosse. Un espectáculo lleno de talento y Jazz..

Bob Fosse fue uno de los grandes coreógrafos de la historia del cine y de la comedia musical de Broadway. Debutó en el teatro como bailarín y coreógrafo y actuó también en algunas peliculas, teniendo en  sus manos obras como Cabaret, en el cual ganó un Oscar a mejor director. Este musical funciona como un recorrido biográfico de aquel director, en el que Gustavo Wons se pone en la piel de Fosse para hacer un repaso de grandes momentos de su vida y obra. Así como en una biografía, siempre es necesario plasmar la escencia de sus inicios , con un joven Fosse interpretado con maestría por Mariano Magnífico. También acompañado por un gran elenco , en el que se denota la precisión tanto en las coreografías como en la música.

Si bien tenemos una historia, pero esta propuesta no se trata de una obra convencional. Casi no hay texto, pero aún así , tanto la música como el baile conforman una narrativa que nos permite imaginar todo el recorrido del artista hasta el día de su muerte.

Otra particularidad que tiene esta puesta , es permitir que cada semana haya un invitado para que forme parte del show. Para este reestreno en el Lola Membrives , subió al escenario Laura Conforte , una actriz que posee gran despliegue escénico , siendo una opción ideal para este regreso.

El gran final es un espectáculo que le rinde el mejor homenaje al artista Bob Fosse, con un show que le es fiel a su estilo y que revive el espíritu del director y coreógrafo. Gustavo monta un show impecable, preciso y bello para disfrutar en teatro.

“EL GRAN FINAL”…Tributo a Bob Fosse
Un espectáculo de Gustavo Wons

Idea, coreografía y puesta en escena: Gustavo Wons
Libro: Julio Panno
Productor: Matías Baraviera

Elenco: GUSTAVO WONS – ARIEL JUIN– RODO SANTAMARINA – FLORENCIA VITERBO – SANTIAGO ALMARAZ – NICOLÁS TADIOLI – EUGENIA GIL RODRÍGUEZ – CECILIA ESTEVEZ – CARLA NOVAL – NICOLÁS VILLALBA – VICKY BANFATHER – SOFÍA VAL – VERÓNICA TORRES – MARIANO MAGNÍFICO – NICOLÁS CHAVEZ – CARLA LANZI- MARCELO AMANTE – YAZMIN CORTI

TEATRO LOLA MEMBRIVES – Av. Corrientes 1280 – CABA – 4381-0076

Funciones: Martes 21.00 hs.

Localidades: $400 y $300

Del 10 de mayo al 23 de junio, tenemos la oportunidad de disfrutar del 5to Encuentro de Flamenco Independiente de Buenos Aires, cuyas actividades se realizarán en las salas: “Hasta Trilce”, “ND TEATRO” y «Metropolitan Sura».

Estuve el pasado jueves 10 en la apertura de este festival. Hoy es sencillo contarlo porque hemos tenido una jornada de sol. Pero ese jueves, todo el día, una lluvia que no dio tregua pero no importo porque en Hasta Trilce fue una fiesta de música y color.

Como dijo Sergio Eisenstein, aplica sobre toda puesta en escena: “todo elemento que despierte en el espectador aquellos sentidos ….que influencian sus sensaciones, todo elemento ….produzca choques emotivos…”. Eso y mucho más, fue la apertura de gala de este quinto festival del arte flamenco, con una excelente coreografía, vestuario, calidad musical, lograron que el espectáculo y cada uno de los bailarines tuviesen luz propia. Por suerte, el público no se amilanó con el día y estaba en el momento oportuno, para gritar Olé y pedir otra, a la cual este grupo joven, no se hizo rogar, para dar lo mejor de sí en respuesta a un público tan cálido y respetuoso con los artistas.

La coordinación artística del espectáculo de apertura estuvo a cargo de Daniel Correa. Excelente la interpretación en guitarra, el cajón, el canto flamenco acompañando a bailarines en unipersonales o en cuadros de baile con una cuidada puesta acompañado de un hermoso vestuario y oportuno en cada coreografía. El escenario de Hasta Trilce es un tablado ideal para estas puestas.

Si quieren ir a verlo. Tienen oportunidad en Hasta Trilce, domingo 13, viernes 18 , sábado 19 , jueves 24 y sábado 26 , fechas de mayo entre las 20:30 y las 22:30. Hay puestas de teatro de tinte flamenco o bien baile. Un caso es Yerma, obra de Julieta Cancelli, comentada en Butaca Web, está el sábado 19 a las 20 hs. Y el sábado 26 viene un conjunto de Uruguay, con dos espectáculos, «Ser» y «Viejo Mundo».

De España, al Metropolitan Sura, de Manuel Liñan, el lunes 11 de junio a las 21:00 hs tenemos “Baile de Autor” y en ND Teatro, sábado 16 de junio, “Flamencos en Singular” (ademàs de Jesus Carmona y José Maldonado). También en Hasta Trilce, el domingo 10 a las 21 hs con Entredos de David Carpio.

Otras menciones, Sábado 23 de junio “Visto Bueno” de Cia PRISMA, con coreógrafos invitados Manuel Liñan, Jesus Carmona y José Maldonado.

Les recomiendo ir algún espectáculo les darán una cartilla con la agenda completa de horarios. En general, todos los viernes, sábados y domingos que quedan de mayo hasta el 23 de junio, si desean ver un espectáculo con perfume a flamenco, hay sala para llenar, bailarines para romperla, oles para regalar y con muchas ganas de volver el año que viene al sexto encuentro.

Agradecemos a El Perro andaluz, producciones, que ha podido lograr amalgamar esta propuesta, que permite que llegue al público de Buenos Aires, lo mejor del arte flamenco. Para ellos, zapateando sin parar, Oleeeee!!

Gala Apertura – Jueves 10 – 21 00 hs Hasta Trilce

Daniela Ojeda – Belen Moraña, Silvana Santarcángelo, Florencia Retamosa, Juan Cruz Andrade, Jonathan Acosta. Con Fernanda de Córdoba, Pájaro Ausina y Maximiliano Serral, Jordan Miguez. Coordinación artística Daniel Correa.

Sala: Hasta Trilce – Dirección Maza 177

Domingo 13 Mayo - 20:30 No Convencional

Viernes 18 mayo- 20:30 Por Derecho

Sábado 19  mayo - 20:00 Yerma 

Jueves 24 mayo - 21:00 Andanza

Sábado 26  mayo - 20:30 SER (Uruguay)

Sábado 26  mayo - 22:30 Viejo Mundo (Uruguay)

Viernes 1 junio -  Viernes 8 - Sábado 9 - 23: 00 Tablaos 

Sábado 2, Domingo 3 de Junio - 20:30 (Tres mas tres, más dos; Vivencias)

Sábado 2 de Junio - 22:30 (De Cantaores)

Domingo 10 de Junio - 21. Entredos

Sala Metropolitan Sura – Dirección Av Corrientes 1343

Lunes 11 - 21 hs Baile de Autor

ND Teatro – Dirección Paraguay 918

Sabado 16 - Junio - 21 [Flamencos] En Singular

Sábado 23 - Junio - 21 Visto Bueno (Cía Prisma)

Reseña Diana Decunto

Reseña de Paula Fossatti

Aún atravesados por el dolor sin importar los años que pasaron del último Golpe de Estado es un acto de nobleza hacia nuestra historia contar lo que aún continúa latente en la sociedad Argentina y en ocasiones quedamos perplejos tratando de entender como es que todo esto sucedió. El Secreto Libre es una historia basada en un hecho real ocurrido en un centro de detención clandestino en la ciudad de Rosario.

El Secreto libre es mucho más que una historia de amor dentro de un centro de detención clandestina, Marta y Roberto se conocen por medio de tuberías en donde se encontraban detenidos, allí se enamoran. Ambos personajes representan la angustia ante la fragilidad, la ira ante la injusticia y la frustración de saber que la distancia que hay entre el que tenes al lado tuyo es enorme e indiferente teniendo como única opción confiar en el Tic – Tac que sienten; que no es otra cosa más que el latido de sus corazones.

La obra de teatro te posiciona en la butaca y te recuerda que sos la sociedad de aquella época, te censura a través de una niebla que realmente impide visualizar lo que está aconteciendo; mientras que la fluidez de las actuaciones te permite entender la desesperación por querer al otro a tu lado y que recurrir al poder de la imaginación para que articule recuerdos va a ser vital para poder sobrellevar lo que te queda de presente. La vida en cautiverio se transita de un solo fogonazo comenzando por los deseos de la infancia y terminando por la añoranza de la libertad; el encierro y la tortura es el castigo de no pertenecer al sistema.

El Secreto Libre es un cúmulo de acontecimientos que te convence de la incondicionalidad del amor, como dos almas y un amor puro son capaces de vivir a pesar de las condiciones.

Ficha técnica.

Autor: Charlie Gerbaldo.
Dirección: Javier Rosón y Charlie Gerbaldo.
Elenco: Alexandra Geoffroy, Charlie Gerbaldo y Dalila Ferreyra.
Cantante: Luli Rössler.
Asistencia de dirección y producción ejecutiva: Victoria Soriano.
Música Original: Ramiro Álvarez.
Sonido: Gonzalo Lapadula.
Música de Sala: Hernán Valencia.
Iluminación: Fito Gómez.
Vestuario: Verónica Casanovas.
Escenografía: Celeste Bulfoni y Rafael Vallejos.
Diseño Gráfico: Manuel Padilla.
Fotografía para Prensa: Alejandra López.
Prensa: “Hola! Prensa & Difusión”.
Teatro: El Tinglado, Mario Bravo 948, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Funciones: Martes a las 21hs.
Reservas: 4863-1188. Costo entrada: $300 (Descuentos a estudiantes y jubilados $250) / elsecretolibre@outlook.com

Chicos malos es un show performático que está escrito y dirigido por Gabriel Gávila. Dicho espectáculo sigue a un grupo de hombres pretendiendo crear un gran show, pero que queda a medias debido a la rebeldía de uno de sus integrantes, quien busca poder dar algo original y verdadero. Se trata de una fórmula que ha obtenido éxito en sus anteriores temporadas y que aún así , logra renovarse a sí misma para atraer tanto a los nuevos como viejos espectadores.

La palabra «Show» es algo que se encuentra muy presente en esta puesta escénica , que lo definen como una acción o cosa que llama la atención y causa asombro o escándalo , algo que en distintos idiomas lo llaman del mismo modo. Eso es exactamente lo que es Chicos Malos, ¡¡Un show¡¡ ¿Y de qué va?. Una especie de ensayo teatral se pone en escena , un grupo de hombres semidesnudos están para darle a la gente lo que creen que ellos quieren: Ver hombres , cuerpos trabajados , seducción y sexo. Si , sexo…

Esto también lleva a un sinceramiento con el público, en el que logra darse por entendido de que algo quieren ver y es uno de los motivos por los cuales están presentes. Existe el rompimiento de la cuarta pared, sabemos que no es una obra de teatro convencional con una historia y un mensaje , y a la vez lo es. Uno de los personajes , protagonista o antagonista , está para cuestionar las bases del show , al creer que se está para algo más que la superficialidad de ser un chico malo.

Si llega a ser falta aclararlo, podemos decir que se trata de una puesta Gay Friendly, si bien no resulta algo exclusivo , la puesta es consciente del público que asiste y por ello juega con el desde el humor y algunos cuestionamientos dentro del ambiente. Así ha podido cosechar su éxito, también por la capacidad de renovarse y seguir contando una misma historia. Se ha sumado elenco a esta temporada, y lo han resuelto eficientemente desde lo performatico , ya que la misma puesta es capaz de actualizarse a lo largo de cada función.

Los actores en escena logran desenvolverse con soltura, siendo quizá la mayor exigencia de la puesta. La dirección de Gabriel Gávila es precisa , se nota todo el proceso de experimentación dentro de la obra , aunque lleve un tiempo ya compuesta. Seguramente hay varias personas que han ido a más de una función, y seguramente aquellos notarán los cambios en pequeños detalles , también las añadiduras en cuanto a temas de la cultura popular, que siempre se actualiza porque la obra no quiere quedarse en el tiempo.

Chicos malos es un show que cumple con su premisa , brindar un espectáculo capaz de llamar la atención y ser escandaloso , pero sin dejar de ser una puesta teatral. Con actores totalmente desinhibidos , la obra resulta más que efectiva para entretener y seducir al público. Su creador a logra que está puesta sea capaz de renovarse y que estos chicos malos estén siempre vigentes.

Chicos Malos pertenece a una trilogía escrita por el autor, cuya dramaturgia se completa con “Chicos Lindos” y “Chicos Feos”, espectáculos que estuvieron en cartel en 2017 simultáneamente en la ciudad de Bogotá, Colombia, y en Buenos Aires.

(Obra no recomendada para menores de edad)

Actores

Gonzalo Bourren

Javier Roldán

Emmanuel Martínez

Gonzalo Cetraro

Juan Felipe Peláez

Lucas De Stasio

Ernesto González

Alex Malave

Alejandro Chagas

Emerson Speratti

Ficha Técnica:

Autor y director: Gabriel Gavila.

Fotografía: Leandro Rodríguez PH. / Armando Bellorin Photography

Make up: Melina Acuña.

Vestuario: Ana Mastroberti.

Colaborador artístico: Luciano Crispi.

Diseño lumínico y Operación Técnica: Lucas Ontivero.

Comunicación audiovisual: Emmanuel Martínez.

Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.

Stage manager y selección musical: Joaco Balverde.
Prensa: Cakatúa Prensa

Links relacionados:

Facebook, Twitter, Instagram: @chicosmalosarg

LOCALIDADES: GENERAL $300| Promoción en redes sociales 2 x $500 | Domingo 21.30hs. Espacio Artistico «La Sodería». Dirección: Vidal 2549, Belgrano (CABA)

El planteo de Hedda Gabler, como muchos clásicos, comporta desde hace tiempo las mismas críticas y las pocas soluciones, por su tiempo, por su texto y su contexto; sin embargo el teatro independiente no puede ocultar su fijación (y con razón).

Que moleste Hedda Gabler comporta un triunfo: no tanto explicarla o re-re-representarla hasta hallar algo nuevo, sino intentar ganarla a algún discurso que importe. En el barrial Brío se da una de estas pequeñas victorias intermitentes que debieran importarnos.

La puesta a la que asistimos es una oportunidad de ver a Hedda con otros ojos y de manera explícita, dejando en suspenso el atractivo del personaje para mostrarnos una trama victimaria y patriarcal, una gramática que ocluye en su vida lo posible y le impone lo imaginable. A destacar: al fin la atracción lésbica en la obra deja de ser recurso estético y se vuelve fundacional.

Lo importante no es que la puesta lo entiende, sino que se compromete a mostrarlo: El desenlace de Hedda Gabler es el triunfo de una valentía entre tantos cobardes, pero sólo de una en el acotado horizonte de lo posible, pues ¿con qué se mata Hedda Gabler?

FICHA TECNICA:

Versión: Melina Petriella, Nayla Pose

Actúan: Melina Petriella, Maria Abadi, Nayla Pose, Pablo Chao

Diseño de vestuario: Belen Parra

Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo

Realización escenografica: Gustavo Disarro

Diseño grafico: Lucia Szlak

Asistencia de producción: Nahuel Saa

Asistencia de dirección: Florencia Halbide, Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

Las funciones se realizan los díasviernes a las 21hs y domingos a las 19hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Av. Alvarez Thomas 1582

Localidades $200 entrada general / $180 estudiantes y jubilados

Agustín Arosa

El mito del padre que come a sus hijos en un banquete y que luego de saberlo es condenado no a morir sino a vivir con el dolor; este mito concebido por los griegos y que luego se reproduce a lo largo de toda nuestra tradición occidental y cristiana, que fue convertido en tragedia por Séneca, en el siglo I, es retomado con maestría por Emilio García Wehbi, director de la obra que en su estreno en el Teatro Cervantes impresionó y conmovió a cientos de espectadores.

¿Cómo convertir en espectáculo el peor de los sufrimientos? ¿Desde dónde mostrar la angustia de la humanidad que viene cargando una piedra enorme sobre su espalda? El director de esta obra, que contó con un elenco de doce actrices, comienza por la voz de una niña, la más pequeña de todas, interpelando al Hades.

Las niñas juegan a ser fuertes en un mundo de monstruos, se desafían entre sí con el lenguaje para intentar perder el miedo, su casita de muñecas se asienta en el mismo jardín oscuro de donde surgen las garras que luego las matan.

Pero para entender la metáfora hay que construir un anclaje, ¿en qué consiste la matanza? ¿No será acaso un pensamiento que se extiende? ¿Seremos todos los adultos cómplices de la muerte prematura de los más débiles? El estribillo de funky retumba en los oídos del público, que trata aún de digerir las palabras: “No hay asunto más prolijo que comerse a sus propios hijos”. (Sí, aquí vale mencionar la maleabilidad artística de las intérpretes: ejecutan instrumentos, cantan, bailan, son gimnastas, dan vuelta la escenografía y pasan de un góspel a un rap).

Entonces comienza la historia desde el principio, en el Acto II. Tiestes y Atreo eran hermanos en disputa por el trono. Tiestes engaña a Atreo y éste busca venganza. Se debaten a un duelo de maldiciones. (Se aclara que para la actualidad hay una nueva versión a la de Séneca y que cada hermano, para vengarse, mata al hijo del otro y se lo sirve en bandeja). Ambos terminan devorando su propia descendencia. Las voces de las hijas hablan desde el estómago. Destruidos, sin vuelta atrás, los padres viven con el remordimiento.

La obra cumple en demasía con el objetivo de dejar que el espectador la complete, pero sin duda es una crítica sagaz a la cultura patriarcal, a la banalización de las infancias, a la mirada del adulto medio. El juego de contrastes entre contenido y forma es admirable. Puesta en escena voluptuosa.

Tiestes y Atreo

Yamila Juan

Saltimbanquis es una obra de teatro infantil que cuenta la historia que un grupo de simpáticos animales que buscan su camino luego de escapar del maltrato de sus amos. Una propuesta musical que está compuesta por actores adultos y niños , que son parte de un bello relato ideal para toda la familia.

Saltimbanquis, es un musical basado en el cuento Los músicos de Bremen de los Hermanos Grimm. Es una obra que habla de la unión, del respeto por el otro, la solidaridad y la buena convivencia en comunidad. Cuenta las aventuras de cuatro animales que fueron explotados por sus amos y deciden huir hacia la ciudad para probar suerte como banda musical.

Un burro, un perro, una gata y una gallina son los protagonistas de la historia , van apareciendo de a uno , todos con una historia en las que se han quedado solo luego de su paso con los humanos. Inmediatamente logran hacerse amigos , tienen el objetivo de llegar a la ciudad y formar una banda musical . En su recorrido descubren que sus sueños y fantasías pueden ser distintos a los que creían en un principio, todo esto lo aprenden a través de la unión y la amistad , uno de los valores más importantes para ser fuertes y no estar solos.

La obra es muy bonita en su premisa , su puesta escénica también lo es. Cada actor que compone a los animales en escena , posee un carisma y color particular , que se hace imposible no tomarles cariño de inmediato. La obra también cuenta con niños que son parte del ensamble del espectáculo, algo ideal e inclusivo ya que va dirigido a toda la familia, en el que también participan los más chicos. Además del divertimento , está el mensaje o la moraleja que todo cuento sabe dejar. Más allá de toda la fantasía existente en el relato , el papel que cumplen los animales, que en muchas ocasiones sufren el maltrato de los humanos , responde a algo real y se busca una forma entretenida para hablar y tomar consciencia sobre ello.

Esta obra ya tuvo su paso por el Teatro Regio y el San Martin , teniendo su espacio fundamental durante las vacaciones de invierno. Ahora su reestreno en Ciudad Cultural Konex, bajo el marco de «Konex para chicos» los días domingos a las 16 hs. Esta sala permite el impecable despliegue en escenografía y vestuario , además del amplio lugar para el público, donde los chicos inevitablemente salen de sus butacas para jugar.

Debo hacer una crítica sobre esta función , pero va dirigido al publico. Primero, toca hablar de la gente que llega demasiado tarde, al estar con chicos el espacio se ve obligado a dejar entrar al público aunque llegue media hora empezada la función. Y la segunda cuestión son los celulares , se que es lindo poder documentar una salida en familia , pero no sé si se llega a disfrutar un espectáculo del todo estando filmando. Es solo una opinión y necesitaba remarcar.

Saltimbanquis es una obra ideal para salir en familia y divertirse tanto los más chicos como los grandes. Muy buenas actuaciones por parte de un elenco que también incluyen niños y un más que bonito mensaje que nos deja la obra sobre el teatro hacia los animales.

Domingos de mayo16 hs.

Entradas: $230, $280 y $330 (según ubicación)

Gran Sala

Menores abonan a partir de los 2 años

No se suspende por lluvia

Entradas por Ticketek

Hemos tenido el placer de ir al teatro Lola Membrives y disfrutar de la obra Sugar, que ha estrenado el año pasado con mucho éxito, teniendo a Susana Giménez en la producción y con las actuaciones de Griselda Siciliani, Federico D’elia y Nicolás Cabré. Desde hace poco , el rol de Sugar lo ocupa «Laurita» Fernández, una grata sorpresa que se une a una comedia desopilante y con un gran nivel del producción.

La historia está ubicada en Chicago en 1929, durante el periodo de la ley seca norteamericana, cuando dos músicos se ven obligados a dejar la ciudad después de ser testigos de un enfrentamiento entre dos bandas de gángsters

Es imposible no quedarse encantado con el nivel de producción que existe desde un principio, que va desde lo escenográfico, los vestuarios y el notable ensamble con que la obra cuenta y eso solo es el inicio. La historia es bastante simple pero resulta efectiva en cuanto al espectáculo que se quiere montar , por un lado una comedia de tono absurdo y por el otro un show lleno de música y glamour. Aunque la obra se llame Sugar , el protagonismo le sigue a dos hombres que son testigos de un asesinato por parte de gangsters americanos y para poder escapar se disfrazan de mujeres y se unen a una orquesta compuesta solo por Señoritas. Allí se encuentran con Sugar , quien es la gran estrella del show , hermosa y talentosa , pero quizá algo despistada y «tonta» cuando hablamos de amor. Estos dos hombres que solo usan vestidos, pelucas y algo de maquillaje (uno bastante mal maquillado) quedan encantado con esta chica , al punto de intentar ligar con ella , acercándose desde el lado de «amigas». La puesta resulta divertida por la soltura en que se desempeñan los personajes , de lo absurdo que en momentos llegan a mostrarse , dejando espacio para reírse también de ellos mismos junto al público. Después la historia se las arregla sola para tener la excusa para montar un show musical , notorio y al mejor estilo de Broadway.

En cuanto a las actuaciones , la dupla Nicolás Cabré y Federico D’Elia funcionan perfectamente en la comedia , como mujeres son terribles pero en ningún momento se busca la personificación femenina de forma ideal , sino que esa manera absurda en que se visten es lo que hacen graciosos a sus números , se podría hacer una comparación con los hombres que se visten de rubias en aquella película que siempre suelen repetir en la televisión. Cabe destacar que Cabré roba varias escenas , maneja su humor característico y funciona.

Párrafo aparte para hablar sobre la participación de Laura Fernández en el show. Ella canta baila y actúa con gran soltura , si bien su personaje es más bien es el hilo que conduce la historia de los otros dos personajes , pero aún así tiene su momento para brillar. Brilla en los números musicales , acompañada por un ensamble que le permite lucirse. Grata sorpresa por la nueva incorporación.

Sugar es un más que agradable show , que vislumbra gracias al nivel de producción que posee, pasando por distintos escenarios y vestuarios que nos llevan a un lugar colorido y glamoroso. Su historia es sencilla pero cumple con su cometido que es entretener , buen trabajo de todo el equipo que compone esta obra musical.

Ver y no ver” de Brian Friel, el título original es “Molly Sweeny” indaga en los miedos de una mujer quien ha convivido con la ceguera desde la niñez. En un mundo de capacidades diferentes pero suyo. Ese mundo entra en conflicto cuando surge la posibilidad de ser operada y recuperar la vista.

La obra original es de Brian Patrick Fiel (1929-2015), dramaturgo irlandés considerado el más importe del siglo XX, conocido como “La voz universal de Irlanda” y con puntos de encuentros con el estilo literario de Chejov.

La obra está basada en una historia real, la del brillante neurofisiólogo inglés Oliver Sacks del cual era gran amigo de Brian Friel. En la ficción toma el nombre de Martin Sweeny. La adaptación, traducción y dirección han sido a cargo del prestigioso Hugo Urquijo.

El personaje de Martin Sweeny es interpretado por Arturo Bonín. Un hombre perdidamente enamorado de su esposa. A pesar del amor que le profesa, se encierra en su necesidad de que ella vuelva a ver, discapacitado para compartir con ella, sus miedos y angustias. Esta impotencia es solamente porque es un ser humano, que vive otra capacidad, la de haber nacido viendo y que asume que ella no puede ser feliz en el mundo que vive.

La esposa ciega Any Sweeny es interpretado por Graciela Dufau y un tercer personaje el oftalmólogo en la ficción el Dr Vasserman interpretado por el actor Nelson Rueda.

La obra gira sobre el análisis del dilema entre el ver y el comprender. Donde cada uno, se mueve como un ente aislado, en su eje, con su visión propia y no intenta salir de ella para conocer y compartir la del resto.

El personaje del oftalmólogo, con insomnio el día previo a la operación, porque tiene miedo que fracase. Una mujer obsesionada en cancelar la operación, porque su mundo, el de la ceguera es perfecto y un marido que no puede entender que su mujer sea completa en ese mundo.

No contaremos más de la historia, pero a esta problemática, el valor agregado de cada personaje, se lo dan tres excelentes intérpretes. Graciela Dufau, con una dicción perfecta, con un dominio del escenario, en su rol de ciega, chocando con sillas y con miedos. Un Arturo Bonin, dinámico, sentándose en un escalón preparado para la puesta donde sus reflexiones las comparte con el público de una manera tan verosímil, que me sentí como si estuviese tomando un café con Martin Sweeny y él contando sus angustias. Un oftalmólogo que permanece de pie, porque es la postura distante, la del equilibrio del profesional, un equilibrio que nunca llega a demostrar porque además de médico es un ser humano, que debe remar contra las dudas, los miedos propios y del paciente, además de las esperanzas depositadas en él, por parte de su amigo.

La obra se da en el Teatro La Comedia, los días miércoles (21 hs) y sábados / domingos a las 18 hs. Tengan en cuenta, que va a estar en cartel solamente en mayo, habiendo una función de despedida el 25 de mayo.

No se la pierdan. Al finalizar los llevará a la reflexión, aplicando perfecto la frase de Antoine de Saint Exupéry que dice: “Para ver claro, basta con cambiar la dirección de la mirada”.