Se ha estrenado en el teatro el nacional la adaptación teatral de la película Dos más dos , un film de Diego Kaplan que tenía como protagonistas a Adrián Suár , Julieta Díaz , Carla Peterson y Juan Minujin. La historia toma como temática central el intercambio de parejas , dominado por la cultura Swinger. En esta ocasión el elenco está encabezado por Fernán Mirás, Eleonora Wexler, Julieta Zylberberg y Luciano Cáceres.

El éxito que ha tenido el film se debe a la reflexión que brinda sobre las parejas , en relación al público que está dirigido. Si bien esto no está hecho para un tipo de público específico, pero si podemos notar que hay mayor identificación en aquellas parejas que llevan años juntas, en el que puede existir el planteo de alternativas para mantener viva la pasión. ¿El intercambio de parejas es realmente una alternativa ? ¿Es algo apto para todos ? Estamos ante un tema que aún en nuestra generación sigue siendo tabú, sobre esa relación de existe entre el amor y la exclusividad física. La obra pone en escena a una pareja común y corriente , a un hombre bastante cerrado en relación a la sexualidad, a una mujer que ha aceptado esos términos pero con el pasar de los años siente que quiere o necesita algo más. Cualquier pareja se puede reflejar en estos temas , una forma quizá simple o muy compleja de satisfacer su deseo con otro pero dejando de lado la infidelidad o el concepto que se tiene de ella. La puesta teatral es bastante fiel al material fílmico, realizando algunos cambios por necesidad teatral , debido a que los solo los cuatro protagonistas están en escena. Existe una resolución ágil para mantener la escencia de lo que se ha visto en la película , y poder explorar un poco más a los personajes en cuestión.

Podemos notar que la adaptación teatral se hace mucho más íntima y cercana con el espectador, el proceso en el que dos parejas amigas deciden arreglar dicho intercambio sexual es mucho más lento pero se torna más interesante ya que el público puede empatizar mejor con los personajes, sobre todo con los que se disponen a hacer un cambio bastante brusco en sus vidas. Obviamente no falta el humor , que se olvida de ese tabú y nos pone al sexo como ese elemento de placer que es, quitando el lado sentimental de lado. Así el espectador logra reírse de aquello que quizá pueden llegar a reprimir , más si está en la butaca sentado junto a su pareja. El relato se libera de prejuicios (con ellos incluidos ) y es lo que funciona, volviendo también al replanteo de las relaciones de pareja , los celos y la fidelidad pero desde otro punto de vista.

Los actores en escena cumplen con ese legado que habían dejado los intérpretes del film. Si bien la escencia de los personajes prácticamente están intactos , cada uno de los actores dejan parte de sí mismo para hacer de su trabajo algo peculiar. Fernán Mirás y Eleonora Wexler son los que más empatía con el público provocan , ellos son los que deben cambiar su comportamiento, arriesgar su vida de parejas por intentar algo nuevo. El conservador y ella dispuesta a cambiarlo todo, aunque sigue siendo fiel a su estilo y sentimientos. La pareja compuesta por Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg es la que sirve como pie para animar al trato , a hacer el intercambio sexual . Se trata de una pareja aparentemente abierta en todo sentido , aunque también existe el conflicto entre ellos y cosas que deben aprender de sus amigos.

La puesta en escena es vistosa , con varios cambios de escenografía que nos coloca en ambiente por aquellos sitios que recorre el film. El nivel de producción es alto y acompaña perfectamente al relato, con una notable dirección de los actores por parte de Marcos Carnevale.

Dos más dos es una adaptación necesaria , que logra entretener al mismo nivel que el film , y además profundizar a sus personajes generando mayor empatía con el público. Para aquellos que no vieron la película es una buena opción para acercarse a la historia, que busca reflexionar y acercarse a un tema que siempre fue tabú. Es una propuesta teatral bien actuará , ideal para parejas aunque entretenida para todo el público.

Ficha técnica “DOS MAS DOS”

Autores: Juan Vera / Daniel Cúparo

Elenco: Eleonora Wexler, Fernán Mirás, Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg.

Dirección: Marcos Carnevale

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de Vestuario: Ana Markarián

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Música Original: Nico Posse & Mono Morello

Prensa y Comunicación: Vanesa Bafaro

Producción Ejecutiva: Edgardo Alba / Nicolás Ventura

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

FUNCIONES

MIÉRCOLES 20.00 H.

JUEVES 21.45 H.

VIERNES 20.00 H.

SÁBADOS 21.45 H.

DOMINGO 19.00 H.

Entradas a la venta por

www.plateanet.com

5236-3000

o en boletería de “El Nacional Sancor Seguros”

(Av. Corrientes 960, de 10.00 a 20.00 H.)

En el Teatro Ladran Sancho en su segundo año se representa NenaMala que entra dentro del teatro no convencional. Se debe tratar de no encasillar a las obras pero es muy difícil no hacerlo, al momento, de escribir la reseña. Para mí cae en “no convencional”, todo aquello a lo que no estamos acostumbrados a ver. NenaMala es una mezcla de teatro de terror con ficción, géneros sobre los cuales no hay muchas puestas en escena en Buenos Aires, en la actualidad.

La obra redobla el desafío porque logra excelentes efectos e imágenes, con recursos simples, pero no por eso le restan verosimilitud, lo cual la hace muy meritoria. Es una obra con un texto profundo, exquisitos dicen quienes ofrecen esta propuesta que aborda la filosofía sobre la vida y la muerte.

El tema fue escrito y dirigido por Juan Sere. La puesta está a cargo del grupo Rojo Accidente. El relato comienza en un faro, donde un viejo, intuye que la muerte se acerca mientras lo cuida su nieto Gordon. Un joven, tímido, quien en un intento por salvar a su abuelo, toma coraje y se lanza a aventuras para intentar salvarlo.

Gordon en busca de medicamentos llegará a una ciudad azotada por la peste. Es una obra con muchas metáforas porque ese encuentro con el mundo representa crecer.

El elenco actoral logra adentrar al público en un clima muy logrado. Hay actuaciones, algunas más destacables que otras, pero en general el nivel es muy bueno de todos. La labor del director Seré se palpa porque no es nada fácil mantener la tensión en este tipo de obras.

NENAMALA, es una alegoría cruel de una noche que vale por muchas, donde la plástica, lo perfomático, invitan a la versatilidad, plasman pensamientos profundos en boca de sus personajes, con puntos de encuentro que permiten una obra singular donde la platea se mantiene expectante a los diálogo y a lo próximo que está por ocurrir porque a lo largo de su desarrollo, la idea de la vida y la muerte penden de un hilo.

Ficha Técnica
Actúan: Pablo Bronstein, Gastón Filgueira Oria, Mariano Sayavedra, Marcos Krivocapich, Nicolás Levin, Andrés Granier, María Belén Ribelli, Carolina Stegmayer, Rosa Ortíz Pereyra, Luis Mancini y María Agustina Trimarco.
Diseño de máscaras: Juan Ignacio Fiori
Escenografía: Juan Fiori
Vestuario: Nicolás Levín y Belén Ribelli
Diseño de luces: Fidel Semería
Música original: Eloy Vicario Malich
Operación de sonido: Ulises D´Atri
Fotografía: Alba Cuenca y Estudio Levín
Ilustrador: Pedro Mancini
Prensa: Boca en Boca Prensa&Difusión
Dramaturgia: Juan Seré
Dirección: Juan Seré

Lunes 21hs / Guardia Vieja 3811

Reseña de Lara Salinas .

Sin golpes bajos, ni intenciones pedagógicas, ni alecciones de algún tipo, la puesta en escena presenta un tema que se encuentra invisibilizado en la actualidad: la eutanasia, la posibilidad de facilitarle a un familiar la muerte que desea pero que –muchas veces– no está en condiciones de expresar, y las emociones que surgen en torno a la decisión de acceder a ella.

Es de noche. Dos hermanos esperan a un hombre que practicará un servicio en la casa: esta persona fue citada para ponerle fin a la vida de Gloria, que ya no manifiesta deseos por vivir.

Uno de los motivos por los que esta puesta en escena es tan singular tiene que ver con los dilemas éticos que la sustentan. A medida que el espectador escucha las discusiones fraternas, recibe más información sobre el estado en el que se encuentra Gloria, su vida y su vínculo con ambos personajes, y estará en condiciones de reflexionar respecto de las posturas que ambos sostienen, pero no de tomar partido por una decisión particular. En eso está la riqueza de la puesta en escena: a pesar de ahondar en una reflexión ética, impide que el espectador imponga una sentencia moralista. En vez de determinar qué está “bien” o “mal”, las emociones y las diferentes reacciones que atraviesan los hermanos ganan nuestra atención.

La empatía con los personajes es facilitada desde un primer momento por la disposición escénica. Los espectadores rodean a los actores y se encuentran tan cerca que, los de primera fila, prácticamente pueden pisar el escenario. Se trata de una sala nueva del Camarín de las Musas, un galpón alargado y tan cercano a la calle que invita a sacar la obra a la vereda: a volver a conversar sobre la eutanasia y el suicidio asistido, que fueron abandonados hace años por los medios de comunicación masivos, cuando los debates en el Congreso fueron dejados de lado.

Lourdes Invierno y Dennis Smith (en reemplazo de Karina Hernández) dan vida a dos personajes que exponen la fragilidad de la condición humana. Pero a pesar de ser incapaces de juzgar a ciencia cierta si la decisión que tomaron es la forma correcta de enfrentar el problema y de los límites que les impone la soledad en la que cada uno está inmerso, el cariño se manifiesta e ilumina la escena antes del aplauso. El amor se manifiesta, a pesar que durante toda la obra estuvo latente. Contagiados por esa energía, los actores se despiden con un abrazo, una vez que los personajes los abandonan.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Actúan: Lourdes Invierno, Karina Hernández*

*En las funciones de 12, 19 y 26 de mayo, el rol de Karina Hernández fue interpretado por Dennis Smith.

Dramaturgia: Constanza Boquet, Dennis Smith

Diseño Lumínico: Christian Gadea

Fotografía: Gustavo Maggi

Comunicación: BMZ Comunicaciones

Realización de Arte: Lourdes Invierno

Producción Ejecutiva: Carola Parra

Producción General: Lourdes Invierno y Diego de Paula

Dirección: Dennis Smith

Sábados 20 hs en El Camarín de las Musas, 960 (CABA).
Para reservar las entradas ingresar al camarindelasmusas.com o llamar al 4862-0655

Lara Salinas

   Esta reposición con cambio de elenco para este año 2018, narra la historia de una pareja joven, heterosexual, que están en el Tigre.  Mientras van paseando por la costa, llegan a una casa abandonada, que filosofan si la toman como una casa de fin de semana, para rentar  de lunes a jueves o bien tomar esa casa toda la semana, con lo cual pierden la posibilidad de contar con una casa de fin de semana. Como ocurre en el Delta, el agua sube de repente y quedan atrapados por culpa de la inundación. Aparece el Bocha que les ofrece ayuda para sacarlos de ahí. El Bocha es un hombre grande, jovial capaz de despertar sospechas, acerca de sus intenciones. No  se sabe si trae una segunda intención, y el giro inesperado es que para liberarlos de la inundación los lleva por caminos mucho más peligroso de los que pueden ser los reales, como ser sueños y recuerdos.

El director de la obra es Julián Rodríguez Rona quien dice  que  “Uno de los disparadores de la puesta fue jugar con la idea del título de la obra. La sensación de «pisar en cualquier lado», que el espectador tuviera una percepción distorsionada, -o no habitual- del espacio escénico. Me interesaba trabajar con materiales simples, que tuvieran poca o nula intervención previa, y sabía que los objetos que construyeran el espacio necesariamente iban a ser elementos narrativos.”

Ese sentido lo logro porque la escenografía y diseño espacial realizados por Cecilia Zuvialde ganó el año pasado los Premios Teatro del Mundo (2017) que otorga el C.C.R.Rojas y fue seleccionada para participar de La Fiesta de Teatro CABA.

El Director en entrevistas ha deseado aclarar: “Siento que cuando más genuinamente me puedo expresar en la escritura es cuando me acerco a la manera en la que asociamos en los sueños. En ese juego de asociación libre fue que se cruzó el Delta del Paraná con el Delta del Mississippi y apareció la música de la obra. El Blues del Mississippi se me hace extrañamente familiar en el universo del Tigre. Al igual que los materiales que conforman la escenografía la música también se caracteriza por su simpleza y la utilización profunda de pocos elementos.” Julián Rodríguez Rona.

Existe una escena donde la escenografía es el recurso, para mostrar el efecto dominó, se utilizaron herramientas simples para lograr en imágenes una idea profunda. Es algo digno de destacar. Ha tenido excelente críticas de colegas que han ido a ver la obra como ser Javier Daulte.

Excelentemente ese climax, en el guión, en la puesta escena de Julián Rodríguez Rona, en la piel de los actores, Mauricio Minetti, Eugenia Blanc y Andres Caminos, que logran mostrar que el río sube  inundando todo para luego bajar y desaparecer. En donde no se sabe bien ni el cómo, ni el porqué,  pero como el amor pasa.

FICHA TÉCNICA

Actúan: Andrés Caminos, Eugenia Blanc y Mauricio Minetti Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde, Diseño de iluminación: Matías Sendón, Música: Brian Zditowski y Julián Rodríguez Rona, Realización escenográfica: Nicolás Botte, Asesoramiento coreográfico: Luciano Rosso, Diseño gráfico: Lucia Vanin, Fotografía: Nicolás Levín y Martín Berra Prensa y difusión: Marinha Villalobos, Asistencia de dirección y producción: Julia Sánchez, Dramaturgia y dirección: Julián Rodríguez Rona. Duración: 40 minutos

Teatro. Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034)

Martes 21 hs.

Diana Decunto

Chicos feos: Vol 2 es un espectáculo de Gabriel Gávila que marca el cierre de una trilogía, con un final presentado en dos partes. Cabe destacar de se trata de un show que se caracteriza por ser provocativo , por no tener miedo a hacer algo distinto , rompiendo esquemas tradicionales del teatro, pero sin dejar de serlo. Ahora los chicos son feos , están para mostrar su lado más oscuro , íntimo. Una obra que se desarrolla a partir de la exploración de los actores y su autor , que mantiene su estilo provocador , y de fiesta , esta vez al ritmo del reggaeton.

Espectáculo confesional y honesto, sobre un grupo de chicos que cuentan sus verdades más íntimas. Un espacio sincero donde la sexualidad, las enfermedades, las adicciones y los abusos, imponen su dolor, ante la alegría del primer amor, el despertar a la vida, los triunfos personales y profesionales. En “Chicos feos”, chicos de todas las condiciones estéticas, psíquicas y humanas, confiesan lo que tal vez, nunca le hayan contado a nadie. Con un detalle que no se puede pasar por alto: Todo es real. Los límites entre la ficción y la realidad no existen en esta obra creada, montada y dirigida por Gabriel Gavila.

Para comenzar esta reseña voy a hablar principalmente sobre mi experiencia en la función del viernes 18 de mayo, aclarando que he visto dos de sus obras predecesoras. En la función sucedió algo muy particular y toca decir que fue la primera vez que veo esto en las tantas obras que he asistido: Un espectador interrumpe la función para denotar el desagrado de lo que estaba viendo , haciendo alusión de que la obra era «Pornografía Pura», si bien no me resultaba extraño que esté hecho fuera parte del show , ya que las obras anteriores de Gabriel solían romper con la cuarta pared , y parecía que este era el caso. La cuestión que al pasar el tiempo se nota de que no era así, y que dicha persona ha tenido la falta de respeto de interrumpir una puesta teatral, que no es justificable bajo ningún termino. El espectador se va , el director pide disculpas y la función sigue como si no hubiera sucedido nada, aplausos para el y los actores que pudieron resolver algo atípico pero posible.

Aclaro esto porque desde ese hecho tengo varias cosas para analizar, el primero es que uno al asistir al teatro , en cierta medida tiene que saber lo que va a ver , a partir de las publicidades, reseñas y demás. Esta obra además es el cierre de una trilogía, que se ha caracterizado por ser provocador , jugar con la sexualidad al punto de ser bastante explícito, pero siendo ese un elemento del show. El público lo ha comprado , por lo menos el que ha disfrutado de ello, así que a saber bien lo que va a ir a ver. El segundo punto va sobre mi experiencia para denotar la capacidad que tiene la obra para brindar algo distinto aunque el espectáculo sea el mismo. Chicos feos es una obra sin historia, sin protagonistas pero que algo cuenta , se lo cuenta al público. Y esto depende mucho de la reacción de la gente , a los chistes , a la provocación y demás, haciendo que cada función sea una experiencia distinta. La que he vivido yo , fue bastante particular, pero aún así fue interesante. Me quedo con las ganas de ver la obra nuevamente sin dicha interrupción.

Este espectáculo sigue la línea de lo que se ha visto en los shows anteriores , hay hombres , hay chistes sobre la cultura popular y actual; también hay provocación, y mucha… Si hay algo que cambia, se nota el aroma a cierre , y a pesar de seguir siendo un show performatico , se nota un aspecto mucho más íntimo , como se vió en el primer volúmen. Los actores esta vez se toman el trabajo como algo más personal, alejándose lo más posible del personaje para mostrarse tal cual es, con sus verdades, siendo eso lo que nos hace similar a todos los demás , al parecer , feos. Su director y autor también se encuentra en escena , una participación ideal para dar el cuerpo y voz a lo que resulta una despedida.

Espero no haberme extendido demasiado en una reseña que la he tomado como personal , pero que sentía necesaria para dar un retrato de lo que fue la experiencia de la obra. En mi caso, disfruté de lo festivo y sensual de Chicos malos , de lo íntimo y personal de Chicos feos: vol 1 , y sobre todo también de Chicos feos : vol 2 que brinda ambas cosas en conjunto. Vuelvo a la aclaración de que uno debe saber lo que va a ver , y si no gusta , al menos tener el respeto de salir silenciosamente. Para aquellos que no vieron ninguna obra de la saga, pueden verla tranquilamente, si son capaces de adentrarse en un show sin tapujos y bastante provocador.

Ficha Técnica:
Autor y director: Gabriel Gavila.
Elenco: Gabriel Gavila, Victor Wolf, Marcelo Salas, Lior Telezon, Leandro Sturla, Javier Roldán, Gonzalo Cetraro, Gonzalo Bourren, Gerónimo Campese, Federico Sorrentino, Emmanuel Martinez y Adro Verbén.
Fotografía: Ana Rodriguez.
Make up: Melina Acuña.
Vestuario y Escenografía: Ileana Vallejos.
Comunicación audiovisual: Leandro Sturla – Emmanuel Martinez.
Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.
Stage Manager: Joaco Balverde.
Selección Musical: Joaco Balverde y Gabriel Gavila.
Colaborador Artístico: Luciano Crispi.
Diseño de luces: Lucas Ontivero
Supervisión Artística: «Iti El Hermoso».

CONTACTO:
FB – TW – IA: @chicosfeosarg
Correo: chicosfeosteatro@gmail.com

Viernes a las 23hs., en el Espacio Artístico “La Sodería”, Vidal 2549, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 4543-1728. Costo de entrada: $300. Más info: chicosfeosteatro@gmail.com

Daniel Alvarez

Los sábados a las 18 hs en Espacio Sismico, dirección y dramaturgia de Miguel Sorrentino, nos adentra en un mundo desconocido por la mayoría. Nombre de la obra “Cosa de Gitanos”. Tiene una excelente ambientación, vestuario. Cuenta la historia de José, un gitano huérfano de padre y madre, casado con Daira. José y Daira vuelven a la comunidad, integrándose a la familia de su primo quien hace años que no ve. El reencuentro motiva roces y profundiza en el esteriotipo de varios personajes, como ser, Miguel, el primo de José, un hombre joven, machista, de largas horas de alcohol y quien va influyendo en la conducta de José. Daira que no pertenece a la comunidad es despreciada por las otras mujeres de la casa que son Azhara, hermana mayor de José, casada infelizmente y devuelta. Yamila la hermana mayor de José, intrigante. Dayana la más joven, hermana menor de José y condenadamente virgen. Además Yandira, la mujer de su primo.

Tiene una excelente puesta en escena, que hacen que sea una historia que atrape al espectador. Es una obra dinámica, con mucha plástica de movimiento, se toca música en vivo que ayuda a lograr el clima.

Todo el elenco es muy sólido. Jesus Catalino Gómez toca una hermosa melodía gitana en el acordeón, muy convincente su interpretación de José. La actriz Candela González Tonón, encarna el papel de Daira, interpreta una otro tema, en flauta. Excelente encarna el papel de una mujer despreciada por la comunidad. El resto del elenco femenino María Eugenia Insúa , Sofía de Brea, Micaela Vanesa Narodowski, Rocío Miretto y Malena Rodríguez han sabido dar la atmosfera. También es destacable la actuación de Christian de Miguel, en el rol de primo de José, como lo va contaminando.

Tengamos en cuenta que durante siglos los orígenes del pueblo gitano han sido objeto de diversas teorías y especulaciones sin bases sólidas, entre otras cosas porque su cultura es fundamentalmente ágrafa (tradición oral) y no han conservado registros históricos. Con lo cual todo aquello que nos acerque a ese universo, se hace interesante para satisfacer nuestra curiosidad. Una historia que además tiene un desenlace dramático del cual lo dejamos en suspenso para incentivar a que se den una vueltita un sábado a las 18:00 en el Espacio Sísmico y pueda ustedes mismos ser testigos de lo que puede provocar tradiciones que no se han aggiornado a las actuales circunstancias.

En el marco del 5to encuentro de Flamenco Independiente de Buenos Aires, el sábado 19 a las 22:30 en Hasta Trilce, tuve la oportunidad de asistir al espectáculo bajo el titulo «Cerca» .

Puro baile flamenco, de excelente encuadre, excelente interpretación en guitarra flamenca, cantante, bailarina y bailador, realmente una labor encomiable bajo el título Cerca.

He leído otras críticas sobre las puestas del Festival de este año que se inauguró el 10 de mayo y finaliza el 23 de junio, en donde todos estamos coincidiendo en reconocer que este año este encuentro ha tenido la importancia de demostrar un público ávido en disfrutar Flamenco y también como ha ido creciendo. Tan es así la importancia, que este año vendrán figuras internacionales reconocidas en el mundo del Flamenco como Manuel Liñan, Jesus Carmona y Jose Maldonado.

En las dos oportunidades: inauguración y esta puesta estuvo a sala llena. Con un público muy efusivo, emocionado que no escatima en aplausos cuando la puesta realmente lo merece.

A la salida de “Cerca”, en boca del público, decía que la obra los emocionaba intensamente y que lo que provocaba esa emoción ver la felicidad en los rostros de los bailarines. (as)

De la obra, me gusto todo, pero hago énfasis, en la coreo, el vestuario de SISánchez, la música y canto.

En todos los medios se agradece a Maria de la Paz Salzano, que es en esta obra Asistente General, por el apoyo constante.

“Cerca” no se volverá a repetir este año, esperemos que lo haga el próximo. Pasamos la programación de los diferentes eventos. Le recomendamos que no se la pierda.

Sala: Hasta Trilce – Dirección Maza 177

Sábado 26 mayo – 20:30 SER (Uruguay)

Sábado 26 mayo – 22:30 Viejo Mundo (Uruguay)

Viernes 1 junio – Viernes 8 – Sábado 9 – 23: 00 Tablaos

Sábado 2, Domingo 3 de Junio – 20:30 (Tres mas tres, más dos; Vivencias)

Sábado 2 de Junio – 22:30 (De Cantaores)

Domingo 10 de Junio – 21. Entredos

Sala Metropolitan Sura – Dirección Av Corrientes 1343

Lunes 11 – 21 hs Baile de Autor

ND Teatro – Dirección Paraguay 918

Sábado 16 – Junio – 21 [Flamencos] En Singular

Sábado 23 – Junio – 21 Visto Bueno (Cía Prisma)

Reseña Diana Decunto

La producción Baires Sur Novus Ballet, nos vuelve a sorprender. En Abril estuvieron en el Centro Cultural Borges, con la obra Cenicienta y ahora con una apuesta mucho más exigida, El Corsario. Con esta presentación a la cual concurrí el domingo 20 de mayo a las 15 hs., un hermoso día de otoño, para llevar a los chicos, a un espectáculo de Ballet, donde los bailarines, la coreografía, música, iluminación, muestran que la compañía viene pisando fuerte y que tienen un promisorio camino plagado de éxitos.

“El corsario” es una obra destinada al disfrute de los grandes, para compartir con los niños, para que comiencen a tomar contacto con las artes bellas. Muchos pensarán un(a) niño(a) se aburre escuchando ballet y se equivocan no volaba ni una mosca.

En cada acto, en la pared se proyecta un film con el texto explicativo de la obra. La coreografía es muy linda. Hay un baile de doncellas utilizando arreglos florales y Medora (la bailarina principal) con rosas en las manos, de mucha belleza.

La historia del corsario consta de tres actos. Los protagonistas son El Corsario Conrad y sus amigos Birbanto y Ali. En el Primer Acto: El Naufragio. Estos tres hombres quedan varados en una playa del Mar Jónico, donde residen varias doncellas y donde Conrad se enamora perdidamente de Medora. Su amiga es Gulnara. Luego aparece Lankedem, vendedor de esclavas y las toma prisioneras a las doncellas para ser vendidas. Medora es comprada por Seid Pasha.

En el segundo acto, La cueva de los piratas. Luego de haber sido rescatada Medora del palacio real, ocurre que Birbanto, quien en realidad es un traidor, intenta matar a Conrad y termina raptando a Medora. Pero nadie sospecha de su traición

En el tercer acto, El Palacio del Pasha. Cuando llegan, en la noche, Lankedem y Medora al palacio real, el Pasha está soñando con esclavas danzando en un jardín. Y aquí es donde hago la cita del baile con ornamentos florales, que es maravilloso. Conrad y sus amigos llegan a rescatar a las doncellas, se desenmascara a Birbanto.

Los cuatro, Ali, Conrad, Medora y Gulnara logran escapar del palacio y se van para emprender nuevas aventuras.

El ballet está compuesto por un equipo joven de alta calidad profesional. Martina Casada (quien comenzó sus estudios de danza a los 7 años en Venezuela) A los 12 años ingresa a la escuela de Ballet Aida Mastrazzi y a “Baires Sur Novus Ballet”. Con solo 17 años ha bailado como primera Bailarina en “El lago de los Cisnes”, “La Bella Durmiente del Bosque”, “Copelia”, entre otros.

Luján Costa egresada de la escuela municipal de danzas de Lomas de Zamora con cursos de perfeccionamiento en el Teatro Colon. Integr{o las filas del Ballet Concierto en “Giselle” cuando participó la bailarina Anastasia Kolegova . Bailo las obras completas de repertorios tales como “Giselle”, “Don Quijote”, “Coppelia”, etc.

José Luis Ramirez. Bailarín invitado. Solista en el Ballet de Cámara dirigido por Liliana Belfiore quien lo eligió para su montaje de “La Bella durmiente del Bosque”.

Melisa Guccione, solista en el Ballet Municipal de Lomas de Zamora, donde intervino en Coppelia, El Cascanueces, Don Quijote, etc.

Alberto Alandia. Estudió en el ISA Teatro Colón y participó como bailarín de refuerzo en las filas de dicho teatro.

Jonatan Luiz, comenzó sus estudios de danza en Brasil, donde intervino en distintas compañías. En Buenos Aires, estudió en el Teatro Colon y participó como bailarín de refuerzo. Además bailó para el Ballet Municipal de Avellaneda.

Recordemos que es una excelente propuesta, un domingo, llevar a los niños de paseo a las 15 hs al Centro Cultural Borges. Ver una obra que los va a atrapar. Luego los bailarines salen a tomar contacto con los niños para sacarse fotos. Y posteriormente se pueden dar una vuelta por las diferentes galerías de fotografías y cuadros o bien pasear por Galerías Pacifico.

Ficha técnica

Música: Adolphe Adam, Cesare Pugni, Leo Delibes, Riccardo Drigo

Coreografía : Según Petipá

Reposición Coreográfica: Luján Costa

Producción Baires Sur Novus Ballet

Asistente: Carolina Pastorizza

Reparto:

Martina Casado (13, 20) ..... Medora

Luján Costa (27)......................Medora / Gulnara

Alberto Alandia (13, 20)...............................Conrad

Jose Luis Ramírez (27).................................Conrad

Jose Luis Ramirez (13, 20) ...........................Ali

Alberto Alandia (27 ..................................Ali

Jonatan Luiz...........................................Lankedem

Melisa Guccione . . . . . . . . . .  . . . . . . . . ..Gulnara

Reseña de Agustín Arosa

Cuando uno está cómodamente sentado en su asiento, aún en el más marginal, tiene una vista privilegiada. Digamos que no sólo estamos en un teatro, sino que estamos además convencidos de que aquello que se nos rebele buscará nuestra mirada.

La creación de esta obra parte de recortes, fragmentos de ficciones y documentos testimoniales que se desprenden –y se despegan– del universo del escritor David Foster Wallace. Como Andrés Caicedo, como Sylvia Plath, como Salvador Benesdra, Foster Wallace forma parte de la cofradía de los escritores suicidas. En vida, se preguntaba cómo hacer para no dejarse hipnotizar por el monólogo constante que sonaba adentro de su cabeza. ¿Cómo hacer para ahuyentar a los fantasmas? En la obra de Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, Virginia pasa los días en el techo de su casa. No quiere bajar. Su hijo, Pablo, se tiró desde ahí hace un tiempo. Virginia piensa: ¿Qué hay antes del salto? Lidia, su hija menor, y un hombre que llega a la casa para hacer arreglos, suben a buscarla. Una vez arriba, el vacío les revela, a todos, una extraña necesidad de arrojo. En lo alto para siempre es un ensayo, frágil y luminoso, sobre la tensión entre el cuerpo y el pensamiento. También es una obra sobre la orfandad. Y sobre el sosiego que puede dar la compañía, como cuando Emilio y Virginia, subidos al techo, hablan, comen y piensan en saltar, mientras abajo la casa se inunda.

No quisiera referirme únicamente al placer que genera tan bella sala como la Orestes Caviglia, en el Cervantes, transformada en un escenario mínimo, en casa chica donde todo está al alcance para que nada escape, placer de degustar cada detalle en lo banal de un amoblado. Al principio la ternura de lo chico no deja ver que lo tapó el agua, y descubrirlo lo pone a uno incómodo.

Tampoco quisiera referirme a la intensa labor actoral que se presenta, esa que llena de gusto por su apertura sensible y compromiso; la que muestra un registro compartido y envolvente por sus destacados actores. Sentir que los personajes son personas es el golpe emocional de En lo alto para siempre, pero se siente caricia. Es emocionante ver a Onetto involucrarse, ofrecerse y agotarse en su sensibilidad.

En fin, no quisiera referirme a esos momentos gratos. Lo que quiero decir es que mi mirada chiquita me molesta, porque parece que arriba se ve un mar.