Un dictador, líder de una nación muy peculiar, recibe un comunicado: la monarquía europea de la monarquía europea de Liechtenstein le ha declarado la guerra. Así arranca esta pieza teatral del dramaturgo y director, Darío Pianelli.

Erase de un remoto país (con antojadizas particularidades sudacas) que se encontraba bajo el mando del gran Tirano. Nada sucedía más allá de terror y la idiotez habitual hasta que la llegada de un comunicado modificará las cosas: La monarquía europea de Liechtenstein le declara la guerra. Desde entonces todo será paranoia y temor; la deslealtad acechando, los barcos enemigos anunciando la guerra, la soledad de un cualunque tirano y la ficción de su poder, desmoronándose.

La obra , que mantiene un código de farsa, funciona como una parodia a las dictaduras que se han mantenido en los países sudamericanos, aunque también burlándose de cualquier régimen totalitario existente. Así, la amenaza de una guerra pone todo patas para arriba desde adentro del poder , aquel tirano que se creía todo poderoso siente la debilidad ante el miedo , la deslealtad y la traición, que se verá presente entre sus súbditos más cercanos. La puesta maneja un humor bastante particular , rozando el absurdo en la acciones de los personajes, donde al quedarse sin ese status de poder , realmente pierden los estribos.

Aunque la obra juegue con el humor desde lo absurdo , el contenido dramático siempre está presente. La crítica hacia la sociedad, la manipulación de los medios de comunicación y la forma en la que se identifican estos actores de la política responden a algo que muchos como sociedad conocen. Es interesante también que la puesta no responda a una nación en partícular , aunque usa referencias para identificar a algunos actores en escena.

Algo más en lo que se destaca Cualunque tirano es en sus actuaciones y en la conjunción que hay entre ellas y la puesta en escena. El espacio donde asistimos a este en encuentro es reducido , más bien íntimo , pero aún así logra desplegarse con grandeza. El manejo de luces, escenografía y el despliegue de los actores nos permite ver algo más grande , permitiendo que realmente el espectador se sienta dentro del lugar donde se toman las decisiones políticas, aunque sean erróneas.

Cualunque tirano es una interesante pieza teatral para observar y reflexionar sobre la política y la guerra , desde un punto de vista que usa la parodia y el absurdo como medio para hacer una crítica a la sociedad a lo largo de la historia. Es una obra que sobresale por sus actuaciones y la puesta en escena, que invita al espectador a ser parte de la caída de un gran tirano.

Ficha técnica:

Actores:

Tirano: Martín Rivero

Perro: Roco Saenz

Periquito: Emilio Dieguez

Galeb: Gonzalo Villareal

Diseño de Luces: Federico Leyenda

Diseño de Vestuario: Milena Amado

Diseño Gráfico: Juan Francisco Reato

Fotografía: Mariela Salaverry / Santiago Dropo

Prensa: Correydile

Asistente de Dirección: Malena Salicrú

Dramaturgia y Dirección: Darío Pianelli

Duración del espectáculo: 70 minutos

Sábados 20 horas

Teatro El Ópalo – Junín 380 –

Entrada general $180/ $150 (estudiantes y jubilados)

Reservas por Alternativa Teatral

Tiempo: segunda mitad del siglo XIX, la denominada “Conquista del Desierto”, que de desierto no tenía nada pues esos parajes estaban habitados, y de conquista tuvo mucho, al punto del exterminio.
Lugar: sur de la provincia de Buenos Aires, la línea de fortines como el límite de la civilización. Un fortín olvidado, en el profundo sur.

Una guarnición del ejército entra en crisis cuando su comandante, los soldados y una compañia de teatro europea en gira, se disponen a organizar los festejos del 25 de mayo. Se espera la visita del presidente, el general Roca y se preparan para la ocasión: limpieza, orden, afeites varios y … un fusilamiento. Es la pampa bárbara, es la construcción de la patria, ¿cómo puede haber fiesta sin un poco de derramamiento de sangre? Así se ha construido (y se construye) el devenir de nuestra historia como país. El soldado sentenciado confiesa al comandante cómo fué que desertó: la luz de una noche de luna le mostraba dónde estaba su mujer y su hijo, hace ya diez años abandonados. Entonces se dispone a caminar hacia ellos. Caminó como enloquecido, subyugado por un claro de luna. La actriz, cabeza de la compañia (es interesante observar que estas actrices ó actores se comportaban tal un general con sus soldados, decidían acciones y voluntades), se conmueve por la suerte del sentenciado y condiciona la presencia de los actores en las festividades patrias, a cambio de que no se fusile al condenado. El comandante se niega, sus argumentos son sólidos:¿Qué sería del orden establecido si no se castiga al desertor? En pocos días el fortín
quedaría vacío. La actriz insiste, alecciona, desafía: en quienes nos convertimos si solo hacemos “lo que hay que hacer”, ¿si no lo reflexionamos? Y una vez reflexionado qué, ¿Si no convertimos en acto nuestra decisión? Todo esto, actuando un fragmento de “Hamlet”, de W. Shakespeare, delante del comandante, obra ésta que lleva en gira con sus trastos, sus carromatos y susactores. Shakespeare ante la inmensidad de la pampa. Ambos, actriz y militar, discuten el concepto del honor, cada uno con sus ideas,con la experiencia del mundo que llevan a cuestas, como saben, como pueden.

El comandante se niega, amenaza y sostiene su decisión. Es un hombre áspero, tallado a la medida de sus circunstancias, pero aún no se ha embrutecido, no del todo al menos. Acepta un acuerdo: se mantendrá el fusilamiento, pero sin muerte. Esto es, se lo actuará y luego se sacará al desertor en el carromato de

los artistas. La reticencia de los soldados, la del ayudante del comandante y la del condenado, a “actuar”, que para ellos es mentir, enrarece las situaciones; el comandante que es herido por una flecha aborigen lo complica todo, lo trastoca y arrebata…

Interesante texto de Eva Halac, construido con dinámicas peripecias e ideas en juego. La puesta en escena es ágil y sostiene el ritmo acentuando los momentos de humor, para equilibrar los de crueldad, que ese episodio de nuestra historia posee en demasía.

El diseño escenográfico: un picadero, que hace las veces del interior del fortín, y alude al circo criollo (nuestros inicios teatrales), a pelea de gallos, a trazo grueso, bosta y animalidad, resultan un atractivo espacio para la palabra
shakesperiana y el decir gauchesco.La música en escena aporta al clima de la obra. Las actuaciones son buenas, las de todo el elenco.
Atractiva propuesta.

Reseña de Yamila Juan

La protagonista de esta historia es una resiliente. Ha sufrido demasiado, pero, lejos de un monólogo quejumbroso, ofrece al público una detallada crónica de lo que le tocó vivir en aquel pueblo, rodeada de aquella gente que no hizo más que juzgarla.

Antes de entrar en los pormenores, la intérprete, Lisa Caligaris, anuncia que lo que va a contar se trata de una investigación (que será, incluso, completada al final por los espectadores).

Una mujer joven, casada, con una beba de casi un año, se entera que tiene una enfermedad que ni siquiera el médico quiere nombrar. En el pueblo la miran raro, la aíslan en su propia casa, no dejan que toque a la nena, su marido no se inmuta, su cuñada es una harpía y ella no tiene a quién recurrir.

El cómo está contada y la carga dramática, que va desde la repulsión a la ternura, es lo que le da a esta obra un tinte por demás de interesante. Hay una sola actriz, aunque todos los personajes hablan, están caracterizados y tienen un lugar en la escena. Todo se acompaña por una escenografía minimalista donde ningún elemento queda librado al azar, todo tiene su función y su momento.

La dramaturgia, que parte de un caso real, logra traspasar al espectador, quien termina tomando partido, quizás puntualmente direccionado. No se trata de arte terapéutico, pero sí de una particular reflexión sobre las emociones, la enfermedad y la salud.

Actuación: Lisa Caligaris

Dramaturgia: Lisa Caligaris y Verónica Draguiy Verónica Dragui

Diseño de espacio: Verónica Dragui

Colaboración escénica: Lisandro Rodríguez

Asesoramiento en vestuario y objetos: Azul Borenstein

Diseño de luces: Diego Quiróz

Fotografias: Mili Morsella Fotografías

Diseño gráfico: Manuel García

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Distribución: Paz Begué – VERDEVER

Dirección: Verónica Dragui

REESTRENO: DOMINGO 18 DE MARZO 18 HS.

Funciones: domingos 18 hs.

Duración: 50 minutos

Tráiler: https://youtu.be/gdA5l5BrNsc

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960, 4862-0655

http://www.elcamarindelasmusas.com

Entradas: $250 y $200 (jubilados)

2×1 para menores de 30 años y Club La Nación

El viernes pasado a las 20:30 concurrí al teatro Método Kairos para ver la obra “Dos, una desconexión”, tres años en cartelera, con elenco renovado. Es la historia de una pareja llevada adelante por tres actrices encarnando un único personaje, una mujer, en los tres estadios del amor.

Primero: enamoramiento, pasión, necesidad y deseo de no estar sola,. Segundo: la crisis de pareja, tiempo donde se pone a prueba al amor y el tercer estadio la dejamos en el limbo para que la vayan a ver.

Claudia, una mujer en tres etapas muy marcadas, sufriendo en todas, con contradicciones y verdades haciéndole frente a Miguel y al amor. Con dos hombres encarnando a ese Miguel, en su “yo”, el verdadero, en las diferentes etapas de la relación.

Claudia y Miguel comparten y sufren de desconexión en la pareja, por la que irremediablemente todos, en algún momento, debimos transitar porque hace a nuestro crecimiento personal y a la madurez de las relaciones.

Me complace infinitamente cuando hago la reseña de obras que son realizadas por elencos jóvenes, con un alto grado de calidad y estética.

Guion teatral de Pablo Bellocchio, excelente la tarea de dirección, a cargo de Nicolás Salischiker. Con una misión complicada porque en esta obra la dificultad radica en coordinar al elenco actoral para lograr una puesta creíble, con tiempos exactos, pudiendo transmitir de un modo natural el mensaje, con sutiles toques de humor e ironía. Un equipo sólido en cuanto al trabajo grupal con la actriz Cecilia Marani, llevando con alto nivel su personaje y pasando a ser otra mujer en la piel de la actriz Florencia Rodriguez Zorrilla y la cual se amalgama con una tercer mujer encarnada por la actriz Catalina Motto. Sus partenaires con la misma intensidad y sintonía, el actor Eugenio Sauvage, en el rol de un Miguel del principio de la relación, tiernamente enamorado contrastando con un personaje que no se da cuenta de las cosas que le está pasando a su pareja, callando muchas veces para navegar aguas arriba en la ambivalencia, en una excelente personificación del actor Maximiliano Zago.

Todos los viernes a las 20:30, este sólido equipo de trabajo logra demostrar el mérito de superar la desconexión. Ellos los invitan a ver una propuesta diferente, la cual seguramente al finalizar la obra, los llevará a la reflexión y a pasar un agradable momento de viernes, destinada a aquellos que buscan desconectarse para alivianar el peso de los problemas diarios que nos han tocado en suerte.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:Pablo Bellocchio
Actúan:Cecilia Marani, Catalina Motto, Florencia Rodriguez Zorrilla, Eugenio Sauvage, Maximiliano Zago
Vestuario:A&m Realizaciones
Escenografía:A&m Realizaciones
Diseño de luces:Lucas García, Franco Vega Valiente
Fotografía:Alejandro Chen
Diseño gráfico:Rodrigo Bianco
Asistencia de dirección:Greta Comisso
Producción:Lascia Colectivo De Trabajo
Dirección:Nicolás Salischiker
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
Viernes – 20:30 hs
EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4831-9663
Web: http://www.elmetodokairos.com.ar

Reseña Diana Decunto

Entre una montaña de cartón, que luego será dinero aunque venga en tamaño hormiguero, dos laburantes de una moderna carrera, juegan al ajedrez. Un trabajo tan aceptado, tan naturalizado que dejó de ser un escape para convertirse en algo autóctono, lamentablemente.Y no me refiero a dos ingenieros, a dos conductores ni a dos maestros, me refiero a dos que no llegaron. A la primera graduación de Cartoneros Marginalizados por el Mundo.

El marginal parece violento y así reacciona, y se lo juzga por el ahora y no por el mar en donde nadó y nadó tanto para llegar a un carrito clasificador. ¿Cuál es la parte violenta? Mientras los violentos 1 se conectan con ellos mismos, a la fuerza de un tablero de ajedrez, tan pensado y estudiado, los violentos 2 ,estudiosos de carreras cortas, suben de a 6 escalones y abren un medio de comunicación. Lapidando cualquier lucha.

El deseo de una familia soñada, se ve opacado por la nube del afuera. No falta el amor, no faltan las ganas, falta que los de afuera sepan que acá hay también un adentro digno. La nube recorre las calles y sabe hasta dónde llega la tormenta. Pero cuando la tormenta es solo el comienzo, ahí si que nadie sabe que se puede llevar el temporal. Andrés y Camilo son el grito inaudible de años de exclusión, y por lo que parece en esta obra, lo serán por mucho tiempo más.

“¿Hace cuanto no nos podemos sentar a tomar un puto café?”

Patear el tablero cada tanto, pero no vivir de rebotes, nunca se sabe hasta donde puede llegar la pelota.

Los Cartoneros de la diosa Caissa, es el sacudón necesario para los tiempos que corren. Fue Victorio Veronesse un visionario del hoy o ¿Seremos todos cómplices de que las trabas sigan siendo las mismas?

Un gran elenco que tienen como soporte escénico las fantásticas actuaciones de Fabián Guzmán e Ignacio D’Onofrio. Para aprender, además de ir a la escuela, también hay que ir al teatro.

Laura Lasalvia

Elenco (Por orden de aparición)

Nacho D’Onofrio —- Andrés
Fabian Guzman —- Camilo
Jaz Szmetan —- Tina
Fran Jalil —- Varangul.

Dirección

Jaz Mendi

Estreno Domingo 15 de Abril a las 19:30 en el @teatro.el.cubo (Zelaya 3053)
(Todos los domingos de Abril y Mayo)

VALOR ENTRADA:
$180-

Reservas a teatrojaquemate@gmail.com

Al entrar en la sala, muchos espejos, aparatos y accesorios para hacer gimnasia, todos rosas. Podríamos pensar que entramos en el mundo de Barbie Gimnasta, pero no. Cuatro chicas se presentan ante el público en simultáneo, girando como locas, mezclando la ficción con lo autobiográfico, pista de que lo que vamos a ver tiene mucho de la vida “real”.

A continuación, el cuento sin acabar: tratar de entender qué es ser mujer. O, mejor dicho, que NO es ser mujer. Dietas varias, tips de depilación y otros lugares comunes se van sucediendo en los discursos de estas actrices, intercalados con letras robóticas de publicidades, de ese mundo ficticio donde se construye el concepto ficticio de ser mujer.

Aborto, maternidad, competencia, profesión: temas prohibidos, conflictos que hacen saltar todas las contradicciones que tenemos por ser hijas del patriarcado, “a lo mejor el mundo es contradictorio”. Y todo esto acompañado de un lenguaje corporal frenético, ¿será que llevamos grabada la contradicción entre el cuerpo y el discurso?

“Linda de día” es una obra actual y necesaria, que nos deja con la pregunta planteada: si no podemos poner nuestra esperanza más que en nosotras mismas, ¿cómo hacemos para cambiar el mundo?

Ficha artístico técnica:

Actúan: Agustina Pons, Camila Hierro, María Victoria Pierre, Virginia Flammini

Diseño de escenografía y vestuario: Paula Picciani / Coreografía: Agustina Pons/

Diseño de luces: David Páez / Producción: Linda de día / Fotografía: Paula Picciani/

Diseño gráfico: Luciano Insolia/ Prensa y Difusión:Simkin& Franco / Asistencia de dirección:Jazmín Gamalero Rosas / Colaboración en Dirección:María Viau.& Franco / Asistencia de dirección:Jazmín Gamalero Rosas / Colaboración en Dirección:María Viau.

Dramaturgia: David Páez / Dirección y puesta en escena: David Páez

Agradecimientos: Ariel Pérez de María, Julieta Moras, Maximiliano Méndez, Maximiliano Forbice, Quique Pierre, Espacio Tromvarte.

Funciones: viernes 21 hs

Teatro: Espacio Tromvarte

Direccion: pasaje Santa Rosa 5164

Precio de entrada: $200 / Estudiantes y jubilados: $150

Reservas:tromvarte@gmail.com o al Tel. (011) 2132-9657Tel. (011) 2132-9657

O por www.alternativateatral.com

Trailer: https://youtu.be/BiHGBMrrND0

Sol Grunschlager

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la función de ¿Quién es Jey Mammon?, Un unipersonal donde el comediante que le da nombre a su espectáculo nos invita a divertirnos con sus más excéntricos personajes. La música es también una compañía que junto al humor de sus personajes , permite al espectador distenderse en una noche (muy tarde) de teatro.

El mismo Jey hace gala de su propio show que comienza casi a la medianoche , tarde para algunos y temprano para aquellos que piensan seguir la noche del viernes. De este modo el actor nos presenta a una serie de personajes un tanto peculiares, que van desde un locutor de radio , un cura cordobés y su personaje más reconocido: Estelita. Así todos estos series tienen su momento en escena mediante pequeños skecths , en los que cada uno se maneja con un humor particular y bien logrados en su interpretación. Para tener una conexión entre todas las historias el mismo Jey se sale de personaje , para hablar un poco de su vida y también hablar con el público, haciendo que la función sea interactiva con la gente que está ahí presente.

Si bien cada uno de los personajes están bien logrados , el momento cumbre de la noche es la aparición de Estelita , donde agarra el micrófono , sale del escenario y empieza a molestar al público. Utilizo la palabra «molestar» debido a que este personajes , empieza a interactuar con el público sin pelos en la lengua, utilizando ese momento para hablar de sexo , intimidades y cosas incómodas para el entrevistado. Puede resultar incómodo que esta «diva» se te acerque , pero debido a su frescura será imposible no reírte con ella, aunque sea de vos mismo.

Al final el espectáculo hace una conexión entre lo que es el artista como persona y aquella relación que guarda con sus personajes. Dando a entender de qué ellos son parte de el, de su personalidad, más allá de que esté actuando para un público. Y así se cierra una noche agradable y muy entretenida.

Funciones: Viernes 23:30 hs

Teatro Ludé (Montevideo 842)

Entradas por Plateanet

Reseña de Magalí Onetto

Zona sur, Banfield. Un premio de literatura: El famoso «Alfaguarra de novela». Tres escritoras planean una venganza contra su amiga y colega «Betinita», la flamante ganadora del premio. ¿Quién diría que la ambición por el éxito puede llevar a circunstancias límites que uno jamás se hubiese imaginado? ¿O, en su defecto, a los momentos más bizarros y desopilantes?

Todos los viernes a las 23 en el Teatro Bar Nün, Villa Crespo, un elenco de cuatro talentosas actrices traen a la vida –de la manera más cómica- a este grupo de mujeres novelistas que desean a toda costa el reconocimiento literario que una de ellas consiguió. Por eso, Samantita, Sarita y Selvita organizan una celebración a Betinita, la ganadora del premio «Alfaguarra de novela». Pero la envidia puede más: aquellas tres que no lograron el éxito, tienen preparado un plan siniestro para Betinita. En un escenario simple, con sólo una mesa y un sillón, suceden situaciones descabelladas que dejan al desnudo los celos, las frustraciones, las ambiciones, los miedos, las inseguridades, los secretos, los prejuicios y los deseos. Un camino que nadie podría predecir apenas empieza la obra, pero que todos al salir del teatro, se verán reflejados de alguna manera.

El minimalismo de la puesta en escena, el particular vestuario, la música -poca, pero en los momentos más oportunos-, y la acertadísima iluminación presente en las situaciones más dramáticas, realza las geniales actuaciones de las artistas, cada una con un papel bien definido: Samantita, la jefa del grupo; Sarita, la sumisa; Selvita, la lujuriosa al estilo «livin’ la vida loca«; y Betinita, quien ostenta sus riquezas por haber ganado el prestigioso premio.

La obra escrita por Tadeo Pettinari y dirigida por Emanuel D’Aloisio, sabe ir por lugares poco comunes. Esta comedia negra no sólo es creativa en sus diálogos, sino que la comedia visual funciona igual de cómico. Además, entre tantos finales inesperados en el mundo del cine, tv y teatro, Alfaguarra sorprende a cada paso. ¿De qué manera Sandro y la biblia podrían aparecer en el mismo escenario?

La única manera de descubrirlo, es tomarse un viernes a la noche para disfrutar del buen teatro independiente y de esta perlita en la que, cualquier semejanza con la realidad, no es pura coincidencia.

Ficha técnica

Elenco: Marisa Vernik, Lorena Rovatti, Paula Rubinsztein y Noemí Susana Ron Dramaturgia: Tadeo Pettinari

Adaptación y dirección: Emanuel D’Aloisio

Asistencia de dirección: Elle Verlicht

Escenografía: Daniela Draiye

Vestuario: Leonela Camizasca

Diseño de luces: Lautaro Pane

Diseño gráfico: Pulpografía

Fotografía: Elle Verlicht

NÜN TEATRO BAR: Juan Ramirez de Velazco 419, CABA
Funciones: viernes 23hs
Entradas: $250 / estudiantes y jubilados: $200 / Promo 2x$350

Reservas por Alternativa Teatral

Desde hace un tiempo sucede que cada El martes se ha hecho un día típico para festejar en el teatro Maipo con un buen musical. Comenzó con The Rocky horror show, y tras su éxito siguió con Rock of ages , un musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′ y también una historia de amor.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo que llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , los intérpretes en todo momento tienen en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Existe una separación entre la música y el relato , permitiendo que el público pueda disfrutar ambas partes , desde la facil comprensión de la historia hasta el goce de sus canciones en versión original.

En su segunda temporada, Rock of ages ha regresado para brindarnos aquella fiesta que nos tenía acostumbrado cada martes en el Maipo. Para los que aún no la vieron les recomendamos que se acerquen a ver este musical con excelentes artistas, y que además , te regala el mejor rock de los 80′.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Reseña de Maximiliano Pouchan

Ella habita un espacio que decidió construir como resguardo. Con paredes abandonadas y manchadas, como su corazón.

No vive sola. Tiene dos hijos.

Lisandro, un maestro que espera inútilmente una beca que pareciera nunca llegar, quien, además, dedica su vida a cuidar a su hermana: decidida, frágil e inteligente, ha quedado paralítica tras sufrir un accidente. Ambos han sabido construir un mundo de juegos y complicidades Un vínculo precioso y extraño en donde los límites afectivos son imprecisos

Entre la madre y sus hijos hay una pared de cosas no dichas.

En la casa el ambiente es denso. Se percibe en la mirada y en la pausa. Se respiran sentimientos encontrados y una contradicción en cada palabra. Los hijos no saben si odiar o sentir pena por su madre. Y ella, sumergida en un mundo de fantasías, alcohol y pastillas, simplemente los ignora.

Todos simulan ser fuertes, pero se necesitan. No pueden solos.

Una tragedia convive con ellos, una presencia que aún tiene sus cosas en el placard.Deben hablar para no enloquecer. Y poner un punto final a tanto dolor. “Atontados de tan amontonados deben estar esos pájaros que cuando logran escapar, se lastiman con lo primero que encuentran”. ELLA PUEDE SOLA propone un ejercicio de percepción y lectura activa por parte del espectador. Desde este punto de vista, es un espectáculo no tradicional.

Si bien la trama es simple y clara, la belleza y la virtud de la obra se encuentra en el complejo entramado de recursos expresivos que han sabido crear su autor y su directora, y que los intérpretes, con enorme talento, han materializado en su trabajo. La obra exige en el espectador una triple actitud: la de lector de imágenes, exégeta de signos, receptor de ambientes y atmósferas.

En primera instancia, somos testigos de la cotidianidad de esta familia. Sus miembros poseen cierta belleza y melancolía que se irá trastornando en la medida en que la historia avance. Irá saliendo a la superficie su lado oscuro y este universo domestico irá adquiriendo ciertos rasgos oníricos y perversos. Todo aquello que aceptamos con normalidad cambiará su dimensión. El espacio construirá una arquitectura diferente en nuestra percepción; el tiempo mutará sus posibilidades lineales, en un ir y venir, del pasado al presente, y se desarrollará en una elipsis que pasa casi desapercibida. La atmósfera poco a poco se volverá opresiva e irá envolviéndonos en este melodrama desgarrador.

Lili Popovich hace gala de su talento y nos regala una de sus interpretaciones más conmovedoras. La potencia y fragilidad de Luciana Caisutti es fundamental en el resultado de la historia y Nicolás Asprella despliega una capacidad de recursos como actor que no pasa desapercibida por nadie.

Un despliegue técnico impecable que pone en evidencia uno de los talentos de su directora: el armado de equipos de trabajo. Grace Pereyra, con la minuciosidad y el detalle a los que nos tiene acostumbrados, nos brinda esta pieza brillante y visceral.

Ficha técnico artístico:

Autoría: Leonel Giacometto / Actúan: Nicolás Asprella, Luciana Caisutti, Lili Popovich / Diseño de vestuario: Cecilia Bruck / Diseño de escenografía: Cecilia Bruck / Diseño de luces: Gonzalo Calcagno / Fotografía: Nora Lezano / Diseño gráfico: Pablo Guzmán / Asistencia de dirección: Gabriela Arata / Prensa: Juan Ignacio Penlowskyj / Dirección: Graciela Pereyra

JUEVES 21.15 HS – EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO – El Salvador 4530 – Capital Federal

Reservas: 4831-9663 – Venta anticipada por Alternativa Teatral.

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