Reseña de Magalí Onetto

Zona sur, Banfield. Un premio de literatura: El famoso «Alfaguarra de novela». Tres escritoras planean una venganza contra su amiga y colega «Betinita», la flamante ganadora del premio. ¿Quién diría que la ambición por el éxito puede llevar a circunstancias límites que uno jamás se hubiese imaginado? ¿O, en su defecto, a los momentos más bizarros y desopilantes?

Todos los viernes a las 23 en el Teatro Bar Nün, Villa Crespo, un elenco de cuatro talentosas actrices traen a la vida –de la manera más cómica- a este grupo de mujeres novelistas que desean a toda costa el reconocimiento literario que una de ellas consiguió. Por eso, Samantita, Sarita y Selvita organizan una celebración a Betinita, la ganadora del premio «Alfaguarra de novela». Pero la envidia puede más: aquellas tres que no lograron el éxito, tienen preparado un plan siniestro para Betinita. En un escenario simple, con sólo una mesa y un sillón, suceden situaciones descabelladas que dejan al desnudo los celos, las frustraciones, las ambiciones, los miedos, las inseguridades, los secretos, los prejuicios y los deseos. Un camino que nadie podría predecir apenas empieza la obra, pero que todos al salir del teatro, se verán reflejados de alguna manera.

El minimalismo de la puesta en escena, el particular vestuario, la música -poca, pero en los momentos más oportunos-, y la acertadísima iluminación presente en las situaciones más dramáticas, realza las geniales actuaciones de las artistas, cada una con un papel bien definido: Samantita, la jefa del grupo; Sarita, la sumisa; Selvita, la lujuriosa al estilo «livin’ la vida loca«; y Betinita, quien ostenta sus riquezas por haber ganado el prestigioso premio.

La obra escrita por Tadeo Pettinari y dirigida por Emanuel D’Aloisio, sabe ir por lugares poco comunes. Esta comedia negra no sólo es creativa en sus diálogos, sino que la comedia visual funciona igual de cómico. Además, entre tantos finales inesperados en el mundo del cine, tv y teatro, Alfaguarra sorprende a cada paso. ¿De qué manera Sandro y la biblia podrían aparecer en el mismo escenario?

La única manera de descubrirlo, es tomarse un viernes a la noche para disfrutar del buen teatro independiente y de esta perlita en la que, cualquier semejanza con la realidad, no es pura coincidencia.

Ficha técnica

Elenco: Marisa Vernik, Lorena Rovatti, Paula Rubinsztein y Noemí Susana Ron Dramaturgia: Tadeo Pettinari

Adaptación y dirección: Emanuel D’Aloisio

Asistencia de dirección: Elle Verlicht

Escenografía: Daniela Draiye

Vestuario: Leonela Camizasca

Diseño de luces: Lautaro Pane

Diseño gráfico: Pulpografía

Fotografía: Elle Verlicht

NÜN TEATRO BAR: Juan Ramirez de Velazco 419, CABA
Funciones: viernes 23hs
Entradas: $250 / estudiantes y jubilados: $200 / Promo 2x$350

Reservas por Alternativa Teatral

Desde hace un tiempo sucede que cada El martes se ha hecho un día típico para festejar en el teatro Maipo con un buen musical. Comenzó con The Rocky horror show, y tras su éxito siguió con Rock of ages , un musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′ y también una historia de amor.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo que llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , los intérpretes en todo momento tienen en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Existe una separación entre la música y el relato , permitiendo que el público pueda disfrutar ambas partes , desde la facil comprensión de la historia hasta el goce de sus canciones en versión original.

En su segunda temporada, Rock of ages ha regresado para brindarnos aquella fiesta que nos tenía acostumbrado cada martes en el Maipo. Para los que aún no la vieron les recomendamos que se acerquen a ver este musical con excelentes artistas, y que además , te regala el mejor rock de los 80′.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Reseña de Maximiliano Pouchan

Ella habita un espacio que decidió construir como resguardo. Con paredes abandonadas y manchadas, como su corazón.

No vive sola. Tiene dos hijos.

Lisandro, un maestro que espera inútilmente una beca que pareciera nunca llegar, quien, además, dedica su vida a cuidar a su hermana: decidida, frágil e inteligente, ha quedado paralítica tras sufrir un accidente. Ambos han sabido construir un mundo de juegos y complicidades Un vínculo precioso y extraño en donde los límites afectivos son imprecisos

Entre la madre y sus hijos hay una pared de cosas no dichas.

En la casa el ambiente es denso. Se percibe en la mirada y en la pausa. Se respiran sentimientos encontrados y una contradicción en cada palabra. Los hijos no saben si odiar o sentir pena por su madre. Y ella, sumergida en un mundo de fantasías, alcohol y pastillas, simplemente los ignora.

Todos simulan ser fuertes, pero se necesitan. No pueden solos.

Una tragedia convive con ellos, una presencia que aún tiene sus cosas en el placard.Deben hablar para no enloquecer. Y poner un punto final a tanto dolor. “Atontados de tan amontonados deben estar esos pájaros que cuando logran escapar, se lastiman con lo primero que encuentran”. ELLA PUEDE SOLA propone un ejercicio de percepción y lectura activa por parte del espectador. Desde este punto de vista, es un espectáculo no tradicional.

Si bien la trama es simple y clara, la belleza y la virtud de la obra se encuentra en el complejo entramado de recursos expresivos que han sabido crear su autor y su directora, y que los intérpretes, con enorme talento, han materializado en su trabajo. La obra exige en el espectador una triple actitud: la de lector de imágenes, exégeta de signos, receptor de ambientes y atmósferas.

En primera instancia, somos testigos de la cotidianidad de esta familia. Sus miembros poseen cierta belleza y melancolía que se irá trastornando en la medida en que la historia avance. Irá saliendo a la superficie su lado oscuro y este universo domestico irá adquiriendo ciertos rasgos oníricos y perversos. Todo aquello que aceptamos con normalidad cambiará su dimensión. El espacio construirá una arquitectura diferente en nuestra percepción; el tiempo mutará sus posibilidades lineales, en un ir y venir, del pasado al presente, y se desarrollará en una elipsis que pasa casi desapercibida. La atmósfera poco a poco se volverá opresiva e irá envolviéndonos en este melodrama desgarrador.

Lili Popovich hace gala de su talento y nos regala una de sus interpretaciones más conmovedoras. La potencia y fragilidad de Luciana Caisutti es fundamental en el resultado de la historia y Nicolás Asprella despliega una capacidad de recursos como actor que no pasa desapercibida por nadie.

Un despliegue técnico impecable que pone en evidencia uno de los talentos de su directora: el armado de equipos de trabajo. Grace Pereyra, con la minuciosidad y el detalle a los que nos tiene acostumbrados, nos brinda esta pieza brillante y visceral.

Ficha técnico artístico:

Autoría: Leonel Giacometto / Actúan: Nicolás Asprella, Luciana Caisutti, Lili Popovich / Diseño de vestuario: Cecilia Bruck / Diseño de escenografía: Cecilia Bruck / Diseño de luces: Gonzalo Calcagno / Fotografía: Nora Lezano / Diseño gráfico: Pablo Guzmán / Asistencia de dirección: Gabriela Arata / Prensa: Juan Ignacio Penlowskyj / Dirección: Graciela Pereyra

JUEVES 21.15 HS – EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO – El Salvador 4530 – Capital Federal

Reservas: 4831-9663 – Venta anticipada por Alternativa Teatral.

2 x 1 socios Club La Nación

Reseña de Diana Decunto

La Compañía Lírica G. Verdi, el pasado domingo 22 de abril en el Teatro El Globo se presentó con la ópera en cuatro actos La Gioconda de Amilcare Ponchielli. Con esta obra, inicia su ciclo de presentaciones correspondientes al año 2018. Para aquellos que estén interesados en ver un espectáculo de alta calidad artística está previsto volver a realizarse otra representación de La Gioconda, el domingo 29 de abril a las 21 hs. Con la primer puesta de gala, ha sido un lujo que promete un año de mucha intensidad y de exigencia para LA VERDI y donde el público tendrá la suerte de ver otras puestas programadas a lo largo de este año como ser Junio 3 y 10, Hotel de Inmigrantes “que 20 años no es nada” de Adriana Segal, en Agosto el 25 y 2 de Setiembre Falstaff de Giuseppe Verdi, el 30 de noviembre y 6 de diciembre Suor Angelica de Giacomo Puccini y Billy Budd de Benjamin Britten.

Fue un gran momento que se vivió el domingo pasado, en el Teatro El Globo, cuando se bajaron las luces y comenzó la Maestra Susana Cardonnet a tocar el piano para dar comienzo a la obra que nos transportaría a un espectáculo de un alto contenido artístico y sensibilidad de quienes participaron de la puesta en escena. La obra fue creada, dirigida y protagonizado por Adriana Segal. Un excelente vestuario, iluminación que realzó la participación de solistas, comprimarios, coreutas, bailarines y actores. Adriana Segal, después de seis años, abocada a la dirección volvió a cantar en el papel de Gioconda. Hace siete años que LA VERDI cuenta con la suerte de tener como Director Musical al maestro Ramiro Soto Monllor.

La frase favorita de Adriana Segal, directora e interprete es: “Mejor es la calidad y no la cantidad”. Hecho que quedó una vez más demostrado, con esta puesta.

Adriana Segal en el papel de Gioconda. Nacida en Buenos Aires, lleva 55 años comprometida con la música. Comenzó a los cinco años estudiando piano y se fue perfeccionando, cantó como solista en operas completas, entre las que podemos mencionar Il Trovatore. Aida, Tosca, La Gioconda, La Bohemia, etc. Desde el año 2012, cumple funciones como Directora General, régisseuse, idea, producción y preparatoria vocal y teatral en la Compañía Lírica “G.VERDI” y en la Escuela Popular de Opera de la misma compañía. Otra de las puestas realizadas: Oberto, Conde di San Bonifacio de G.Verdi (estreno latinoamericano Teatro Avenida 2014, 2015, puesta que obtuvo varios galardones) y muchas más como Cavalleria Rusticana (Mascagni) , Il Trovatore (G.Verdi), La Vie Parisienne, entre otros.

Destacable la labor de Sidney Page, realizador artístico, nacido en San Salvador de Jujuy que logró una conjunción perfecta entre música e imagen. En una obra caracterizada por muchos personajes en escena, los cuales se desenvolvieron perfectamente.

Todos los (as) cantantes, de excelente trayectoria, compuesto por Gabriel Rabinovich en el papel de Barnaba.

En el rol de Alvise Badoero, el cantante Claudio Rotella, entrerriano oriundo de Paraná.

Laura Dominguez encarna a Laura Adorno. Manuel Pietro en el rol de Enzo Grimaldo.

Fabiana Francovig, actuación de alta expresividad dramática además de sus dotes para el canto. Y por último Gabriel Sala, hijo de Tito Sala, quien desde corta edad tuvo afición por la música, quien se encuentra complacido de pertenecer a la Compañía Lírica Giuseppe Verdi, porque ha podido canalizar su pasión por la ópera pudiendo participar del coro y como solista. Sin olvidarnos de Raul Lagomarsino y Pablo Macia.

La obra transcurre durante la época de la inquisición en Venecia, siglo XVII. La Gioconda es una mujer que se gana la vida cantando por la calle, es el único sostén de su madre. Está enamorada del exiliado político Enzo Grimaldo.

Se cruza la Gioconda con Barnaba, un espía maléfico de la Cámara de los Diez a quien la cantante rechaza y el ingrato crea una trama para culpar a la madre ciega de brujería con el propósito de exigir a la Gioconda a que acceda a sus insinuaciones amorosas.

Gioconda se cruza con el miembro del consejo Alvise Badoero junto a su esposa Laura. Su marido cree que esta última le ha sido infiel con Enzo Grimaldo y le exige que ofrezca su vida a cambio de borrar las manchas dejadas por el deshonor. Y no vamos a contar más, sobre como es el desenlace.

El broche de oro en la obra es la participación del cuerpo de baile: Rodolfo Romero, Elvira Haydee Peredo Aguirre, Leandro Otero, Carlos Martìn Parrinello Torres, Noemí Hernán Lizarraga.

La obra se encuentra completa con la presencia de los coreutas pertenecientes a la Compañia Lírica G.VERDI, cuya misión en estas puestas es mantener y mejorar el nivel de producción operística. El coro está conformado por un hermoso grupo de personas de distintos niveles de la sociedad, pero todos con una misma pasión y alto compromiso con las metas que desea alcanzar el hermoso proyecto de la Compañía Lírica “G.VERDI”. Todos sus miembros agradecen muy especialmente el apoyo dado por sus respectivas familias que hacen posible la difusión de la ópera sin descuidar la calidad. En esta oportunidad también contó con la participación de Pilar Lírica que es la primer y única compañía de ópera de la ciudad de Pilar desde el 2015.

La Compañía Lírica “G.VERDI” cada vez que sube a escena ofrece su amor por la ópera, el respeto hacia los artistas, los autores, y el público. Con ganas por hacer nuevas cosas de “Mejor calidad”. Invito a que seamos capaces de retribuirles con cálidos aplausos todo el esfuerzo para que el estímulo sea el motor impulsor y continúen por este camino de excelencia.

Ficha Técnica

La Gioconda (opera en cuatro actos de Amilcare Ponchielli.

Al piano Maestra Susana Cardonnet

Directora General y Escena Adriana Segal

Director Musical Ramiro Soto Monllor

Directora Musical Solistas Susana Cardonnet

Curadora de escena Lizzie Waisse

Realizador Sidney Page

Subtitulados Aida Komaid Van Gelderen

Diseño de Luces Adriana Segal

Maestro de Luces Norberto Lara

Caracterizador Ariel Peña

Asistente general Juan Francisco «Kiko» Balestron

REPARTO

GIOCONDA……Adri Segal

LAURA ADORNO….Laura Dominguez

ENZO GRIMALDO………. Manuel Pietro, Gabriel Sala (Cover)

BARNABA………… Gabriel Rabinovich

ALVISE BADOERO…....Claudio Rotella

MADRE……………………..Fabiana Francovig

ZUANE…………………………Raúl Lagomarsino

ISEPO………………………….. Pablo Macia

UN BARNABOTTO…………Agustìn Adúriz-Bravo

CUERPO DE BAILE

Rodolfo Romero, Elvira Haydee Peredo Aguirre, Leandro Otero, Carlos Martìn Parrinello Torres, Noemí Hernán Lizarraga.

CORO ESTABLE DE LA COMPAÑIA LIRICA » G. VERDI»

http://www.verdilirica.org

Sopranos: Aguirre Silvia – Cabrera Zulema – Colomo Sophie – Crivelli Ana – Gontad Isabel – Huertas Alejandra – Kass Tamara – Meno Sanz Candelaria – Raffaelli Diana – Rafaelli Sandra – Salem Sandra – Salvador Marisa – Sánchez Kalina María – Ventura Marta

Mezzosopranos Carfagna Margarita – Cichero Graciela – Kioss Elsa – Porro Silvia- Ripoli Carmen – Farias Guadalupe – Silveyra Patricia – Larrea María

Tenores: Benitez Alberto – Bertone Ivan – Domenichino Daniel – Garcia José – Losasso Martín – Macia Pablo – Page Sidney – Peña Ariel – Reinhardt David – Sala Gabriel

Baritonos y bajos : Adúriz Bravo Agustín – Gonzàles Oscar – Hidalgo Walter – Lagomarsino Raúl – Leveroni Maximiliano – Ramos Marcelo – Contraalto Grifa Norma

Jefe de cuerdas: Gabriel Sala

Pilar Lírica

Dirección Julieta Rosso

Actores Lucas Delfino – Andres Filgueira – Emilia Vucci – Elena Cuba

Dos chicos se están por comprometer y organizan una fiesta, pero empiezan a entrelazarse las historias, los amigos y la familia.

«¿QUE SUCEDERÍA SI EN EL MOMENTO MAS IMPORTANTE DE TU VIDA REAPARECE LA PERSONA QUE NO PENSABAS VOLVER A VER? ¿QUE SUCEDERÍA SI TE ENCUENTRAS EN EL MEDIO DE ESAS DOS PERSONAS QUE MAS AMAS TENIENDO QUE TOMAR UNA GRAN DECISIÓN?

Rodrigo Parrilla y Alan Giraud a la cabeza del elenco nos hacen replantear las relaciones y dejar de lado los prejuicios. Junto con Nelson Cogno, Ailen Mazkin, Emilio Segovia, Juan Cruz Greco y Lorena Venturuzzo, nos llevan a un mundo de amores y mentiras, donde las parejas ocultan más de lo que muestran. Los padres se separan y los amigos no tienen la vida genial que nosotros pensamos.

Daniel Mansilla su director y guionista nos muestra una obra sencilla, pero con toques de humor y simpatía.

Amontonados te hará reír, pero también pensar en cada situación que vives a diario con las personas que te rodean y forman tu círculo íntimo. Realmente una obra recomendable que se despedirá éste viernes 27 de Abril en el Teatro de la Fábula.

Funciones : Viernes 21 hs TEATRO «DE LA FABULA» (Agüero 444)

Alejandra Martínez

Por Maximiliano Pouchan

“Desconfíen del amarillo: Es el oro donde confluyen todas las ambiciones innobles.”

La historia nos ubica en la Antigua Roma. Cayo Graco, el menor de los dos hijos de Cornelia, se alza con la bandera que ha dejado su hermano asesinado y se presenta a elecciones como candidato a tribuno.

Viéndolo profundamente movilizado por la sed de justicia y temiendo una tragedia, quienes forman parte de su círculo íntimo, le advierten y se oponen. Pero Cayo no teme enfrentar a su destino y sale a buscar el favor de la plebe.Tras ser elegido, impulsa reformas que limita el privilegio de los aristócratas y promueve leyes que favorecen al pueblo. Se transforma así, en el líder de los desposeídos y en el peor enemigo de la nobleza romana.

El enfrentamiento será inevitable. El Peso del poder político y económico se hará notar. Los Patricios darán pelea valiéndose de engaños y traiciones; seduciendo a ignorantes y débiles de espíritu; y creando un entramado perverso, donde el pueblo terminara siendo el cómplice de una trampa fatal.

Amarillo es una obra compleja que el director aborda con inteligencia y talento.

Ha creado un diseño del espacio que se articula perfectamente con el desplazamiento de los personajes y este movimiento hace un aporte constante a la narración brindándonos un relato con la descripción precisa, que en combinación con la luz se vuelve dinámico y de fácil compresión. Logrando así, una síntesis profunda y bien acabada del texto.

El diseño de vestuario es tan simple como brillante. Mezcla piezas que suponemos antiguas con otras actuales entablando en vínculo entre el pasado y presente que se desdibuja casi de forma imperceptible. Algunas prendas le dan peso y forma a los personajes y les brinda caracteristicas increíblemente poderosas.

Las interpretaciones son sólidas y destacables todas. Hay decisiones de dirección, en cuanto al registro y composición, interesantísimas. Podemos ver mucho más que personajes de la antigua Roma y héroes con destinos trágicos. Existe una lectura y un propósito.

Es irremediable y no es casual el paralelo con la actualidad. La obra una reflexión en escena sobre como la política y sus mecanismos, agitan las pasiones del pueblo para valerse de lo peor de ellas y construir poder.

“Amarillo es el oro, y el oro es la cloaca donde confluyen todas las ambiciones innobles.

Amarilla es la cólera de los cobardes, que chapotea en un océano de bilis.

Y finalmente, amarilla es la envidia, que es la peor de las pasiones, porque es el crimen de los mediocres.”

Ficha técnico artístico

Autoría: Carlos Somigliana / Adaptación: Facundo Ramírez / Actúan: Patricia Becker, Gustavo Chantada, Manuel Fernández Otacehe, Pablo Finamore, Matías Garnica, Luciano Linardi, Mario Mahler, Mario Petrosini, Facundo Ramírez, Manuel Martinez Sobrado, Luciana Ulrich, Manuel Vignau /Vestuario: Pia Drugueri / Escenografía: Pia Drugueri / Iluminación: Roberto Traferri / Maquillaje: Dora Angélica Roldan / Realización de escenografia: Diego Antonietta / Realización de vestuario: Estudio Cabuli Suarez, Pia Drugueri / Fotografía: Fernando Lendoiro / Diseño gráfico: Fernando Lendoiro / Asistencia de dirección: Manuel Fernández Otacehe, Jazmin Rios / Producción ejecutiva: Rosalía Celentano / Producción: Manuel Fernández Otacehe, Facundo Ramírez / Dirección: Facundo Ramírez

Duración: 90 minutos / Clasificaciones: Teatro, Adultos

LUNES 21:00 hs

ANDAMIO ´90 – Paraná 660 – Capital Federal

Reservas: 4373-5670

Reseña de Amérika Arana

Presentado por el Ballet Nacional de Rusia, El lago de los cisnes brilla por su sofisticación y elegancia. Es un acontecimiento único e irrepetible. Nadie desea perdérselo. Largas filas rodean las puertas del teatro Gran Rex. Seremos testigos de la precisión técnica y la disciplina del ballet, ya que Rusia es considerada la escuela canónica de este tipo de danza. Dicha característica, crea una gran expectativa en los espectadores, la cual ha de ser cumplida. Presuponemos, El lago de los cisnes no puede defraudarnos.

Llama la atención la vestimenta. Se cuida hasta el más mínimo detalle. Nos permite determinar la clase social de cada uno de los personajes. Sorprende cuán logrado es el traje que representa el exotismo español. Asimismo, el vestuario reluce como si se tratase de un diamante en bruto.

Esta pieza magistral se sostiene a partir de una ausencia (casi absoluta) de decorado, ya que el mismo cuerpo representa la puesta en escena. Los focos dan cuenta de momentos dramáticos y peligrosos. No es casual que la presencia del rey cisne negro siempre se anuncie con una luz violeta y una niebla del mismo color. Esta relación se enfatiza con la música. La composición sonora es fundamental en esta disciplina artística. Acompaña los movimientos de los bailarines. Todos los integrantes de El lago de los cines nos deleitan con la simetría, precisión y equilibrio de sus pasos. Los saltos generan tensión entre el auditorio. No sabemos si se caerán o si lograrán ejecutarlos. El saltimbanqui, por ejemplo, produce esta sensación.

Esta inigualable representación requiere de un auditorio concentrado. No se debe oír el más mínimo ruido. Sólo la magia que se despliega ante nuestros ojos. ¿Es posible actuar de acuerdo a esta premisa? ¿Seremos capaces de olvidar los celulares y las cámaras? ¿Necesitaremos registrar cada momento?

El lago de los cisnes no defrauda. Nos envuelve en su aura de delicadeza y misterio.

El espectáculo refleja el conflicto que debe resolver un judío alemán que vive en Alemania cuando recibe la invitación de un profesor de Historia de una escuela secundaria, cuyos alumnos, luego de estudiar el Holocausto y el nazismo quieren conocer y ver en persona….a un judío!

Gerardo Romano es aquí Emanuel Goldfarb, periodista y sociólogo judío nacido en Alemania. Si bien es cierto que el actor involucra su cuerpo al componer a Emanuel, concediéndole acciones y movimientos que se turnan para divertir, conmover e interrogar al espectador; estar frente a Romano es, fundamentalmente, estar frente a una ametralladora verbal. Y haciendo uso de dicha locuacidad extraordinaria, el Golfarb que da vida al texto de Charles Lewinsky , periodista y sociólogo judío nacido en Alemania. Si bien es cierto que el actor involucra su cuerpo al componer a Emanuel, concediéndole acciones y movimientos que se turnan para divertir, conmover e interrogar al espectador; estar frente a Romano es, fundamentalmente, estar frente a una ametralladora verbal. Y haciendo uso de dicha locuacidad extraordinaria, el Golfarb que da vida al texto de Charles Lewinsky , nos invita a repensar la historia del pueblo judío proponiendo un recorrido que se atreve a cuestionar no sólo tópicos tan trágicos y recurrentes como holocausto-exterminio- genocidio sino también conceptos acomodados , elogiados y naturalizados en nuestra sociedad tales como tolerancia e inclusión.
Podría decirse que el propio título de esta obra, dirigida por Manuel Gonzalez Gil, condensa e ironiza el tema en cuestión. “Un judío Común y corriente” nos invita a pensar : siendo judío, ¿se puede ser común y corriente? . O, dicho de otro modo, en el recorrido histórico que hemos emprendido desde la sociedad que lo condenó a muerte y la sociedad que lo “incluye” y lo “tolera” ¿fuimos capaces de concebir un judío común y corriente?.

Texto: Charles Lewinsky

Actuación: Gerardo Romano

Música original: Martín Bianchedi

Escenografía y vestuario: Marcelo Valiente

Producción ejecutiva Pablo Silva

Dirección: Manuel González Gil

Funciones: sábados 20 hs. a partir de abril

Duración: 80 minutos