Reseña de Agustín Arosa

No resulta muy frecuente hallar referencias al tema Isadora Duncan: su existencia parece reducirse a páginas o comentarios como parte de un acotado período en la historia de la danza. Pero referirla escénicamente es una rareza: Isadora parece funcionar más como trampolín histórico que como objeto de experiencia estética. Con esto quiero decir que creemos saber mucho teniendo muy poco.

En Canto a Isadora se emprende una justa profanación: de las apalabradas referencias repatriamos un cuerpo a la escena, allí donde verdaderamente fue vital. Y esto sucede con dignas convergencias: el diseño de iluminación y sonido en conjunto con el vestuario ofrecen una atmósfera más que interesante en el limbo que es el subsuelo del cultural San Martin (Isadora vuelve a la vida, pero no tan lejos). Debe mencionarse además la astucia coreográfica: la obra pareciera tener cierta voluntad de transformarse en danza.

Pero algo más: lo verdaderamente interesante es haber apostado no por la mística sino por la humanidad. El recurrente imaginario de una Isadora catártica abarca escasos minutos, a lo que realmente venimos a asistir es a la Isadora conflictuada. Es grato ver a Cociuffo en este merecido espacio y sosteniendo tal propuesta.

Canto a Isadora nos viene bien no para recordar, sino para experimentar algo de Isadora; por eso es una fantasía y no una memoria.

Canto a Isadora, Miércoles y Jueves de Abril a las 21hs en el Cultural San Martín (sarmiento 1551)

Autoría: María de las Mercedes Hernando
Dirección: Valeria Ambrosio
Asistente de direccion: Leonardo Gaetani
Productor ejecutivo: Federico Brunetti
Compañia: Canto a Isadora
Elenco: Natalia Cociuffo (Isadora Duncan), Roberto Romano (Walt Whitman), Renata Toscano (María), Pablo Bronzini (El Pianista)
Escenografía: René Diviú
Meritorio de escenografia: Lara Diaz Fresno y Juan Maeder
Asistencia Escenografía: Flavia Herrera
Música: Pablo Bronzini
Vestuario: René Diviú
Relizacion de vestuario: Marta Dieguez
Iluminación: Valeria Ambrosio/ Leonardo Gaetani
Maquillaje: René Diviú / Valeria Ambrosio
Coreografía: Eizabeth de Chapeurouge
Fotografía: CCGSM
Prensa: Morena López Blanco y Alejandro Andolfi para We Prensa & Comunicación

Reseña de Diana Decunto

Basada

en el clásico de Federico García Lorca, es un drama expresado con danza y canciones, al mejor estilo flamenco.

Yerma, vive en un pueblo de campesinos. En su casa además de vivir junto a su marido, la espían sus cuñadas. Ella es una mujer sojuzgada por su marido. El, un hombre embrutecido, donde lo único que le preocupa es la tierra y la deshonra que pueda sufrir por alguna infidelidad que pueda cometer su mujer. Idea que lo obsesiona y que no lo deja vivir.

A su vez, una esposa sumisa, que lleva ese compromiso de fidelidad contraído en el matrimonio hasta sus últimas consecuencias y sometida al mandato social de un matrimonio que no se puede romper, aunque para ambos esposos, esa vida les represente el infierno, muy alejados de la felicidad y del amor. La obra ronda en la cruz que arrastra Yerma, que consiste en no concebir pero también todas sus contradicciones en cuanto a no resignarse a ser “marchita” ni tampoco a buscar otros caminos que la llevarían siempre a ser juzgada como una mujer infiel.

La protagonista y directora Julieta Cancelli, encarna esa mujer sumida en la desgracia, que en vuelta en ese halo de la música y danza flamenco, profundizan el dramatismo de la obra. Excelente la actuación, canto y coreografía de todos los que conforman el elenco. Una obra para meditar sobre los círculos enfermos a los cuales no se puede salir por no permitir resignarnos , asumir la realidad y buscar los caminos alternativos para alcanzar la felicidad.

No estamos acostumbrados a ver en Buenos Aires, este tipo de puesta en escena, utilizando al flamenco como marco expresivo, lo que le da a la obra un toque personal. Muy buenas los cuadros coreográfico, en un escenario adecuado y que realzan el esfuerzo. La obra se presenta en Hasta Trilce del 24 de marzo al 19 de mayo, todos los días sábados a las 19 hs.

Etiqueta azul es una obra de suspenso, un thriller de dos personajes de entre 22 y 28 años, un hombre y una mujer que se despiertan una mañana en un departamento en microcentro. Están encerrados y no se sabe bien por qué. Para revelar ese misterio, deberán reconstruir qué pasó la noche anterior.

Etiqueta Azul nos adentra en una imbricada red de secretos, seducción, apariencias y prejuicios. Red erigida en torno a un sentimiento, omnipresente a lo largo de toda la obra: TEMOR. “La jaula se ha vuelto pájaro, ¿qué haré con el miedo?” (Alejandra Pizarnik) Paula y Juan experimentan esta sensación pero difieren en los motivos. Paula manifiesta terror al verse encerrada en una habitación con alguien que no conoce; Juan alberga la esperanza de ser aceptado, no sin cierta inquietud. Ambos personajes nos enfrentan ininterrumpidamente a un estereotipo: la diferencia de clases, determinada por la zona de residencia. Suscita en nosotros preguntas cuyas respuestas hemos de repensar y cuestionar: ¿cuán presente está dicho prejuicio? ¿Seremos capaces de vencer esta connotación negativa?

Las magistrales caracterizaciones y actuaciones atrapan desde el primer instante la atención del público. Malena Sánchez y Eliseo Barrionuevo hacen partícipes a los espectadores de un thriller, donde los nervios a flor de piel son inevitables.

FICHA TÉCNICA:

-Elenco: Eliseo Barrionuevo, Malena Sánchez

-Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

-Asistente de escenografía: Imanol López

-Diseño de iluminación: David Seldes

-Asistente de iluminación: Martín Fernández

-Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio

-Diseño de sonido: Sebastián Verea

-Diseño gráfico: Lía Parsons

-Dirección de gráfica y comunicación: Cynthia Levi

-Prensa: Duche&Zárate

-Foto: Gabi Machado/Estudio Machado Cicala Morassut.

-Foto de escenario: Hernán Gulla

-Maquillaje: Rou Recondo/Frumboli Estudio

-Peinado: Juan Manuel Cativa/Mala Peluquería

-Operador de sonido: Clemente Habiague

-Operador de luces: Ciao Senicato

-Asistente de producción: Dalila Carro

-Producción ejecutiva: Cristina Fridman

-Producción general: Patricia Liguori

-Supervisión dramatúrgica: Horacio Banega

-Autora: Patricia Liguori

-Asistente de dirección: Dalila Carro

-Dirección General: Joaquín Bonet

Funciones: Sábados a las 21 horas

Localidades: $ 250.- Jubilados y estudiantes: $ 220.-

El método Kairós – El Salvador 4530 / 4831-9663 / CABA

Amérika Arana

Reseña de Ariana Marín

Al entrar en la sala no llegas a un lugar común, llegas al apartamento de Clotilde, una señora de edad algo avanzada con mucho tiempo libre, al parecer demasiado tiempo. En esos huecos vemos como trata de llenarlo con tareas simples que terminan siendo catastróficas pero ella siempre tendrá su mejor cara. En un momento de, podría decirse, lucidez decide cambiar su manera de actuar con fallos porque al final su verdadero ser es catastrófico pero hermoso a la vez.

Rescato de este montaje la inocencia y la honestidad con la que Clotilde muestra su forma de ser, sin tabúes, sin vergüenza, vemos como dentro de esta señora vive un ser alegre que siempre busca la manera de disfrutar la vida por muy monótona que sea. Y en esa búsqueda de cambiar su desastre conocemos más de ella, esa señora que disfruta de las cosas pequeñas por muy tristes que se vean.

El trabajo de clown es impecable e hilarante, como debería ser. Con muy pocos textos acompañamos a Clotilde en su día y si no fuese porque el trabajo de cuerpo y acción está muy bien hecha sería una pieza sumamente aburrida, pero no lo es. No hay ningún momento en donde le quieras quitar la mirada a la protagonista solo para ver qué ocurrencia puede surgir.

Ficha técnica

Funciones: viernes, 22 hs.
Lugar: Teatro El Excéntrico de la 18° (Lerma 420, CABA)
Entrada: $ 250 | Estudiantes y jubilados: $200
Reservas: Alternativa Teatral | 4772-6092
Duración: 60 min.
Facebook: Compañía Clowneros

Actuación: Juliana Ramírez

Dramaturgia: Santiago Legón, George Lewis y Juliana Ramírez

Diseño de Escenografía, Utilería y Vestuario: Analía Gaguín

Realización de Vestuario: Verónica Dorado

Diseño de Luces: Christian Gadea

Edición de Sonido: Martín Pompei

Ilustración y Diseño Gráfico: Inés Narvarlatz

Fotografía: Santiago Legón

Prensa: Octavia Comunicación

Producción General: Compañía Clowneros

Asistente de Dirección: Santiago Legón

Dirección: George Lewis

Reseña de Paula Fossatti

Este unipersonal deleita al público reviviendo un personaje que lleva más de 40 años en el teatro, el Loro Calabrés, que representa diferentes trayectos de la carrera de Juan Carlos Soriano que tiene 88 años, con una sensibilidad que nos mantiene todos los sentimientos a flor de piel.

Vino de Italia, vivió en un barrio porteño y nunca quiso irse de allí; los personajes de ese lugar llenaron la vida de Pepe, cada uno guardaba su propia idiosincrasia y sus miserias, todos ellos fueron parte de su familia.

Soriano te hace revivir un carnaval que solo él conoce, como también te hace rememorar una ausencia que guarda en su pecho desde muy pequeño. Sin dudas el Loro Calabrés tiene la obligación de existir ya que por medio de él Pepe es capaz de hablar de sí mismo, de cómo duele la vejez, la soledad, la enfermedad del incomprendido, como el paso del tiempo te hace polvo y olvido.

En el escenario nos encontramos con una guitarra que recita la lealtad de alguien que alguna vez quiso abrazar a una mujer con amor, pero no pudo… una mesa con dos libros, en el que un texto nos recuerda una América Precolombina, una América que se podía hacer valer por sí misma, también hay un retazo de diario que deja entrever las nefastas producciones televisivas a la que estamos sometidos en la actualidad, del cual Soriano con justa razón hace una queja de ello, y por último un pan enorme que multiplica sus pedazos con el público en el nombre de su afán de interrogarnos si somos capaces de querernos un poco más los unos a los otros.

En lo personal, deseo que el Loro siga contando para siempre.

Teatro El Tinglado.

Mario Bravo 948 . Almagro

CABA

Domingos 16:30

Por Maximiliano Pouchan

Emocionarse ante la mirada estremecida de quien hace el amor. Estar desnudo sin estarlo. Vestir otra piel, mutarla, turbarla, sacudirla, impactarla. Respirar el mismo aire y transpirarlo al unísono. Hablar con todo el cuerpo y no decir nada, porque no hace falta.

Teoría de mi cuerpo enamorado es una sucesión de imágenes hipnóticas enlazadas por el lenguaje de la danza. La virtud de estas imágenes es capturar la intimidad y desentrañar la verdad que vibra en ellas.

Al ingresar a la sala, uno se sumerge inmediatamente a una realidad alterna, de ensueño. La luz hace el primer gran aporte, con claroscuros y colores intensos. Todo está dispuesto para verse a dos frentes, aunque no hay un espacio necesario y obligatorio para ser espectador. La obra se desarrolla libremente por los lugares que debe transitar y podemos ser testigos perfectamente de todo, incluso de cosas impensadas.

Los intérpretes, ya en escena, se buscan y se perciben, necesitándose. Están envueltos en una suerte de transito caótico y suspensión de una realidad embriagadora. Están sutilmente vestidos. A simple vista parecen iguales, aunque son muy diferentes

La música es hermosa y bajo los efectos de ella, irán desplegándose en escena encuentros y vínculos en una armonía perfecta. Todo se ira transformando y adquiriendo dimensiones impensadas, seremos testigos privilegiados del leguaje oculto en el universo del amor.

Luciano Cejas, con mucho talento, maneja el espacio y el tiempo. Suceden muchas cosas en escena y cada una de ellas tiene su punto exacto y su medida justa para ser percibida. Y más allá de la danza y la técnica, claramente prioriza la interpretación. Sin duda es lo que hace la diferencia. Todos y cada uno de los que habitan este escenario, están desnudos física y emocionalmente, explorando su vulnerabilidad, tomándose los respiros necesarios, registrando y transformando este suceso en belleza.

Intérpretes: Bernardo Villafañe Doric, Camila Cardona, Carola Silva, Claire Hermaszewski, David Gutiérrez, Isaac Tablante, Jorge Yañez González, Juan Pedro Carrere, Juliana Oubel, Lucía Villanueva, Manuel Quesada, Maoi Fernandes, María José Sormani, Mora Mariani, Pilar Villadangos, Rodrigo San Sebastián, Sofía Pereyra Radetich y Tian Aviardi.

Producción: Ana Florencia Blejer Community Manager: Guadalupe Peralta Cáceres Asistente de Dirección: Micaela Rivetti Jefa de imagen: Pamela Dávalos Diseño de iluminación; Paula Garcia

Dirección artística y coreográfica: Luciano Cejas

Duración: 55 minutos Público: Adultos

Teatro IFA, Centro de Experimentación Teatral; Scalabrini Ortiz 326 CABA; Sala: Alicia Zanca, sábados a las 21

Reseña de Nicolás Katopodis

La obra más trágica y fantasmagórica, según algunos, de William Shakespeare, es uno de los clásicos que mayor veces se ha representado a lo largo de la historia: Macbeth. Aun así, Roberto Aguirre, premiado en el año 2000 como mejor director de la Provincia de Buenos Aires, supo dirigirla sin caer en lugares comunes, y dándole cierto, o completo frenetismo.

Con varios detalles a destacar, como el uso permanente del escenario y sin cortes tradicionales, el director y el elenco, conformado por Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Salez y Diego Gallardo representaron Macbeth con mucha suspicacia, y dio un gran resultado.

Las escenas que nacen de la iluminación que apuntan a Macbeth, o a su Lady en otros casos, solos, recitando unas líneas de manera muy dramática, son fundamentales para el desarrollo de los personajes. El autor de la obra original les dio, en especial a ellos, gran personalidad que el lector puede ir desmenuzando a medida que lee la obra; aquí pasó lo mismo. En reiteradas ocasiones, era explícita la construcción que los personajes hacían de sí mismos (sobre todo el principal), sin embargo, es importante las actuaciones en segundo plano de los otros, también.

Un consejo al lector: haber leído la obra antes. Una de las razones sobre esto son los numerosos papeles que tienen algunos actores, como por ejemplo Mauro Sález, que pudo hacer una gran interpretación de una de las brujas, y de Macduff. Es difícil para alguien que no esté familiarizado con el argumento, identificar cuándo un actor interpreta a un personaje o a otro. Además, otra premisa auténtica que se pudo apreciar, más allá del escenario en el que se puede observar desde el inicio hasta el final a los actores, son los efectos lumínicos que los mismos que están en escena encienden, que causa un punto de gran conmoción y de importancia en la historia.

El ya mencionado Sález tuvo una gran actuación al interpretar a más de un papel sobre el escenario. Supo utilizar las cuerdas vocales como una herramienta eficaz en su papel, al igual que las líneas que cantó Amanda Bond, que fueron importantes es los momentos cúlmines. Asimismo, Miguel Nocera pudo darle al personaje principal un aspecto de arrepentimiento, y así esparcir ese karma por toda la sala.

AGENDA
Estreno: sábado 10 de marzo, 20:00 hs.
Funciones: sábados, 20:00 hs.
Lugar: Actors Studio ( Av. Díaz Vélez 3842, CABA)
Reservas: 4958-8268
Entradas: $250 | 2×1 con Club La Nación, Clarín 365, Sagai, Club Escena.
Duración: 75 min.
Trailer: «Macbeth, dir. Roberto Aguirre«

Ficha técnica
Elenco: Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Sález, Diego Gallardo.
Asesoramiento Vocal: Flor Fränkel
Coreografía: Omar Saravia
Máscaras: Diego Gallardo
Iluminación: Martín Hoffmann
Vestuario: Trini Muñoz Ibáñez
Fotografía: Antonio Fernández, Federico Pérez, Aldo Ballarini
Gráfica: Patricio Pérez Ututo
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Amanda Bond
Adaptación y Dirección: Roberto Aguirre

Reseña de Agustín Arosa

Parece difícil que un hecho exceda al generoso espacio que impone el CC 25 de Mayo, sobre todo un Lunes. Travestisong no participa del exceso, pero sin embargo, tiene algo que ofrecer: una rítmica escapular a contraluz.

Es ese episodio el que nos introduce en sus primeros momentos con 11 actores esgrimiendo una amenaza. Pronto eso que pensamos que era nos deja confundidos. A travestisong le dijeron “cantate una que sepamos todos” y accede, pero no gratuitamente.

Cuadros musicales se suceden sobre tacos y batallas coreográficas (y sí, la pieza es demandante físicamente). Los jóvenes le prestan el cuerpo y la afrontan simultáneamente. Indudablemente tiene humor, pero quizás no se le presente de modo directo.

Sucede que la obra es una pequeña intensidad para la amplitud del complejo. Por eso, a la inversa, el espacio “le queda chico”. El lugar, el día, la ropa, casi todo parece raro; uno quizás duda. Es que la obra desafía nuestro imaginario para plantear hechos posibles; esto es su travestismo. El taco y el pantalón cortito son meros significantes para apuntalar otra cosa. Lo que usted espera se presenta en cueros distintos, y la actitud de demandarle al otro que cumpla nuestras expectativas debe ser replanteada: la pieza no vino a revolucionarnos, ni busca sorprendernos, no necesita justificarse para explotar su existencia de brillantina y canciones reinas. Por cierto, el homoerotismo y la estética del sexo no son recursos trillados de la danza, sino un deber coyuntural.

Travestisong se presenta como un Showchoir herético que vale la pena visitar.

Travestisong:

Lunes 21.00hs, CC 25 de Mayo (Av Triunvirato 4444)

Autoría, Dirección y Coreografía: Carlos Casella

Actores: Braian Bre, Javier Crespo, Lucía Giannoni, Diego Gómez,Abril Lis Varela, Natalia López Godoy,Emmanuel Palavecino, Ignacio Emanuel Plaza, Camila Puelma Wright, Matías Rebossio, Lucila Sol Roberto.

Vestuario: Cecilia Alassia

Iluminación: Paula Fraga

Producción musical: Martín Bosa, Tomás Carnelli

Fotografía: Camila Castro Grinstein

Asistencia de dirección: Cintia Dattoli

Producción: Lucas Sánchez , Analía Thiele

Terminada la segunda guerra mundial, el cine italiano a través de un movimiento denominado “neorrealismo”, sorprendió al mundo con sus historias, generalmente de gente simple, muchas veces peleando por una miga de pan, un rayo de sol ó una bicicleta. Pelendo. O compartiendo lo poco que tenían. Una segunda oleada peninsular nos trajo las comedia a la italiana: dinámicas, exageradas, graciosas, solían mezclar alegría con tristeza en conmovedora conjunción. Inmediatamente, la tercera ola itálica, nos trajo las populares canciones de amor. De ellas es deudora el musical “Amado Mio”.

Una suerte de maestro de escena, reflexiona a público en torno al amor, y lo hace con influjo poético, en tono de confidencia, y nos presenta, prologa, los cuadros musicales diseñados para cada historia/canción. Donde el amor es filo, es engaño, es pasión, celos, locura, es belleza, asombro… es canción. “Ancora”, “Come prima”, “Ho capito che ti amo”, “Amore mio”, son algunas de las canciones que rezuman un candor ya ido, mezcla de impostura y pretérito arrebato. A “Amado Mio” le sienta mejor la denominación de espectáculo, mas que la de obra teatral. Y lo es en una medida sin estridencias y con elaborado buen gusto. De los intérpretes, sobresale Florencia Benítez, posee un atractivo singular (en este espectáculo rozando lo andrógino), con una voz potente y bien dosificada, transmite inquietud a la platea. Excelente trabajo el de esta actriz. Ángel Hernández, Esteban Masturini y Emmanuel Robredo Ortiz, completando el elenco, juegan con coreografías que van de lo sensual a lo kitsch, e interpretan roles y canciones con la particular expresividad de cada uno, buen trabajo de los tres. Los momentos en los cuales intervienen con el público logran una lúdica empatía.Willy Lemos como una suerte de demiurgo presentador, su trabajo es lábil y sugestivo. La música en vivo, permite el mayor lucimiento de los actores y brinda una sensación de presencia, de actores y público, haciendo más atractiva la propuesta. Muy buena la dirección de Valeria Ambrosio.

Actúan: Florencia Benitez, Esteban Masturini, Emmanuel Robredo Ortiz, Ángel Hernández y Willy Lemos

Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge

Coaching Actoral: Willy Lemos

Arreglos, Dirección y Producción Musical:Matías Chapiro

Piano y Melódica: Matías Chapiro

Flauta y Saxo tenor: Juan Sak

Violoncello y Contrabajo: Adrian Speziale

Colaborador para Dramaturgia: Sebastian Suñé

Vestuario: Calandra-Hock

Escenografía y Arte:www.adiaznavarro.com

Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Producción Ejecutiva: Franco Gandullo

Asistente de Dirección: Leo Gaetani

Idea y Dramaturgia y Dirección: Valeria Ambrosio

Redes Sociales @amado.mio.musical

Todos los viernes, sábados a las 21:00 hs y los domingos a las 20:00 hs.

Maipo Kabaret – Esmeralda 443

Entradas: desde $250

En la boletería del teatro o en Plateanet

A.R Belano

Reseña de Agustín Arosa

Momentos antes de ingresar a la sala para experimentar Compañía uno podría anticipar – sin equivocarse demasiado – situaciones y giros argumentales: compañía, un número 3 y un armado espacial explícito arrebatan entre paréntesis la fantasía del espectador. Pareciera que está todo dicho; de todos modos quizás sea parte del juego verificarlo.

Primera comprobación: Osvaldo ingresa a la escena y busca habitarla, acto seguido acude Ana a su juego. Dilucidamos, a partir de este encuentro, los avatares de la relación: sin escucha, sin encuentros, sin pasión. Como público entendemos y comprobamos, percibimos monotonía… aún así deseamos encontrar algo. Esto sí puede escapar a la inferencia: esa sensación no es nuestra, los personajes, en su historia, han entendido, comprobado y los mueve, aún así, el deseo de encontrar algo más dentro de su cotidianidad. Un acierto por parte de la dirección ha sido presentarnos sin maniobras lo trivial de una conversación. Es este gesto de honestidad el que habilita una relación empática con la pieza.

Poco a poco la problemática se desenvuelve al tiempo que se anuncia a sí misma. No implica esto un problema: si usted se impacienta por una sorpresa es porque los personajes lo han ingresado a la situación y le piden que haga fila. En Compañía todo permanece, lo que se muestra es lo que es de manera franca, sin lugar a interpretaciones enrevesadas o demandas de prepotencia, si estamos allí es para teñirnos del cuadro armado. En su simpleza y humor los personajes dinamizan el hecho estático por medio de sus relaciones conflictivas. Dos o tres imágenes en la puesta sirven para condensar aquello que circula pero que dificilmente se muestra: el deseo. Los personajes se preguntan, afirman, luego dudan, no están seguros de cuál es la forma de su malestar, se arriman inocentes a respuestas provisorias que se frustran en cada tacto. La garantía de compañía es una duda y no una certeza, también puede fracasar.

Hablando de los actores, es preciso reconocer la entrañable narrativa que despliegan, creciendo a medida que complejizan sus vínculos en escena y aportando cada uno su idiosincrática cuota de humor.

Compañía se presenta como una apuesta al realismo con franqueza y sin maniobras. Tal gesto merece, al menos, nuestro sensato acompañamiento.

Ficha Técnica

Dramaturgia: Eduardo Rovner

Dirección: Roberto Lachivita

Actores: Gabriela Barrios, Jorge Noya, Karina Scheps

Diseño de vestuario: Laura Staffolani

Diseño de luces: Daniela Garcia Dorato

Coreografía: Jorge Rodriguez

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Fotografía: Gonzalo Cortéz

Producción Ejecutiva: Camila Castro, Ana Paula Figuerero

Producción General: Karina Scheps

Funciones: domingos a las20.30hs
Teatro: El Método Kairós
Dirección: El Salvador 4530
Teléfono: 011 4831-9663
Mail:info@elmetodokairos.com.ar
Entradas generales: $ 250
Entradas estudiantes/jubilados: $220
Entradas 2 x 1 c/ Club La Nación: 2 x $ 250 (cupos limitados)
Reservas:http://www.elmetodokairos.com.ar/reservas.php