Desde el 26 de Enero, inició su segunda temporada «Sonbre Mirjana y los que la rodean» en el Teatro Picadero. Es la historia de una mujer, mostrada en su faceta externa e interna. Porque Mirjana también nos cuenta lo que piensa mientras toma café y fuma.

Son escenas sueltas, que conforman un mosaico de emociones, como por ejemplo, cuando Mirjana dialoga con su ex -marido al que trata de hacerle entender que debe romper el vínculo. Ella le repite “No me llames, más”.

Mirjana tiene una hija, mantiene encuentros con su madre, a la cual ve partir, un amante. Es una obra que a través de la interpretación de María Onetto, excelente actriz de teatro, con la autoría de Ivor Martinic ( dramaturgo croata), con la traducción de Nikolina Zidek, es una excelente puesta en escena, con un diálogo fluido, que apunta a los vínculos, a las emociones de una mujer y ese mundo que la rodea, que también reacciona a sus respuestas. La obra también exalta el pensamiento interno de una mujer a la que le pasan cosas, en escena se muestra ese dialogo consigo misma, sus acciones, sus vínculos, sus sentimientos.

La acompañan a la actriz Maria Onetto, el actor Fernando Contigiani Garcìa, quien trabajo también en la obra Parias, el actor Gabo Correas en el rol de Jakovquien también fue protagonista del Inspector, Flor Dyszel en el papel de Grodzana que interpretó también Por tu Pelo Sala, Mauricio Minetti en el personaje de Simón, Marcela Guerty como Ankica, Agustina Graba como Verónica y también LIde Uranga en el papel de Violeta.

Del autor rescato sobre su obra, esta frase: ‘No te preocupes por la vida, lo que importa es que vos estés bien’ ¿Cómo llegar a ese vos? ¿Quiénes somos , de todas formas? ¿De qué estamos hechos?

Y como cierre rescato el comentario del Director de la obra, Guillermo Cacace que es la segunda obra que trabaja de Ivor Martinic. El director en esta obra es muy importante porque ocurre en todas, pero en obras tan pensantes, de tanto símbolo para expresar el mensaje, la puesta en escena y su dirección es muy importante para lograr el objetivo. Y Guillemo Cacace lo ha logrado y dice “Esta obra habla de mujeres que van pudiendo algo. Porque hay que poder irse, hay que poder vivir y hay que poder morir. Algunas veces ninguna de estas cosas son fáciles”

LA TERAPIA DE LA RISA

En la guardia de un hospital público asistimos a un show cómico y desvergonzado que devela las historias cotidianas que circulan por sus pasillos.

Roberto Peloni, actor multifacético que pasó tanto por el teatro musical y el teatro clásico, y por la tv, llega por primera vez solo a un escenario. En el Maipo Kabaret presenta todos los miércoles y viernes Pelointensivo, un espectáculo realizado en el marco del festejo por el 50º aniversario del café concert, en el que pone a dialogar en la guardia de un hospital público a un variado conjunto de personajes border. Por el espacio frío e impersonal con escasas sillas y pantalla de turnos, desfila Tatiano, un joven marginado por su condición de productor excesivo de hormonas que le dan un escote prominente que debe examinar con rutinarias mamografías. Conocemos también a Selva, una lesbiana peronista que aguarda en la guardia por la llega de su hijo, al Dr. Donald, un payamédico que difunde su método sanador acompañado de un títere, y a Pianita, una empleada de limpieza del hospital que trabaja tantas horas como las que viaja para llegar.

Si bien el espectáculo usa como plato fuerte el humor ácido e incorrecto, los personajes creados por Peloni también reflexionan profundamente sobre el bullyng, las familias homoparentales y disfuncionales, la política actual y la explotación laboral.

Una mujer que sorprende por su empuje para el trabajo duro, cuenta que trabaja doce horas y viaja seis horas, que cuida a una sobrina y a un marido deprimido que la espera en casa. Narra las miserias cotidiana de la limpieza hospitalaria pero no deja mencionar lo contenta que está con su presente. Pasa el trapo por donde hace un momento caminó Tatiano, que fue a dejar una muestra del producto de sus ubres. Él reniega de su madre, por la exclusiva alimentación a base de pollo que le dio. Como consecuencia, porta una camisa por la que asoman pechos rebeldes que expiden leche en cualquier momento y lugar. El tono agitador y más político lo aporta Selva, murguera de alma, largos rulos y actitud física intimidante. Una lesbiana asumida y orgullosa que saca los trapitos al sol de la vida en pareja. Por otro lado, el Dr. Donald, un confeso amante del orden y de la política derechista que, acompañado por su gato Mau, adoctrina al público con canciones polémicas. Los espectadores, como acompañantes que esperan en la guardia, se hacen partícipes de estos personajes queribles y extraños, herencia de intérpretes como Urdapilleta, Gasalla y también de Enrique Pinti.

El marco del centro de salud está pensado a partir de las propias vivencias del actor, en las que que el productor Lino Patalano supo ahondar, para impulsarlo en la construcción de este proyecto tan personal. Peloni es oriundo de Lanús, donde transcurrió una vida marcada por carencias económicas en un barrio que giraba en torno al Hospital Evita. Allí su madre obtuvo su primer trabajo como cuidadora de enfermos, allí falleció su padre chatarrero, allí trabajaron su tía y su abuela. Incluso Roberto inició una carrera de enfermería terminado el secundario, que abandonó cuando descubrió la magia del teatro en un taller barrial gratuito.

Protagonizó el musical más comercial The Rocky Horror Show, y El cabaret de los hombres perdidos, un formato mucho más under. También formó parte de Shrek, donde la gran interpretación de Lord Farquaad le valió el galardón de oro en los Premios Hugo 2015. Actualmente forma parte del programa televisivo Morfi, todos a la mesa, y de Cyrano de más acá, una adaptación criolla de la obra de Edmond Rostand.

Estamos frente a un actor al que le tocó el camino arduo, del que no reniega, sino que lo aprovecha para crear estos seres, basados en algunos aspectos de la realidad que le tocó vivir. Irreverentes, con ideologías muchas veces opuestas, que ante todo son sinceros y se muestran tal cual son. Pelonintensivo es un despliegue de talento y entrega creativa y física. Unipersonal mezcla de teatro, reality show y café concert, en el que estos variados personajes interactúan con otros que podemos ver a través de pantallas ubicadas en los laterales del escenario. Una propuesta original, divertida y desprejuiciada, que despierta risa y ternura.

Ficha técnico-artística:

Actor: Roberto Peloni

Libro: Sebastian Meschengieser, Roberto Peloni

Colaboración autoral: Elio Marchi

Escenografía y vestuario: Vanesa Abramovich

Diseño de luces: Gonzalo González

Diseño y grabación musical: Miguel Angel Cino

Arreglo vocal: Raul Oliveira

Diseño de maquillaje: Santiago Castro

Vestuarista: Susana Signorini

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño grafico: Pablo Sultani

Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán, Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Dirección audiovisual: Talo Silveyra (Nebraska Films)

Producción audiovisual: NUBE contenidos

Colaboración artística: Malena Guinzburg y Claudio Tolcachir

Coordinador de producción: Sebas Rojas

Producción ejecutiva: Tamara Bur

Producción artística: Lino Patalano

Sala: Maipo Kabaret – Esmeralda 443, CABA. Miércoles 21:00 y Viernes 23:30. Entradas desde $250

Melina Martire

Hermanos de sangre es la adaptación de un musical del West End , y que posteriormente tuvo su versión en Broadway. Ahora la producción se encuentra brindando funciones en el teatro del globo , y sin envidiarle nada a las propuestas comerciales , podemos verla de viernes a domingo con la participación estelar de Julia Zenko y gran elenco.

La obra de teatro musical de Willy Russell, dramaturgo y compositor, circunda supersticiones, pasiones e historias de vida y ahonda en el precio que se debe pagar cuando el vínculo de los hermanos se desgarra por una separación y los instala en dos familias y espacios diferentes.

Aún con estas realidades socio-económicas tan distintas los dos niños terminan siendo mejores amigos construyendo un vínculo particular a lo largo de los años.

La sra Johnstone (Julia Zenko) es una mujer a la que suceden dos cosas particulares , la primera es que la persiguen las desgracias, y la segunda es que no puede parar de concebir hijos . Estas dos cosas combinadas hacen que tenga constantes problemas económicos que no les permite criar adecuadamente a sus hijos , además de la amenaza de que el gobierno se los pueda quitar. Estando sola y abandonada por el hombre con quien estaba , comienza a trabajar en una mansión realizando la limpieza del lugar, todo parece marchar bien hasta que descubre que está nuevamente embarazada , no de un solo niño sino de dos , cosa que pone su vida en aprietos. La mujer para la que trabaja resulta que no podía tener hijos propios y su marido se niega a adoptar, al encontrarse el hombre fuera de la ciudad por un largo tiempo, le propone a la sra Johnstone que le regale a uno de sus hijos , una decisión dura pero que será la solución para ambas mujeres. A la fuerza los mellizos son separados y surje aquel mito de que si ellos en algún momento descubren su parentesco ambos morirán. El tiempo pasa y ellos se terminan conociéndose y convirtiéndose en grandes amigos a pesar de que los demás intenten evitarlo. El paso del tiempo hace que esta conexión sea inevitable y que el peligro siempre esté al acecho.

La propuesta resulta muy interesante desde su premisa , que aunque resulte predecible el desenlace , el público disfruta de todo el proceso en que transcurren los hechos. La obra se toma todo el tiempo necesario para construir la historia , desde la concepción del plan de separar a los niños , el crecimiento de estos hermanos desde su niñez hasta su vida adulta donde se marcan cada vez más las diferencias de clases sociales. Conocemos el amor , de los hermanos , de aquellas madres hacia sus hijos y también los errores que cada uno comete y sólo hacen que se cumpla ese destino supuestamente ya escrito.

La participación de Julia Zenko en la obra es más que notable , desde el carisma que emite con la interpretación de una madre sufrida hasta el potente registro vocal que posee. De todos modos el protagonismo para por el lado de sus hijos , quienes deben mostrar su crecimiento en todo el transcurso de la obra . Mariano Taccagni y Gonzalo Almada hacen de los hermanos Johnstone unos personajes inocentes y sinceros en sus emociones , cosa que va cambiando con el paso del tiempo de la brecha social. En general hay un buen trabajo del elenco , plasmado sobre todo en los números musicales , que insiste recordarnos las épocas de Marilyn Monroe.

La puesta escénica se mezcla con recursos audiovisuales que son útiles para ubicarnos en tiempo y lugar de los hechos . Las luces y escenario permiten el despliegue de los actores con total libertad , luciendose en números como los cierres de acto y los momentos donde nos recuerdan la profecía a cargo de Alejandro Vázquez como el narrador de la historia.

Hermanos de sangre es un musical que nos cuenta la tragedia de dos hermanos separados al nacer , que crecen juntos para cumplir un destino que se encuentra escrito. Lo interesante de la propuesta es ver todo el proceso en que los hechos suceden , dando a conocer los motivos por los cuales los personajes actúan y cometen errores. Una obra musical muy interesante , con una Julia Zenko que brilla con su presencia y una buena elección del elenco. Oportunidades hay para verla ya que tiene varias funciones en la semana , cosa que vale la pena apoyar a estos proyectos que no tiene de qué envidiarle al teatro más comercial.

Sonia y su tío Iván viven en Carmen de Patagones, un pueblo del sur del país. Tienen un hostel en el que viven y trabajan, y además ensayan para sus recitales. El único huésped se llama Pablo, un médico joven que no sabe hasta cuándo va a quedarse.
Con la llegada de Alejandro -padre de Sonia- y su nueva mujer Elena, la convivencia empieza a incomodar.
Cinco vidas a la deriva entre canciones, dulces caseros y fracking.

Ir al Camarín de las musas siempre es agradable, había escuchado hablar bastante de esta obra, y quise ir a verla. El amor es un bien está basada en la Tío Vania, el clásico de Antón Chejov , esta obra representa un conflicto familiar, en el cuál la falta de amor, las malas elecciones y la soledad son parte de este mundo.

Sonia es una joven que ha sobrevivido a la masacre escolar del 2004 en Carmen de Patagones, también pudo sobreponerse a la perdida de su madre. Ella vive con su tío Iván en un hostel que manejan juntos, cuyo único huésped es un médico el cual no paga a tiempo ya que renunció a su trabajo. Ella quiere ser cantante, y su tío aprendió a tocar la guitarra para acompañarla y hacer realidad su sueño. Reciben la visita de Alejandro, padre de Sonia, jubilado recientemente con un carácter poco amigable, y en pareja con Elena, una joven que apenas pasa en edad a Sonia. Los ánimos se crispan y comienzan los conflictos cuando Alejandro decide vender el hostel sin importarle lo valioso que es para su hija.

Un escenario prácticamente vacío donde transcurre un drama sólido con un aire de frescura y reminiscencias de Chejov versión rural, aunque por momentos se torna demasiado lenta, y roza lo aburrido. Las actuaciones están acorde, se destacan José Escobar (Iván) y Rosario Varela (Sonia). Una obra que representa los diferentes estados de amor y soledad en las personas y la lucha por salir adelante despertando sentimientos que parecían escondidos.

Actúan: Manuela Amosa, José Escobar, Diego Faturos, Jorge Fernandez Roman y Rosario Varela

Diseño de muebles: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño de luces: Ricardo Sica
Diseño gráfico: Martín Speroni
Fotografía: Nora Lezano
Prensa: Carolina Alfonso
Producción ejecutiva: Zoilo Garcés
Asistencia de dirección: Ignacio Gracia
Dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman

Este espectáculo es una producción de Moscú Teatro

REESTRENO CUARTA TEMPORADA: 6 DE ENERO 2018

Funciones: En enero: sábados 22.30 hs

En febrero: sábados 22.30 hs y domingos 20 hs.

Duración: 80 minutos.

Entre el 1 y el 11 de febrero, llega a TIMBRe4 la 6ta edición consecutiva del Festival Temporada Alta en Buenos Aires (TABA). En esta nueva edición, se presentarán espectáculos provenientes de España, México, Perú, Uruguay, Chile, Francia, Brasil y Argentina. La programación incluye: la semana catalana, mesas de conversación, workshops, charlas y debates post función, actividades especiales, y el ya clásico y esperado Torneo de dramaturgia transatlántico, entre otras actividades. Las entradas se pueden adquirir a través de la web de TIMBRe4: www.timbre4.com.

Con pluralidad de montajes y artistas procedentes de diversos países, culturas y formaciones artísticas, la edición TABA 2018 brindará diferentes formas escénicas que se distribuirán por las tres salas de TIMBRe4, fundando un escenario para vivir dos semanas de variedad teatral. Clown, circo en pequeño formato, performance, teatro físico, música, marionetas, danza, entre otras propuestas, deleitarán la cartelera teatral porteña de febrero con cruces de universos que incluyen temas como: memoria, historia, marginación, discriminación, migración, dictadura, genocidio cultural, identidad, violencia y explotación, entre otros.

El jueves 1 de febrero, 19 h, se inaugurará la 6ta edición de TABA, organizado por TIMBRe4 y el Festival Temporada Alta de Girona, un clásico del verano argentino por el que ya han pasado más de 25 compañías (nacionales e internacionales) y más de 22.500 espectadores desde su primera edición en 2013. Cabe destacar, que Temporada Alta es el festival de artes escénicas que se celebra en las ciudades de Girona y Salt durante los meses de octubre, noviembre y diciembre. En las últimas encuestas, profesionales españoles lo han considerado como el festival más prestigioso de España.

Claudio Tolcachir destaca: “Imaginamos un espacio de encuentro. Un lugar de aprendizaje, de cruce, de mezcla. Donde mirarnos en la mirada de otros mundos para crecer y reconocernos. Estamos tan solos y el teatro solo existe por el encuentro físico entre nosotros. Respirarnos, cuestionarnos, desconocernos, aceptarnos. México, Chile, Uruguay, Perú, Argentina, España y Francia se suman este año. Más talleres, workshops y el ya legendario torneo de dramaturgia. No puedo imaginarme un proyecto mejor en este instante del mundo que juntarnos con esto que amamos y nos quema el cuerpo y poner todo ese fuego juntito a trabajar. Los esperamos con más ilusión que nunca de que el teatro hace bien.”

Desde la edición 2015, el festival tomó expansión en otros países. Ese mismo año, llegó a Uruguay, y en 2016 se celebró la primera edición de Temporada Alta en Perú. Esto amplió la repercusión del evento, que se repetirá en esta nueva edición, ya que se desarrollará en simultáneo en ambos países.

La programación de la semana catalana 2018 en TIMBRe4, está conformada por tres producciones y el torneo de dramaturgia. En esta edición, el artista catalán Quim Girón presentará la propuesta de teatro físico: Indomador. Circo, danza y música conforman un espectáculo que nos muestra la fuerza incontrolable que todos tenemos dentro y nos conecta con nuestra animalidad más profunda. Cuerpos transgénicos, verticales, acrobacias con tacones, cuchara dentro de la nariz, lucha de gallos, danzas rituales.

La grilla catalana continúa con PLUJA, un trabajo excepcionalmente íntimo y cercano. Un espectáculo no convencional, con un público reducido que se encontrará cerca de la escena. La música de la pianista y compositora Clara Peya, creada especialmente para la ocasión, y el teatro de marionetas de Guiillem Albà se encuentran en un viaje poético, mágico y con toques de humor.

La tercera propuesta que llegará a Buenos Aires desde Cataluña es Psicosis de las 4.48 de Sarah Kane, interpretada por Anna Alarcón. La obra explora la región de la mente que la mayoría de los seres humanos desearía no tener que visitar nunca. Cabe destacar, que hasta el momento todas las presentaciones fueron en catalán, y en esta oportunidad será la primera vez que se realice en español. Alarcón recibió el Premio BBVA como Mejor actriz de teatro 2016.

Por Uruguay se presentará la obra Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón, interpretada por la reconocida actriz uruguaya Estela Medina con dirección de Levón. Medina, fue discípula de Margarita Xirgu en la primera generación de egresados de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático (EMAD) de Montevideo y primera actriz de la Comedia Nacional del Uruguay hasta 2008. Es preciso destacar que es la actriz más premiada del teatro uruguayo. El unipersonal ilumina el camino de un viaje a la memoria de Margarita Xirgu. El estreno mundial de la pieza tuvo lugar en marzo de 2017 en dFeria en Donostia, España.

Desde Perú, vendrá Savia un texto de Luis Alberto León, versionado y dirigido por Chela De Ferrari, fundadora y directora artística del Teatro La Plaza. La obra se inspira en una etapa poco revisada de la historia de Perú, la violencia y los abusos que sufrieron los indígenas amazónicos por empresarios caucheros. Esta pieza nace del festival de teatro Sala de Parto, y es la segunda obra de una trilogía que narra tres momentos críticos de la historia de Perú. Una obra intensa, como intensa fue la historia.

Por Chile, con dirección de Rodrigo Soto y dramaturgia de Gerardo Oettiguer se presentará Pompeya. La desaparición de una amiga en Santiago detona una crisis en un grupo de travestis, poniendo en riesgo sus vidas y las de sus rivales colombianas. “El travesti es una excusa para hablar de un Chile que trata a su gente como inmigrante en su propia tierra. Somos nosotros mismos excluidos”, cuenta el director. La obra se estrenó en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) con excelentes críticas y repercusiones en el público.

La segunda propuesta chilena es Yo maté a Pinochet un monólogo escrito e interpretado por Cristian Flores, el cual a través del personaje pone en relieve cómo la memoria permite un ejercicio crítico de evaluación del presente, no siempre grato de aceptar y de escuchar. La obra nos mostrará a Manolo, un ex combatiente de un grupo revolucionario marginado del relato oficial, quien nos cuenta sobre el reencuentro con personas de su pasado, a las que le confiesa, impulsado por la nostalgia, por el deseo de darle sentido a sus pérdidas, a sus decisiones y a su lucha, que él mató a Pinochet.

México estará representada por dos propuestas de formato íntimo por parte de la compañía Vaca 35, Teatro en grupo. Compañía que viene recorriendo festivales a nivel mundial, con sus creaciones. En TABA 2018 se podrán ver: Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar, versión a partir de Las criadas de Genet, obra emblemática del grupo, que, en sus más de 250 representaciones, se presentó en España, Cuba y México. La obra busca, a través de temas universales, indagar sobre el mundo, su violencia y su capacidad de marginación.

La segunda propuesta mexicana es Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar, creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov. La obra propone una indagación profunda sobre el hastío que nos rodea en las relaciones frustradas de lo cotidiano. Planteamiento extremo en base a la honestidad actoral y la brutalidad del tedio. Las propuestas de Vaca 35, Teatro, fueron muy bien recibidas en España y se basan en la interacción con el público.

En esta nueva edición, con el fin de continuar fomentando la expansión y el cruce de fronteras, participarán dos nuevos países: Brasil y Francia. Por Brasil, La Compañía Periplo presentará la obra Celebración de la realidad. Con dirección de John Mowat, trae a la escena cuentos de El Libro de los Abrazos de Eduardo Galeano. A través de un lenguaje sintético y bien humorado cada una de las escenas presenta el punto de vista de gente anónima y nos invita a reflexionar y cuestionar nuestra participación en la construcción de la Historia.

Por Francia, se presentará la obra Réparer les vivants (Reparar a los vivos), adaptación de la novela de Maylis de Kerangal por Emmanuel Noblet. Montaje sobre un trasplante de corazón: cómo el corazón de Simon, de 19 años, puede reemplazar el de Claire, de 50 años de edad. Con el suspenso y la velocidad de nuestro tiempo, Maylis de Kerangal nos ofrece esta historia que reconcilia la finitud y el genio humano.

Argentina estará representada por Teatro del Bardo y la obra El Cruce, adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga. Un cruce de universos donde conviven la literatura, la música y la danza. Formado en Entre Ríos, el grupo Teatro del Bardo, extendió su trabajo a diversos países de América Latina y Europa.

Como en cada nueva edición, el Mediterráneo y el Río de la Plata se medirán en el Torneo de dramaturgia transatlántico en el que dos autores catalanes (Laia Alsina Ferrer y Xisco Rosselló) se retarán en un ring con dos autores argentinos (Leonardo Hofman y Carolina Steeb). Los competidores leerán sus textos y el público, mediante votación popular, determinará el ganador. Los primeros enfrentamientos serán determinados por la organización del torneo mediante sorteo, y la lectura de los textos se hará sin develar los autores al público asistente, hasta la gran Final.

Con nuevos universos, diversidades, experiencias y contenidos artísticos, TIMBRe4 da comienzo a su temporada teatral 2018 con el encuentro que celebra la fusión de propuestas e intercambio. Una mixtura cultural donde el calor se convierte en el escenario para la celebración de las artes escénicas gestando vínculos y complicidades culturales. Desde el 2013, TABA es la cita teatral ineludible del verano argentino.

Las entradas para los espectáculos, están a la venta a través de la web de TIMBRe4: www.timbre4.com. Entrada general $280. Hay packs: 3 x 600 y un abono pack todo TABA x $2.100

La pieza se desarrolla en torno al vínculo entre dos matrimonios de adultos maduros, que transformarán un domingo rutinario y aburrido en un oscuro caos donde las miserias más profundas de cada individuo salen a luz. El Declive propone así una reflexión acerca del modo en el que construimos la felicidad y la posibilidad de cambiar de paradigmas aún en el último instante.

Tito y Antonio son amigos desde la infancia, Nelly y Susana, sus respectivas esposas también entablaron una amistad. Es un domingo tranquilo, como cualquier otro en el cuál se juntaron a almorzar como acostumbran a hacer.
Ellas se encuentran conversando mientras ellos están en el patio, Tito, el dueño de casa, es bastante inquieto y rezongón, se puso a ordenar aunque no encuentra nada y pide todo a su esposa. Ambas parejas paran a descansar y disfrutar de un café, pero
mediante una invitación que hace Nelly a un próximo almuerzo, la tranquilidad se ve irrumpida ya que ese día Antonio tenía planeado ir a pescar, Tito se enoja por el
rechazo y desencadena una discusión la cuál lleva a mostrar las miserias de todos.

El argumento tiene una linea y en determinado momento se cambia rotundamente el curso de la historia. Con actuaciones destacables, convincentes, y personajes muy
bien logrados, esta pareja de matrimonios, logra sumergirnos y hacernos parte de la discusión de ese living. El director describe la obra como “Una tragicomedia con tintes
realistas”, cuya descripción se asemeja a la temática que lleva “El loco y la camisa”, otra obra de Nelson Valente, que actualmente está en cartel con su octava temporada. Una obra contada a través de un realismo crudo, la obra aborda interrogantes y
conflictos universales del ser como el valor de la libertad, el desgaste propio de las relaciones y los mandatos sociales.

El Declive es una obra que nos invita a reflexionar acerca del modo en el que construimos la felicidad y la posibilidad que tenemos de poder
modificar el curso de las cosas.

En este unipersonal de Stand Up, Dalia Gutmann intenta explicar por qué las mujeres se comportan como se comportan, a través de su mirada humorística. Con canciones, hay una sorpresa en mitad del show, videos y un monólogo de más de una hora.

“Cosa de Minas” es un unipersonal de stand up que intenta explicar con humor el particular comportamiento femenino. Con videos, canciones y un monólogo de una hora diez, Dalia comparte sus experiencias y se divierte reflexionando acerca de lo que les toca vivir a las mujeres. El show provoca una catarsis generalizada: Las mujeres se sienten identificadas y acompañadas, y los hombres entienden un poco mejor de qué se trata este revuelto de emociones que implica ser mujer. Estrenado en Febrero de 2011, “Cosa de Minas” ha recorrido numerosos escenarios de Argentina (Rosario, Mendoza, Neuquén, Mar del Plata, Pinamar, Villa Gessell, Bariloche, Bahía Blanca, Tandil, La Plata, muchas localidades del Gran Buenos Aires) y también se ha presentado en Guayaquil (Ecuador), Lima (Perú) y Montevideo (R.O.Uruguay). En su 7mo año de éxito en la cartelera porteña, hombres y mujeres disfrutan de este unipersonal que constantemente se renueva

Dalia cuenta sus experiencias y se ríe de sí misma y de lo que nos toca vivir diariamente a las mujeres. Aunque el show es para mujeres los hombres que vayan podrán entender un poco más las emociones femeninas.

Y si bien ya hace 7 años que está en cartelera, si no la viste es muy recomendable para reírte de nosotras mismas.

Dalia Gutmann

Cosa de Minas en el Teatro Maipo – Reestreno a partir del miércoles 17 a las 21.00hs

Entradas por Plateanet.

Alejandra Martínez

Contra los deseos de su madre, un niño decide salir a buscar a su padre que los abandonó una noche; años más tarde la tranquilidad de una mujer se ve perturbada por una sucesión de hechos misteriosos; un policía investiga una serie de asesinatos bestiales y una prostituta intenta sobrevivir en un mundo que la acecha permanentemente…

Un escenario austero, un sillón viejo, algunas sillas, y al fondo un panel de luces. Dos hombres enfrentados con sus guitarras, acercándose al estilo lejano oeste mientras tocan una melodía digna de esa imagen, sentados a lo largo del sillón y las sillas que lo rodean, aparecen los protagonistas de la obra, que dando la sensación de amistad y cotidianidad entre sí, comienzan a turnarse y a contarnos historias, a forma de monologo ,mientras los otros escuchan sin acotar más que miradas cómplices o risas.

Un niño quién es abandonado por su padre y decide buscarlo, una mujer con una marcada soledad, un policía y una prostituta , todos ellos tienen en común historias que la llegada de la noche consigo miedos e incertidumbres, situaciones misteriosas donde las guitarras acompañan el clima y lo no dicho.

A Martín Flores Cardenas lo conocía por su anterior trabajo en “Entonces Bailemos” que fue muy aclamada en el circuito off del teatro porteño, esta vez su apuesta subió y fué por una obra que entra dentro del circuito comercial, con protagonistas como Cecilia Roth y Dolores Fonzi, en una sala de Paseo la Plaza.

No sólo el nombre hace guiño a su trabajo anterior, sino también ese estilo del vestuario, que podríamos llamarlo algo así como “western argentino”, y la forma en que sus personajes se relacionan. Ya sabemos que es un director cuya narrativa funciona, y las actuaciones son realmente muy buenas, se destacan Roth y Fonzi, que son muy bien acompañadas por Díaz y Arengo, acertados en sus personajes que permanecen en escena hablando al público, con un contenido fuerte y melancólico , captando en todo momento al espectador, que espera ansioso saber como terminó la noche de cada uno.

FICHA TÉCNICA
Una obra de MARTIN FLORES CARDENAS
Elenco: CECILIA ROTH – DOLORES FONZI – GUILLERMO ARENGO – EZEQUIEL DIAZ

Músicos: FERNANDO TUR, JULIAN RODRIGUEZ RONA

Música Original: FERNANDO TUR
Diseño de Escenografía: ALICIA LELOUTRE
Diseño de Iluminación: MATIAS SENDON
Diseño de Vestuario: ANA MARKARIAN & ALICIA MACCHI
Asesor de Movimiento: MANUEL ATWELL
Director Técnico y de Montaje: JORGE H. PEREZ MASCALI
Asistente de Dirección & Stage Manager: MARIANA BINDER
Vestidor: HECTOR FERREIRA
Fotografía Estudio: ALEJANDRA LOPEZ
Comunicación: Audiovisual MILWATTS
Comunicación Digital: BUSHI CONTENIDOS
Producción Gráfica: ROMINA JUEJATI
Comunicación Visual: GABRIELA KOGAN
Prensa: SMW

Productora Ejecutiva: CARLA CARRIERI
Director de Producción: ARIEL STOLIER
Productor general: PABLO KOMPEL

FUNCIONES: MIERCOLES Y JUEVES 20:45 HS / VIERNES 21 HS / SABADO 20 Y 22 HS / DOMINGO 20HS

LOCALIDADES: desde $550°°

VENTA DE ENTRADAS DESDE EL 22 DE DICIEMBRE DE 2017

POR SISTEMA PLATEANET www.plateanet.com 5236-3000

www.paseolaplaza.com.ar

Julieta Ale

Amado mío es un espectáculo musical dirigido por Valeria Ambrosio, que resulta algo peculiar y exquisito de ver. Peculiar porque cuenta con un repertorio interpretado en italiano , algo que quizá sea difícil de comprender para el público , pero es exquisito porque genera mucho interés a pesar de ello, traspasando la barrera que puede presentar la diferencia de idioma. ¿Porque resulta tan disfrutable este espectáculo? Porque tiene una dirección impecable , hecho para que el público se deleite con sus canciones desde lo vocal y corporal, cosa que también se destaca por el gran talento de los actores en escena.

Podemos ver en la puesta que existe cierto contenido argumental, ese contenido viene a tratar el tema del amor y de la comunicación , sobre los distintos medios que existen para poder expresarse. Así mismo se recrean las escenas a través de la música, en su mayoría interpretados en el idioma italiano , que permite denotar la dulzura y pasión que quiere transmitir. La pasión también es un tema presente , más allá del mensaje sobre amar y ser amado , nos encontramos con aquellos ingredientes que lo hacen posible o que intensifican estos sentimientos. También podemos notar la clara presencia masculina, el uso de la sensualidad y el deseo entre ellos que se transmite también hacía el público haciéndolo participe de ello.

El trabajo actoral e interpretativo resulta lo más destacable en esta bella pieza, como se había mencionado antes , hay una intensa presencia masculina encabezado por Nacho Pérez Cortes , Esteban Masturuni y Emanuel Robredo Ortiz , quienes se desenvuelven con soltura y carisma hacia el público. Flor Benítez es la única mujer en el elenco, con un excelente manejo del escenario y su potente registro vocal , deja su huella en el show deleitándonos en cada uno de sus cuadros musicales. Willy Lemos funciona como nexo entre lo musical y lo teatral, añadiendo texto y un mensaje sobre la temática de la obra.

El Maipo kabaret funciona como un espacio íntimo para conectarse junto a la obra , detalle importante también es la presencia de músicos en vivo , que siempre es un recurso importante y embellece la puesta escénica. La dirección de Valeria Ambrosio es precisa , desde el manejo actoral , el uso del vestuario y la escenografía , que completan ese espacio sensual y elegante.

Amado mío es una propuesta jugada y distinta , que permite conectar al público desde su música, el espacio escénico y el gran despliegue actoral. Las canciones en italiano no resultan ninguna barrera para que el espectador entienda lo que la obra quiere brindar, aquel simple y sincero amor.

Ficha técnica

Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge

Coaching Actoral: Willy Lemos

Arreglos, Dirección y Producción Musical: Matías Chapiro

Actúan: Florencia Benitez, Nacho Pérez Cortés, Esteban Masturini, Emmanuel Robredo Ortiz y Willy Lemos

Piano y Melódica: Matías Chapiro

Flauta y Saxo tenor: Juan Sak

Violoncello y Contrabajo: Adrian Speziale

Sobre una Idea de: Kinucha Mitre

Dramaturgia: Valeria Ambrosio

Colaborador para Dramaturgia: Sebastian Suñé

Vestuario: Calandra-Hock

Escenografía y Arte: www.adiaznavarro.com

Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Producción Ejecutiva: Franco Gandullo

Asistente de Dirección: Leo Gaetani

Dirección: Valeria Ambrosio

Redes Sociales @amado.mio.musical

Todos los viernes, sábados a las 21:00 hs

y los domingos a las 20:00 hs.

Maipo Kabaret – Esmeralda 443

Entradas: desde $250

En la boletería del teatro o en Platea Net

Daniel Alvarez

Una escuela privada y una convocatoria a una reunión de padres, donde la rectora del establecimiento tiene que informar a cada uno de los presentes un hecho lamentable que los involucra a cada uno de los hijos de los presentes. Una obra con un toque de humor, en el momento adecuado, mordaz, que muestra como los padres se van corriendo de su eje y carecen de valores morales, pone en evidencia el grado de desconocimiento sobre sus hijos y a esto se le agrega un medio educativo corrupto.

“Los tutores” es una obra de Carlos La Casa y Daniel Cúparo. La obra ha sido ganadora del concurso CONTAR 3 organizado por la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales (AADET) y Argentores.

La dirección de Los Tutores es de Daniel Cúparo junto a la asistencia de dirección de Adrián Di Bastiano, quienes han logrado una obra de corte de comedia de excelentes resultados.

Contamos con el lujo de la actuación de Hugo Arana, que hace de abuelo de uno de los alumnos partícipe del problema, excelente Laura Oliva, en el rol de esposa de un padre con “algunas” carencias interpretado por Ludovico Di Santo quien genialmente se pone en la piel de un político. Excelente juegos interpretativos de estos dos jóvenes, la actriz Paula Kohan y el actor Dan Breitman.

La docente interpretado por Mónica Cabrera, una actriz de una solidez en escena, que permite lograr el éxito de la obra, porque nada como pez en el agua, en el género de comedia.

Recomendamos ver Los Tutores, una obra de una excelente escenografía e iluminación que servirá para que el público entre en el clima adecuado para descubrir porque los padres no son tan perfectos y porque el sistema educativo, en algunos casos, aparenta ser lo que realmente no es.