La obra narra las penurias por las que pasa una familia en Uruguay que espera el regreso del hermano de la protagonista quien ha viajado a Buenos Aires y nunca más se supo nada.

La autora Sandra Massera en 1975 relata las cartas entre la abuela y la protagonista. Las cartas se cruzan entre las ciudades de Buenos Aires y Montevideo. Quienes compartes esas misivas son la abuela de la protagonista quien vive en Buenos Aires y ella. Estas cartas leídas en voz alta al público son las que permiten armar el rompecabezas de un hermano mayor, el cual suponemos se exilió a Buenos Aires y luego se produce su desaparición física. Nunca su imagen sale de escena, acompaña a la protagonista, en los diferentes momentos de su vida.

El drama esta interpretado por Silvina Franc quien estudiò con Carlos Gandolfo, María Ester Fernández, David Amitin y Julio Chávez.

En la obra todo resulta sutil a medida que la historia avanza, el público acompaña comprendiendo , cada vez más, lo sucedido. Esa tangencialidad al momento histórico vivido, sobre todo para aquellos que la conocimos en carne propia, le da más fuerza, porque logra despojar al drama del mensaje político para dar mayor intensidad al sufrimiento de una familia. En consecuencia, la visión resulta ser mucho más humana que política y éso hace que redoble la apuesta para aquellos que no quieren renunciar a soslayar el marco política que encierra la obra.

La representación teatral se realiza en el Teatro La Comedia, los días domingos a las 18 hs. Quedan pocas funciones para su retiro de cartelera. Está dirigida por Elba Degrossi quien logra captar al público desde el inicio, gracias a un excelente guión teatral acompañado por un duro y muy sentido monologo de Silvina. No decae, en ningún momento, tampoco incurre en un exceso de drama que la torne pesada, el velo se va descubriendo gradualmente. Se mecha con la alegría de vida de una adolescente, quien es feliz junto a su padres, hermano y su novio. Contará como la vida continua, a pesar de todo, haciendo referencia a su amor de adolescente, su casamiento y sus hijos. Con un persona quien va adquiriendo una madurez, porque comienza no comprendiendo nada de lo ocurrido, intuye que ha sucedido lo peor pero ninguno de su familia, nunca ha tenido el coraje para sincerar la situación.

Esta pieza teatral ha recibido premios que avalan lo que decimos: en 2015 el PREMIO FLORENCIO de la Crítica a mejor texto de autor nacional, Mención CONVOCATORIA “SOLOS EN EL ESCENARIO” Escenario III del Centro Cultural de España en Montevideo-3-4-y 5 Marzo 2017 elegida para ser representada en el Ciclo Ellas en la Delmira-Teatro Solís de Montevideo (Uruguay) y Trabajos académicos en Congresos Internacionales en Uruguay e Italia.

La invitación queda abierta a compartir el publico las cartas de una adolescente con su abuela acompañándola por un tortuoso camino cubierto de vergüenzas para encontrarse al final con una triste verdad.

Ficha artístico técnica:

Unipersonal de: Sandra Massera / Actriz: Silvia Franc.

Escenografía, vestuario y luces: Pablo Graziano / Asesoramiento corporal: Cristina Soloaga / Video: Javier Vasser / Prensa y Difusión: Simkin & Franco / Asistencia de dirección: María Agustina Silvestrini / Dirección: Elba Degrossi

Funciones: domingos 18 hs

Entradas: $250-2×1 La Nacion-Plateanet

Teatro: La Comedia

Dirección: Rodríguez Peña 1062

Informes: 5236- 3000

Reservas: plateanet

Diana Decunto

“EDIPO:- ¿Qué mueve esta reunión?
¿A qué esas suplicantes disposiciones?
Postrados en tierra, con ramos de oliva…¿Qué es?
Aquí estoy. Soy Edipo. Todo el mundo celebra su gloria…”

En un principio fue Malvinas. Asunto espinoso, laberíntico si los hay para nosotros. Pero no, no. Luego: un parricidio. Y el mito de Edipo que todo lo sobrevuela. Y la narración mamushkeana del teatro dentro del teatro, y un demiurgo-narrador
que ordena el sentido, dejando la piel en su acto de creación, a imagen y
semejanza. Y algún código kafkiano. Y Passolini, el corpus temático, estético de su obra y su espantosa muerte. Y también está el básquet, que estructura los actos, y la cárcel, para vigilar y castigar, y la piedad…

Tebas Land nos habla de todo esto.
Lautaro, director de teatro, presenta al público su propuesta: la historia de Martín, encarcelado por asesinar a su padre, de múltiples cortes con un tenedor, en una explosión de violencia descontrolada. Convoca a Gerardo por medio de una
audición, para que represente a Martín, y visita regularmente al convicto para conocerlo y saber el más allá de lo que dicen los expedientes. En estos encuentros, se produce una transformación en Lautaro, en Martín, y en el proyecto. Aparecen sus pasiones, sus miedos, aquello que los alegra, sus puntos
débiles, lo que aman. Descubrimos en Martín, en su experiencia lacerante de vida, escondido bajo su torpeza y limitaciones, a una criatura dolida, cuyos acontecimientos como un río, lo empujan a orillas indignas a lo humano. Y que aún estira su mano en un gesto de compasión, en una suerte de grito desesperado: «Aquí estoy, este soy! En esto me convirtieron!”

¿Cómo se cuenta una historia de tal crueldad? ¿Cómo se narra la humillación, el embrutecimiento sistemático, la explosión de sangre, el tabú? ¿Cómo se muestra un detalle de redención enmarcado por el horror? Tebas Land nos habla de todo esto. Teatro dentro del teatro. Y un gesto de piedad.

Las actuaciones de Lautaro Perotti, como el creador sensible y comprometido, y Gerardo Otero, en el doble papel del parricida encarcelado y su álter ego, el actor que lo representa, excelentes ambos. Entran y salen con suficiencia de los diferentes dispositivos narrativos.

El espacio escénico, dividido entre la cancha de básquet en el presidio (espacio de encierro de Martín) y la mesa de trabajo, con pizarra y elementos audiovisuales (espacio creativo de Lautaro), organizan el relato, le asignan sentido de clase (como es la mirada del mundo de cada uno) y son muy apropiados para el lucimiento del trabajo actoral. La escenografía es de Gonzalo Córdoba Estévez. La iluminación de Ricardo Sica guía el relato con sutilezas.

Corina Fiorillo dirige un inquietante texto del uruguayo Sergio Blanco, con
suficiencia, con creatividad, con belleza. Excelente dirección.
Un espectáculo para disfrutar y conmoverse.

Ficha artística-técnica:

Texto: Sergio Blanco

Actúan: Gerardo Otero – Lautaro Perotti

Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación: Ricardo Sica

Asistencia de dirección: María García De Oteyza

Fotografía: Fabián Pol

Prensa: Marisol Cambre

Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak

Dirección: Corina Fiorillo

DÍAS Y HORARIOS DE FUNCIONES

Viernes 27 de octubre, 20 h

Viernes 3, 10 y 17/11, 20 h

Sábado 18/11, 20.15 h

Viernes 24 y sábado 25/11, 21 h

TIMBRe4 | México 3554 | 4932.4395 | CABA

Localidades: $250 | Entradas a través de http://www.timbre4.com:

A. R. Belano

Es invierno, una pareja en un parque de diversiones dispara compulsivamente a un oso mecánico. Para ganar tendrán que darle 10 veces en el blanco.
Totalmente enceguecido por el juego y el afán de ganar, el hombre arma estrategias, da cuenta de sus proezas, hace alarde de su virilidad, se queja, insulta y culpa violentamente a su mujer. Ella, atormentada por pensamientos intrusos parece interrogarse sobre el sentido de sus vidas, cualquier intento de reconstruir su pasado y de construir sentido fracasa.

La autoria de la obra es de Israel Horovitz. Quien ha escrito otras obras como El primero, Acróbatas, Rayuela y Sins Of the Mother.

La actriz Diana Cortajerena excelente interpretación en un papel difícil porque lleva todo el peso del personaje femenino. Interpreta una mujer desequilibrada, marginal que atraviesa momentos de lucidez, logra componer el personaje de una mujer abandonada, desvalorizada por su pareja interpretada por el actor Luciano Rosini.

Es invierno, la pareja de esta mujer se obsesiona por disparar a un oso mecánico.

Al comienzo de la obra el actor Javier Marra nos lleva a esa atmosfera de kermesse o parque de diversión realizando actos circenses

Hay algunas escenas un tanto fuertes, no diferente a lo que pueda mostrar el cine. La puesta de la obra es hasta el 24/11/2017, los viernes a las 22:30 en el PATIO DE ACTORES (Lerma 568).

La autoria de la obra es de Israel Horovitz. Quien ha escrito otras obras como El primero, Acróbatas, Rayuela y Sins Of the Mother.

La actriz Diana Cortajerena excelente interpretación en un papel difícil porque lleva todo el peso del personaje femenino. Interpreta una mujer desequilibrada, marginal que atraviesa momentos de lucidez, logra componer el personaje de una mujer abandonada, desvalorizada por su pareja interpretada por el actor Luciano Rosini.

Es invierno, la pareja de esta mujer se obsesiona por disparar a un oso mecánico.

Al comienzo de la obra el actor Javier Marra nos lleva a esa atmosfera de kermesse o parque de diversión realizando actos circenses

Hay algunas escenas un tanto fuertes, no diferente a lo que pueda mostrar el cine. La puesta de la obra es hasta el 24/11/2017, los viernes a las 22:30 en el PATIO DE ACTORES (Lerma 568).

Actúan: Diana Cortajerena / Javier Marra / Luciano Rosini
Música en vivo: Álvaro Porto
Escenografía: Ana Repetto
Vestuario: Rocío López / Luciano Rosini
Diseño de luces: Marco Álvarez
Fotografía: Fedro Fotos
Dirección: Claire Salabelle

Funciones viernes 22:00hs Oct/Nov.
Reservas en la boletería del teatro
Lerma 568 / 4772-9732 o por Alternativa teatral
Entradas desde $150(con descuento) / $200 (general)

Historias cruzadas sobre la letra y música del himno nacional argentino.

Esta obra de teatro gira alrededor de dos personajes reales de la historia argentina: Vicente López y Planes, autor de la letra del Himno Nacional Argentino y Blas Parera, célebre por ser el autor musical.

La obra de teatro de Mariano Cossa nos lleva a reflexionar sobre cuanto ignoramos de la historia argentina y percatarnos de cuanto nos fue ocultado por el sistema educativo.

La historia comienza contando sobre Blas Parera quien en realidad se llamaba Blas Perera Morat de origen catalán nacido en Murcia. Quien por el momento político y económico que atravesaba nuestro país decide regresar a España dejando atrás en el recuerdo el haber sido el compositor que puso a disposición su arte para crear la música del Himno Nacional Argentino.

Los personajes encarnados por los actores Juan Manuel Correa (Blas Parera) y secundados por los actores Jorge García Marino, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino logran en el público un muy alto grado de credibilidad.

Es una obra donde afloran pasiones y miedos de los protagonistas, no hay que olvidar el contexto complicado en que vivió el país en la época de la Asamblea General Constituyente de 1813.

La dirección teatral de Daniel Marcove ha logrado llevar la obra teatral a una sintonía especial usando como marco la música y la letra del Himno Nacional Argentino.

Es interesante el planteo del personaje de Blas Parera acerca de su creación. Sus discusiones y enfrentamientos con Vicente López y Planes quien se había propuesto crear un himno cantado a lo largo y a lo ancho de las Provincias Unidas del Río de la Plata a ser usado en el campo de batalla como el arma más letal para combatir al realista y enfervorizar al criollo.

Además de los excelentes diálogos entre Blas y Vicente Lopez contando con magníficas interpretaciones, asimismo, hay dos personajes más en la obra, con excelente calidad actoral quienes se cruzan en la vida de Blas para atemperar la presión existente en el entorno permitiendo que el protagonista holgadamente entre y salga del conflicto, presionando para que el personaje principal reniegue de su identidad y de sus actos.

No se la pierdan. Podrán conocer el desenlance sobre Blas Parera o mejor dicho Blas Perera Morat, si puede o no, regresar a su tierra natal en España.

Ficha artístico técnica:

Elenco: Jorge García Marino, Juan Manuel Correa, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino.

Músico en escena: Mariano Cossa y Christian de Miguel

Escenografía y vestuario: Paula Molina/ Diseño de luces: Miguel Morales/ Fotografía: Gianni Mestichelli/ Diseño Gráfico: EN diseño/ Prensa y difusión: Simkin y Franco/Producción Ejecutiva: Pablo Silva /Producción Asociada: Claudio Meilan / Asistencia de dirección: Christian De Miguel /

Dirección: Daniel Marcove

Funciones: jueves 20 hs

Teatro: Del Pueblo

Dirección: Av Roque Saenz Peña 943

Entradas: $200 Entrada General. $170 Estudiantes y Jubilados

Informes: 4326-3606

Diana Decunto

“Clara, ¿te diste cuenta? ¡Mamá está más chiquita!”.¿Y si Diego tiene razón? ¿Y si Rita se está empequeñeciendo y pronto va a desaparecer? Cuando el diálogo franco es temido, el juego parece ser la forma más viable de enfrentar ciertas verdades.

Antes de comentar la obra mamá está más chiquita , quiero hacer unas acotaciones previas. La primera es que antes de saber sobre ella , su nombre me hacía pensar en algo infantil o familiar , que si bien esta apreciación es errónea , tiene la escencia de un cuento infantil y pone a la familia como eje principal de la historia. Otra cuestión que ha pasado por mi cabeza antes de ver la obra , es que he recibido muchos comentarios sobre el espectáculo y me he quedado con uno en particular: alguien había hecho un análisis comparándola con el musical Casi normales , diciendo que claramente no se trata de una versión local sino más bien que comparte muchos aspectos, cada una con sus respectivas historias. Es cierto que el musical mencionado es mi favorito y por eso me ha sonado bastante oír eso, así que rescato la opinión ya que tienen cosas comparables. Ambos son musicales en la que intervienen pocos actores , es decir una historia de personajes , se centran en la familia , su música acompaña al texto de forma armoniosa y sin saturarse, y por sobre todo , la carga dramática en ambas es bastante particular. Sí, mamá está más chiquita es una obra original , cómica y a la vez muy emotiva.

En cuanto a su historia es necesario saber qué es una obra sobre la familia , las emociones de cada uno de sus integrantes y el cómo ser capaz de afrontar las adversidades , visto desde la fantasía y el drama real. Vemos dos realidades en esta historia , la de Rita , quien está cursando una enfermedad que la está debilitando progresivamente, y la de Diego , quien cree que su madre se está encogiendo a raíz de una maldición. La fantasía y la realidad son historias de un mismo conflicto , los personaje debe afrontar los problemas que surgen por eso cada uno de ellos los enfrenta de la forma que le es posible. La disfuncionalidad de una familia es la que se vé requebrajada ¿Qué más puede llegar a suceder en alguien que ya le han pasado muchas cosas ? ¿Existe alguna escapatoria a aquellos problemas que no puedes controlar ? Los personajes intentan escapar de sus males , el tema es que por el bien del otro (La familia) , resulta necesario aceptar algunas cosas y tomar el timón para cuidar de ellos.

La obra cuenta con pocos actores para centrarse en los personajes del núcleo familiar , aunque existan personajes externos necesarios para desarrollar la historia. Generalmente un adolescente suele apoyarse en otro como escapatoria , por ello la historia de Clara y Germán , que su plan de irse juntos se ven frustrados por la enfermedad se madre. Así como también la intervención de la mujer que será la compañía de los chicos cuando lo peor esté por suceder. Si , el trabajo actoral está muy bien estructurado de parte de todos sus intérpretes, aunque el peso de la obra se encuentra concentrado en los integrantes de la familia, quienes muestran perfectamente su propio drama y en conjunto. Quizá uno de los papeles más complejos es el que interpreta Tomás Wicz , que compone a un joven que es distinto , no se dice muy bien que es lo que le sucede , sino más bien se le muestra como un chico con su imaginación e inocencia , pero aún así siendo consciente de las problemáticas del resto de las personas «normales» por así decirlo. Quizá gran parte de la historia gira en torno en lo que pasa por el , ya que su madre es el único sostén de un hijo que necesita apoyo y compañía, y el problema de la hija que se siente olvidada y obligada a estar relegada a un segundo plano en relación a su hermano. Algo ajeno a los problemas típicos hace que todo tomé un vuelco y dónde la toma de decisiones resulta vital para mantener el equilibrio en la vida de uno y de sus seres queridos. Felicitaciones a todo el equipo por lo que se ha logrado mostrar en escena.

Algo que caracteriza a esta obra , es el contenido musical que propone, permitiendo que la trama avance y que se conozca la escencia de los personajes. La música está a cargo de Juan Pablo Schapira , brindando más que bellas melodías y que sirve en conjunto al texto de Ignacio Olivera para brindar una historia redonda y emotiva.

Mamá está más chiquita es una obra imperdible , una de las más notorias que se encuentran actualmente en cartel. Si, es un musical y seguramente que los amantes del género quedarán más encantados , pero también su historia permite acercar y conmover al público ajeno al género. Es un cuento que invita al público a divertirse y emocionarse a la vez .

Ficha artística-técnica:

Elenco: Rita: Déborah Turza, Diego: Tomás Wicz, Clara: Paloma Sirvén, Germán: Juan Manuel Barrera Hernández, Alicia: Ana Padilla, Cover Clara: Julia Tozzi

Libro y letras: Ignacio Olivera

Música y letras: Juan Pablo Schapira

Dirección: Andie Say

Dirección musical: Juan Pablo Schapira

Músicos: Martín Rodríguez, Matías Menarguez, Juan Pablo Schapira, Juani Unzurrunzaga

Asistencia de dirección: Laura Eslava

Asistencia de escenario: María Candelaria Olivera, Augusto Moreno

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Lucila Rojo, Gastón Segalini

Diseño de luces: Caio Senicato, Samir Carrillo

Maquillaje: Betsabé Solange

Asesor coreográfico: Diego Bros

Diseño gráfico: Martín Bayne

Fotografías: Juan Ignacio Coda

Producción: Valeria Di Toto

Teatro La Comedia – Rodríguez Peña 1062 – CABA | 4815-5665 | info@lacomedia.com.ar

Funciones: Martes 21.0o hs.

Localidades: $ 180

Daniel Alvarez .

https://www.plateanet.com/Obras/mama-esta-mas-chiquita

Trasbordada es la historia real de Sabrina, una joven profesional en busca de un amor para toda la vida. En su doble rol de autora y actriz, nos cuenta de una manera muy divertida los avatares de su vida amorosa, y este doble rol se evidencia en el cambio de registro, ya que ella misma va actuando las escenas como la Sabrina que alguna vez fue, alternando con la Sabrina que es, que en retrospectiva reflexiona sobre sus elecciones.

En un formato muy original, nuestra protagonista nos va relatando un viaje metafórico por todos los países que visitó en esa búsqueda del amor, cada uno de los cuales tiene características muy definidas, que se traducen en un tipo de hombre. Estos “tipos” tan hilarantemente retratados por Federico Mini, también director de la pieza, podrían parecer exagerados si no fuera porque los conocemos.

Sabrina se ve envuelta en las situaciones más ridículas que, como dice la frase, son situaciones de la realidad que claramente superan la ficción, dato que resulta de gran
importancia para la autora ya que lo aclara tanto la voz en off antes de que comience la obra como ella misma al final. Quizás esto se deba a que increíblemente, transitando el siglo XXI y todo, aún existen mandatos para las mujeres y hace falta recordar que estas cosas son reales, no existen
sólo en las novelas románticas. Recibite, casate, formá una familia, en ese orden y sin saltear ningún paso. Son obligaciones implícitas que toda mujer debe cumplir para sentirse
completa, como si lo que una deseara hacer de su vida no fuera válido, o suficiente.

Quizás por eso también fue que Sabrina, cuando frenó a pensar qué quería y decidió que estaba bien comenzar por contar esto que le había pasado, decidió hacerlo de esta forma, como una comedia, a través del humor. Porque burlarse de uno mismo ayuda a exorcizar la culpa de no haberse dado cuenta a tiempo, de no haberse permitido a uno mismo seguir el deseo, cuestionar lo impuesto. O burlarse de la sociedad en la que uno vive ayuda a tolerar
esos resabios tradicionalistas, a llamar la atención sobre ellos de forma distendida para que podamos después reflexionar y, quizás, hasta cambiar el mundo en el que vivimos.

En resumen: un tema vigente, una autora valiente, cuatro actores muy graciosos, cuatro países por conocer (que vas a reconocer), un gran plan (pareja friendly) para reírnos de
nosotras mismas.

FICHA TECNICA:

Autora: Sabrina Mateos.

Dirección y puesta en escena: Federico Mini.

Elenco: Sabrina Mateos, Federico Mini, Ada García, Ariel Cuño.

Asistencia de dirección y stage: Ariel Cuño, Joaquín Junco.

Fotografia: Jorge Tieghi.

Diseño grafico: Exequiel Abreu.

Luces y sonido: Mariano Alvarez.

Produccion ejecutiva: Sabrina Mateos.

Produccion general: Sabrina Mateos, Federico Mini.

Desde el 22 de octubre, todos los domingos a las 20hs., en el Espacio Colette, Paseo la Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A., Argentina.

*Reservas: 011 6320-5300. Costo de entrada: $200 (Jubilados y estudiantes $150).

Sol Grünschläger

Después de una exitosa temporada en el Teatro Sarmiento (Perteneciente al CTBA), la obra Próximo se ha estrenado en Timbre 4, hogar del director y dramaturgo Claudio Tolcachir. La obra ahonda la relación de dos personas a la distancia , de como el uso de la tecnología puede acercar a desconocidos en cualquier parte del mundo, y de cómo así podemos tener a estas personas siendo la única compañía a las que les podemos confiar nuestros secretos y sentimientos reales.

Dos seres desarrollan una historia de amor a la distancia y, poco a poco, cada uno se convierte en lo único que tiene el otro en el mundo, pero lejos, sin tocarse.

Próximo nace de ese instante en donde la comunicación se corta y esa falsa sensación de ocupar el mismo espacio se rompe y la soledad lo inunda todo. Pero también es la construcción de un vínculo aceptando esa distancia, construyendo sobre la distancia.

Elián es español, se encuentra en su país y es actor de una reconocida serie médica. Pablo es argentino pero se encuentra residiendo en Australia, el no sabe casi nada de inglés y es un inmigrante ilegal que trabaja en el país oceánico. Elián y Pablo hablan por Skype , terminan llevando una relación que tiende a lo amoroso , el problema es la distancia. Eso que al principio les permitió acercarse , ya que ninguno podía expresarse libremente con quienes tenían físicamente cerca , les permitió que puedan sentirse plenos con alguien desconocido y lejano. La cuestión es que la vida personal de cada uno no marcha bien , por eso la realidad de cada uno se vive plenamente cuando están en conexión , pero ¿Se puede sentirse pleno alguien que está pero no a la vez ? El otro es un refugio , una escapatoria , algo que quiere ser real pero no alcanza.

La historia es sencilla y moderna , en nuestros tiempos es común que alguien pueda encontrar refugio en algún ser lejano, ya que las redes y la tecnología lo hacen cada vez más posible. A veces uno es capaz de confiar sus secretos y sentimientos en esa persona en la que crees que no hará un cambio significativo en su vida, pero a veces sucede lo contrario , y es esa posibilidad la que plantea la obra. De forma muy inteligente vemos a aquellos personajes juntos , muy juntos , pero aún así teniendo en cuenta esa brecha que los separa.

Los actores en escena cumplen con su labor de manera sobresaliente , la química entre los personajes es innegable, y era algo muy necesario para brindarle credibilidad a la historia. Los actores juegan con el humor , la obra se presta para momentos de comedia, desde la ironía y la parodia sobre la cultura de ambos personajes.

La dirección de Claudio Tolcachir es precisa , logra plasmar en escena la cercanía y la distancia de los personajes de manera única. Los espacios , el vestuario y el actuar de los personajes recrean perfectamente el sitio que los separa y los coloca en un mismo lugar cuando se conectan. Es muy importante prestarle atención a las miradas de los personajes, a aquello que transmiten cuando están en plena comunicación, haciendo desaparecer la línea espacial que los distancia , para así contar esta historia con total libertad.

Próximo es una obra precisa, entretenida e interesante desde el punto de vista del ser humano relacionándose con otros en una sociedad actual. Sobresalientes actuaciones nos invitan a que podamos ser parte de una historia donde la distancia es irrelevante pero que a la vez es un peso cuando queremos desatar todas nuestras emociones.

Ficha Técnica

Dramaturgia: Claudio Tolcachir
Actúan: Santi Marín, Lautaro Perotti
Diseño de vestuario: Cinthia Guerra
Diseño de escenografía: Sofía Vicini
Diseño de luces: Ricardo Sica
Asistencia artística: Cinthia Guerra
Asistencia de iluminación: Lucia Feijoó
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Timbre4, Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Claudio Tolcachir

TIMBRE 4
México 3554
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 280,00 – Sábado – 20:30 hs – Hasta el 11/11/2017
Entrada: $ 280,00 – Domingo – 19:30 hs – Hasta el 12/11/2017
Entrada: $ 280,00 – Viernes – 22:45 hs – Hasta el 10/11/2017

Daniel Alvarez

En la cotidianidad de un ex boxeador que es cuidado por su entrenador logramos entrar en sus mentes para que con sus textos nos describan el pasado que los hizo estar ahí.

Es la historia de tres seres, un exboxeador, su manager y una amiga en común, que bordean el abismo de lo marginal.Buscan con nostalgia,violencia y amor, revitalizar los puentes de sus existencias a través de un pasado ya disecado. Los sueños se diseminan en el viento del olvido,sin embargo, bregan por encontrarse en el espejo que les devuelva un trozo de ello mismos, aquello que desearon y pudieron ser.

La obra lo hace el texto, la mirada y tu imaginación, es decir, toda la obra pasa en tu cabeza. Mientras estás ahí sentado escuchando las anécdotas, miedos, sueños y hasta esperanzas de los personajes, en otro plano pasa el día a día de cada uno, es como si
lográramos poner pausa al tiempo solo para escuchar lo que piensan y quisieran decir y al poner play dicen, al parecer, lo que no quieren, porque así es el ser humano, primero
medimos nuestras palabras.

El aplauso sin duda es a esa mirada de los actores que te sumergen en sus mini monologos para contarte lo que fueron, lo que pasó para llegar ahí y así, de pensamiento en pensamiento pasará la obra en “cámara lenta”.

Ficha técnica

Elenco: Jorge Lorenzo, Lorena Penón
Julio Pallares

Asist. de dirección: Gabriela Perera

Adaptación y dirección: Christian Forteza

Funciones: Sábados 20.45hs