Reseña: Los Huesos, de Leticia Mazur

Una luz como eje central y cinco entidades despojadas de todo, solamente sus anatomías, sus huesos transmitiendo sin diálogo mensajes a ser captados por el publico.

Huesos sin fisuras.

La dirección es de Leticia Mazur, y está interpretado por Lucas Cánepa, Ana D´orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi, Gianluca Zonzini. La bailarina María Kuhmichel pertenece al Grupo G5, también en estos días, está haciendo otra obra danza teatro que se encuentra en cartelera con un estilo parecido.

En la gacetilla del espectáculo buscaba el nombre del autor y menciona a Fernando Alarcón y Manuel Hermelo con el rol de acompañantes del pensamiento. Me parece muy acertada la definición porque la obra a partir de una gran luz en escena, que podría ser interpretada como el sol y esas entidades alrededor interactuan.

La obra se centra en un mundo de sensaciones representadas en el movimiento tales como miedo, aproximaciones, acercamientos, acompañado con la música de fondo de Patricio Lisandro Ortiz, y de golpe el silencio pero el movimiento como un péndulo que nunca para.

La obra promueve la libre expresión de los personajes, la precisión en los movimientos, la sincronización entre ellos. La puesta en escena es muy buena, pero mientras la iba viendo y pensaba en la crónica que debía realizar, no podía evitar pensar todos los que estábamos en platea cuan similar y cuan distinto estaríamos elaborando las secuencias de imágenes en nuestra mente a partir de lo que capta la retina y escuchamos en nuestros oídos.

La realización es en el teatro EL GALPÓN DE GUEVARA los días martes a las 21. Sus protagonistas tendrán por misión llegar hasta el hueso de la historia descubriendo y reinventándose alrededor de esa la luz principal que les dará un sentido a sus vidas.

Reseña de “El regreso” dirigida por Agustín Alezzo

El regreso es una obra de Brian Friel, estrenada en 1977. Cuenta la historia de Frank Butler, un oficial del ejército irlandés que, tras lograr la hazaña de rescatar a un grupo de personas en una misión de Naciones Unidas, regresa a su pueblo como un héroe. Ese día de celebraciones termina siendo una tragedia gracias a que se destapa un secreto familiar que cambia su destino y arrasa con toda la gloria con la que regresa al hogar.

"Driftwood Beach"    pastel   19"x 25"

La obra transcurre en sólo esas 24 horas donde la vida y la muerte de este hombre se tocan en el mejor y peor momento de su vida. Pero la historia no transcurre de manera lineal, sino que se va representando de a episodios en los que los distintos personajes, miembros de la familia, hacen o dicen cosas que podrían haber cambiado el resultado de los acontecimientos. Y la decisión de qué episodios se representan y cuáles no es de un personaje/director, que va contando la historia según un registro escrito que encuentra de la misma. Este personaje, a quien llaman “el hombre”, se presenta en el comienzo de la pieza, llama a todos los personajes para presentarlos a ellos y luego los va llamando a cada uno según quién sea necesario para representar cada episodio.

Este recurso metalingüístico no es algo novedoso y muestra una clara intertextualidad con la obra “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello, estrenada en 1921 y que sí constituyó una novedad para la época, ya que presentaba procedimientos que, en el teatro moderno, no se desarrollaron completamente hasta la década del ‘60.

Hoy en día, en la vasta oferta teatral porteña, creo que es importante poner en escena obras que generen algún tipo de vínculo con el público y tengan relevancia en cuanto a la historia, cosa que cuesta encontrar en producciones de este tipo u otras como, por ejemplo, “Escenas de la vida conyugal” de Ingmar Bergman, estrenada en 1973.

Lo más destacable son las actuaciones, todas muy parejas y excelentes caracterizaciones, de estilo realista. Agustín Alezzo es un director con gran prestigio como maestro de actores y en esta pieza se puede observar que claramente el foco está puesto en su métier, la cual aplaudimos.

Funciones: de jueves a domingos, 20:30 hs. 
Última función: 25 de noviembre
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.
Entradas: Pullman $200-, Platea $250-. Día popular (jueves).

Ficha técnica:
Elenco:
Carlos Kaspar –  El Señor
Claudio Amato – Charlie
Alejandro Fain – Frank
Sol Fassi – Tina
Bernardo Forteza – Padre Tom
Stefania Koessl – Anna
Lorena Saizar – Helen
Federico Tombetti – Sean
Magela Zanotta – Myriam

Equipo Creativo:
Dirección: Agustín Alezzo
Asistente de Dirección: Edgardo Millán
Escenografía: Marta Albertinazzi 
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal 
Diseño de Vestuario: Analía Morales
Iluminación: Chango Monti
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers
Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio
Traducción de Texto: Marina Durañona
Producción Artística: Sebas Rojas

Sol Grünschläger

Crítica: El puente azul

AYÚDAME A MIRAR EL MAR

A principios del siglo XX, el flujo inmigratorio trajo a Antonio, desde la hermosa Italia entonces hambreada, dejando a María, su prometida, en su país. Ya en un tiempo contemporáneo al nuestro, Roni se marcha a vivir su aventura europea y en uno de sus tantos trabajos, conoce a Evangelina, una cantante italiana. Primero se hacen amigos, hasta que sin darse cuenta, un sentimiento más profundo los desborda.

El Puente Azul es una historia de distancias, de melancolía, de amores y soledad, de encuentros y alegrías, de individuos en búsqueda de un futuro soñado, arrastrados por un espíritu de aventura ó por una ilusión.
También narra la dureza de la vida del inmigrante a principios de siglo XX: jornadas de trabajo agotadoras, conventillos donde vivían hacinados, paga magra… y la distancia. Semanas, meses, para recibir una misiva de sus seres queridos. También cuenta los días azarosos, de descubrimiento y sorpresa de un argentino de este tiempo por Europa, en una suerte de viaje iniciático. Y el encuentro en Francia, de una mujer audaz como él, también inmigrante.

Con formato de epistolario (no importa si son cartas, whatsapps, mensajes de texto, facebook, etc) la historia permite un viaje temporal y acortar las distancias, cruzar el puente azul del inmensurable mar.
Antonio y María, Roni y Evangelina, tendrán encuentros, desencuentros, palabras como caricias, pensamientos como flores, se tendrán a sí mismos para ofrendarse al otro.

Pocos elementos de vestuario son suficientes para que los personajes muten: un pañuelo, una campera, un prendedor, una gorra, un chaleco… y las canciones. El Puente Azul es un bello pretexto para escuchar hermosas palabras de amor,
canciones que expresan sentimientos encontrados, un decir evocador.

Las actuaciones de Dolores Ocampo y Mariano Mazzei son simplemente
cautivantes, transportan al espectador por diferentes estados con maestría. Un violín y un piano, más una escenografía despojada sirven para mostrar un mundo con todos sus matices. La música en vivo interpretada por Nicolás Reboredo (violín) y Fernando Abinarrate (piano) es de tal impronta, que impone el ritmo del espectáculo.

La dirección de Emiliano Dionisi es precisa y sugerente. Es claro que maneja a la perfección los recursos adecuados para construir un espectáculo de calidad.

Estreno: sábado 23 de septiembre, 20:00 h.
Funciones: sábados, 20:00 h.
Función en el marco de la Bienal de Arte Joven: sábado 30 de septiembre, 20:00 h. (entrada libre y gratuita)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)
Informes: 4524-7997. Boleterías, de lunes a viernes de 11 a 21 h.
Entradas: $200-.
Duración: 65 min.

Ficha técnica:
Texto y música: Fernando Albinarrate
Idea original: Mariano Mazzei
Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei
Piano: Fernando Albinarrate
Violín: Nicolas Reboredo
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra
Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi
Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Fotografía: Lau Castro
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Director asistente: Juan José Barocelli
Dirección general: Emiliano Dionisi

A. R. Belano

LEIDENSCHAFT = Pasión, Fervor

Danza teatro, a través del movimiento, sugiere imágenes y situaciones. El público acompaña a la mutación que van sufriendo los personajes en el tiempo y espacio persiguiendo la libertad como manera de expresión.

El título de la obra LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos.

El Grupo G5 son tres bailarines/actores y dos actrices/bailarinas encargados con su físico de transmitir al público emociones y mantener un diálogo inusual: el sentimiento a través del movimiento. El texto físico es interpretado por Flor Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

El despliegue en escena es excelente, la coordinación de los bailarines, la fuerza de las escenas, la iluminación con que se nutre la coreografía, el uso escaso de diálogo en palabras pero exacto para entender las situaciones. Con una banda sonora y musicalización en vivo de Roberto Galván ajustada en forma precisa como una pieza de reloj donde todo funciona perfectamente y en armonía.

La idea y dirección también es de Galván y está Inspirada en `Cuentos de Amor de Locura y de Muerte` de Horacio Quiroga. Transcribiendo sus propias palabras “Cuentos de Amor de Locura y de Muerte se asociaron a mi inconsciente para elaborar una obra que amalgama los dos mundos que me hablan, el alemán y el argentino”.

La obra mediante movimientos de danza contemporánea o perfomáticos, valiéndose de un excelente vestuario y escenografía, donde libremente vuelan sentimientos tales como amor, violencia , donde se manifiesta el desprecio por la mujer, la pelea entre machos cabríos y en contraposición a escenas eróticas.

Esta obra se presenta todos los domingos en el ELKAFKA ESPACIO TEATRAL LAMBARÉ 866, a las 21 hs. Donde bailarines demuestran las otras formas existentes de expresión sin necesidad de la palabra y como se puede recitar poesía a partir de como vibren en escena los cuerpos físicos.

Ficha técnica:

Idea y dirección: Roberto Galván

Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur

Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván

Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván

Voz en off y textos originales: Roberto Galván

Espacio escénico: GM Villa Elisa

Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván

Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato

Funciones:

Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs

Precio de la entrada: $250.-

Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-

http://www.alternativateatral.com

ELKAFKA, Espacio teatral.

Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439

Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com

Diana Decunto

Todo lo que nadie ve, de Javier Rodríguez Cano

Los viernes a la noche cobra vida en escena la primera pieza teatral redactada por este actor y director de prolongada trayectoria que, gracias a su experiencia en el arte escénico y a las bellas interpretaciones de su texto que realizan Lourdes Invierno (la Madre) y Julian Fuentes (el Hijo), mantiene en vilo al público a la espera de un derrumbe edilicio.

“Todo lo que nadie ve, vos lo ves, cada nervio que sufre, lo sanás” dice la canción Joga de Björk, y parece reducir, con sencillez, el vínculo primordial entre un hijo y su madre. Sin embargo, lo sabemos, las relaciones no son tan sencillas como las canciones.

Una madre y su hijo acaban de sufrir la muerte del padre de la familia. En algún momento el hijo aprendió que el dolor se paga con la enfermedad y la enfermedad con el aislamiento y desde entonces mantiene a su madre alejada de la realidad. Él cree que eso es lo mejor para ella. Ella, en cambio, pugna, sin fuerzas pero con insistencia, por salir.

La acción transcurre en el dormitorio que antes fuera del matrimonio: un papel tapiz raído y sucio, objetos que caen por su cuenta, paredes que truenan por dentro y una grieta que da cuenta de un derrumbe inminente. Algo se desmorona.

La puesta en escena indaga en los matices que tiene la sobreprotección a través de distintos gestos, tonos de voz, posturas del cuerpo y del vínculo simbiótico que se establece entre dos personas que solo se tienen mutuamente. La habitación del empapelado raído, los muebles viejos, las goteras y las hormigas hace las veces de cárcel casera custodiada por un hijo atento y afectuoso, pero no por eso algo machista y agresivo (si es que se puede hablar de violencia en términos graduales).

La canción que le da el nombre a este evento teatral también hace alusión a los “paisajes emocionales”; y este espectáculo nos ofrece un vasto avistamiento de los diferentes estados por los que una mujer, que es prisionera de sus recuerdos y de los psicofármacos, puede atravesar. Lourdes Invierno personifica con tanta naturalidad a la Madre que desdibuja su rol como actriz; la verosimilitud de su arte da la sensación que estuviera actuando de sí misma, cuando dista completamente de aquella mujer a personifica en escena. Por su parte, Julian Fuentes se desenvuelve con sumo profesionalismo y se vislumbra que tiene un gran talento por explorar y desarrollar.

Todo lo que nadie ve estará en cartelera hasta el 24 de noviembre en Vera Vera Teatro (Vera 108, barrio Villa Crespo) los viernes a las 21 hs. Las entradas tienen un costo de $200 –hay promoción para estudiantes y jubilados a $180– y se pueden reservar por la página de Alternativa Teatral.

Ficha técnico artística

Actúan: Julian Fuentes, Lourdes Invierno

Diseño de luces: Christian Gadea

Realización de escenografía: Federico Falasco

Realización de objetos: Lorena Pavesi

Fotografía: Gustavo Maggi

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción general: Carola Parra

Dirección de arte: Gustavo Maggi

Dramaturgia y dirección: Javier Rodríguez Cano

Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 50 minutos

Lara Salinas

Reseña: Vidé/la vuelta móvil

Cuando el público ingresa a la sala para ver Vidé/la vuelta móvil se encuentra con una puesta en escena diferente a lo convencional: el escenario se ha desplegado por la sala, separando las butacas de los espectadores, enfrentándolos y colocándolos en la ladera de un camino por el cual transitará la vida de un hombre que sólo tiene un deseo: morir en paz.
Ese hombre es el militar y dictador Jorge Rafael Videla.

En esta pieza el humor y lo dramático se mezclan para narrar uno de los temas más importantes y sensibles de la historia argentina: la dictadura cívico militar de 1976. De forma sutil pero directa esta obra escrita por Vicente Muleiro recorre la vida y muerte de Vidé(la) (Carlos Vignola) cuyo único deseo es morir de forma digna. Para lograrlo, recibe la ayuda, los consejos y las burlas de Biondi (Carlos March) un curioso personaje que funcionará como un espejo, por momentos idéntico, por otros opuesto, de aquel serio y severo militar. En el intercambio dialógico entre estos dos personajes, en las inteligentes frases directas e indirectas a hechos o personas de la década del 70, en el juego con el lenguaje y con las palabras reside lo esencial de la historia.

Pero no sólo el texto es notable en esta obra. La puesta en escena, realizada originalmente por Norman Briski, contiene una variedad de recursos que se despliegan lenta y paulatinamente con el fin de ubicarnos en el contexto al que hace referencia la historia. La infancia de Videla, su aprendizaje militar, su llegada al poder, la dictadura y hasta el instante previo de su muerte es narrado aquí con ayuda del vestuario y los elementos escenográficos, que se alejan del típico atrezo del teatro independiente por su calidad y cantidad. Carlos Mauch, quien también dirige la obra, es un camaleón que se adapta a las varias situaciones históricas, transformándose en distintos personajes con sólo modificar el tono de voz, el idioma o la posición del cuerpo. Se destaca su trabajo actoral por la versatilidad y la impecable manera de hacer viajar al público por múltiples personalidades frente a las cuales el general Videla se mostrará inmutable y serio, siempre respetando lo establecido. La variedad de recursos y la originalidad de la puesta en escena hacen de la obra una exquisita demostración de las posibilidades del teatro.

Una obra para no dejar pasar: todos sus elementos se conjugan de manera eficaz y clara; es simple y directa por momentos, compleja y profunda por otros; la velocidad de los diálogos y el dueto actoral completan este grotesco que recorre casi cincuenta años de historia argentina.

Ficha técnica

Autor: Vicente Muleiro
Elenco:
Vidé – Carlos Vignola
Biondi – Carlos March

Escenografía: Guillermo Bechthold
Vestuario: María Claudia Curetti
Maquillaje: Elena Sapino
Diseño original de luces: Norman Briski
Diseño sonoro: Daniel Giménez
Banda de sonido: Martín Pavlovsky
Operación de luces y sonido: Daniel Giménez
Asistencia de dirección y escenario: Agustina Barach – Guillermo Bechthold
Títere: Guillermo Bechthold
Voz en off: Eduardo Aliverti
Música de noticiero: Gastón Cordera
Diseño gráfico y fotografía de flyer: Martín Garrocho
Dirección: Carlos March (sobre la Puesta original de Norman Briski)

VIDÉ / LA VUELTA MÓVIL

Funciones – Viernes 10 y 17 de noviembre a las 21:30 hs.

Entradas: $200

Teatro El Alambique – Griveo 2350 (Villa Pueyrredón) – 4571-8140

Reservas en www.teatroelalambique.com

Más info en: www.facebook.com/vide.la.vuelta.movil

Twitter @alambiqueteatro / Instagram: elalambiquecultural

Ian Quintana

Reseña: La furia del volcán

En su segunda temporada teatral “La Furia del Volcán” escrita por Gerardo Grillea y Marina Munilla logran traer a escena una Ingrid Bergman en una faceta diferente de la actriz ganadora al Oscar en Hollywood, por Juana de Arco.

Un volcán en erupción y sus cenizas

La historia transcurre en la década del 1950. Relata la vida de una actriz famosa, de origen sueco, en el cenit de la fama, casada y con una hija, que decide dejarlo todo para juntarse con el director de cine italiano Roberto Rossellini. El nombre de la obra justamente se debe porque Rosellini e Ingrid filmaron en isla de Stromboli, y justo el volcán entró en erupción durante el rodaje.

La actriz Marina Munilla ha sido nominada en los ACE 2017 como revelación femenina. Marina encarna el personaje de Ingrid Bergman, contando los pormenores sobre los sufrimientos padecidos por su separación y el escándalo que levantó en la sociedad norteamericana al extremo de haber sido declarada persona no grata en EEUU, lo que la obligó a radicarse en Italia. Las acusaciones de mujer adúltera la llevaron a la lucha por la tenencia de su hija.

También la obra narra los vaivenes sentimentales de Ingrid Bergman junto a Rosellini y la ruptura de la relación en 1957 cuando terminan separándose.

La ambientación es la adecuada a la época, el vestuario es excelente, la dirección de Gerardo Grillea ha logrado una obra intensa de una trama consistente con un cuerpo actoral sólido de la protagonista y de todos quienes la acompañan.

Una obra que se vale de herramientas digitales para traer imágenes reales de la actriz que para aquellos que no la conocen permite dar una visión más acabada de la historia y para quienes la hemos vista una y otra vez en Casa Blanca, con esa mirada tan particular, que cautivo a Hitcock, nos iremos del teatro envueltos en esa magia de cine de oro hollywoodense, habiendo conocido el detrás de cámara, sobre los padecimientos de una mujer que fue una defensora de sus derechos en una época donde cruzar la línea se pagaba con un costo muy alto.

Temporada 2017

Sábados 20 hs

Teatro No Avestruz.

Dirección: Humboldt 1857. Palermo

Reservas al: 4777 6956 – reservas@noavestruz.com.ar

Reservas y compra online: www.noavestruz.com.ar/reservas

Localidades: $190 General y $160 est. y jub

Facebook: www.facebook.com/lafuriadelvolcan

Twitter:@furiadelvolcan

Ficha artístico técnica:
Elenco: (Por orden de aparición)

Marina Munilla / Patricia Giovetti / Roberto Mauri / Gabriela Granda / Mariano Gómez Kotiuk / Matias Rodríguez Davila / Azul Badino Buono / Rubén Otero / Mirella Calentino.

Escenografía: Claudio Hanczyc / Voz en off: Pablo Gandolfo / Maquillaje: Adriana Alamos / Edición de videos: Álvaro Martínez Rota / Animación y diseño gráfico: Bruno Ravaglia / Fotografía: Valentina Gómez Kempel / Prensa & Difusión: Simkin & Franco / Asistente de Dirección: Yamille Martínez / Dramaturgia: Marina Munilla – Gerardo Grillea / Dirección: Gerardo Grillea

Diana Decunto

Reseña: Como si pasara un tren

Lo que se cuenta es simple: un adolescente con retraso madurativo, vive con su madre sobreprotectora, en un pueblito alejado de la capital, sin internet, ni televisión. Una sobrina adolescente entrará en la vida de esa madre con su hijo, y todos cambiarán.

Sabremos que Susana, la madre sobreprotectora, cría a su hijo sola y con mucho esfuerzo, ya que el padre de Juan los abandonó. Vemos a una mujer sólida, dura, estoica, nada sobra en esa casa sin faltar nada de lo importante. Conoceremos que Valeria, la sobrina adolescente, llegará a esa casa castigada por su madre (la hermana de Susana), porque le descubrió un cigarrillo de marihuana. Valeria estudia para ingresar a la facultad, posee una rebeldía tierna,
propia de su edad, quiere y respeta a su tía y a su primo. Fue enviada a su tía “del campo”, como castigo.
Descubriremos que Juan, también adolescente, es un niño grande, tierno y caprichoso, dulce y pletórico de su mundo, el de sus trenes, el juego que lo apasiona. Y ama a su madre, su dios protector, dios de tiránica ternura.

Lo que presenciaremos es como ese elemento catalizador, que es Valeria, ese tercero distinto, extraño, moviliza el capullo/mundo de la relación madre/hijo, interviene en esa simbiosis que brinda seguridad pero impide crecer, en un mundo sin nuevos desafíos. Primero surge el mutuo descubrimiento, la sorpresa,
la curiosidad ante mundos tan disímiles.Luego vendrá el rechazo, el límite, hasta que la lenta aceptación de aquello diferente subyugue con su encanto. Ésto se impondrá a los tres y los sorprenderá.

La escena coreografiada del baile que realizan Valeria y Juan, refleja la frescura del afán de descubrirse y compartir, la sensualidad de lo diferente, la alegría de construir algo juntos y verlo crecer, el juego.
Los tres descubrirán que el propio mundo, sin el contacto de otros mundos ajenos, es estable pero pequeño, asigna razón de ser pero llena de miedos. Comprenden que nada hay mas preciado que la libertad y la confianza de los otros en ti. Y la fe en uno mismo.

Las actuaciones sostienen la historia y le dan atractivo. Sobresale el trabajo de Guido Botto Fiora como Juan: minucioso, lábil e intenso. La escenografía de Isabel Gual: el comedor de una casa modesta, desplegado como una estación de trenes, resulta un hallazgo.
La dramaturgia y dirección de Lorena Romanin, bien escrita y mejor dirigida.

Ficha técnica:

Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso

Escenografía y vestuario: Isabel Gual (Laisa Wall)

Realización escenografía: Estudio WERKPLATZ

Coreografía: Juan Branca

Diseño de iluminación: Damián Monzón

Diseño gráfico: Fermín Vissio

Fotos: Male&Dapa fotos – Diego Mares

Producción: Casandra Velázquez | Puja Producciones

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia de dirección: Mariano Mandetta

Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin

Funciones: sábados y domingos 20 hs. hasta el 17 de diciembre.

Duración: 70 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.

http://www.elcamarindelasmusas.com/

Entradas: $ 250, $ 200 (estudiantes y jubilados con acreditación) y $ 150 (menores de 30 años presentando DNI).

A. R. BELANO

Crítica: Yo no duermo la siesta

A Natalí la llevan a pasar el día a casa de su vecina Rita para resguardarla del difícil momento que se está viviendo en su casa con su madre enferma. Sin embargo, en la casa de Rita, la cosas tampoco están como se esperaba. Estás niñas vecinas atravesarán las horas de la siesta dejándonos espiar su singular universo e ir encontrando las piezas que nos harán comprender por qué ese día no será igual a ningún otro.

Dorita es la empleada de una humilde casa situada en algún pueblo cuyos acentos remiten a tonos correntinos, una casa en la cuál se desempeña en múltiples tareas para llevar adelante el hogar, ella es la cocinera, niñera, cuidadora de Aníbal, el hermano de la dueña de casa el cuál padece un trastorno neurológico, y claro, también de la limpieza. Como si esto le fuera poco, anda con mal de amores.

Es un día muy caluroso, Hila se fue a trabajar, y luego del almuerzo, Dorita quiere que todos descansen un poco y duerman la siesta, pero Natalí no comparte esa costumbre, y sus travesuras acompañadas por Rita, que la consciente en todo porque sabe que está pasando un difícil momento familiar, harán que nadie logre descansar.

El universo infantil que las acompaña, hace que todo se transforme en un caos, Aníbal luego de un ataque de nervios, se trepa a un árbol, los juegos de videoclips telenovelescos arrebatan la limpieza, también un perro muerto y una moto que no arranca son parte de este territorio, al cuál se suma el hijo de Cacho, que arrepentido y dispuesto cambiar, con la ayuda de las niñas, reclama por el amor de Dori y harán que ella tome una decisión.

Una historia atravesada por el cruce del mundo adulto con el de la infancia, vínculos que trascienden las edades, en una línea que se acerca al realismo costumbrista, con un toque de humor fresco.

Una dirección impecable, sensible, poética y llena de detalles, con imágenes que trascienden lo visual y actuaciones muy bien logradas que consiguen que todo encastre perfectamente y el espectador se sienta parte de ese mundo impredecible.

Ficha técnica

Actúan: Mauro Álvarez, Agustina Cabo/Laura Grandinetti, Sandra Grandinetti,

Luciana Grasso, María Marull y Marcelo Pozzi

Escenografía: Alicia Leloutre y José Escobar

Iluminación: Matías Sendón

Vestuario: Jam Monti

Foto y diseño gráfico: Natalia Milazzo

Fotografías de escena: Sebastián Arpesella

Sonido: Micaela Vilanova

Coreografía y colaboración creativa: Silvia Gómez Giusto

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente general: Lara Todeschini y Javier Torres Dowdall

Supervisión dramatúrgica: Javier Daulte

Dramaturgia y dirección: Paula Marull

Reestreno tercera temporada: 15 de marzo de 2017

Funciones: miércoles 21 hs.

Duración: 65 minutos

Espacio Callejón

Humahuaca 3759

Teléfono: 4862-1167

Reservas y compra de entradas: www.alternativateatral.com

Valor de la entrada: $200 / $ 180 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Venta anticipada: 2 x $ 360.

Julieta Ale

Anomalía, de Valeria Polorena

Valeria Polorena actúa y es la directora de la obra Anomalía, obra presentada como estreno de la Bienal Arte Joven 2017 7en el teatro El Extranjero todos los viernes a las 23:00 hs.

Anomalía es una ficción de danza que persigue estados experimentados por la intérprete
basada en sus vivencias personales. Annie, personaje de la obra, transita diferentes registros,
el tiempo (la interrupción), las alucinaciones, la pérdida, los recuerdos (la memoria), los sueños
y los inventos.
“…No existe acceso directo a la verdad histórica, y lo que se siente o se afirma que es verdad,
depende tanto de la imaginación como de los sentidos de cada ser humano…”

Es una obra que nace de lo coreográfico basado en una escenografía naturalista para trasmitir en imágenes los sentimientos de:

«Déficit. Carencia. Necesidad.

Lo que no llega, lo que no está.

Perder la vista, perder la ansiedad.

Perder el hambre, perder caminar.

Perderme en mi casa,

Olvidar”

El personaje se llama Anny en una obra con aristas sicológicas donde existe una tensión del personaje entre la realidad y la ficción, saliendo de lo cotidiano y expresando el sentimiento en un sentido coreográfico.

El vestuario y escenografía de Estefanía Bonessa aplican a las necesidades del personaje y del mensaje que quieren transmitir. La música original es de Morbo y Mambo alineados al contexto de la obra donde el espectador acompaña con todos sus sentidos a captar y superar un mundo donde imperan las anomalías.

Ficha artística-técnica

Intérprete: Valeria Polorena
Música original: Morbo y Mambo
Fotografía: Ariel Feldman
Iluminación: Fernando Berreta
Diseño de vestuario y escenografía: Estefanía Bonessa
Realización de escenografía: Sergio Muños
Realización de vestuario: Patricio Delgado
Asistente de montaje: David Acosta
Colaboración artística: Macarena Orueta
Dirección musical: Maximiliano Russo
Asistencia de dirección: Paz Corinaldesi
Producción: Maximiliano Russo
Dirección: Valeria Polorena
Funciones Bienal en escena
Viernes 23 h | El Extranjero, Valentín Gómez 3378
Entrada general: $180
Descuento 2 x1 para sub 32 y para quienes tengan una entrada de otra obra de Bienal en escena

(Hasta el 10 de noviembre)