En esta comedia ligera veremos la historia de 2 conocidas, en dos etapas de la vida totalmente distantes, que invierten en un negocio de cosmetologia que parece tambalear
cuando estás conocidas comienzan a conocerse realmente.

Gisell y Carlita, de 30 y 57 años respectivamente, se asocian para montar un consultorio de cosmiatría en un barrio de Buenos Aires seleccionado estratégicamente.

Un dudoso marketing, la falta de preparación y hechos de la vida privada de cada una les juegan en contra. Las razones de fondo que han llevado a cada una a encarar el emprendimiento difieren enormemente entre sí y, a medida que avanza el tiempo y los clientes no aparecen, estas motivaciones personales, que afloran y confrontan a las socias, pueden poner en peligro tanto el proyecto como el vínculo entre ellas.

Lo sutil que se maneja la comedia en la obra es sublime, ningún chiste es forzado y parece improvisado en el momento, aún que, “spoiler”, de seguro el 99% de las cosas que se dicen son escritas, eso es lo que más aplaudo en esta obra. Aún que no parezca, que un personaje se vea y se escuche tan natural al hablar, que pareciera que acaban de pensar lo
que dicen, es difícil de trabajar y en esta obra fue logrado.

Sin duda es una comedia muy fácil de digerir, así que es imposible no disfrutar y quizás también, no sentirse identificado en algún momento.

Ficha técnico-artística
Autoría: Andrés Blejman
Actúan: Julieta Bergunker, Stella Giarrusso, Facundo Leoni
Producción: Julieta Bergunker, Lara Salinas
Dirección: Andrés Blejman
Duración: 70 minutos

Precio
$200 GENERAL
$280 PROMOCIÓN 2×1

Funciones
Sábados 21 hs.
Artilugio Teatro – Tte. Gral. Juan Domingo Perón 4231
Capital Federal, Buenos Aires, Argentina

Ariana Marín

Siempre me ha sucedido que antes de ver una obra o una película haya gente que me diga cosas como «Es para llorar » , «Ojo que es fuerte, yo me emocioné mucho» o cosas así por el estilo. Ante esto suelo no fiarme mucho de estos encabezados, no porque sea un alma insensible incapaz de emocionarme , sino porque siempre tiendo a decepcionarme cuando esto sucede. Con la obra Quien retiene a quien , ya estrenada hace algunas semanas, he recibido decenas de comentarios sobre su carga emotiva y que llega a emocionar por su temática. Sí, la obra habla sobre la muerte, sobre la materialización de aquellos seres queridos que se fueron y tienen algo que decir antes de partir de manera completa. ¿Acaso la obra es solo intento para jugar con las emociones del espectador ? Para nada, es una obra con un exquisito guión y que consecuentemente nos llega al corazón .

Es diciembre de 1999 y tres mujeres llegan a New Jersey, al hogar del reconocido médium Jason Richards. Las tres acuden a una lectura grupal desesperadas por contactarse con sus seres queridos fallecidos. Buscan comprobar que existe la vida después de la muerte, no sólo para los que están en el más allá, sino también para ellas mismas en el aquí y ahora. Sin que lo noten, los espíritus se materializan durante la …

…lectura. Al parecer los muertos, al igual que los vivos, tienen bastantes problemas para seguir adelante. Frustrados en `el limbo` se resignan a pasar su tiempo en el más allá, viendo cómo la vida continúa sin ellos. Pero algo ocurre durante la sesión que les demuestra que Jason realmente puede comunicarse con el otro lado.

Si bien la pérdida de un ser querido resulta el disparador de la trama , no es el tema principal de la obra. Sino más bien lo que se intenta es resolver las cosas pendiente que se tenían entre las personas antes de la inevitable separación , tanto los vivos como los que no lo están tenían motivos para seguir unidos, incapaces de soltarse , por eso el encuentro con un medium que les hace posible la conexión es el momento ideal para despedirse. Al leer la temática de la obra creeríamos que todo es sumamente dramático ,y si bien en partes es cierto , la obra se toma sus tiempos para distenderse , mostrar todas las caras de los personajes y jugar con el humor. La presencia de Anita Moriarty (Personaje que interpreta Florencia Otero) es quien logra dirigir el curso de la historia en el lado de los que se «fueron» , además de aportar humor con un personaje tan carismático y que guarda una estrecha relación con el medium que hace posible la conexión entre vivos y muertos. La música acompaña en los momentos que los personajes de ambos lados necesitan sacar a flote sus sentimientos , viviendo en lo que fue el pasado y lo que no han podido superar hasta el presente.

La obra es una historia de personajes , acentuando las vivencias de cada uno. Los actores en escena realizan un trabajo más que correcto en lo que quieren transmitir , que es contar su parte del relato. Podemos destacar la participación de Laura Oliva , quien representa a una mujer llena de vida aunque irónicamente no lo esté, la actriz canta, baila y hace reír al público de la manera que mejor lo sabe hacer. Nos ha llamado la atención que el elenco del musical se encuentre encabezado por el actor Fabián Vena , si bien su personaje no participa tanto en el terreno musical, se agradece que el actor se haya animado a formar parte de este tipo de proyectos, brindando una interpretación correcta y emotiva.

Quien retiene a quien es una obra sobre las emociones , aquellas que por algún motivo no fueron capaces de ser transmitidas, encontrando el momento definitivo para hacerlo y decir adiós. Su escenografía está armada para sentir la nostalgia de su personaje principal , que también ha perdido a alguien y vive en el pasado, de ese modo, se inicia una sesión muy especial. Con la música que acompaña activamente al relato, nos brindan una obra capaz de hacer reír y llorar al público , siendo este espectáculo el que nos retiene para que disfrutemos junto a él.

Intérpretes:Fabián Vena, Laura Oliva, Flor Otero, Meri Hernández, Tiki Lovera, Florencia Rovere, Elis García, Máximo Meyer

Equipo:

Dirección General: Juan Alvarez Prado

Dirección Musical: Hernán Matorra

Dirección Vocal: Florencia Carchak

Adaptación: Marcelo Kotliar

Escenografía: Tato Fernández

Vestuario: Alejandra Robotti

Diseño de Luces: Juan García Dorato

Coreografías: Carla Lanzi

Diseño Gráfico: Made in Type

Fotografía: Sofía López Mañan

Comunicaciones: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Redes: Belén Maffei

Maquillaje y Peinado: Adrián Llamosas

Asistencia de Dirección: Tere Biafore

Producción: WTF! Producciones

Todos los martes a las 21:00

Teatro Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343

Entrada general $320.

En la boletería del teatro o en Plateanet

Daniel Alvarez

Ninfa, de Bianca Lerner, es un proyecto que resultó ganador de un concurso de tutorías organizado por La Bienal de Arte Jóven, cuyo premio consistió en el asesoramiento, acompañamiento y financiamiento del proyecto para su puesta en escena y estreno en el Festival de la Bienal. Si bien la figura de la ninfa es una de las más recurrentes en la danza clásica y personifica el estereotipo de bailarina como ser mágico, asexual, humanoide pero irreal, lo que se presenta en esta obra es otra especie híbrida de ser de la naturaleza, en controversia con su título.

Entramos a la sala y vemos piernas. Piernas y pieles. Piernas y pieles iluminadas por luces ocre, tenues, medio en penumbras, allá al costado una rama. De fondo ruidos perturbadores. Y con pieles no quiero decir pieles humanas, sino abrigos de piel animal sobre las pieles humanas. Cinco féminas danzan frenéticamente al son de la música electrónica con movimientos repetitivos, descontextualizados, de reminiscencia bestial. Hay un salvajismo explícito en la coreografía que nos llama a volver a lo primitivo de lo humano, a lo animal de lo humano. Nos recuerda nuestra pertenencia al reino animal, pertenencia que hemos olvidado en este pre-apocalipsis de la humanidad en el que vivimos.

Esta crítica se deja entrever especialmente en un fragmento en dúo, en el que se exhibe la incapacidad humana para vincularse con el otro, la torpeza. Lo que, pensando rápidamente, podríamos describir como animalidad es, en realidad, un rasgo típico de la humanidad que, inmersa en la contemporaneidad mediatizada, se ha alejado de la organicidad. Además, en otro fragmento se ve claramente una burla a los movimientos “civilizados” que muchas veces realizamos como si nos fueran naturales, cuando en realidad no son más que imposiciones codificadas. Será quizás que lo que diferencia al ser humano del animal,
su capacidad de raciocinio.. ¿Nos está alejando de lo verdaderamente inherente a nuestra
naturaleza.

Formalmente, es una obra muy atractiva en lo visual, tanto escenográficamente como a
nivel coreográfico. Utilizando como base formaciones de danza tradicionales: grupo/solista, dúos, filas rectas/diagonales, así como elementos tanto de la danza moderna como de la
postmodern dance, como la repetición obsesiva de pequeños movimientos no codificados, no simbólicos, se presenta como una obra de experimentación coreográfica pero evidencia un gran trabajo previo.

Los momentos grupales son de gran riqueza visual, ya sea en aquellos unísonos orgánicos o en los fragmentos más aparentemente desordenados, donde cada cual atiende su juego. La paridad de las intérpretes hace que no sepamos a quién mirar, ya que todas ellas
igualmente talentosas, llaman nuestra atención.

Este resultado no sería posible sin los otros elementos formales que completan la obra: su escenografía austera pero sugerente, la música sórdida e incómoda y la iluminación justa, perfecta, aurática. Claramente es un trabajo bien hecho, el resultado de un equipo jóven pero coherente.

Sinceramente no me resulta fácil encontrar obras de danza contemporánea que me gusten tanto como me gustó Ninfa, una obra que no se esfuerza por buscar originalidad tanto como por decir algo interesante a la vez que juega con un lenguaje
experimental. Quizás la conclusión sea que el arte contemporáneo no debería ser tan original como debería ser relevante.

Funciones: jueves, 21:00 hs. (hasta el 7 de diciembre)
Lugar: Teatro El Kafka (Lambaré 866, CABA)
Entradas: $180 | Desc. jubilados y estudiantes.
Reservas: 4862-5439 | Alternativateatral
Duración: 50 min.

Ficha técnica
Dramaturgia: Bianca Lerner
Elenco: Natali Lisman, Pamela Melina Juri Dayan, Daniela Garcia, Fabiana Paisani y Marisol Moreira.
Asistencia coreográfica: Natali Lisman
Música original: Dylan Lerner
Grabación y sonido: Velozet Studio
Foto fija: Adan Jones
Video: Nítido
Diseño de luces y técnica: Javier Drucaroff
Escenografía: Rodrigo Gonzales Carrillo
Vestuario: Rodrigo Gonzales Carrillo & Pieles ROXY.
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Daniela García
Asistente de dirección: Salomé Bazán Rochaix
Dirección: Bianca Lerner
Tutoría: Luis Cano
Colaboración artística: Rubén Szuchmacher y Andrea Servera.

Sol Grünschläger

Mujer que ama, sufre, llora y ríe con pasión. Así con esa frase puedo comenzar esta reseña porque es lo que pienso cuando recuerdo la función de “Mujeres en red”, un espectáculo de música en vivo con ritmos típicos de la argentina que acompañan coreografías de baile contemporáneo haciendo así que lo pasado y lo actual te recuerde que, no importa el tiempo, las mujeres seguirán sintiendo igual, con pasión.

Mujer y pasión son las palabras que describen este espectáculo ya que son las protagonistas de esta. Cada
canción en español o italiano cuenta alguna etapa de la mujer, cuando ama, cuando llora o cuando ríe sola o
acompañada. Y saliendo de lo típico de canciones grabadas, Lucilla Galleazi y Pulice-de Vincenzo cuarteto
tocan en vivo lo que permite que la emoción se sienta más a flor de piel lo que asegura que cada función de
seguro sea totalmente distinta.

Aplaudo a los bailarines, a la coreógrafa y a la banda, que dejaron el sudor en el escenario, pero sobre todo, el corazón en la función.
Aunque en teoría haya sido su última función, yo les seguiría la pista para volver a ver “Mujeres en red”.

Ficha técnica

Idea y Dirección: Andrea Chinetti
Bailarines: Flor Alonso, Menelik Cambiaso, Paz Corina ldesi, Nicolás Iturbide, Manuela Suárez Poch, Sol
Lemonni, Pablo Bidegain.
Música: Lucilla Galleazi, Pulice-de Vicenzo cuarteto
Iluminación: Alberto Lemme
Asistente de Vestuario: Sara Peña
Asistente Técnico y de Producción: Guido Zanuttini
Prensa: Octavia Comunicación
Diseño Gráfico: Maria Chinnici
Fotos: Carlos Furman

Estreno: viernes 1° de septiembre, 21 hs.
Funciones: viernes 21 hs. (Hasta el 27 de octubre.No hay función el 6/10)
Lugar: El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, CABA)
Entradas: $200-. / Desc. jubilados y estudiantes: $150-.
Reservas: 4863-2848 / El Portón de Sánchez
Duración: 45 min.

Ariana Marín

Patricia vive con sus hijos mellizos, su madre, su hermana y la novia de uno de los hijos. Ella lleva la casa adelante. Hoy recibirá un llamado que cambiará su vida y la enfrentará a su familia para siempre. Es domingo a la tarde, Patricia está sentada en su comedor, antiguo, el mismo desde que iba al colegio. De repente suena el teléfono, y es Kiko, un amor de su adolescencia que ha vuelto de México en una visita corta, pero quiere verla, y pasará esa misma tarde a compartir unos mates con ella. Patricia se encuentra muy emocionada por este encuentro, aunque sabe que le será difícil un encuentro tranquilo ya que su casa es un caos. Ella es docente, madre mellizos ya grandes y haraganes, quienes en vez de aportar al hogar, por lo contrario, le gastan todo su dinero. También conviven en la misma casa su hermana Maricel, una gruñona quién se cree dueña de la verdad, y lo único que hace vender productos por catálogo, que nunca le terminan de pagar. La abuela, una mujer completamente desubicada para su edad, y también con Camila, que es la novia de uno los chicos. Pese a todo esto, Patricia organiza la casa, y les pide ayuda para cambiar su aspecto descuidado y pasar una linda tarde junto a ese viejo amor, quien será un disparador para que tome decisiones drásticas y evalúe si continuar con su triste presente. Sólo llamé para decirte amo, es una obra con dramaturgia y dirección de Nelson Valente, creada en la 1° edición de “El 25 va a tu casa” ciclo producido en 2016 por el Centro Cultural 25 de Mayo, a través de una convocatoria abierta, se seleccionaron ocho casas de vecinos de Villa Urquiza,quienes abrieron las puertas de su hogar para “dar sala” a las funciones de vecinos de una obra diseñada especialmente para adaptarse a domicilios particulares, quienes pudieron ser anfitriones por un día de una experiencia teatral que transformó la percepción de su propio hogar. En el marco de este proyecto, Valente creó en 12 intensos ensayos, esta obra, capaz de adaptarse a diversas arquitecturas de las casas elegidas. Una obra que demuestra lo cotidiano de una familia, que con un humor efectivo, logra trasladar al espectador a ese viejo living, y tomar posición en cuanto a cada personaje. Es muy fácil reconocer la desdicha de Patricia, de sentirse parte de ese mundo. Un elenco en el que se destacan todas las actuaciones, con una naturalidad que nos hace participe de las acciones, con diálogos claros, todas las conversaciones de estos personajes tienen un sentido que hacen a la historia y al comportamiento de cada uno. Valente una vez más, elige la familia como eje principal de las obras, la violencia naturalizada en los hogares, la mezquindad y el egoísmo de los personajes se viven a flor de piel enuna obra conmovedora.

Esto no es una crítica de teatro, es más bien una declaración de amor. Sigo a Roberto Peloni desde su protagónico en La Parka, musical multipremiado del under porteño y fui, a lo largo de estos años, testigo de su talento tanto en tele como en vivo, llegando al clímax del fan del teatro musical con su Frank N Furter de culto.

Esta obra se siente más libre, subjetiva, ya que en ella crea personajes inéditos y, a su vez,
finaliza con un musical de autoafirmación identitaria. Con producción de Lino Patalano y en
conmemoración de los cincuenta años del café concert, Peloni decide hacer un unipersonal muy personal. Cinco personajes con individualidades muy marcadas, políticamente incorrectos tal como nos adelanta el programa, se suceden haciéndonos reír de manera
exponencial para cerrar con un gran final donde conocemos al personaje detrás de los personajes.

Lo increíble es cómo, a lo largo de la obra, Peloni se va transformando en seres muy diversos, cambia su cara, cambia su voz, construye desde el cliché y así y todo logra ser convincente. Lo paradójico es que tenga que explicarse, cantar su currículum artístico y construir un personaje de sí mismo para autoafirmarse en su talento y llegar a la conclusión aparentemente contradictoria de que, si el público general no conoce su nombre, es porque algo está haciendo bien.

Roberto Peloni es su nombre y todo lo que este actor hace, definitivamente lo hace bien. Sus personajes nacen de lugares comunes, pero sin aburrirnos con los mismos chistes de siempre. Putean pero no nos hacen reír desde el humor burdo. Recurren a la comedia física, pero desde la construcción realista de la observación. Descontextualiza a las
personas que los inspiran, pero no desde el sinsentido.

Enrique Pinti presenció la misma función que yo, quizás para supervisar con recelo en manos de quién está el futuro de la comedia. Quizás porque son pocos los actores de esta generación cuya capacidad de hacer reír se empareja con su talento para componer personajes y es su responsabilidad estar al tanto de ellos. Sea cual fuere el motivo, lo que
es seguro, es que es una señal de buen augurio.

El viernes parecía que se iba a caer el cielo, cada vez se levantaba más viento frió que aproximaba esa lluvia. No tenía muchas ganas de salir, pero el teatro me esperaba. Llegué a mi amado Cultural San Martín, pero esta vez no para ir a clases. Entré a la Sala Alberdi, en donde me recibió la voz inconfundible de Dylan, cantando Not Dark Yet, y supe que al menos por eso, ya algo estaba bien.

Una pareja al borde del divorcio discute con fervor sobre con quién dejar a su pequeña hija el próximo fin de semana. En el medio de esta pulseada, la única solución parece ser dejar la niña en manos de Ale, un adolescente de confianza dudosa a punto de irse a Nueva York a estudiar cine.

Vera y Miguel son una pareja separada, de clase media alta, están por divorciase y tienen tenencia compartida de su hija de 7 años, Rebeca. Vera es una psiquiatra que tiene planeado un viaje de descanso con su nuevo novio a la isla brasilera Paraty. Miguel es un medico que tiene un congreso en el cuál luego de tantos años de preparación, presentará su implante de oído, lo cuál le daría un giro en su carrera, eso hace que ninguno pueda cuidarla el fin de semana, ya que ambos viajan y no pueden llevarla. La niñera se encuentra enferma, y la única opción inmediata que tienen es dejarla al cuidado de Ale, un adolescente de 19 años, amante del cine, hijo de la amiga de Vera, quién está dispuesto a cuidar a Rebeca, para así poder juntar dinero para su viaje próximo a realizar a Nueva York .Miguel no está de acuerdo con esa situación, no concibe la idea de dejar a su pequeña en manos de un adolescente, por lo cuál cada uno le hace una pequeña entrevista informal, ella le da indicaciones sobre los cuidados que deberá tener, y él lo indaga para ver si logra descubrirle un perfil perverso, Ale consigue manipularlos y aprovechar la situación para sacarles más dinero y aprovechará este fin de semana para filmar una película que tiene a  Rebeca como protagonista. La ficción se les escapa de la manos, no logran diferenciar ficción de realidad y mientras la pequeña juega Pipi Calzaslargas, sufre un grave accidente.

Una proyección en una de las paredes de la casa, nos va marcando los tiempos que van atravesando los personajes. La ocupación de los muebles, y la falta de los mismos a medida que avanza la obra, comienza a dar la sensación de desolación, el hogar se desintegra. Cada personaje va decayendo, los fuertes se hacen débiles y vulnerables, se desbordan, mientras Rebeca sigue en el hospital.

Escrita por Lukas Bärfuss, con la dirección de Cecilia Bassano y Carla Pantanali  llevan a cabo una obra que explora diferentes aspectos de la escena cotidiana familiar, pero fundamentalmente aborda y hace hincapié del mundo individualista, de cómo sin querer se descuida el bien común para lograr la realización personal, sin importar las consecuencias que esto puede tener. Una obra que nos invita a reflexionar sobre la sociedad actual.

Agenda:
Estreno: Viernes 4 de agosto,  22h
Funciones: Viernes y sábados de agosto y septiembre,  22h
Reservas: 4374-1251 al 59
Espacio: Centro Cultural San Martín, Sala Alberdi.Sarmiento 1551
Entrada: $130
Web: www.elculturalsanmartin.org

Ficha Técnica:
Autoría: Lukas Bärfuss (Traducción y adaptación de “Málaga” por Cecilia Bassano)
Dirección y producción: Cecilia Bassano / Carla Pantanali
Elenco: Carla Pantanali, Pablo Caramelo, Julián Infantino
Escenografía: Magali Acha
Asistente de Escenografía: Vanesa Giraldo
Sonido: Carla Pantanali
Vestuario: Emilia Tambutti
Asistente de vestuario: Daniela Samponi
Iluminación: Matías Sendón
Fotografía: Sandra Cartasso
Prensa: Octavia Comunicación
Julieta Ale

Entramos y vemos a Milena una chica algo revoltosa que huyó de su matrimonio de las vegas y cayó en casa de su hermana, Malena, quien está pronta a casarse. Milena le desordenara la rutina a su hermana, quien es una obsesiva por el orden, no solo cuando llegue inesperadamente a su casa, si no también cuando llegue de Las Vegas un toro de entrenamiento que también es un bar.

Luego de huir del altar, con el vestido de novia puesto, Milena viaja desde Las Vegas a Buenos Aires, y llega al departamento de su hermana Malena y su cuñado Antonio, los cuales están a escasos días de casarse. Sin embargo, no podrá ocultarse por mucho tiempo de su pasado.

Inesperadamente, llega ,también desde Las Vegas, una extraña encomienda enviada por el exnovio abandonado: un toro de entrenamiento que a su vez funciona como bar, con cuernos reales de un toro asesinado en faena, llamado Pichuco Linares. De a poco se irán dando cuenta de que el artefacto no ha llegado ahí por casualidad: tiene una misión que cumplir.

“Toro mata”, es una comedia que, a través de un superhéroe vengador fuera de lo común, critica la normalización de la violencia, haciendo una agridulce comparación entre la tauromaquia y la heteronorma.

Con personajes de una típica comedia: La mujer con una vida desordenada, la otra mujer con una vida aparentemente ordenada, el hombre que es sometido por su mujer y el macho peludo que suda hombría, “Toro mata” es una obra que usa como recurso un humor un poco retorcido para hablar sobre la normalización de violencia de persona a persona, de persona a animal y de ¿animal a persona?.

Esta última incógnita la tendrás que averiguar al ver “Toro Mata” los viernes a las 23:00 en G104 (Gascón 104).  

Dramaturgia: Carolina Luaces

Dirección: Manya Loría

Asistencia de dirección: Sabina Faccini

Escenografía: Gabi Peperina

Vestuario: Cin Ledesma

Diseño de publicidad: Sebastián Carulli

Fotografía: Alma González

Actores:

Milena: Florencea Fernández

Malena: Carolina Luaces

Antonio: Guido Napolitano Rodríguez

Manuel: José María Barrios Hermosa

Funciones: 15, 22, 29 de septiembre | 6, 13, 20, 27 de octubre y 3 de noviembre.

Horario:  23:00 hs.

Entrada: $150-.

Teatro: G104, Gascón 104, Almagro, CABA.

​Reservas: Alternativa Teatral.

Duración del espectáculo: 80 minutos aproximadamente.

Ariana Marín.

Debo admitir que no podré ser del todo objetivo con esta reseña, la obra en cuestión se llama «La pasión de Toto» cuyos temas principales en la obra se destacan el equipo Boca Juniors y el barrio de La Boca. No me interesa tanto el fútbol y no he conocido aún al barrio mencionado, así que toca arrancar desde cero. Se puede decir que se trata de una comedia costumbrista, con una excelente ambientación  de lo que se denomina un conventillo. Su argumento es sencillo, es lo que busca y usa para alzar los valores del equipo Xeneize y a su barrio.

Barrio de la Boca. 1925. Un conventillo frente al místico estadio de la Bombonera. Una familia apasionadamente boquense sueña con ver al pequeño Fermín debutar en las inferiores del club de sus amores: Boca Juniors. El deseo de la familia se obstaculiza por el médico personal de Don Toño, que siendo de la zona de la Recoleta y simpatizante de River visita asiduamente a la familia y conversa con el jovencito para que cambie sus colores por los de su club amado. La llegada de una carta con una suculenta oferta de compra del conventillo traerá un nuevo conflicto a la historia: ¿Qué hacer? ¿Vender? ¿O ser fiel al sentimiento por el barrio?

Convengamos que para la época donde se sitúa la obra,  la población no es tan inmensa como lo es en la actualidad. Esto hace que en una comunidad la mayoria de las personas se conozcan, más en un barrio mítico como lo es La Boca. Antes de ser un reconocido lugar de la ciudad de Buenos Aires es simplemente un barrio, en el que uno de sus habitantes le anticipa al público lo que será de este sitio en el futuro. El fútbol y el tango son parte de nuestra cultura y es lo que la obra acentúa en su historia y su música, presentando una comedia de peleas, enredos y disputas dentro de una comunidad. Hacia el final la obra presenta el planteo sobre cual amor es más importante ¿Al que se tiene por la camiseta o por la familia?  Claramente al ser reacio al futbol tengo mi respuesta,  aunque esa pregunta se puede trasladar hacia cualquier pasión que una persona pueda tener, que muchas veces resulta ser algo muy importante en uno.

Las actuaciones son correctas , la obraa abunda en personajes, donde casi todos tienen presencia en la historia de manera constante.  Muchos personajes se reflejan a traves de un estereotipo, como lo es el tanguero, los inmigrantes italianos y los apasionados por el futbol. Todo esto está en función de la comedia, que logra causar risas en momentos desopilantes.

Si toca decir que es una obra hecha para los amantes de Boca Juniors, resulta ser un sueño que quería realizar su director, en el cual ha recibido ayuda por parte de miembros del club. Puede suceder que el espectador ajeno a estos principios, llegue a sentirse fuera , de todos modos es algo que desde su portada ya te dicen que es lo que se va a ver,  así que queda a criterio de la gente si decide o no ir a ver el espectáculo.

La pasión de Toto es una obra que se realiza con esa pasión que muchos tienen por el futbol,  y mas precisamente por el club Boca Juniors. No falta el humor  y los momentos desopilantes en una comedia simple pero efectiva.

Pd: No apta para hinchas de River.

El elenco está integrado por Julio Marticorena (Don Toño), José Mastronicola (Fermín) Ramiro Calero (Tino) Analía Gracia (Marita) Antonio Mastronicola (Carlo) Lihue Lit Taborda (La Turca) Soledad Vázquez (Felisa) Alejandro Marticorena (Federico) Patricia Simeone (Choriza) Anna Morrone (Alfonza) Pablo Rodríguez Andreoli (Matienzo) Iván Pedernera (Toto).

Músicos: Bandoneón: Rodrigo Mercado Violín: Ezequiel Moyano Contrabajo: Leonardo Páez Voz: Luz de Olano Bailarines de tango Luz de Olano y Javier Molina

Funciones: a partir del 6/9 todos los miércoles a las 21 hs

Teatro: La Comedia – Rodríguez Peña 1062

Localidades $ 350.-

Los recuerdos son esas imágenes de situaciones pasadas que aparecen en nuestra mente a veces con claridad, a veces con cierta duda de si ocurrieron así. Ahí transcurre la obra “El regreso”, en el recuerdo colectivo de la familia Butler de, se supone, uno de los días más felices de sus vidas. Los recuerdos son dirigidos por un señor que posee el libro donde están escritos los sucesos tal cual pasaron y él es el encargado de que estos recuerdos se mantengan en orden, pero también servirá de confidente a los integrantes de la familia para poder descargar su reflexión respecto a los sucesos.

Es metateatro, es decir, una obra dentro de una obra, esto es lo que hace interesante el montaje de “El regreso”, que no es una manera común de narrar las cosas ya que el papel del narrador influye de manera significativa en el flujo de la historia, o mejor dicho, del recuerdo.

El manejo de la tensión y de los silencios están tan  bien trabajados que no importa en qué momento te vayan a decir una gran noticia, tu solo te aferras a tu asiento como quien sabe que va a ser golpeado y solo espera el momento.

Sin duda es un texto maravilloso que te llena de alegría solo para luego tumbarte, porque así es la vida, dando altos y bajos sin que uno los vea, y todo eso se debe al gran manejo de información que se da.

Volvería solo para analizar más, así como los integrantes de la familia Butler se reúnen una y otra vez para recordar aquel día que cambió sus vidas.

Jueves a domingo a las 20:30 hs. Las localidades se pueden adquirir en la boletería del teatro (todos los días de 11 a 21 hs) o reservando vía internet en la página del complejo www.cc25.org 

ELENCO:

Carlos Kaspar –  El Señor

Claudio Amato – Charlie

Alejandro Fain – Anna

Sol Fassi – Tina

Bernardo Forteza – Padre Tom

Stefania Koessl – Anna

Lorena Saizar – Helen

Federico Tombetti – Sean

Magela Zanotta – Myriam

EQUIPO CREATIVO:

Dirección: Agustín Alezzo

Asistente de Dirección: Edgardo Millán

Escenografía: Marta Albertinazzi

Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari

Asistente de Escenografía: Luciana Uzal

Diseño de Vestuario: Analía Morales

Iluminación: Chango Monti

Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez

Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers

Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio

Traducción de Texto: Marina Durañona

Producción Artística: Sebas Rojas

Ariana Marín