La boda roja zapatea

Más allá de la poesía, Federico García Lorca era un gran dramaturgo. Hombres libres, madres posesivas, mujeres reprimidas e impulsos pasionales, son los temas frecuentes que el autor trató en sus libretos.La boda roja se zapatea, están en los tacones y los aplausos la tensión de la fiesta.

»¿Quién puede decir qué es el amor? Venimos a este mundo a destrozarnos el corazón, a enamorarnos de la persona equivocada. Bodas de sangre es una obra en transición: nada quedará en su lugar. La tragedia contemporánea sucede en medio del festejo, del rumor. El deseo es una forma de trance que no se detiene, que no tiene límites». Es la sinopsis de la adaptación de «Bodas de sangre» a cargo de Vivi Tellas y Cecilia Pavón.

María Onetto, Nicolás Goldschmidt, Miranda de la Serna, Luciano Suardi, Alfredo Staffolani, Laura Nevole, María Inés Sancerni, Claudia Cantero, Maruja Bustamante, Florencia Bergallo, Agustín Daulte, Julián Ekar, Rita Pauls, Nadia Sandrone, María Soldi, Max y Suen Mbagny Sow forman parte del elenco general de esta obra. María Onetto y Miranda de la Serna son la fuerza femenina en esta obra. Ambas actrices ejercen roles antagónicos entre sí, pero están relacionadas por un tema en común: El machismo y la opresión de la mujer. Esta opresión se manifiesta en forma de grito.

La adaptación de Vivi Tellas y Cecilia Pavón tiene una impronta femenista, esto se refleja en los intentos de la protagonista en ser libre y en el papel de las madres que decidieron hace mucho obedecer, aún así hay una gran sororidad en la historia, esto hace la visión de las dramaturgas clara y denunciante. Se ambienta en España a comienzos del siglo pasado, aún así siguen pasando estas imposiciones. La puesta en escena por Guillermo Kuitca es simple pero sorprende en un acto en particular, donde recrea la exactitud de un bosque que saldrá a relucir desde abajo. La creación de los extensos playones se asimilan a las plazas grandes de algún pueblo andaluz.

En la obra hay apasionantes números de baile flamenco, estos son coreografiados por Pablo Lugones y Eugenia Roces. Vivi Tellas hace de Bodas de sangre un espectáculo digno que reúne al público porteño con un gran clásico hispano.

Disponible de miércoles a domingos a las 20 horas en la sala Martín Coronado en el Teatro San Martín.Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Expresionismo en el Colón

En el acertado afán de exhibir piezas de ópera que en su momento significaron la vanguardia y una muestra de modernismo, el Teatro Colón nos regala dos óperas por una: Los Siete Pecados Capitales y El Castillo de Barba Azul.

Original de Kurt Weill con un libreto en alemán de Bertolt Brecht, Los Siete Pecados Capitales fue estrenada en 1933 en París. Dos hermanas llamadas Ana viajan de Berlín a Estados Unidos, durante esta larga experiencia buscando el sueño americano, caerán en los siete pecados capitales en siete ciudades. Todo esto es narrado según el punto de vista de una de ellas mientras la otra recrea los hechos.

El húngaro Béla Bartók presentó su primera y única ópera en 1911 pero recién dos décadas adelante, cobraría notoriedad tras arreglos, El Castillo de Barba Azul tiene un solo acto y libreto de Béla Balázs, poeta y amigo del compositor. La ópera está basada en el cuento del mismo nombre escrito por Charles Perrault en el siglo XVII.
Barba Azul cuenta la historia de una mujer enamorada de un conde dueño de un castillo, en su curiosidad va a exigir a su esposo que devele que hay dentro siete puertas que él conserva cerradas con llave, ella se enfrentará con una terrible sorpresa.

Ambas óperas están a cargo de los británicos Jan Latham-Koenig y Sophie Hunter, el primero en la dirección músical y la segunda se encarga de la escena.

Por un lado Jan Latham-Koenig con suma destreza, dirige a la Orquesta Estable del Colón por primera vez, en 2023 será el director musical del teatro.
El talento del británico lo ha hecho dirigir orquestas en tres continentes, siendo este año de debuts ya que además del Colón, tiene presente dirigir en Venecia, Atlanta y Dublín.

Para Sophie Hunter también es su primera vez en el Colón. Su carrera de tres décadas se basa en la dirección de obras de vanguardia y experimentales, pero también cuenta con participaciones como cantante lírica.

Para los siete pecados capitales Hunter compone una pantalla de fondo que parece ser simple y proyectada pero apenas comienza la obra, esta se irá fragmentado, puertas se abren entre medio e imágenes temporales como las ciudades y pecados capitales que anuncian los siete actos de la misma. Cuenta con imágenes estáticas que simulan ser del Hollywood de los veinte, las hermanas protagonistas de esta historia.
Hunter da dimensionalidad a esta short ópera y nos regala una puesta en escena que pasa entre lo sensual y lo misterioso, haciendo referencias al cine noir de la década de los 40.

La puesta del Castillo de Barba Azul es más sencilla pero delicada. Hunter se concentra en las visuales que supone la apertura de las siete puertas del castillo, cada una irá proyectada con un diseño audiovisual de Nina Dunn, la cual recrea una composición de fantasía medieval oscura. El diseño de luces de Jack Knowles también marca importancia en esta representación, ya que Hunter quiso representar una historia trémula y expresionista, como si saliera de una escena del Doctor Caligari, lo cual lo consigue con éxito.

Para finalizar pero no menos importante, la interpretación de la soprano Stephanie Wake-Edwards como Anna en Los Siete Pecados Capitales es increíble, aporta misterio y sensualidad, también dinamismo entre el cambio de escenas. Hannah Rudd es el complemento ideal para representar a la otra Anna, con su coreografía logra transmitir lo que la voz de Anna narra.

Károly Szemerédy y Rinat Shaham en Barba Azul integran un dúo bien compaginado ya que se adaptan a la oscuridad de la historia, hay una química incómoda pues la representación que hacen es de una pareja en un cuento de hadas de terror, ambos logran su cometido.

Los Siete Pecados Capitales y El Castillo de Barba Azul fueron presentadas desde el martes 27 de septiembre al domingo 2 de octubre en el Teatro Colón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El pasado miércoles tuvimos la oportunidad de asistir a una de las funciones de la obra «Gira trunca». Una puesta en la que la desgracia de dos actrices itinerantes se ve incrementada tras quedarse varadas en un remoto pueblo de la Pampa húmeda. Una obra de Sandra Franzen y dirigida por Sergio Grimblat que se encuentra cargada de humor y música.

Las actrices Denise Cotton y Karen Koch interpretan a estrella y blanca, dos actrices populares de los años 40 que se encuentran varadas en un pueblo de la Pampa húmeda. La desgracia de estas mujeres no viene por sí sola, sino se debe a un conjunto de decisiones en las que terminaron confiando en la persona equivocada, con promesas de ascenso y estrellado en el arte que promulgan. Aunque no todo era por el arte y el entusiasmo de crecer artísticamente, sino también el amor, o el desamor, jugó un papel fundamental para que estas actrices terminaran en el pozo, en un lugar que nadie las reconoce y que deben luchar para ganar apenas unos centavos para poder sobrevivir.

Las actrices demuestran entre sí resentimiento, que aunque resulta la parte humorística de la obra, denota el drama personal que vive cada una de ellas. De todos modos , a pesar de aquellas discusiones, existe cierta complicidad entre ambas artistas ya que resultan ser todo lo que tienen, y son las personas que mejor entienden el pesar de la otra. Al encontrarse en un escenario del ambiente artístico, encontramos la decoración de una compañía teatral tras bambalinas. Los vestuarios, la utileria y todo lo que llevan en una gira. La música también acompaña la obra, con Claudio Riva en la guitarra, que ayuda a las actrices en algunas representaciones artísticas, y en todo el recorrido que hacen nuestras protagonistas.

Gira trunca es una obra muy interesante, con dos actrices que dan todo en el escenario y demuestran la química que existe entre ellas y sus personajes, tanto en los buenos como malos momentos. Es una puesta que nos relata el drama y tragedia de sus protagonistas, pero que su humor nos permite disfrutar esta gira trunca, con San Benito dando la sorpresa.

Gira trunca puede verse los días miércoles a las 20 horas en Teatro del pueblo, las entradas pueden adquirirse en boleterias o a través de alternativa teatral.

El lunes pasado tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra «Regreso en patagonia», un espectáculo que trae a más de 40 artistas en vivo en un gran despliegue y que tiene como protagonistas a Fer Dente, Franco Masini y Nahuel Pennisi, entre otros artistas. La obra nos lleva a la patagonia argentina para mostrarnos una conmovedora historia que tiene como referente la novela de Antoine de Saint-Exupéry «El principito»

La obra cuenta la historia de Guillermo Prado (Fer Dente) un escritor al que la vida no le sonríe. Su trabajo no lo hace feliz y sus sueños se desvanecen en el aire. Hasta que una tarde, luego de un mal día, recibe el llamado de Rafael (Nahuel Pennisi) un amigo muy cercano, al que no ve hace tiempo y que lo invita a visitarlo a Patagonia. Guillermo cansado de todo, decide viajar. En el periplo conocerá a un ser especial, llamado Príncipe (Franco Masini), con el que continuarán el viaje, cada uno en búsqueda de un amigo. Cruzarán montañas, ríos, paisajes extraordinarios, conocerán raros personajes y fortalecerán su amistad. Cuando llegan a la cabaña de Rafael y su mujer, una revelación cambiará para siempre sus vidas.

La puesta en escena es un verdadero viaje audiovisual, donde en un principio nos encontramos visualizando las estrellas junto a un Fer Dente que vuela entre ellas. Al comenzar la historia, pasamos por distintos escenarios, desde la ciudad, el bosque y distintas locaciones que se alojan en el imaginario de ocurrentes números musicales. La obra en lo escénico cambia constantemente y es lo que hace rica a esta producción desde lo visual. También esto es gracias a la decena de artistas que están presentes y que muestran su talento desde cada una de las coreografías e interpretaciones de los distintos espacios que se exploran. Quizá no me extiendo lo suficiente al hablar sobre la producción, pero si es importante destacar que posee un gran nivel para una obra que se estrena en estos tipos. Así que este apartado no es más que una felicitación a todos los que apostaron y trabajaron para hacer posible este despliegue. 

En cuanto a la obra en sí, toca aclarar que cuenta con un carácter de obra familiar. Que se pone a hablar sobre temas como los sueños, la amistad, el amor. Todo desde un punto reflexivo, pero que estos hechos se llevan a cabo desde la fantasía. El personaje de Franco Masini, es aquel extraño que aparentemente viene de otro planeta, y al no estar influenciado por los comportamientos sociales de nuestro mundo, actúa de una forma particular a los problemas cotidianos de cada un. El es quien invita a cada personaje con su problemática a reflexionar y encontrar una superación, en la que ellos mismos llegan a ese resultado y que este extraño, solamente es un guía en este camino.  Sin la necesidad de agobiar al público con temas reflexivos, la obra toma números musicales cargados de humor, para poder hablar un poco más sobre los personajes con actitudes particulares. Como la obsesión por mostrar y tener éxito en las redes sociales, como el odiar y criticar a todos, sin hacer una critica hacia sí mismo. Todo esto se muestra con mucho ingenio, siendo los momentos más divertidos de la puesta. En el caso de Fer Dente, no es una novedad que es un referente en la escena musical y su presencia ha servido para ser quien guía el camino de toda esta obra de forma sobresaliente.  Nahuel Pennisi nos regala su gran voz en escenas claves de la obra, siendo la conexión desde la amistad con el personaje de Dente. Mención especial para Laura Esquivel, Roberto Peloni, Iñaki Aldao, Cande Molfese y Karina Hernandez, quienes demuestran su talento en sus personajes y escenas musicales.

Regreso en patagonia es una obra que nos trae una gran producción, con un despliegue visual que es único. Se trata de una producción totalmente argentina que nos trae talentos, desde aquellos que se encuentran en escena y los que no. El trío Dente, Masini y Pennisi nos regalan grandes momentos en una obra simpática, reflexiva y con mucha fantasía.

Regreso en patagonia puede verse de jueves a domingo en el Teatro Metropolitan Sura y las entradas pueden adquirirse en boleteria o a través de Plateanet. Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.

Tragedias porteñas

Basta visitar el cementerio de Recoleta para descubrir las leyendas e historias que involucran a Buenos Aires del siglo XIX y XX. En ese lugar donde se presenta la belleza de la muerte, están dos personajes que forman parte del folclore de la época post colonial, Camila y Felicitas.

En el caso de Camilia, pudimos ver la película del mismo nombre nominada al Oscar en 1984, dirigida por María Luisa Imberg. La vida de Felicitas fue retratada en 2009 por Teresa Constantini.
Ambas mujeres contemporáneas, unidas con un final trágico por culpa de una sociedad cruel y machista.

»Sin voz y consideradas una propiedad, el destino de las mujeres estaba sellado desde pequeñas: la casa y el cuidado de los futuros hijos. Una joven viuda encontró el amor en medio de una tormenta. Acarició la dicha, se imaginó reparada, feliz. El 29 de enero de 1870, día en que iba a anunciar su compromiso, Felicitas Guerrero de 25 años fue muerta por un varón, asesinada por la espalda por un hombre que decía amarla». Es la reseña del monólogo de Adriana Tursi.

Geraldine Farhat se pone en la piel de Felicitas, la actriz transita en el plano astral del personaje porteño, en el mismo se cuestionará su posición en la sociedad, su deber como mujer y va a predecir su trágico final.

Farhat nos deleita con su suave voz y composición en guitarra, las mismas canciones son parte de la autoría de la actriz, El diseño de escenografía es abstracto, Sabrina López Hovhannessian forma una composición de fieltros gruesos de color rojo sangre que van colgando y encerrando a la actriz.


Zaida Mazzitelli dirige este monologo de una manera correcta, respeta al personaje de Felicitas y la reinvidica, les da voz a aquellas mujeres mudas para la sociedad. Felicitas es un monólogo hecho enteramente por mujeres. Una muestra de empoderamiento y protesta.

Disponible los sábados a la 21:30 en Espacio Jufré (Jufré 444)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Es cierto que a muchos les puede resultar algo extraño cuando te realizan una evaluación para aplicar a un empleo, el creer si el método que se emplea es el correcto para definir si estas apto o no para un trabajo. El método Grönholm nos lleva a una entrevista laboral, donde cuatro postulantes se ponen a prueba en una extraña sesión para poner a prueba las habilidades del próximo director de una gran multinacional.

Benjamin Vicuña, Laurita Fernández, Rafael Ferro y Julian Cabrera son los cuatro actores que se ponen en escena.  Ellos son 4 personas que van a asistir a una entrevista de trabajo, donde ahí mismo se enteran que todos serán entrevistados juntos. El problema es que el entrevistador nunca llega, pero ellos escuchan una voz que les indica el inicio de una serie de pruebas que dan por comenzada la entrevista laboral. La jornada avanza de forma muy hilarante, donde cada uno debe exponer sus secretos, miedos y virtudes.

La puesta en un principio puede resultar desconcertante,  pero es la intriga que genera, el motor para seguir el curso de la historia con mucho interés. Los actores se desenvuelven de forma histriónica, con personajes interesantes y algunos grotescos, que se van quitando la máscara de a poco pero que a su vez, vuelven a mostrar que no todo es lo que parece. La escenografía acompaña también a dar un ambiente de un lugar imponente,  que es el sitio del puesto al que todos quieren llegar, pero también es frío y claustrofobico.

No debería contar más cosas sobre el desarrollo de la historia. Su guión es ágil y son los giros argumentales los que terminan de englobar trama una  que se revela de a poco. La obra usa bien el humor para tratar algunas cosas (Tal vez de forma agresiva) pero que al final encuentra las razones para hacer chistes que pueden rozar el limite de lo cancelable. Su juego es atrapante y toca evaluarla como un todo para poder juzgarla, y su resultado final, resulta efectivo como un método científico comprobado.

El método Grönholm es una propuesta más que interesante, una puesta que juega mucho con el humor en varios estadios pero que al final nos invita a reflexionar sobre la empatía,  lo que uno es capaz de hacer por un bien personal, y por último, cuestionar la eficacia de un método que se basa en la cuenta, ya que el problema no está en el método, sino en quienes lo aplican.

Hay un asesino en el salón de belleza

Nos encanta resolver misterios o al menos ver cómo otros lo resuelven. El género detectivesco siempre suele ser el más atractivo pues involucra al espectador en una serie de pistas que pueden conducir a un culpable o a varios, uno más evidente que otro.

Hay un asesino en este salón de belleza y las tijeras se afilan mientras el público está atento. Cuidado, tu nuevo cambio de look puede ser el último.

Luego de más de cuatro décadas de adaptaciones interrumpidas en el teatro off en Estados Unidos, el clásico de Paul Pörtner se hace por primera vez en Argentina, está vez con la dirección de Manuel González Gil. Andrea Politti, Diego Reinhold, Mario Pasik, Alejandro Müller, Galo Hagel y Linda Peretz forman parte de este jocoso elenco, también son clientes, peluqueros, detectives o criminales, el resto queda en la observación y recreación de los hechos.

Tijeras Salvajes propone una propuesta diferente para el teatro porteño, lo hace interactivo y es el público quien debe decidir quién es el culpable. Para ello se rompe la cuarta pared y se reconstruyen los hechos según los recuerdos del espectador. Nada es como parece y no hay un solo final. Es increíble la energía que el elenco transmite en la obra, esta es transmitida a las butacas y las risas estarán garantizadas desde el inicio, así como el misterio por saber cómo, porqué y quién.

La puesta en escena tiene la gran ventaja de ser precisa para que los actores puedan desenvolverse, cada detalle importa pues puede ser clave para resolver el asesinato. Tijeras Salvajes es un espectáculo único en calle Corrientes que no tiene pérdida, por más descubras quién fue, nunca podrás saber si en la próxima función será el mismo.

Disponible viernes, sábados y domingos en el Multitabaris Comafi (Corrientes 936), las entradas se pueden adquirir en las boleterias del teatro o por Plateanet.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El peso del pasado

Cuesta olvidar cuando el dolor fue grande, la herida sigue latente y abierta ante el recuerdo. Desprender esa emoción que no desaparecerá del todo pues la cicatriz es un memorándum, se vuelve una hazaña que no todos estamos dispuestos a afrontar.

La muerte y la guerra, el dolor que queda en los que quedaron, aquellos que siguen esperando la llegada de sus seres queridos, arribo que nunca tendrá fecha. ¿Se puede seguir adelante con tanto dolor?

»En una cabaña del sur una madre recibe, después de muchos años, la visita de sus dos hijos. Conmovida por el reencuentro, se abrirá paso entre los recuerdos de la tragedia que desmembró a su familia para no volver a perderlos. Afuera, un poderoso enemigo amenaza con destruirlo todo». Es la sinopsis de Imaginaria, la obra original de Pablo Iglesias.

Maiamar Abrodos, Matias Milanese y Hernan Muñoa son los protagonistas de esta historia.Ella está atrapada entre dos tiempos, el presente y el futuro, dos hijos, una casa frente al lago y una importante decisión forman parte de los elementos que componen este melodrama familiar.Nicolás Sorrivas dirige Imaginaria de modo delicado pues el tema en sí lo es. La perspectiva de los personajes cambia entre sí y se vuelve un recurso bien interesante, al tener a un personaje omnipresente.

Maiamar Abrodos posee una fuerza increíble y llega a hacer temblar las butacas con su actuación y en el clímax de la obra. Su personaje es doloroso pero lleno de matices.Imaginaria tiene una gran carga dramática que es soportada bajo un buen libreto y dignas actuaciones. El luto, el dolor  y la resiliencia son temas puestos en tablas y que son tratados de la mejor manera.Imaginaria está disponible los jueves a las 21 en Espacio Callejón (Humahuaca 3759) Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.

El miércoles a las 22:00 hrs pasado pudimos ver esta obra teatral dirigida por Pablo Drigo en Teatro Border (un espacio hermoso construido partiendo de objetos reciclados y con la finalidad de ser completamente autosustentable) , en pleno corazón de Palermo. Godoy Cruz 1838.

Con más de 20 artistas en escena se desarrolla la historia escrita por el director, que hace mímesis con los pueblos corruptos que son los causantes de su propia desgracia. Una obra teatral reflexiva que nos hace repensarnos como sociedad y estar atentos al rol que cumplimos dentro del medio donde nos desarrollamos.

El plan sistemático de la mosca nos habla de nepotismo, corrupción, chantaje y sus consecuencias entre bailes y secuencias precisas de movimientos orquestados por el director. Con esta temática atemporal puede transponerse y proyectarse en todas las visiones políticas y sociales de cada conglomerado de personas.

Con un amplio equipo técnico, integrado por más de 15 personas el montaje se lleva a cabo todos los miércoles a las 22:00 horas en Teatro Border y las entradas están a la venta en este link:https://www.alternativateatral.com/obra79850-el-plan-sistematico-de-la-mosca

¡Gracias por invitarnos! Esperamos que les siga yendo genial en su temporada.

Aronix Morales
@Soyaronix
Art / Entertainment / Digital MTK

Antes de la pandemia era una costumbre en la cartelera porteña encontrar propuestas musicales con gran producción los días martes. Si bien podía ser un día atípico para ir al teatro, era uno de los mejores días para disfrutar de buen teatro musical. Esto de a poco se ha ido recuperando, enriqueciéndose la calle corrientes de obras del género. Ahora llegó el turno de «La tiendita del horror», el reconocido musical rock de Alan Menken y Howard Ashman que ha brillado en su estreno en el Teatro Astral.

La tiendita del horror nos lleva a una florería que se encuentra en quiebra, y en donde uno de sus empleados, decide exhibir una rara planta para poder llamar la atención de los asistentes. Esta planta llamada Audrey II (En honor a la compañera de la que el protagonista está enamorado) resulta ser todo un éxito y la florería vuelve a resurgir con las ventas a cada asistente que llega para visitar a la extraña especie. La cuestión es que esta especie se alimenta de algo difícil de conseguir y es por ello que arranca el juego de manipulación y es donde empieza el horror.

La obra cuenta con un reparto pequeño pero si muy talentoso. Primero toca destacar al truco de actrices conformado por Paula Chouhy, Juana Silveyra y Belén Bilbao, quienes se encargan de darle música y contexto a todo lo que va sucediendo en la obra. Luego tenemos a Fede Couts y Luli Chouhy, que son la pareja de esta historia. También tenemos a Juan Denary y Mike Chouhy, quienes hacen del dueño de la florería y el dentista novio de Audrey. También hay que dar una mención especial a quien es una de las grandes protagonistas de la obra Audrey II, con la voz de Iñaki Agustín y Máximo Perez Artusi como el titiritero. La obra desborda talento en cada uno de los números musicales , y el desarrollo de la historia, que toma un tono absurdo y trágico.

El escenario del teatro astral se decora para llevarnos a la florería y a un pequeño pueblo donde se desarrollan los hechos. Gran trabajo a la hora de diseñar a Audrey II, que cuenta con uno de los mejores números de la obra. Luego de eso la planta toma tanta forma que hace lugar en toda la escenografía. La tiendita del horror se divide en dos actos, teniendo un intervalo de unos minutos para que la gente se relaje y se puedan hacer los cambios necesario para la segunda parte de la historia.

Si, la tiendita del horror es una obra muy recomendable. Una opción de martes para aquellos que aman el musical pero también una oportunidad para cualquiera que quiera divertirse en el teatro en un momento que recién está comenzando la semana. Felicitaciones a todo el equipo que demuestra que hay mucho talento y ganas de traernos un poco de horror y música a la cartelera porteña.

La tiendita del horror se presenta los martes a las 20:30 horas en el Teatro Astral, y las entradas pueden adquirise en boleteria o a través de Plateanet. Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web