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40-45 horas a la semana es que lo que debemos trabajar. En oficinas posiblemente sin ventanas, frente a computadores e impresoras y el constante ruido del teléfono, el tecladeo y los bostezos. Bostezos que indican el cansancio y aburrimiento, ¿Cuánto tiempo falta para salir?
« La rutina que arruina. Que desgasta y embrutece, lleva a dos empleados de oficina a construir e inventar un mundo imaginario con el único fin de olvidarse por un rato que están encerrados entre cuatro paredes desde hace horas repitiendo y repitiendo como robots un trabajo sin sentido. Tratan de escaparse de esa vida absurda y alienada que viven desde años jugando a ser otros, a esos que quisieron ser y no pudieron». Esta es la sinopsis del libreto de Abelardo Castillo, el cual dirige David Bogado.
Nicolás Cayol y Pablo Rojas son los protagonistas de esta comedia. Ambos interpretan a personajes que podemos ser tu y yo, encerrados en un bucle cronometrado dónde la monotonía es emblema y ya se sabe que pasará durante las ocho horas. Tanto como Cayol y Rojas tienen momentos altivos dónde sus monólogos sobre el trabajo nos podrán a pensar también a nosotros. Ambos se desenvuelven en la puesta en escena de David Bogado, utilizan toda la utilería para hacer una fiesta revolucionaria, ilusión de escape ante el oficinista.
Also Sprach: El señor Nuñez, es una comedia que juega entre lo onírico, lo filosófico y lo cotidiano. Un Buenos Aires en los años 50 que no se escapa de los tiempos actuales. ¿Ya contamos las horas para salir del trabajo?
Disponible los jueves a las 22 en el Teatro Tadron (Niceto Vega 4802. Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
¡Viva Verdi! Así arranca una de las reseñas hacia el clásico indispensable para la ópera universal, Sebastián de Filippi es quien escribe la nota para el Teatro Colón. En su efecto coincido con él la mayoría de los aspectos, Giuseppe Verdi es quizá uno de los diez referentes principales de este género musical, sus adaptaciones en este patrimonio nacional que es el Colón no son recientes sino de antes de ser el monumento que es ahora, ocho años después del estreno de Nabucco (1854), se presentaría la primera versión en Argentina. Hoy se realiza una gran revolución escénica del famoso Va’, pensiero.
Carlos Vieu, director de orquesta porteño es el encargado de llevar a cabo las notas de Verdi para esta ambiciosa nueva representación. Acoto la importancia en el adjetivo de ambición para resaltar el gran e increíble trabajo de Stefano Poda.
Stefano Poda, oriundo de Trento (Italia), posee una larga carrera de más de 20 años en el mundo de la escena teatral, en Nabucco hace un giro de tuerca y nos ofrece una puesta en escena vanguardista, abstracta e imponente. Siendo el blanco y las luces el principal protagonista, una vez que arranca la orquesta de Vieu y se abre el Telón, las pupilas de los espectadores se achicaran hasta el punto de desaparecer con el primer flash de iluminación del escenario (siendo un comentario misceláneo, no imagen que tuviera tanta profundidad de campo el la tarima del Colón).
Usando todas las ideas de Poda junto a la colaboración de Paolo Giani Cei y Imme Möller, los cuatro actos de Nabucco poseen una transformación por etapas. Primero la amplitud de la puesta dónde los bailarines y también coristas tendrán todo el espacio para el perfomance (41 en total). Segundo el encierro que representan unas ventanas que irán bajando hasta limitar el paso de los personajes e irán dispersando a los coristas, varias figuras irán bajando también y quedarán encastradas entre las ventana. Tercero: El Va’ pensiero, siendo esta la parte más conmovedora, todo el reparto sucumbirá ante una enorme cinta de Moebius blanca que los comprime al suelo, estos cantarán la famosa canción acostados, siendo un acto que dejará los ojos lacrimosos del público. El acto final es el armado de figuras humanas y abstractas y el despliegue de las piezas que se veían anunciando, hasta la liberación del pueblo con la muerte de Nabucco.
El vestuario hacia notar la separación del pueblo corista con los personajes principales interpretado por Sebastián Catana, Leonardo López Linares, Rebeka Lokar, Mónica Ferracani, Guadalupe Barrientos, Florencia Machado, Darío Shmunck, Santiago Vidal, Rafael Siwek, Christian Peregrino, Mariana Carnovali, María Belén Rivarola, Mario de Salvo, Christian de Marco, Gabriel Renaud y Gabriel Centeno. Cantantes Liricos que no solo demuestran sus dotes vocales sino también su calidad actoral.
Es que esta puesta de Nabucco se expresa en su representación teatral, dónde el perfomance y la puesta en escena son otro de los protagonistas junto al coro. Es un espectáculo único que se torna en una experiencia inolvidable para quien lo ve. Es el Teatro Colón demostrando su lugar dentro de las artes escénicas a nivel iberoamericano. Es Nabucco revolucionado.
ESTE SÁBADO O4 DE JUNIO SE ESTRENA UNO DE LOS MUSICALES MÁS ACLAMADOS DE BROADWAY
Con la misma dirección y producción de “El Curioso Incidente del Perro a Medianoche” Este sábado 04 de junio termina la espera porque se estrena el aclamado musical de Broadway “COME FROM AWAY” en el teatro Maipo con 15 actores en escena, banda en vivo y la dirección de Carla Calabrese y producción de The Stage Company, responsables del éxito “El Curioso Incidente del Perro a Medianoche”, de “Shrek el Musical” y de muchas otras.
Come From Away, obtuvo siete nominaciones a los premios Tony, incluido una nominación al Grammy en 2017 y cuatro premios Olivier en 2019.
Come From Away cuenta la historia real de más de 7 mil pasajeros provenientes de todas partes del mundo que aterrizaron inesperadamente en la isla de Gander, New Foundland (Terranova) y de la gente de este pequeño pueblo canadiense que les dio la bienvenida desde la solidaridad más pura. Cuando 38 aviones fueron desviados de sus destinos para aterrizar en esta isla, el 11 de septiembre de 2001, el lugar vio duplicada su población en un instante.
Mientras la humanidad transitaba uno de sus momentos más difíciles, los pasajeros que quedaron varados durante días en este pueblo recuperaron su fe en la humanidad gracias a la empatía, dedicación y calidez con la cual los habitantes de este pueblo los recibieron y reconfortaron. Una obra conmovedora que nos permite imaginar un mundo
“COME FROM AWAY”
ESTRENO 04 DE JUNIO 2022
Funciones viernes y sábados 20:30 y domingos 19:30
Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA
Duración 105 minutos
Entradas en la boletería del teatro y en PLATEANET
Las obras innovadoras que apuestan por relatos experimentales y puestas en escena de alto impacto, son los verdaderos desafíos y deleites que el teatro independiente nos brinda para un disfrute mayor de la actividad fundamental que nos compete: ir al teatro. Estos juegos alternativos es lo que Emiliano Larea y Gabriel Páez nos prometen al exhibir su pieza teatral “Jíjop”, una obra en constante movimiento, donde sus pasos son dictados en función de un relato fantástico y surrealista permitiendo el despliegue completo de un lenguaje novedoso, en el cual lo físico cobra protagonismo puro. Esta obra se presenta todos los sábados de junio a las 19 hs en el Galpón de Guevara (Guevara 326), en el barrio de Chacarita.
A partir del movimiento y el sonido, la obra nos sumerge en una universo distópico donde se quiere transmitir la historia de un carpintero que fabrica un nuevo muñeco: Jíjop. Éste cobra vida, se reconoce como cuerpo – objeto, comienza a explorar sus acciones mediante el uso de diferentes lenguajes expresivos que dan cuenta de una soltura y destreza actoral muy potente; es así como empieza a tener deseos de conocer el mundo que lo rodea, el mundo que habita. En el trayecto, se encuentra con el rugido de la maquinaria urbana, con el bullicio de las calles y la inminente presencia de la ciudad, que lo atrapa por completo transformándolo en un objeto más del montón que vive en función de la máquina.
El espectáculo tiene como objetivo principal la mixtura, la convivencia de los distintos lenguajes escénicos tales como: el teatro físico, el teatro negro, mascara neutra, las herramientas expresivas de la técnica Le Coq y el lenguaje físico de diversas danzas urbanas que llevarán a los espectadores a un imaginario fantástico compuesto por el actor y bailarían Emiliano Larea y sus performers que lo asisten constantemente. La creación dramática encuentra nuevas maneras de expresarse, la búsqueda de otras formas de relatar las historias propone al espectador un ejercicio de imaginación, en donde nada es concreto pero, al mismo tiempo, el mensaje que nos ofrece es claro como el agua.
La pieza teatral cuenta con un excelente diseño de vestuario y maquillaje: la caracterización de los personajes toma un gran lugar con respecto a lo visual, ya que están construídos al borde de la caricatura y complementan con la historia de una manera fascinante. El intérprete se desplaza por todo el espacio con astucia, con movimientos burlescos, circenses, con acciones casi inhumanas, como si se tratase justamente de un muñeco que es liberado de su encierro eterno. La manipulación de la escenografía, iluminación y la música son precisos y exuberantes para acompañar a Emiliano en su movilidad tanto corporal como espacial. Es a partir del uso sobresaliente de estos elementos que la obra toma forma y logra impactar al público con su indiscutible creatividad.
Jíjop nos cuenta una historia de cómo las tramas de significación que generamos nos transforman, nos movilizan y, sin darnos cuenta, nos alienan en una maquinaria urbana voraz en la que somos movidos y nos obligan a pertenecer. Logra una empatía justa con los espectadores ya que ésta distopía que representa, de pronto, no se siente tan distanciada y lejana a nuestro día a día. El encierro, el dinero, el trabajo, la vida, la felicidad que hay que alcanzar y que nada llega a ser suficiente; es lo que la maquinaria jijopera nos muestra en una espléndida puesta en escena que nos deja con ganas de más.
Aunque actualmente el trap, reggaeton y electrónica estén dominando el mercado musical, sus seguidores jóvenes sigan creciendo y los ritmos tradicionales estén quedando en el olvido, El tango no ha muerto, se mantiene aferrado a Buenos Aires y en la memoria colectiva que cada día lo conmemora y reivindica.
«La acción transcurre en Buenos Aires, a fines de la década del 40. Leopoldo Pena es un humilde empleado municipal, muy tímido y acostumbrado a las burlas y destrato de su jefe y una compañera. Leopoldo es un soñador que anhela ser un gran cantor de tangos y conquistar a Rosaura. Toda esta historia está hilada con fragmentos de populares tangos como Garufa, Cuesta Abajo, Nada y otros. Este sainete está pensado y escrito como un espectáculo para disfrute de todos los que gusten del género, divertirse y sobre todo deleitar a nuestros adultos mayores con un texto cuidado para transportarlos en el tiempo y escuchando bellos tangos» . Es la sinopsis de la obra musical de Jorge Lorenzo.
Silvia Geijo, Carlos Ledrag, Jesica Livorsi y Jorge Lorenzo forman parte del elenco de esta divertida comedia musical. Con una enorme carga de lunfardo y referencias culturales al Buenos Aires de antaño, esta obra transita por la comedia musical y lo onírico. El texto de Lorenzo a primera instancia parece simple pero tiene giros de tuerca interesantes, la historia se va complejizando con un mensaje muy tierno al final. Los actores realizan una excelente presentación ya que no solo actúan, bailan y cantan tango. Toda esta alegría y talento lo transmiten al público que estará sometido a carcajadas y suspiros.
La música original de Esteban Morgado, la cual también toca durante la obra, da una remembranza al tango de primera mitad de siglo pasado. Su bandoleon recuerda a la orquesta de Troilo en sus inicios. Mecha Fernández dirige una simpática, divertida y tierna obra, es capaz de llevar su visión del imaginario porteño de comienzos de siglo pasado al tiempo actual. Una obra que no solo encantará a nuestros abuelos sino también a los jóvenes.
Disponible los martes a las 20 horas en el Centro Cultural 25 de mayo (Avenida Triunvirato 4444)
Este viernes tuvimos la oportunidad de asistir al Teatro No Avestruz para disfrutar de la función de «Pasado» una obra de Federico Alí que puede verse los días viernes a las 22:30 horas. La historia nos lleva a una trama con toques futuristas, dónde existe la posibilidad de cambiar un momento del pasado por única vez en la vida, pero que eso traerá consecuencias.
Al ver los primeros minutos de la obra, dónde uno de los personajes vuelve a un momento del pasado para animarse a besar a la persona que le gusta, nos remarcan que no se trata de un viaje en el tiempo, sino más bien el traslado de la mente a algún momento determinado. Esto tal vez me hace recordar a la historia de Xmen: Días del futuro pasado, en el que justamente Logan no viaja en el tiempo pero si logra llevar su mente a algún momento del pasado para corregir un hecho que trajo consecuencias en el futuro. Esta obra pone en escena a un grupo de amigos, dónde existen algunos conflictos por intereses amoroso, y que este cambio en el tiempo termina trayendo consecuencias que obliga a los demás a utilizar esta habilidad.
Puede parecer una premisa algo rara para una obra teatral, pero se debe decir que está bastante bien planteada por dos motivos: el primero por la Performance que realizan los actores en el escenario, y luego por el texto que cuenta con comentarios irónicos e hilarantes y que distienden ante la complejidad de la trama.
Pasado es una obra que si bien cuenta con elementos de ciencia ficción, nos trae un conflicto terrenal que se desarrolla de forma efectiva y que nos regala una entretenida historia sobre la amistad y las consecuencias de la manipulación del tiempo, tal como lo es el efecto mariposa. Es una propuesta bien actuada y que resulta una agradable opción para pasar la noche de un viernes en el teatro.
Las crisis económicas destapan lo peor de la sociedad. Cuando el no poder ahorrar ni pagar los gastos básicos se vuelve un común denominador, se activa la supervivencia. ¿Quién se salva solo?
«Argentina. Años 90. Fiorella y Cinthia son cajeras del supermercado Caribe. Una tarde, en el horario de descanso, bajan al depósito del establecimiento para fumar a escondidas.
Mientras encienden un cigarrillo, conversan sobre su fin de semana y una de ellas confiesa tener pensamientos apocalípticos. Cinthia, está preocupada ya que se enteró que el señor Sacripanti, marido de la dueña del súper, ha quebrado su farmacia y que varias de las cajas se encuentran allí. En medio del caos, comenzarán con su rutina diaria de burla hacia la señora Sacripanti, quien las maltrata y las explota, las enoja y las encandila. Ellas, definitivamente la odian, y absolutamente, la aman». Esta es la reseña de la tragicomedia escrita por Yanina Gruden.
Una carismática y eléctrica Yanina Gruden junto a una tosca e inocente Stephanie Petresky personifican a este dúo de compañeras de trabajo y amigas. Ambas ven cómo se acerca la decadencia del supermercado donde trabajan hace años, pero también experimentan el colapso de sus vidas mientras fantasean y elaboran teorías. Con una dosis de humor negro y referencias a la cultura noventera argentina, dónde se nota como la crisis del menemismo está presente ya que es el trasfondo social.
Estafania Bonessa y Agustina Fillipini son las encargadas de ambientar este depósito de supermercado, cada detalle está refinado dentro del set con la utilería y mobiliaria. Katia Szechtman dirige una eléctrica y tragicomica historia, dónde las actrices irán en constante movimiento hasta el inminente final.
Caribe está disponible los sábados y domingos a las 20 horas en el Centro Cultural El San Martín. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
¿Cuántas veces hemos callado aquello que queremos decirle a alguien hace mucho?, La garganta se torna pesada, el pecho se oprime, la sangre hierve y las expresiones faciales se desconfiguran cuando tenemos ganas de contestar los hechos o acusaciones del otro. Lo cierto es que a veces dejamos pasarlo, pero esto se convierte en un volcán que duerme hasta que una vez despierto, la destrucción en ambos en inminente.
«Una crónica sobre la separación de una pareja, él decide no callarse más. Ella escucha. Hasta que llega el momento… Dos visiones de esa relación. Un combate brutal donde las palabras son misiles. ¿Había que callarse y seguir? ¿Dónde está el coraje?» Es la sinopsis del libreto del dramaturgo francés Pascal Lambert, el cual Laura Pouso adapta.
Mateo Chiarino y Cecilia Cósero son los encargados de interpretar a esta pareja perdida. Ambos con una fuerza potente, destructiva y demoledora, darán a pie a sus monólogos intrecruzados. Él habla, ella habla, ellos se destruyen.
Clausura del amor tiene una oralidad imparable, los actores impulsan el discurso al máximo, llenando tonos desde los más eufóricos a los más serenos. Hay una clara referencia al cine de Bergman en la forma en que los personajes se destruyen y lastiman, esa forma cruel de dirigirse, cómo si se tratara del filme Secretos de un matrimonio.
Silvina Katz logra dirigir a la perfección a esta pareja (ambos tienen un vínculo en la vida real), los moldea y los hace entrar en el personaje hasta que estos estallan en el escenario y rompen la cuarta pared. La dirección de actores es sublime. Chiarino y Cósero de desnudan en este drama íntimo, doloroso y desgarrador. Una muestra de que las palabras son siempre cuchillos afilados.
Disponible los sábados a las 21:30 en el Teatro Payros (San Martín 766). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
¿Qué hacen tanto tiempo las mujeres en el baño? Esta famosa pregunta se usa como disparadora para abrirnos las puertas a un universo lleno de deseos, fantasías sexuales, cuestionamientos sociales, empoderamiento femenino, relatos apasionantes y canciones inesperadas, en donde la fusión entre el sueño y la realidad se tornan algo borrosa y confusa. Después de 15 años vuelve a escena “Mujeres en el baño”, una obra que expone con humor, ironía y mucho rock, el lado B de lo que implica ser mujer en el mundo actual. Creada y dirigida por Mariela Asensio, en esta nueva versión reúne un elenco de talentosas actrices: Esther Goris, Laura Cymer, Laura Conforte, Maida Andrenacci y Karina Hernández. Éstas mujeres los y las esperan todos los sábados a las 20:30 hs en el teatro Dumont sobre la calle Santos Dumont 4040, en el barrio de Chacarita.
La pieza teatral se realiza, lógicamente, dentro de un baño. En este espacio, donde las luces de neón fluorescentes y los inodoros nunca faltan, se despliega todo un mundo femenino atravesado por diversas historias encarnadas en cinco mujeres de diferentes edades. Ellas comienzan a exponer sus fragilidades, sus fantasías y también sus certezas acerca de diversos tópicos como el amor romántico, los cuerpos hegemónicos, la masturbación, el deseo y los mandatos sociales sobre el rol que la mujer debe cumplir dentro de la sociedad capitalista. Estas protagonistas que se muestran desesperadas, poéticas, irónicas, enojadas y deseantes usan como refugio de sus mundos cotidianos el baño. El cual se convierte, al mismo tiempo, en un lugar donde cada una confiesa sin pudor sus pensamientos y poco a poco empiezan a revelarse ante el mundo y cuestionarlo todo sin mirar atrás.
Las actrices habitan el espacio mostrando sus cuerpos en corpiños, culotes coloridos, con alguna que otra prenda más sensual, otras veces con vestidos de seda o simplemente en bata. Y mientras se va desarrollando la obra, nos enumeran la cantidad de cosas que podríamos hacer en un baño: desde cambiarnos la copita/toallita, masturbarnos hasta limpiar el inodoro o vomitar. Es así, cómo estas mujeres responden a la famosa pregunta de ¿qué hacen las mujeres en el baño? pero, al intentar dar una respuesta más clara, dejan caer la máscara que tanto tiempo las disfrazó para poder desnudarse y mostrar verdaderamente sus obsesiones y su dolor oculto sin caer de lleno en la tragedia. Pretenden sacar a la luz todas esas aristas más oscuras para desgarrar el estereotipo femenino que tantos años hostigó a las mujeres y poder lograr su derrumbe.
El baño es una hermosa metáfora del lado B de las personas. Hoy en día, estamos en un momento muy complicado con respecto a la autoexplotación o a esa necesidad constante de ocupar un lugar en el mundo, de ser útil y productivo. Principalmente, estamos atravesados por la fuerte mirada del otro que nos condiciona y nos hace entrar en terrenos de mucha estandarización. Es por esto, que la directora nos invita a pensar el lugar del baño como un espacio político y poético. Está relacionado con el plano de lo privado y la particularidad de esta obra, es que desde este mismo sitio, se empieza a jugar también la idea de lo público.
“Mujeres en el baño” nos induce a visualizar las revoluciones que cada personaje va atravesando, pero todas con un hilo común: la búsqueda de una expresión genuina del ser. La obra nos sorprende con momentos brillantes y sumamente creativos. La música original, las coreografías de los cuerpos, la escenografía e iluminación son muy eficaces y esenciales a la hora de mostrar ese mundo lúdico y atrevido. Éstas mujeres nos invitan a hacer catarsis con ellas, a cuestionarnos lo preestablecido, cambiar nuestra realidad cotidiana e intentar, de alguna manera, poder responder aquella pregunta que nos hacen: ¿Sos lo que querés?
El tengo es un sufrimiento. Es una de las frases que he escuchado desde que llegué a este país; es que en su efecto, hay una gran melancolía y agonía en las letras y el modo de cantar del tanguero; no obstante la vida de los cantantes del género porteño no se escapa de la desgracia. ¿Puede que sus canciones sean más que una forma de ver la apasionada vida? Tania y Discepolo son una de las parejas más emblemáticas del tengo argentino, especialmente de la época dorada. Ella española de gran talento que vino a Argentina a desarrollar su carrera y él un artista de renombre. Ambos compartiendo más que el amor: El tango.
«es una obra de teatro musical inspirada en la historia de un amor apasionado de dos personajes que hicieron leyenda en la música de Buenos Aires: Enrique Santos Discépolo y Tania. Su trama desarrolla por un lado la relación amorosa entre el personaje de Enrique, un poeta algo nostálgico y Ana, una cancionista de origen español pero profundamente ligada al tango, y por otro, a través del repertorio tanguero, relata y resalta el carácter de una obra porteña y urbana por excelencia. Si bien es una versión libre, la historia está inspirada en la apasionada y tumultuosa relación amorosa entre ellos, un potente y explosivo vínculo sentimental a través de la maravillosa poesía y la sublime música de uno de los genios del tango del siglo XX» Así define Luis Cicero la obra musical que dirige y escribe.
Alejandra Fortan y Martín Rebechi son los encargados de personificar a Tania y Discepolo. Los actores poseen una química indescriptible y un dote vocal sin igual. Ambos cantarán el repertorio musical de esta pareja tanguera junto a los músicos Enestina Inveninato, Federico Siksnys, Adrián Speciale.
Fantoche herido es un espectáculo melancólico, romántico y dramático. Dos actores comprometidos a interpretar a estas leyendas musicales. Una dirección ingeniosa y delicada dónde lo estético, lo simple y lo tradicional se encuentran acá.
Disponible este 24 de mayo a las 21 en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
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