Palabras punzantes

¿Cuántas veces hemos callado aquello que queremos decirle a alguien hace mucho?, La garganta se torna pesada, el pecho se oprime, la sangre hierve y las expresiones faciales se desconfiguran cuando tenemos ganas de contestar los hechos o acusaciones del otro. Lo cierto es que a veces dejamos pasarlo, pero esto se convierte en un volcán que duerme hasta que una vez despierto, la destrucción en ambos en inminente.

«Una crónica sobre la separación de una pareja, él decide no callarse más. Ella escucha. Hasta que llega el momento…
Dos visiones de esa relación. Un combate brutal donde las palabras son misiles.
¿Había que callarse y seguir? ¿Dónde está el coraje?» Es la sinopsis del libreto del dramaturgo francés Pascal Lambert, el cual Laura Pouso adapta.

Mateo Chiarino y Cecilia Cósero son los encargados de interpretar a esta pareja perdida. Ambos con una fuerza potente, destructiva y demoledora, darán a pie a sus monólogos intrecruzados. Él habla, ella habla, ellos se destruyen.

Clausura del amor tiene una oralidad imparable, los actores impulsan el discurso al máximo, llenando tonos desde los más eufóricos a los más serenos. Hay una clara referencia al cine de Bergman en la forma en que los personajes se destruyen y lastiman, esa forma cruel de dirigirse, cómo si se tratara del filme Secretos de un matrimonio.

Silvina Katz logra dirigir a la perfección a esta pareja (ambos tienen un vínculo en la vida real), los moldea y los hace entrar en el personaje hasta que estos estallan en el escenario y rompen la cuarta pared. La dirección de actores es sublime. Chiarino y Cósero de desnudan en este drama íntimo, doloroso y desgarrador. Una muestra de que las palabras son siempre cuchillos afilados.

Disponible los sábados a las 21:30 en el Teatro Payros (San Martín 766). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

¿Qué hacen tanto tiempo las mujeres en el baño? Esta famosa pregunta se usa como disparadora para abrirnos las puertas a un universo lleno de deseos, fantasías sexuales, cuestionamientos sociales, empoderamiento femenino, relatos apasionantes y canciones inesperadas, en donde la fusión entre el sueño y la realidad se tornan algo borrosa y confusa. Después de 15 años vuelve a escena “Mujeres en el baño”, una obra que expone con humor, ironía y mucho rock, el lado B de lo que implica ser mujer en el mundo actual. Creada y dirigida por Mariela Asensio, en esta nueva versión reúne un elenco de talentosas actrices: Esther Goris, Laura Cymer, Laura Conforte, Maida Andrenacci y Karina Hernández. Éstas mujeres los y las esperan todos los sábados a las 20:30 hs en el teatro Dumont sobre la calle Santos Dumont 4040, en el barrio de Chacarita.

La pieza teatral se realiza, lógicamente, dentro de un baño. En este espacio, donde las luces de neón fluorescentes y los inodoros nunca faltan, se despliega todo un mundo femenino atravesado por diversas historias encarnadas en cinco mujeres de diferentes edades. Ellas comienzan a exponer sus fragilidades, sus fantasías y también sus certezas acerca de diversos tópicos como el amor romántico, los cuerpos hegemónicos, la masturbación, el deseo y los mandatos sociales sobre el rol que la mujer debe cumplir dentro de la sociedad capitalista. Estas protagonistas que se muestran desesperadas, poéticas, irónicas, enojadas y deseantes usan como refugio de sus mundos cotidianos el baño. El cual se convierte, al mismo tiempo, en un lugar donde cada una confiesa sin pudor sus pensamientos y poco a poco empiezan a revelarse ante el mundo y cuestionarlo todo sin mirar atrás.

Las actrices habitan el espacio mostrando sus cuerpos en corpiños, culotes coloridos, con alguna que otra prenda más sensual, otras veces con vestidos de seda o simplemente en bata. Y mientras se va desarrollando la obra, nos enumeran la cantidad de cosas que podríamos hacer en un baño: desde cambiarnos la copita/toallita, masturbarnos hasta limpiar el inodoro o vomitar. Es así, cómo estas mujeres responden a la famosa pregunta de ¿qué hacen las mujeres en el baño? pero, al intentar dar una respuesta más clara, dejan caer la máscara que tanto tiempo las disfrazó para poder desnudarse y mostrar verdaderamente sus obsesiones y su dolor oculto sin caer de lleno en la tragedia. Pretenden sacar a la luz todas esas aristas más oscuras para desgarrar el estereotipo femenino que tantos años hostigó a las mujeres y poder lograr su derrumbe.

El baño es una hermosa metáfora del lado B de las personas. Hoy en día, estamos en un momento muy complicado con respecto a la autoexplotación o a esa necesidad constante de ocupar un lugar en el mundo, de ser útil y productivo. Principalmente, estamos atravesados por la fuerte mirada del otro que nos condiciona y nos hace entrar en terrenos de mucha estandarización. Es por esto, que la directora nos invita a pensar el lugar del baño como un espacio político y poético. Está relacionado con el plano de lo privado y la particularidad de esta obra, es que desde este mismo sitio, se empieza a jugar también la idea de lo público.

“Mujeres en el baño” nos induce a visualizar las revoluciones que cada personaje va atravesando, pero todas con un hilo común: la búsqueda de una expresión genuina del ser. La obra nos sorprende con momentos brillantes y sumamente creativos. La música original, las coreografías de los cuerpos, la escenografía e iluminación son muy eficaces y esenciales a la hora de mostrar ese mundo lúdico y atrevido. Éstas mujeres nos invitan a hacer catarsis con ellas, a cuestionarnos lo preestablecido, cambiar nuestra realidad cotidiana e intentar, de alguna manera, poder responder aquella pregunta que nos hacen: ¿Sos lo que querés?

Amores tangueros

El tengo es un sufrimiento. Es una de las frases que he escuchado desde que llegué a este país; es que en su efecto, hay una gran melancolía y agonía en las letras y el modo de cantar del tanguero; no obstante la vida de los cantantes del género porteño no se escapa de la desgracia. ¿Puede que sus canciones sean más que una forma de ver la apasionada vida? Tania y Discepolo son una de las parejas más emblemáticas del tengo argentino, especialmente de la época dorada. Ella española de gran talento que vino a Argentina a desarrollar su carrera y él un artista de renombre. Ambos compartiendo más que el amor: El tango.

«es una obra de teatro musical inspirada en la historia de un amor apasionado de dos personajes que hicieron leyenda en la música de Buenos Aires: Enrique Santos Discépolo y Tania.
Su trama desarrolla por un lado la relación amorosa entre el personaje de Enrique, un poeta algo nostálgico y Ana, una cancionista de origen español pero profundamente ligada al tango, y por otro, a través del repertorio tanguero,
relata y resalta el carácter de una obra porteña y urbana por excelencia. Si bien es una versión libre, la historia está inspirada en la apasionada y tumultuosa relación amorosa entre ellos, un potente y explosivo vínculo sentimental a través de la maravillosa poesía y la sublime música de uno de los genios del tango del siglo XX» Así define Luis Cicero la obra musical que dirige y escribe.

Alejandra Fortan y Martín Rebechi son los encargados de personificar a Tania y Discepolo. Los actores poseen una química indescriptible y un dote vocal sin igual. Ambos cantarán el repertorio musical de esta pareja tanguera junto a los músicos Enestina Inveninato, Federico Siksnys, Adrián Speciale.

Fantoche herido es un espectáculo melancólico, romántico y dramático. Dos actores comprometidos a interpretar a estas leyendas musicales. Una dirección ingeniosa y delicada dónde lo estético, lo simple y lo tradicional se encuentran acá.

Disponible este 24 de mayo a las 21 en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

La caricia del quién no se va

Todos hemos perdido a alguien, ese vacío que deja la partida física de que se va es irreparable, sentimos que nos falta y que por más que hagamos, no podremos tener a ese ser querido de vuelta con nosotros. Pero a veces en sueños o en alguna presencia espiritual, se nos aparece y nos da una caricia aquel que extrañamos.

Diego Licht escribe una tierna comedia musical cuya premisa es la siguiente: «Ariel visita a su abuela por última vez.
Pero lejos de encontrarse con la tristeza de una despedida, reviven juntos su historia,
las canciones que acompañaron sus vidas y comparten una sorpresa muy especial»

Junto a Irene Almus y el propio Diego Licht llega La Bobe, una obra de teatro donde los actores entregan todo de si dejando simpatía y conmoción en los actores.
Las risas no van a faltar en esta historia tan familiar y cercana. Mediante recorridos a aquella música de antaño que solíamos escuchar con nuestras abuelas y tías, esos boleros y tangos que al volver a escucharlos se nos mueven todos los recuerdos; se proyecta esta historia.

Bajo la dirección de Gabi Goldberg, los actores estarán en constante movimiento, cantando y recordando, sin mirarse pues uno sabe que el otro está presente. Este recurso tan sencillo pero eficaz, aporta un grado de realismo mágico en la obra, dónde vemos qué tan fuerte son las relaciones familiares, tan fuertes que pueden trascender cualquier plano astral.

La escenografía de Debora Teplitzki y la música en vivo de Esteban Rozenszain hacen de la La Bobe un show único, para ver con la familia o amigos, una historia que trasciende la religión y espiritualidad.

La Bobe es una obra tierna y totalmente cautivadora, Irene Almus está increíble en este papel tan entrañable. Disponible los domingos a las 18 en El Método Kairos (El Salvador 4530) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Eloy Rossen

Otras acepciones del desamor

“Cemento” es un relato epistolar hecho escena, un amor náufrago reunido entre fotos viejas y memorias, una confesión melancólica que se hace vida entre el amante solitario y la audiencia.
Leonel Elizondo interpreta “Cemento”, una de las obras ganadoras del Premio Estímulo a la creación y producción de las Artes Escénicas del Banco Ciudad, en el amplio escenario del Espacio Callejón.

Un recuerdo íntimo sobre dos amantes que se dan el nombre el uno al otro cuando se ven por primera vez y resuelven la muerte de una parte de ellos cuando se separan definitivamente: Cemento y Terry. La puesta, que hace un mero uso de proyecciones y música de una banda en vivo, obliga al protagonista a inundar con su despliegue artístico el vacío infinito que le dejó Cemento, ejecutando ese despliegue de manera orgánica y preciosa. Terry hace de su fallecimiento amoroso, una serie de preguntas resonantes en la audiencia: “¿Cuántas formas tenemos de morir? ¿Puedo morirme en tu boca? ¿Cómo se empezaba otra vez?” En un afán por redefinir el desamor, el texto dramático de Consuelo Iturraspe muestra otros lentes de lo que se entiende por muerte, por abandono y por dolor.

La obra intencionalmente toma una historia no debida para hablar de un común denominador, que se replica sinceramente en el público: un amor entre dos hombres en la década de los ‘80. La patologización de la homosexualidad por la epidemia del VIH, sin desconsiderar el gran avance de las organizaciones de la comunidad LGBT+, caracteriza esos años como un terreno con pocas trincheras para esconderse. El amor entre Terry y Cemento también se ve influenciado por esa amenaza exterior, y las huellas de esa normatividad heterosexual sin dudas son percibidas en el soliloquio del protagonista. Entre silencios opacos y risas cómplices, la actuación de Leonel Elizondo construye la comunicación entre las butacas y la escena como un intercambio de historias en cartas escritas a mano. A partir de esa ternura y genuidad, “Cemento” trabaja el relato desde todos esos restos que abandona el otro y se vuelven un peso mortal en nosotros: fotografías, ropa, videos, anécdotas, momentos.

La puesta se constituye de manera simple y austera, utilizando no más que un sillón de un cuerpo, mientras que la materialidad de la obra se ve protagonizada por la presencia de un proyector y de la banda en vivo. La recreación de estas rememoraciones amorosas se construyen a partir de canciones de la banda que se conjugan con la escena o la intervención de los músicos como intérpretes en la historia, o bien incluso con la luz modificando el tamaño del espacio según el efecto buscado. De igual forma, las preguntas de Terry se proyectan en una extensa tela que separa la escena, haciendo uso de las dudas como vehículo que motoriza el devenir del relato y generando una contraposición con la corporalidad del protagonista que resulta llamativa, pero aún así orgánica. De este modo, el diseño de la puesta connota una plasticidad mixta que se vincula estrechamente con la trama: en la imposibilidad de expresar con un único lenguaje el vacío del desamor, se apelan a todas las formas de comunicación para hablar de eso que no se puede nombrar.

Atravesando los desafíos que implica transicionar de un lenguaje a otro, “Cemento” construye otra definición del dolor en la íntima confesión de un abandonado. Cruda pero encantadora, la obra reflexiona sobre todas las formas de morir en un “adiós” sin morir en el intento.

“Cemento” está todos los viernes a las 20.00hs en el Espacio Callejón. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral. .

Puccini y otros homenajes

El Teatro Colón se vuelve a vestir de gala (como en cada presentación) para homenajear al gran compositor Toscano Giacomo Pucchini (1858- 1924). Junto a la Orquesta Sinfónica Estable y la dirección de Mario Perusso se dió un emotivo concierto donde más que dar honor a Pucchini, hubo momentos totalmente emotivos.

La noche del sábado 14 de mayo a pesar de la fresca noche, los asistentes no faltaron y llenaron todo el anfiteatro del Colón. Una vez todos los espectadores estaban en sus lugares, a las 20 horas se dió entrada a los músicos, seguido de enormes aplausos de bienvenida. Ya en sus respectivas posiciones, el Concertino número uno Freddy Varela Montero comenzó a afinar a la orquesta, luego de eso se le otorgaron flores de bienvenida al gran director Mario Perusso. La entrada de los cantantes liricos fue una total sensación.

Directo desde Eslovenia llega la soprano Rebeka Lokar, su trayectoria es amplia y ha recorrido importante teatros liricos en ciudades como Turín, Nápoles, Valencia, Shangai, Tokio y Zagreb; su entrada supuso el suspiro de los asistentes ya que la cantante radia elegancia y carisma. Este era su debut en el Teatro Colón.

Desde Córdoba llega el orgullo nacional, el tenor Gustavo Porta. Se formó en el Colón y debutó por primera vez en 1996. Su talento y constancia lo hizo interpretar en teatros liricos en las ciudades de Darmstadt, Torino, Berlín, Tokio, Tel Aviv y Beijing.
La química entre ambos cantantes fue estupenda, ambos interpretaban a sus personajes de una manera entregada y conmovedora.

El concierto estuvo dividido en dos partes y cuatro actos en los cuales se interpretaron grandes éxitos de Giacomo Puccini, entre ellos temas como La fanciulla del West, Senza mamma, Madame butterfly y Manon Lescaut. La presencia de los cantantes líricos fue en conjunto pero también tuvieron momentos en solitario donde sus voces se pudieron contemplar mucho más.

Antes de terminar el concierto sucedió el gran momento de la noche, el concertino número uno de la orquesta otorgó una placa de honor a su director Mario Perusso. Los aplausos se replicaron por todo el teatro, también no faltaron las alabanzas a Perusso y los músicos. El músico porteño agradeció el reconocimiento y recordó las palabras que siempre da en los ensayos, habló sobre el amor que hay que poner a cada instrumento y a la orquesta, agradeció a Puccini y mencionó que pronto se cumplen 100 años de su fallecimiento. Los abrazos tampoco faltaron.

El homenaje a Puccini estuvo cargado de emociones y aplausos, una noche donde el Colón se vistió de gala para interpretar al gran compositor toscano, pero también para reconocer el valor de los músicos de la Orquesta Estable y su dirección.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Vassa: La madre patria

El Teatro Regio, parte del Complejo Teatral de Buenos Aires, aloja por fin la pieza de Felicitas Kamien obturada por la crisis sanitaria: una reversión de la obra del dramaturgo ruso Gorki “Vassa Zheleznova”, protagonizada por Tortonese en un grotesco destellante.

Escenario de una Argentina al borde del colapso, la obra remite a una familia de clase alta recluida en una mansión que se extiende hasta por fuera de los límites del proscenio. Un padre postrado que dubita entre la vida y la muerte, tres hijos desagradecidos y corroídos por el dinero, y Vassa, la mujer que pretende contener este circo delirante, son quienes llevan adelante la cómica pieza. La puesta en escena propone un realismo mentiroso que permite que se cuele el absurdo: una camilla en el medio del living, un sistema de alarma de juguete y actuaciones llevadas al límite. Humberto Tortonese retorna al teatro encarnando el grotesco personaje de la madre, de vuelta asombrando al público con esa corporalidad tan suya que parece poder albergar a infinitos seres.

En la reversión de Kamien, la Rusia revolucionaria se ve trocada por una Argentina en pleno estallido social, con crisis financieras y revueltas civiles que rodean la mansión familiar y la acechan. Durante la obra, se filtran espías de ese afuera que dialoga constantemente con el drama familiar interno: cada vez que los personajes salen, se colocan un chaleco antibalas y chequean la cotización del dólar para ir a cambiar, y cada vez que se encuentran dentro, especulan con la venta de bienes personales y la firma de contratos. En un intento por desentenderse del contexto social, las preocupaciones entre los parientes son controladas por el direccionamiento, la cantidad y el movimiento del dinero, muchas veces incluso ignorando el cuerpo del padre sujetado en la cama o la figura silenciosa de la ama de casa que en realidad lo escucha todo. El foco se encuentra puesto, a su vez, en cómo los personajes se intentan controlar unos a otros con el poder de la plata, generando una comedia de enredos entre operaciones ocultas y puñales por la espalda. Como un retrato distorsionado de nuestra sociedad, los personajes van develando sus facetas más intrínsecas en un grotesco puro, soltando las facetas y modales de clase con el suceder de una crisis inevitable, tanto personal como pública. Resulta una apuesta interesante colocar el texto dramático de Gorki en el contexto de una Argentina no tan distante a la que aguarda fuera de la sala teatral, muchas veces reflejando en el público los detalles de esa furia y pasión grotesca que nos desencadena la incertidumbre de un escenario común en constante crisis.

Con intervalos y aportes comiquisimos, Tortonese sabe cómo atrapar a la audiencia en un simple movimiento: ya en la figura de esa mujer fumando al lado de su marido, su presencia se percibe hasta en la última fila. Sin dudas, Tortonese interpreta de una manera contundente y atrapante, trayendo a la vida a una madre controladora y compulsiva que se entiende también como una madre cívica y patria. Vassa es asimismo ese intento avasallante por encontrar estructuras y descansos donde parece no haberlos, de contener a los hijos que parecen fugarse de la nación materna y de proteger a una familia al borde del quiebre. “Vassa” cautiva de una manera cómplice, jugando con los guiños cómicos que el público ya comprende de antemano y haciendo de ese juego un espectáculo. Honesta y grotescamente realista, la obra se inserta en la agenda cultural como un imposible de no ver.

“Vassa” está todos los jueves a las 20.00hs en el Teatro Regio. Podés conseguir tus entradas a través de la página del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Por Sofía Luna Roberts

Una obra cargada de ironía, humor negro y pura teatralidad son algunas de las características más llamativas de “Tarascones”, una pieza teatral escrita por Gonzalo Demaría y dirigida por Ciro Zorzoli. Con interpretaciones estelares que van de la mano de Paola Barrientos, Alejandra Flechner, Eugenia Guerty y Susana Pampín. Éstas mujeres nos invitan a su tradicional tarde de té todos los martes a las 20 hs y los sábados 20:30 hs en el Metropolitan Suran (Av. Corrientes 1343), para descubrir de qué se tratan sus reuniones entre charlas, juegos de cartas y las infaltables masitas dulces.

“Tarascones” nos sumerge en ese living burgués, de la casa de Raquel, con una fuerte presencia de adornos y vestiduras que embellecen el espacio donde Zulma, Martita y Estela se despliegan para ponerse cómodas y disfrutar una merienda con amigas. Pero la rutina de estas señoras paquetas es interrumpida por el suceso inesperado de un crimen, que transformará la reunión en una hoguera donde no dejarán ningún cabo suelto y los trapitos saldrán a la luz del fuego. En esta obra la hipocresía, la impunidad y la monstruosidad no quedarán fuera de la escena, es más, serán pioneras para el desarrollo de un discurso social que resalta la gran capacidad de una clase alta que condena y discrimina para tapar sus propias miserias.

La caracterización detallista de las protagonistas toma gran lugar con respecto a lo visual, ya que están construidas al borde de la caricatura y tanto sus vestimentas como sus gestualidades disponen de una “extrema teatralidad”. Ésta puede verse directamente en sus maquillajes, pelucas, las uñas postizas que utilizan, los modos de circular en el espacio al igual que en los rostros de cada una de las actrices que toman una forma particular para dirigirse tanto a ellas mismas como al público. La escenografía, iluminación y la música son precisos para dar cuenta de ese tono burlón, un híbrido entre lo grotesco, vulgar y refinado, que sobrevuela todo lo material. También el empleo del lenguaje ocupa un lugar importante, debido a que la escritura en verso de Gonzalo Demaría responde a la necesidad de resignificar el discurso de los personajes. Al darle una escritura elaborada, versificada, adquieren automáticamente esas situaciones vulgares que se dan entre esas mujeres una cierta musicalidad propia que es ennoblecido por ese lenguaje minuciosamente trabajado.

El humor es otra característica muy destacada, porque se encuentra presente en toda la pieza teatral complementando esos signos ordinarios y refuerza algunas ideas que tienen que ver más con un comentario social. Es gracias al humor que se permite decir y oír muchas cosas que, de otros modos, resultan muy duras de asumir como propias. El discurso contiene una mezcla entre lo cómico y la fusión de géneros que son claves en el texto, ésto provoca que el conflicto sea algo más “digerible” y divertido al mismo tiempo.

Zorzoli nos trae una comedia y un drama con un contenido de pura reflexión social, política y cultural, ya que éstas mujeres reflejan el imaginario de una clase alta llena de prejuicios e hipocresía. Es un teatro que habla de nosotros pero siempre desde una mirada artística, dando cuenta de ciertos comportamientos que nos definen como seres humanos. “Tarascones” logra un balance perfecto entre lo cómico y lo trágico gracias a la mezcla de un talento actoral y escénico espectacular logrando en el público un extraño sentimiento de empatía, y dejándonos con muchas preguntas acerca de los estereotipos que nos habitan como sociedad.

LLEGA UN NUEVO SHOW OFICIAL DEL ÉXITO DE PEPPA PIG. El 15 de mayo será el estreno de la gira nacional en el Teatro Ópera Orbis en Buenos Aires. El espectáculo «Las aventuras de Peppa Pig» se presentará además en Rosario, Córdoba y Bahía Blanca para luego despedirse en CABA en Vacaciones de Invierno.

.

Dirigido por Adrian Di Bastiano y la producción general de Painita Producciones y Alicudi Entertainment, este espectáculo marca el regreso de uno de los personajes favoritos de los niños. Peppa Pig pertenece a la familia de marcas Hasbro eOne.

Sinopsis del show
«Las aventuras de Peppa Pig»
Comienzan las clases y Peppa con sus amigos se reúnen en la escuela con su querida Señorita Gacela. Es un lugar de encuentro divertido donde aprenderán muchas cosas, incluyo yendo de campamento compartiendo y descubriendo lo mágico de la Naturaleza. Lo que más le gusta a Peppa es aprender en compañía de sus amigos, por eso acompaña a Suzy oveja, Pedro Pony, Gerald Jirafa y su pequeño hermano George.
Entre todos nos propondrán una genial tarde de diversión asegurada, con canciones, cuentos y muchísimas sorpresas.


PEPPA PIG es una serie original desarrollada por Hasbro eOne y se emite todos los días por Discovery Kids.
LAS AVENTURAS DE PEPPA PIG
Nuevo show oficial en vivo

15 de mayo ¡Estreno!
Teatro Ópera Orbis Seguros (Av. Corrientes 860 – CABA)
Entradas a la venta por Ticketek y la boletería del teatro

11 y 12 de junio Bahía Blanca – Teatro Plaza
2 y 3 de julio Córdoba – Espacio Quality
9 y 10 de julio Buenos Aires – Teatro Ópera Orbis
13 y 14 de julio Rosario – Teatro Broadway
Vacaciones de Invierno. Del 16 al 31 de julio. Teatro Ópera Orbis

PASE SANITARIO: de acuerdo a lo dispuesto por las autoridades nacionales y provinciales, es requisito que los mayores de 13 años presenten Pase Sanitario válido vigente para poder ingresar al recinto.

La pasión de Clarice Lispector

Clarice Lispector (1920-1977) fue una escritora ucraniana radicada en Brasil, su estilo y escritura formó parte del altar de escritores brasileños y latinoamericanos del siglo XX.
Desde traducciones, cuentos, poesía, ensayos y novelas, la carrera de Lispector fue prolifica, entre sus obras destaco La Pasión según GH (1964) una novela que con pocos recursos supo crear una gran historia.

Marcelo Velasquez es el encargado de adaptar este libro al monólogo que Mercedes Fraile interpreta. La premisa es sencilla pero abre un abanico de reflexiones, descripciones y profundidad: Una mujer de alta clase de Río de Janeiro se da cuenta que su empleada doméstica se fue, en su afán de detallar y organizar decide ir al cuarto de su antigua empleada, al abrirlo nota que una cucaracha sale del Placard, entonces se la come. Si bien esta descripción puede ser repulsiva, la novela y el monólogo son un torbellino lirico. Mereces Fraile interpreta a GH, y lo hace de maravilla, su actuación merecen todos los aplausos. ¡Qué gran trabajo!

La escenografía de Ariel Vaccaro es innovadora y abstracta. Un conjunto de tarimas que en rompecabezas, se mueven y se adaptan. Este monólogo rompe la cuarta pared pero de forma discreta, se conjuga una dosis de humor dentro del texto y Fraile lo hace ameno. El diseño audiovisual de Nico y Victoria Di Cocco mediante un cortometraje que causa suspenso, es impecable.

La pasión según GH es un deleite sin igual, una Mercedes Fraile impecable y un texto que vale la pena leer.

Disponible los domingos a las 17:30 en el portón Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web
Instagram: cachalote94