La bella mató a la bestia

En 2005 se estrena la épica película de Peter Jackson »King Kong», una enésima adaptación del legendario monstruo pero esta vez con un enfoque distinto: La humanización. Si bien el filme de tres horas no logra encantar a todos, hay algo interesante acá y es la representación del cuento de La Bella y Bestia.

La autora del ensayo »Teoría King Kong» (Libro publicado en 2006 por Virgine Despentes), analiza mediante metáforas y teorías feministas la película de Peter Jackson »En esta película, King Kong se convierte en una metáfora de la sexualidad antes de la separación de los géneros impuesta políticamente a finales del siglo XIX. King Kong está más allá del hombre y más allá de la mujer. Está enganchado en el vínculo entre el hombre y la bestia, adulto y niño, bueno y malo, primitivo y civilizado, blanco y negro. Es híbrido, antes de la imposición del binario. La isla en la película se convierte en el potencial de una sexualidad polimórfica ultra poderosa. Justo lo que el cine desea capturar, mostrar, distorsionar y, al final, destruir».
Despentes en su  ensayo abarca temas aún polémicos dentro del feminismo conservador clásico, la necesidad de hablar sobre el sexo, la masturbación, las violaciones, el poder, la prostitución y la pornografía como herramientas de empoderamiento femenino.

El Teatro Cervantes tiene el honor de adaptar La Teoría King Kong en cuatro monologos ensayo representados  en cuatro episodios: Porno brujas, Imposible violar a esta mujer llena de vicios, durmiendo con el enemigo y Chica King Kong del cual haremos reseña. Dirigida por Mariana Obersztern,  protagonizada por Muriel Santa Ana y adaptado por Alejandro Maci. Un escenario hecho añicos, como si King Kong hubiera roto las cadenas y escapase  a destruir la ciudad y rescatar a la bella, en este caso es Muriel Santa Ana quien aparece luego de la destrucción, ¿Fue ella la Chica King Kong?

Con un tono pausado comienza a expandir la metáfora de King Kong y su bestia, para luego subirlo para hablar sobre el empoderamiento femenino según aquellas mujeres que no encajan dentro del modelo impuesto por la sociedad, a su vez establece que ya revolución femenina ya pasó, ahora es turno de los hombres que inicien su emancipación y se liberen de los patrones impuestos por el machismo y patriarcado.
Santa Ana da un perfomance lleno de fuerza y agilidad para mantener un discurso con ligeras pausas pero con constancia, dramatiza este ensayo donde deja al espectador interpelado con temas aún polémicos dentro de la sociedad actual, temas que nos llenan de pudor y que la obra de Despentes viene a liberar con la furia de King Kong. Al salir de la sala los espectadores tendrán un caluroso debate sobre los temas que el ensayo deja sobre butacas.

Chica King Kong fue presentada los jueves a las 20 horas en el Teatro Cervantes.
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Amor y mitología

Confieso que desconocía la leyenda del Lobisón hasta que vi esta obra. En el Paraguay, sur de Brasil y norte argentino existe la creencia de que el séptimo hijo varón, al llegar a la adolescencia, se transforma en Lobisón (el equivalente al Hombre Lobo europeo).

Es un ejercicio interesante cuando el teatro juega con las leyendas tradicionales y las representa en un entorno poético e interpretativo, este el caso de Voraz y Melancólico de Toto Castiñeiras.

»Una obra atravesada por el mito del hombre lobo y la mujer lobo.
Voraz es la historia de una posible historia de amor. Un amor que trae consigo un apetito que pareciera no saciarse con nada. Es una historia de amor trunca, que de tan trunca podríamos sospechar, no es tal, no existe.» Así describe Castiñeiras esta obra que dirige y escribe.

Santiago Garcia Ibañez, Rey Micaela, Ignacio Torres son los encargados de interpretar a estos personajes envueltos en juegos de peña, inocencia, voracidad, romance y poesía.

El guión de Castiñeiras permite jugar con una hermosa prosa en primera persona que irán conjugando con una coreografía frenética de folclore, acompañados por música en vivo interpretado por Santiago Garcia Ibañez, todo esto para ofrecernos una historia de amor impulsiva pero genuina, marcada por una leyenda que definirá el destino de los personajes. La escenografía es sencilla pero hermosa, Gonzalo Cordoba Estevez es el encargado de crear esta tarima muy bien cuidada y llena de detalles.

Voraz y melancólico se vuelve una grata y linda sorpresa donde el folclore del cono sur será una de los protagonistas de este tierno romance, la poesía el enclave principal que aporta belleza necesaria a esta historia de amor.

Voraz y melancólico está disponible los viernes a las 21 el Teatro Nün (Juan Ramirez de Velasco 419) Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Tuvimos el placer de realizar la cobertura de la obra «Trepadores», una producción que se puede ver los jueves en el teatro Picadilly, y que cuenta con las actuaciones de Rodrigo Noya, Bautista Lena, Santiago Caamaño y Federico Barón, con la producción de Nazarena Vélez. Se trata de una comedia ambientada en una fábrica de aceitunas con morrón, que nos muestra situaciones absurdas e hilarantes y que nos deja una amena noche para reírse en el teatro.

La obra nos lleva a una fábrica de aceitunas con morrón llamada Abelar, ahí mismo nos encontramos con el jefe de producción junto a tres empleados rellenadores de aceitunas. Luego de que el jefe comunique que en nombre de la empresa uno de los integrantes es despedido, empiezan a ocurrir absurdas situaciones entre los personajes, que si bien nos hace perder el hilo de la historia, nos otorga momentos graciosos en su performance. Es una realidad que la verosimilitud casi no se hace presente en la producción, pero que aprovecha este absurdo para usarla en función de la comedia, es así como observamos números casi musicales , momentos en que los actores se pierden en los personajes y se les escapa una risa involuntaria, contagiandola también en el público.

En cuanto a las actuaciones, los cuatro intérpretes se manejan con soltura , aunque me resulta necesario destacar a Federico Barón , a quien le toca realizar al personaje más desentendido, o como mejor diríamos al más colgado, y que logra dar risas al público sobre todo en una situación en el que se involucran ciertas confesiones sexuales. La dirección de Ariel Basaldua es correcta, apoyando el peso de la obra en los actores, tanto en su guión como en las situaciones perfomaficas que existen en la puesta.

Trepadores es una comedia que juega con el absurdo, que es de un tipo que si bien llega lejos, logra enganchar al público contagiando las risas fácilmente. Es un espectáculo ideal para despejarse un jueves a la noche y pasar una velada agradable, terminando con una sonrisa.

«Trepadores» se puede ver los jueves a las 21 horas en el Teatro Picadilly, les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.

Interpretes: Rodrigo Noya, Bautista Lena, Santiago Caamaño y Federico Baron

Dirección: Ariel Basaldúa

Producción: Nazarena Vélez.

Prensa y Comunicación: Ximena Golderberg

Algo hay que comer

Surinam forma parte del macizo guayanés, región geográfica y cultural que abarca países totalmente alejados de la unidad latinoamericana y de poco conocimiento para muchos latinos. En sí, el macizo guayanés también abarca gran parte del territorio venezolano, el estado de Guyana, Surinam y el territorio francés de ultramar Guayana y la zona del delta del Amazonas en Brasil.

En Surinam no se habla ni español ni inglés, sino holandés. Estos conocimientos son los que los protagonistas de esta historia conocerán repentinamente aunque hay cosas más importantes que la geografía sudamericana: hay hambre.

»Un circo argentino que se encontraba de gira por Latinoamérica decide seguir rumbo a Surinam. Una vez pasada la frontera se pierden en la sabana y se les rompe la camioneta. Sin ver a ningún ser vivo en los alrededores, se comen lo último que tenían. Al tiempo, deciden comerse al mono del payaso. Ahora sólo quedan ellos». Así describe Victor Chacón esta obra de su autoría y dirección.

Antonella del Valle Piersanti, Manuel de la Serna, Rocío Celeste Fernández, Lucas Ranzani, Javier Grinstein, Sathya Dematti forman parte de los integrantes de este circo argentino perdido en tierra de nadie (aplausos de pie para ellos).

Lo novedoso de Surinam es que rompe con la línea narrativa clásica del teatro, nos ofrece una obra espléndida donde ya sabemos el desenlace pero nos interesa saber cómo se llegó a tal. Para ellos cuentan con recursos teatrales donde los actores tendrán que tener coordinación y destreza para recrear repeticiones de escenas pero de diferentes puntos de vista todo esto para confundir al espectador pero de buena manera, la idea es que estemos atentos sin importar el orden.

Todo esto me recuerda a la trilogía del mexicano Iñarritú (Amores Perros, 21 gramos y Babel). Surinam cuenta con narrativa cinematográfica llevada al teatro, siendo el caos y el shock el vector que conducirá a los personajes a tomar decisiones difíciles sostenidas por la necesidad.

Lo grotesco, anti moral, lo dramático o exagerado y lo ingenioso son valores que destacan en Surinam, donde estos personajes más allá de tener hambre, dejarán al espectador con las pupilas dilatadas ante la secuencia no lineal de los actos, para dejarnos al final con hambre de más obra, aunque no hambre de los eventos que suceden dentro de la misma.

Surinam está disponible los domingos de agosto y septiembre a las 20 horas en el Teatro Nün (Juan Ramírez de Velasco 419)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Mayame.

La memoria colectiva latina tiene a Miami como la ciudad predilecta donde los famosos, empresarios, gente que vive de manera »modesta» y los corruptos van a tomar el sol. Si bien los  90’s en Argentina fue la época más mayamera, la obsesión e idealización con tener un departamento en la Florida sigue estando en muchos.
¿Cómo reconoces a un argentino fuera de Argentina?

»Dos argentinos se encuentran por casualidad en un café de South Beach, en Miami, en tiempos de la pandemia. Uno es un periodista, de paso por la ciudad. El otro es un expatriado, un personaje misterioso, que dice haber estado vinculado a los servicios de inteligencia». Es parte de la sinopsis de la obra de Mario Diament.
Un periodista (Enrique Dummont) que no quiere que le hinchen las  pelotas pero con una curiosidad que es más grande que todo, un viejo con aspecto mayamero (Edgardo Moreira), muy parlanchín pero con argumentos polémicos e intrigantes.  Lo más turbio de los noventa: AMIA, el turco, espías, corrupción. Lo mas oscuro de ahora: El  »suicidio» del fiscal, son elementos políticos y históricos contemporáneos que van a jugar en El Fixer.

Lo interesante de la dirección de Daniel Marcove es la dinámica, de una obra  muy política la hace frenética y con agilidad de diálogos parecida a la técnica que usa Aaron Sorkin (The Newsroom, El juicio de los  7 de Chicago ) con la dirección de sus actores.

Por momentos la duda e incertidumbre estará en la orden de la mesa, sobre todo porque nos hace plantear qué pasó con este caso tan polémico de la AMIA y el fiscal, sobre todo la gran pregunta: ¿Quiénes son los responsables?

El Fixer tiene una destreza de diálogos muy ágil pero tiene algo en contra y es el público al cual está dirigido, si eres centennial o si no eres argentino, puede que no entiendas las referencias políticas que acá hacen referencia, sin embargo es un buen ejercicio donde el periodista incrédulo se queda consternado ante una verdad que no puede probar más allá de saber una confesión o chamuyo.

El Fixer está disponible los Sábados a las 20 horas en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948).Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El arranque

Cuando suelo hacer viajes por ruta veo a los vendedores al costado, siempre son una buena opción para parar luego de largas horas, comprar alguna artesanía o comida típica de la provincia. Las rutas no cambian, las paradas tampoco.

Se nota el grado de abandono al costado de la carretera, los pueblos se mantienen igual al paso del tiempo, la desolación de quien espera que a quien alguien pare se nota, cuando se crean nuevos accesos, estos quedan en la total desidia.

»Estos tres hombres pasan sus días en una estación de servicio agonizante al costado de una ruta en ruinas del litoral. Es un pueblo pequeño. Hicieron la entrada nueva por otro lado y esta estación quedó casi en desuso. Los tres hombres resisten, esperan. Depositan todo el tiempo en cosas fortuitas, azarosas o milagrosas, la esperanza de que algo los desprenda de esta situación». Es parte de la sinopsis que describe la obra que escribe y dirige Pablo Viollaz.

¿Cuánto tiempo se puede esperar?, ¿Qué esperan para arrancar?

Los tres actores poseen una química tremenda, Miguel Ferrería, Fabio Herrera, Gabriel Lenn son los encargados de interpretar a estos personajes agrestes y compañeros. La amistad es el tronco de esta tragicomedia, la cual se vuelve una radiografía del interior del interior del país, especialmente a los adentros del Chaco.

Cada personaje es perfilado de una manera correcta lo cual nos permite conocer su trasfondo y su desenlace, siendo este último el que nos deja satisfechos pero con un vacío en el pecho.

Las carcajadas estarán seguramente, así como también mucha emotividad, acercándose al final habrá un número musical excelente que nos hará conectar más con la historia. Esta obra tendrá su película próximamente pero antes de su estreno es una buena opción de sábado por la noche.

No la vamos a embocar nunca, está disponible los Viernes a las 22 en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948)
Les escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Por Daniel Alvarez

El pasado fin de semana tuvimos el placer de disfrutar la obra «La fiesta de los chicos» en el Teatro astral. Una producción dirigida por Ricky Pashkus, que retrata la velada de un grupo de amigos, que al festejar un cumpleaños, se destapan muchas verdades sobre cada uno de ellos. Se trata de un espectáculo que apuesta a un elenco masculino convocante, con una producción que se agradece de ver en estos tiempo en los que es difícil pero no imposible apostar al teatro.

Un grupo de amigos gays están festejando el cumpleaños de uno de los miembros del grupo, que van llegando de a poco a la casa del anfitrión interpretado por Fernando Dente. Hago esta pequeña aclaración sobre la orientación sexual de los personajes, no de una manera despectiva (En absoluto), sino porque es necesario para poder entender por dónde va la trama. El anfitrión recibe una llamada inesperada de un viejo amigo (que es heterosexual) por lo que le pide a sus compañeros de la fiesta que traten de disimular su orientación sexual para no incomodar al invitado. La realidad es que los personajes realizan todo lo contrario, lejos de ser intencionado, sino sucede que cada uno de los amigos tienen que necesitan exteriorizar en la reunión. El rato pasa, y con ayuda del alcohol, comienzan a jugar y destapar verdades de cada uno de los integrantes. Hablan de amores, engaños, sobre los prejuicios de ser homosexual, entre otros temas. Y si, las cosas salen mal, y nos encontramos con el típico «sacar los trapitos al sol»

La obra se desenvuelve con soltura y con un humor que engancha durante toda la obra. El elenco es convocante, cada uno está bien en papeles que varían entre los que tienen mayor y menor presencia. Por lo que podemos destacar por sus personajes a Fernando Dente, Nicolás Di Pace y Tomás Fonsi. Hay buena química entre todos y se agradece.

El escenario es luminoso que representa una casa o departamento con estilo, justamente en el hogar de un personaje al que le es importante las apariencias. El neón también se hace presente , aunque sin tanto juegos de luces durante la puesta, mostrando todo el argumento casi de corrido.

Ricky Pashkus logra dar su lugar a cada personaje en mayor o menor medida, mostrando un conjunto sólido. Quizá lo que no siente tan sólido, al menos en mi percepción, es la resolución del conflicto, aunque es un tema más de guión, y que toca aclarar que es una obra traída de afuera. De todos modos es una producción más que agradable para pasar una noche de fin de semana en el teatro, dónde no faltan las risas a pesar del mal rato que pasan estos amigos.

A lo ruso

Todos conocemos la trágica historia de la familia Romanov, asesinados brutalmente por los bolcheviques durante la Revolución Rusa en 1917.

Nicolás II, su esposa la zarina Alejandra, sus hijos Olga, Tatiana, Maria, Anastasia y Alekséi quedaron para los archivos históricos, como los últimos zares del imperio ruso, luego de ellos la instalación de la Unión Soviética.

Pero… ¿Y si nos salimos de Rusia y nos vamos hacia San Antonio (Provincia de Buenos Aires), pero con uno de los personajes más legendarios de la familia Romanov?

»Guillermo escapó de San Antonio dejando atrás un pasado poco claro. Lleva como único equipaje los fascículos de “Todo es historia” que tan cuidadosamente colecciona desde niño. En la pensión donde logra alojarse realidad y fantasía se mezclan en su mente.
Anastasia Romanov, hija prófuga de los zares de Rusia y su prima vienen a visitarlo y a exigirle que regrese a su pueblo. Hasta que la realidad golpea a su puerta». Son las palabras con la cual Victor Winer define su tragicomedia.

Una pocilga, un hombre atormentado que huye, una prima metiche e hiperactiva, el novio de esta, un general ruso de armas tomar e implacable y la histriónica pero carismática duquesa Anastasia, son los personajes de esta obra interpretados por Ana María Cores; Cristian Thorsen; , Maria Viau; David Midanson y Carolina Ferrer.

Mariano Dossena es el encargado de dirigir esta tragicomedia, donde las risas estarán a la orden de la noche, así como también las sorpresas. Los juegos narrativos de Victor Winer en Los Soviets de San Antonio son sagaces, acompañados de monólogos atinados con referencias históricas y folclore argentino, una comedia negra que se vuelve imprescindible para un sábado a la noche dónde veremos cómo los rusos solucionan sus problemas, muy a lo ruso. El personaje de Anastasia interpretado por Ana María Cores es un deleite que brilla en absoluta presencia en las tablas. La música original de Rony Koselman le da una solemnidad necesariamente rusa.

Los Soviets de San Antonio se encuentra disponible los sábados a las 22 horas y domingos a las 18 hs en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Yo tengo tantos hermanos, que no los puedo contar

»Yo tengo tantos hermanos
Que no los puedo contar
En el valle, la montaña
En la pampa y en el mar», así dice la primera estrofa de la legendaria canción de Atahualpa Yupanqui, ¿Qué nos hace hermanos más allá del mismo idioma y origen? 

Migrar no es fácil, quien diga lo contrario es porque no la hecho, cada experiencia es distinta y se vive de diferente intensidad, desde la soledad, contención, amor y tragedia. »Seis actores de nacionalidades diferentes. Una argentina, una boliviana, un ecuatoriano, un mexicano, un colombiano y un chileno. Acompañados por un músico en escena, cada uno cuenta su viaje. ¿Por qué dejaron su país? ¿Qué dejaron? ¿Qué extrañan? ¿Por qué se quedan?Nostalgia, confrontación, descubrimiento.» Es la premisa de la obra creada por Gabriel Fernández. 

Mariana Maciel (Argentina), Olivia Torrez (Bolivia), Heriberto Ruiz Díaz (México), César Riveros (Chile), Paul Criollo (Ecuador) y Juan Prada (Colombia) es el elenco plurinacional que hacen de esta obra una entrañable y conmovedora comedia, la cual se apoya de recursos como el clown, titeretismo, también percusión y flauta andina a mano de Laura Dos Santos.
Frenética, divertida, fluida y empática se vuelve esta obra dirigida por Greta Risa. Siendo inmigrante me siento interpelado por esta producción, más allá de hacerme reir, me recordó lo difícil que fueron mis primeros dos años en este país, los sacrificios que mi familia hizo para que yo estuviera acá y el vacío constante que es el no saber a qué lugar pertenezco.

Migrantes es una obra que nos pone a todos en una misma situación: Fuera de nuestro país por diferentes motivos, intentando  adaptarnos y ser integrados, pero sobretodo con el deseo de volver pues todos los recuerdos quedan en el terruño.
Migrantes está disponible por dos jueves más a las 20:30 en el Espacio Callejón  (Humahuaca 3759)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Todo es una mierd#

¿Cuántas veces hemos dicho »La vida es una mierd#, trabajo de mierd#, amor de mierd#, gente de mierd#, papis de mierd#? Hoy lo dije unas cinco veces, y es que no todo nos sale bien, más aún cuando nuestras expectativas son cada vez más altas.

»Teresita se encierra en su baño decidida a terminar con su vida. Con un fondo blanco de Procenex se lanza a un viaje místico-gástrico para enfrentar su propia mierda. De la mano de un dúo de soretes cantores transita catárticos números musicales que juegan con lo bizarro y con los clichés más hermosos del teatro musical. Juntos van a tirarle la cadena a esa vida de mierda que Teresita ya no se banca más» Es la sinopsis de esta obra  musical creada por Alejandro Ibarra y Chechu Vargas y musicalizada por Matías Ibarra.Un baño con un inodoro gigante, un altar a la virgen de Caacupé, una mujer en crisis y dos »soretes» que se vuelven coach ontológicos de ella.Números musicales de piano de Agustín Konsol que hacen recordar a los cabarets newyorkinos, bailes de tap fusionados con tango y folclore, todo esto con un carismático e incómodo musical sobre la mierd#.

Ya con el nombre de la obra podemos deducir que será sobre la mierd# pero la trama no es una mierd# ni el musical tampoco, el humor escatológico son las bases de este hilarante y simpático musical, que se vuelve imprescindible para desconectar de tanto caos nacional y mundial y poder reir hasta que las mejillas se hinchen. Nahuel Adhami, Mariano Magnífico son los agentes de la digestión que ayudarán a Teresita (Chechu Vargas) a encontrarse consigo misma.Una obra musical rara pero de trama original que agradará a todo aquel que esté dispuesto a divertirse y a olvidar la vida de mierd# que tenemos.

Teresita una vida de mierda está disponible los Domingos a las 18:30 en el Teatro Picadilly (Corrientes 1524). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.