A lo ruso

Todos conocemos la trágica historia de la familia Romanov, asesinados brutalmente por los bolcheviques durante la Revolución Rusa en 1917.

Nicolás II, su esposa la zarina Alejandra, sus hijos Olga, Tatiana, Maria, Anastasia y Alekséi quedaron para los archivos históricos, como los últimos zares del imperio ruso, luego de ellos la instalación de la Unión Soviética.

Pero… ¿Y si nos salimos de Rusia y nos vamos hacia San Antonio (Provincia de Buenos Aires), pero con uno de los personajes más legendarios de la familia Romanov?

»Guillermo escapó de San Antonio dejando atrás un pasado poco claro. Lleva como único equipaje los fascículos de “Todo es historia” que tan cuidadosamente colecciona desde niño. En la pensión donde logra alojarse realidad y fantasía se mezclan en su mente.
Anastasia Romanov, hija prófuga de los zares de Rusia y su prima vienen a visitarlo y a exigirle que regrese a su pueblo. Hasta que la realidad golpea a su puerta». Son las palabras con la cual Victor Winer define su tragicomedia.

Una pocilga, un hombre atormentado que huye, una prima metiche e hiperactiva, el novio de esta, un general ruso de armas tomar e implacable y la histriónica pero carismática duquesa Anastasia, son los personajes de esta obra interpretados por Ana María Cores; Cristian Thorsen; , Maria Viau; David Midanson y Carolina Ferrer.

Mariano Dossena es el encargado de dirigir esta tragicomedia, donde las risas estarán a la orden de la noche, así como también las sorpresas. Los juegos narrativos de Victor Winer en Los Soviets de San Antonio son sagaces, acompañados de monólogos atinados con referencias históricas y folclore argentino, una comedia negra que se vuelve imprescindible para un sábado a la noche dónde veremos cómo los rusos solucionan sus problemas, muy a lo ruso. El personaje de Anastasia interpretado por Ana María Cores es un deleite que brilla en absoluta presencia en las tablas. La música original de Rony Koselman le da una solemnidad necesariamente rusa.

Los Soviets de San Antonio se encuentra disponible los sábados a las 22 horas y domingos a las 18 hs en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Yo tengo tantos hermanos, que no los puedo contar

»Yo tengo tantos hermanos
Que no los puedo contar
En el valle, la montaña
En la pampa y en el mar», así dice la primera estrofa de la legendaria canción de Atahualpa Yupanqui, ¿Qué nos hace hermanos más allá del mismo idioma y origen? 

Migrar no es fácil, quien diga lo contrario es porque no la hecho, cada experiencia es distinta y se vive de diferente intensidad, desde la soledad, contención, amor y tragedia. »Seis actores de nacionalidades diferentes. Una argentina, una boliviana, un ecuatoriano, un mexicano, un colombiano y un chileno. Acompañados por un músico en escena, cada uno cuenta su viaje. ¿Por qué dejaron su país? ¿Qué dejaron? ¿Qué extrañan? ¿Por qué se quedan?Nostalgia, confrontación, descubrimiento.» Es la premisa de la obra creada por Gabriel Fernández. 

Mariana Maciel (Argentina), Olivia Torrez (Bolivia), Heriberto Ruiz Díaz (México), César Riveros (Chile), Paul Criollo (Ecuador) y Juan Prada (Colombia) es el elenco plurinacional que hacen de esta obra una entrañable y conmovedora comedia, la cual se apoya de recursos como el clown, titeretismo, también percusión y flauta andina a mano de Laura Dos Santos.
Frenética, divertida, fluida y empática se vuelve esta obra dirigida por Greta Risa. Siendo inmigrante me siento interpelado por esta producción, más allá de hacerme reir, me recordó lo difícil que fueron mis primeros dos años en este país, los sacrificios que mi familia hizo para que yo estuviera acá y el vacío constante que es el no saber a qué lugar pertenezco.

Migrantes es una obra que nos pone a todos en una misma situación: Fuera de nuestro país por diferentes motivos, intentando  adaptarnos y ser integrados, pero sobretodo con el deseo de volver pues todos los recuerdos quedan en el terruño.
Migrantes está disponible por dos jueves más a las 20:30 en el Espacio Callejón  (Humahuaca 3759)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Todo es una mierd#

¿Cuántas veces hemos dicho »La vida es una mierd#, trabajo de mierd#, amor de mierd#, gente de mierd#, papis de mierd#? Hoy lo dije unas cinco veces, y es que no todo nos sale bien, más aún cuando nuestras expectativas son cada vez más altas.

»Teresita se encierra en su baño decidida a terminar con su vida. Con un fondo blanco de Procenex se lanza a un viaje místico-gástrico para enfrentar su propia mierda. De la mano de un dúo de soretes cantores transita catárticos números musicales que juegan con lo bizarro y con los clichés más hermosos del teatro musical. Juntos van a tirarle la cadena a esa vida de mierda que Teresita ya no se banca más» Es la sinopsis de esta obra  musical creada por Alejandro Ibarra y Chechu Vargas y musicalizada por Matías Ibarra.Un baño con un inodoro gigante, un altar a la virgen de Caacupé, una mujer en crisis y dos »soretes» que se vuelven coach ontológicos de ella.Números musicales de piano de Agustín Konsol que hacen recordar a los cabarets newyorkinos, bailes de tap fusionados con tango y folclore, todo esto con un carismático e incómodo musical sobre la mierd#.

Ya con el nombre de la obra podemos deducir que será sobre la mierd# pero la trama no es una mierd# ni el musical tampoco, el humor escatológico son las bases de este hilarante y simpático musical, que se vuelve imprescindible para desconectar de tanto caos nacional y mundial y poder reir hasta que las mejillas se hinchen. Nahuel Adhami, Mariano Magnífico son los agentes de la digestión que ayudarán a Teresita (Chechu Vargas) a encontrarse consigo misma.Una obra musical rara pero de trama original que agradará a todo aquel que esté dispuesto a divertirse y a olvidar la vida de mierd# que tenemos.

Teresita una vida de mierda está disponible los Domingos a las 18:30 en el Teatro Picadilly (Corrientes 1524). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Piazzolla, siempre Piazzolla

En Mar del Plata, hace 100 años nació el músico que vino a revolucionarlo todo, »El asesino del Tango» le llamaron los remiseros pues rompió con todas las bases del tango estándar, llevando su bandoneón a distintas latitudes, sobre todo Europa y Estados Unidos, donde su »nuevo tango» y su vanguardia marcaron un antes y después, el comienzo de la internacionalización del género porteño.
¿Quién no ha escuchado Libertango?, es capaz la composición más conocida de Astor Piazzolla, en mi país el repertorio de Piazzolla era vital en los cursos de Tango, al ver bailar esta pieza quedamos perplejos, pero El Teatro San Martín lo lleva a otro nivel, involucrando a su Ballet Contemporáneo para interpretar las melodías de Piazzolla.

Un programa integrado por tres obras de Mauricio Wainrot y una coreografía de Ana Itelman. Los integrantes del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín –dirigido por Andrea Chinetti son Constanza Agüero, Brenda Arana, Lucía Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella Federico, Paula Ferraris, Daniela López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Manuela Suárez Poch, Adriel Ballatore, Darío Calabi, Matías Coria, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio Gonçales, Jonas Grassi, Alejo Herrera, David Millán, Andrés Ortiz, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Emiliano Pi Álvarez, Rubén Rodríguez y Damián Saban. Los asistentes coreográficos son Diego

Los tres actos de esta entrega van desde Escualo (dúo de estaciones porteñas), Libertango y Las cuatro Estaciones de Buenos Aires, siendo esta última la más intensa de todas y mi favorita.
El Ballet dirigido por Andrea Chinetti nos muestra su fuerza e intensidad durante 60 minutos de sumo deleite, donde la música de Piazzolla esculpe los cuerpos de los bailarines, siendo una experiencia que deja las pupilas dilatadas incluso luego de salir y el tango grabado en tu cabeza por horas.
Como dato anecdótico frente de mí estaba una familia conformada por los padres e hijos pequeños, al terminar la función los chicos comentaron sobre el espectáculo »Papá me encantó», es que este homenaje puede agradar incluso a los que poco conocen del género porteño como a quienes lo amen.

Piazolla está disponible los sábados y domingos a las 20 horas hasta el 11 de septiembre en el Teatro San Martín en calle Corrientes.
Les escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Cristo en nosotros

Cada uno lleva la Fe de maneras distintas; si está en un templo, un libro sagrado o en nosotros mismos es un tema personal, que una religión te encierre solo por la convicción de que te puede salvar del pecado y el infierno, es harina de otro costal. ¿Cuántos hemos perdido la Fe en estos últimos tiempos?,¿Cuántos la hemos recuperado?, más en contexto pandemia dónde parece oscuro y predecible, en algo debemos conectar pues la creencia es la base de la humanidad. Hoy pude ver la obra de Redención, original de Máximo Duem y dirigida por Leonardo Gavriloff, »Una historia de culpa y fe. ¿Hasta dónde serán capaces de reprimir sus deseos para seguir el camino que marca su Señor y encontrar por fin Redención?»

Un grupo de jóvenes envueltos en drogas, sexo y mentiras se ven abrazados por el cristianismo que los »salva» del pecado, en su afán por redimirse y cumplir con la vida que manda el Señor, unos no podrán reprimir lo que realmente son, otros intentarán llevar una máscara y conservar las apariencias aunque en el fondo la hipocresia es el pecado más grande que el querer ser como es sin caretas.
Diego Armel, Carla Di Amore, Emmanuel Maximiliano, Agustina Rivarola, Nicole Trasandes, Pablo Ventre y Kevin Vainer; forman parte del elenco de esta obra, talento joven cuyas interpretaciones destacan, hay debutantes dentro del reparto que lo hacen muy bien pero si pudiera destacar dos actuaciones sería la de Diego Armel como el pastor y Carla Di Amore como la esposa engañada.

En Redención se las ingenian en su puesta en escena, mediante palets de madera que van cambiando para asimilar distintas locaciones, esta sencillez creada por el mismo director de la obra la hace única. La trama es algo que ya conocemos: Las religiones no cambian a las personas, crean caretas que a veces son destructivas, hay otros elementos que verán durante la obra que también son lugares comunes, sin embargo la manera de desarrollarlo se hace intensa y bien planteada más allá de lo obvio, siendo una obra que puede incomodar al público conservador y agotar al más progresista, por la que hay verla desde un punto intermedio.

Redención está disponible los viernes a las 20 horas en el Bar de fondo (Julián Álvarez, 1200)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Historia de un divorcio

Hace un par de años pudimos ver la genial película de Noah Bambauch »Historia de un matrimonio» protagonizada por Scarlet Johansson Adam Driver, como antecedente tenemos a Kramer vs Kramer de Robert Breton (1980) y en otra muestra pero de otra cultura está A separation de Asghar Farhadi (Irán). Todas hablan de lo mismo: El divorcio, cada uno desde un enfoque distinto, pero en El amor es una mierda vemos una mirada muy porteña y realista,
El amor es una mierda es un monólogo escrito y dirigido por Cecilia Mejilde y protagonizado por Vanesa Maja, cuya sinopsis nos dice: »Una mujer se prepara para encontrarse con su reciente ex pareja. Ensaya una y mil veces formas para aparentar estar bien y práctica modos para que nada de su dolor salga a la superficie».

Un escenario que se asimila a un estudio jurídico o sala de espera del mismo, una mujer y muchos sentimientos. Vanesa Maja nos da una interpretación plausible dentro del carisma, lo sincero, lo excéntrico y el desamor.

»Pensé que al casarnos sería una forma de estar juntos para siempre», señala una de líneas de Cecilia Mejilde, y es que se tiene un concepto del amor legalizado muy definido, dónde no se piensa en el divorcio ya que este se asocia con el fracaso de la unión conyugal, sin embargo son situaciones que no son imposibles y en algún momento hay que aceptarlas.

El amor es una mierda es un deleite cargado de humor, neurosis y sentimientos dentro de lo que se planea decir durante un momento tan difícil, pues ¿Quien no tiene líneas y escenarios predeterminados ante trámites tan determinantes para la vida?

El amor es una mierda está disponible los viernes a las 20 horas en el teatro El extranjero (Valentín Gómez 3378). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Salir feliz luego de un musical

Si hay algo que caracteriza a los musicales son las canciones entrañables y sus historias, si bien hablamos de producciones de Hollywood que adaptaron grandes obras de Broadway o viceversa (sin contar las producciones fuera de Estados Unidos), hemos visto al menos cinco documentales en nuestra vida, también hemos soltado lágrimas o risas en alguno de ellos.

A Chorus in Line es un musical de Broadway estrenado en 1975 por James Kirkwood, Jr. y Nicholas Dante, con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, recibió múltiples galardones en los premios Tony y adaptaciones en otros teatros a nivel mundial, también una película en 1985 dirigida por Richard Attenborough.

En 2019 se estrena la adaptación argentina en el Teatro Astral, dirigida por el gran Ricky Pashkus y adaptada por Fernando Masllorens y Federico Gonzalez Del Pino. Por razones de común conocimiento la obra estuvo suspendida casi todo el 2020 hasta que este año volvió siendo el jueves antepasado su reestreno.

La historia de A chorus in line es la misma a la del musical de Broadway: Un grupo de 12 bailarines audiciona para entrar a un prestigioso musical, pero solo se podrá elegir a la mitad, por lo que cada uno compite, cuenta su historia y da las razones de por la cual bailan.

Jessica Abouchain, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Alejandro Ibarra, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta y Sofía Val, son las jóvenes promesas que demuestran su grandiosa habilidad actoral, potentes voces y gran coreografía hecha por Gustavo Wons.

Durante la proyección de A Chorus in Line el público no dejaba de aplaudir durante los números musicales, escuché risas, llanto y sobre todo mucha alegría transmitida por este elenco coral y su desenvolvimiento en escena.
A chorus in Line es una excelente decisión para un jueves a la noche.
Disponible los Jueves 20 horas en el Teatro Astral (Corrientes 1639)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

ATR cumbia perro gato

La cumbia no es de mis géneros musicales favoritos, con el tiempo de vivir acá en Argentina me di cuenta que hay una clara división de clases con respecto a este género. Cómo en cada país, la música urbana es la que forma un muro fácil de atravesar, se rompe la diferencia de clases cuando se agarra gusto a una canción.Lo que quieren las guachas es una canción de  »cumbia villera», un subgénero que surge en los barrios populares del Gran Buenos Aires, también es el nombre de esta obra que abre a un subtítulo pregunta: ¿“Lo que quieren las guachas” es siempre lo que quieren?

Mariana Cumbi Bustinza es la encargada de dirigir y escribir esta obra under, junto a las actuaciones de Ornella Fazio (Yani), Luciano Crispi (Mariela), Iti el hermoso (Valentino), Malena Ratner (Mica),Ignacio  Pelaez (Owen) y Martina Bajour (Sol), un elenco coral y juvenil, esta tragicomedia abre las puertas a problemáticas actuales dentro de los adolescentes: el sexo, drogas, prejuicios y consentimiento.Con una escenografía simple pero contundente donde una pared bien pintada con señales de vigilancia y del otro lado una pared de bloques que parece a una villa, estos personajes no tendrán un muro que los separe ya que la división de clases es solo una cortina.Mediante perfomances urbanos con una coreografía encargada  por Catalina Jure y la propia directora, los personajes estarán en constante lucha y contacto entre sí mediante sus pasos, desde un boliche dentro de la sala hasta interpretaciones musicales compuesta por Facundo Salas y Diego Domizi, los actores también aportan sus dotes artísticos con el canto.Unos adolescentes que viven en una villa con una madre trans, un vendemedias y una chica rebelde, tienen encuentros y amoríos con unos estudiantes de un colegio privado en una zona de clase alta de Buenos Aires.

Prejuicios, violencia, abusos y cumbia pondrán en jaque a la estabilidad de los mismos.Lo que quieren las guachas es una tragicomedia que conmueve, impacta por su crudeza y la manera directa que muestran situaciones que enfrentan los adolescentes, así como también saca unas carcajadas que ayudan a equilibrar la tensión. Si bien hay momentos muy melosos que hacen ruido, todo es compensado con el increíble trabajo actoral de estas jóvenes promesas del under.

Lo que quieren las guachas está disponible en El teatro extranjero (Valentin Gómez 3378) los sábados a las 20:30. Le escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

La resistencia

El 7 de julio de 2016 en la ciudad de Pamplona ocurrió un crimen que causó polémica en España, un grupo de 5 amigos que se hacían llamar «La manada» agreden sexualmente a una universitaria madrileña. La víctima no opuso resistencia ya que se encontraba en estado de shock, todo esto causó confusión en la sociedad así cómo también un debate sobre el consentimiento.

Nelson Valente es quien dirige esta obra de Jordi Casanovas, La Jauría es el nombre que da a La Manada, nombre que no está lejos de ser. Mediante una especie de teatro documental con una fuerte carga de Thriller, se dramatizan las declaraciones que tanto la víctima y los victimarios dieron ante la policía y posteriormente en el juicio. Por lo que escuchamos no es ficción, es la realidad.

Vanessa González es quien interpreta a la víctima, lo hace de una manera magistral para ser una ponencia dramática de testimonios y declaraciones judiciales, muestra todo su miedo y desesperación, la acompaña un elenco coral que no son más que las voces de una sociedad machista manifestadas en este grupo de hombres.

Los personajes juegan al abogado del diablo durante la obra, cambiando de víctima a fiscal. Antes de comenzar la obra hay una voz en off que nos introduce al caso.

La tensión en La Jauría no para, es insostenible en ciertas ocasiones, lo cual es bueno ya que mediante esta especie de thriller judicial podemos sumergirnos más en la historia como si fuéramos el jurado durante el juicio.

El mensaje es claro y contundente y nos deja helados al llegar el final pues abre a la luz una realidad que existe pero muchas veces preferimos ignorar pues nos parecía normal, hoy con los avances y concientización social que hay en materia de educación sexual y violencia de género, estamos conscientes que no podemos permitir que estos actos sucedan.

Jauría está disponible los domingos a las 18 horas en el Teatro El picadero (Pasaje Discépolo entre Callao y Corrientes). Les escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web.

Caín y Abel

Todos conocemos la historia del antiguo testamento de Caín y Abel. Caín en un ataque de envidia y celos por la preferencia de Adán a Abel,  mata a su hermano a pedradas y esconde el cuerpo hasta que Dios lo interroga y observa la sangre, acto seguido maldice a Caín para siempre. Este es el primer homicidio que se registra en las antiguas escrituras, pero en Terrenal no veremos una adaptación de esta tragedia en sino una relectura de la misma desde una perspectiva muy porteña a inicios del siglo XX.

Mauricio Kartun es quien escribe y dirige Terrenal, ambientada en el conurbano, dos hermanos (Caín y Abel) se disputan un  pobre terreno donde solo se producen morrones, por un lado Abel un vagabundo que de se dedica a la pesca y venta de carnada y por el otro Caín, dedicado en cuerpo y alma a sus pimientos. La llegada del Taita provocará los celos asesinos de Caín hacia su hermano.

Claudio Da Passano, Tony Lestingi, Claudio Martinez Bel es el maravilloso trío actoral en esta obra, ellos son quienes interpretan a estos personajes pero no del modo trágico cómo indica el cuento bíblico, sino hacia un lado cómico, hilarante e infantilizados, dejando inocencia dentro de la historia, aún así habrá contundencia y seriedad en momentos que se necesiten. Una de las mayores virtudes de Terrenal es el sonido, hace sentir toda la fuerza de la obra y lo transmite, desde rotundos truenos hasta juegos sonoros en los momentos de tensión.Si bien el resultado es bueno, con media hora o 20 minutos menos hubiera estado mejor, todo esto a la extensión de diálogos y situaciones que pudieran resumirse.

Terrenal es un ejercicio interesante de un conurbano donde las tragedias bíblicas ocurren y seguirán ocurriendo.
Disponible los sábados a las 20 horas en el teatro Caras y Caretas (Sarmiento 2037)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.