Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la sala Caras y Caretas 2037, que ha abierto las puertas para regresar en esta apertura teatral con protocolos, presentando una atractiva cartelera, en la que se incluye la obra Othelo (Termina Mal) los días viernes a las 20 hs. Este espectáculo es una adaptación de la obra del mismísimo Shakespeare, que nos presenta una versión que resulta fiel al relato de aquel personaje dominado por los cellos y que nos lleva a la tragedia. Está representación dirigida por Gabriel Chamé Buendía, nos muestra la historia a través de un lenguaje actual, que se apoya sobre la performance de los actores, tomándose ciertas libertades a la hora de mostrar el humor y la sátira de los acontecimientos, pero que aún así mantiene en todo momento la escencia del clásico de William Shakespeare.

Es difícil poder relatar mediante las palabras sobre las libertades que la obra puede llegar a tomarse , porque en vez de tratarse de una nueva versión del clásico de Othelo, es más una representación en la que nos muestra una mirada más actual para disfrutar la obra de Shakespeare. Cuando digo sobre la mirada actual, no quiero decir que el escenario y el tiempo donde transcurren los hechos se transforman, sino más bien, que en algún momento el lenguaje nos lo muestran más cercano, en función del humor y el entendimiento de referencias de la época de la historia. Si, en muchos momentos notamos que la obra resulta una sátira de la misma historia de Othelo, pero aún así funciona muy bien en lo escénico y lo narrativo gracias a la performance que llevan a cabo los actores, utilizando elementos escenográficos minimalistas, y el múltiple cambios de personajes que lo realizan tan solo cuatro actores. Othelo (Termina mal) es una experiencia que resulta difícil de imaginar si no lo estás viendo con tus propios ojos, y la realidad es que se trata de una propuesta que no deja indiferente a nadie. Creo que aquellos que no son muy cercanos al dramaturgo inglés, se van a encontrar con algo que si bien mantiene su impronta, resulta atractivo y con un lenguaje cercano para que los que no son muy conocedores de su obra. Y para aquellos que si tienen mayor cercanía , pueden llegar a ver una propuesta fresca y bien estructurada, que tal vez podría llegar a gustar a los más reacios a las versiones libres de un clásico.

La labor de los actores es uno de los pilares fundamentales que permite que está obra, así como está formada, llegue a funcionar bien. Si bien el director ha realizado un excelente trabajo desde lo escenográfico y performático, en este párrafo quiero felicitar a los actores que han dejado todo en el escenario a la hora de representar múltiples personajes ,y ser ellos mismos los que guían la imaginación del espectador al ser ellos los que controlan el espacio y la escenografía en todo momento. Existen pequeños momentos en los que se rompen la cuarta pared, en la que hay incluso chistes sobre los cambios que se hicieron en la puesta a raíz de los protocolos de distanciamiento, como por ejemplo, el hecho de que los personajes estén besándose con una radiografía en el medio para evitar el contacto. No digo que la obra apela a la improvisación, sino al contrario, porque está todo perfectamente medido, pero si hay una labor de los actores a ser reaccionarios en momentos para mantener la dinámica del espectáculo.

Othelo (Termina Mal) es una obra que realmente vale la pena ver, primero porque mantiene la escencia de uno de los grandes clásicos de William Shakespeare, y segundo porque le otorga una mirada moderna tanto en lo escénico como en su lenguaje. Los actores dan todo en el escenario, en la interpretación de múltiples personajes, como en la utilización de numerosos elementos escenográficos y audiovisuales, para que sea una experiencia que abra la imaginación del espectador. Excelente propuesta y grandes actuaciones, así que les recuerdo, viernes 20hs en el Teatro Caras y Caretas 2037.

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos la oportunidad de disfrutar en el teatro Metropolitan Sura, una propuesta teatral llamada Conejo Blanco, Conejo Rojo. Se trata de una obra teatral en el que cada semana se sube al escenario un actor distinto, y que cuenta con la particularidad de que dicho intérprete no sabe nada del libreto hasta que se encuentra con el público. Este espectáculo ha tenido su exitosa temporada en timbre 4 y ahora pisa la calle corrientes para sumarse a las propuestas teatrales que se exhiben con los protocolos de sanidad establecidos.

Lamentablemente en esta reseña no voy a contar sobre el argumento de la obra, porque así como el actor invitado se encuentra con una sorpresa al subir al escenario, también lo debe hacer el público. Recuerdo que antes de ir a ver la obra, le había comentado a gente cercana más o menos de que se trataba la propuesta, y todos han hecho la misma pregunta. «¿Cómo se hace la obra si el actor no sabe el guión hasta que subió al escenario»? Bueno, eso sí les puedo contar. El actor invitado en esta ocasión fue Agustín Aristaran, más conocido como Radagast. La obra tiene mucho de lectura, de interacción con el público y la representación de ciertas escenas. El libreto también funciona como una guía, siendo consciente de que el actor llega sin saber nada de lo que debe hacer, pero que aún así guarda una historia para interpretar, pensar y reflexionar. Es una realidad que cada invitado va a hacer suya la obra, que le va a dar su estilo y su reacción particular ante lo que sucede. En este caso, el invitado apuntó a la comedia en un inicio, aunque más adelante se ha tomado un tono más serio al darse cuenta de la profundidad que llevaba esta seguida de instrucciones para llegar a un objetivo final.

En cuanto a los protocolos en el teatro, ese día me he encontrado con algo particular y que me parece necesario comentarlo. Justamente había mencionado en anteriores reseñas, que el aforo era del 30 porciento, que se dejaba libre una fila por cada ocupada, y que a su vez dos asientos por cada grupo de asistentes ocupados. Justamente detrás de mi una espectadora hizo un comentario sobre que había gente en la próxima fila, por lo que un empleado del teatro comento que por una nueva disposición del gobierno se aumentó la capacidad, dejando los espacios libres entre espectadores, aunque aumentando la ocupación de filas. La verdad estuvo todo muy bien organizado, a su vez la gente ha respetado el ingreso con distanciamiento, el uso de tapabocas y demás cuidados. Si es una información que es interesante que lo sepan a la hora de querer ir al teatro, y que siempre es necesario mantenerse actualizado.

Conejo Blanco, Conejo Rojo es una obra muy interesante y distinta, que nos presenta una propuesta sólida capaz de brillar por si misma más allá de quien sea el actor que suba al escenario. Igual como recomendación, deberían aprovechar a asistir cuando encuentren un actor que les llamé la atención y que crean que le van a dar una mirada propia a la obra. En esta ocasión Agustín Aristaran le ha dado un toque humorístico, centrado en la participación con el público. En las próximas semanas habrán personalidades como Jorgelina Aruzzi, Mercedes Morán, Peto Menahem. Así que piensen muy bien, que la propuesta les va a resultar muy llamativa.

Las funciones de CONEJO BLANCO CONEJO ROJO se realizarán los viernes a las 20 horas en el Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343.

Los primeros artistas confirmados y sus fechas respectivas son:

·         Viernes 8 de enero: Fede Bal

·         Viernes 15 de enero: Jorge Marrale

·         Viernes 22 de enero: Carola Reyna

·         Viernes 29 de enero: Agustin Aristarain (“Soy Rada”)

·         Viernes 5 de febrero: Jorgelina Aruzzi

·         Viernes 12 de febrero: Mercedes Moran

·         Viernes 19 de febrero: Peto Menahem

·         Viernes 26 de febrero: Louta

Progresivamente se irán informando las siguientes fechas de marzo y en adelante

ENTRADAS EN VENTA EN LA BOLETERIA DEL TEATRO METROPOLITAN SURA Y A TRAVES DE PLATEANET: www.plateanet.com

Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos el placer de asistir a una función especial de la obra musical A Chorus Line, una adaptación de un famoso musical de Broadway de los años 70′, en la que presenciamos un arduo casting en el que una serie de bailarines luchan por ganarse un lugar en la primera línea de un coro y que su recorrido funciona para relatar la personalidad de cada uno de los personajes a medida que van contando sus experiencias de vida. La obra se ha llevado a cabo en el teatro astral cumpliendo los protocolos establecidos ante la situación sanitaria actual.

Buenos Aires es un lugar donde el musical tiene un espacio muy importante, tanto en el teatro comercial como en el circuito independiente. La realidad es que con esta nueva apertura teatral, no podía faltar un espectáculo que represente ese pedacito de Broadway que nos suele ofrecer la ciudad, aunque siempre hay que estar consciente que una obra musical es costosa de hacer y difícil de llevar a cabo en estos tiempos. A Chorus Line logra transmitirnos la magia que el musical tiene en nuestro país, con una adaptación teatral de una obra que si bien estrenó en el año 1975 y que también cuenta con algunos guiños de la época, resulta atemporal siguiendo la problemática que tienen muchos artistas a la hora de conseguir trabajo y seguir sus sueños. La propuesta en si es muy simple, hay un casting en el que han quedado preseleccionadas trece personas, pero que en el espectáculo solo serán contratados tres hombres y tres mujeres. La cosa se pone más picante cuando su director comienza a indagar en la vida personal de los participantes, siendo este un ejercicio dentro de la audición, en el que cada bailarín debe ser uno mismo si quiere lograr su cometido. Lo último mencionado es lo que hace muy interesante a la propuesta, partiendo de una propuesta muy sencilla y fácil de poner en escena, logra denotar una profundidad a la hora de convertir en persona al artista. Podemos decir que es una historia de personajes, sin olvidarnos del componente musical, en el que contamos con números solitarios acompañados por un ensamble muy bien acoplado a las necesidades de la obra, que se lleva a cabo de manera dinámica.

Si bien se puede decir que algunos actores han logrado destacarse un poco más que otros, es solo por el hecho que algunos personajes tienen más presencia o su historia tiene mayor impacto en la trama. La realidad es que existe un gran equilibrio en la selección de artistas que conforman este musical, y como lo dice en un momento el personaje de director en la obra, para que esto funcione bien , los artistas tienen que apoyar a sus compañeros para que todos destaquen, ya que así debe ser el show. Los artistas en escenario son Jessica Abouchain, Nico Arosa, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Clara Lanzani, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta, Sofia Val, Gustavo Wons, Alejandro Zaga y Sofia Zaga Masri. Si me gustaría hacer una mención especial a Gustavo Wons, que ha tenido la oportunidad de entrar en escena como el coreógrafo de la audición, pero que también es quien le ha dado coreografias a la obra en si, siendo una de las figuras más idóneas para llevar a cabo este desafío. Otro actor que destaca es Roberto Peloni, ya que encarna al único personaje diferenciado en la obra , siendo el director del espectáculo y quién ha decidido llevar el casting hacia lo personal y lo humano. Se destaca porque en este caso el personaje se reluce en el plano de lo interpretativo desde el texteo, ya que no cuenta con una participación musical salvo por el conocido número final con la canción One.

Ricky Pashkus ha sabido como encaminar la puesta en escena desde su rol de director, mostrando a los personajes como el plato principal en lo escénico. La escenografía es simple, basta con unos espejos en representación de las típicas salas de baile dónde de llevan a cabo los castings, aunque toca decir que cuenta con un interesante diseño de luces que en ocasiones hace la experiencia inmersiva.

En cuanto a la sala y los protocolos, el teatro astral es un espacio que cuenta con una gran cantidad de butacas y espacio escenográfico, siendo últimamente uno de los teatros que ha albergado musicales como Drácula, Casi normales, e Incluso Kinky Boots, uno de los éxitos con Martín Bossi y Fernando Dente , que se vio afectada con su cancelación en el inicio del aislamiento obligatorio. Al inicio de la entrada toman la temperatura y colocan sanitizante, los acomodadores llevan al público a sus asientos designados de manera bastante ordenada. Es una realidad que antes de esta nueva normalidad, este tipo de espectáculos se vivía más como una fiesta, dónde se festejaba una sala llena y eso hacia cambiar el ánimo de una función. Si bien puede que se sienta extraño todo este distanciamiento, pero hay que decir una realidad, el espíritu festivo aún se mantiene, y disfrutar de un espectáculo de esta talla, sea como sea, termina valiendo la pena.

A Chorus Line es una obra musical muy encantadora, ideal para estos tiempos en donde los artistas han sido uno de los más afectados por los tiempos que corren, y en cierta medida, todos podemos llegar a empatizar mucho más con ellos sobre la difícil tarea de conseguir un lugar en este medio tan bello pero competitivo. La obra denota un excelente trabajo en todos sus aspectos, pero es en los actores dónde radica el brillo del espectáculo. Si están interesados en ir al teatro, vayan, tomen todos los recaudos necesarios y disfruten…

Por Sebastián Sabio

Un viaje al inicio del cine.

La obra «Smile» de «Jazmin Bitran» cuenta la vida de un Charles Chaplin (interpretado por Daniel Groppo) ya consagrado como actor y director que debe lidiar con su inolvidable personaje «Charlotte» (interpretado por Alejandro Canuch), del cual no logra despegarse mientras convive con su hija (Victoria Arrabaca), la cual desea seguir los pasos de su padre en el cine.Hace casi 85 años se estrenaba «tiempos modernos», la extraordinaria película dirigida y protagonizada por Charles Chaplin y hasta el dia de hoy todo el mundo del cine lo recuerda y en esta nueva obra podemos ver a este entrañable personaje del mundo del cine volver a la vida y recordarnos una importante lección de vida: Un día sin reír es un día perdido.El personaje de «Charlotte» no emite palabra alguna (logicamente), sin embargo se destaca por sobre los demás y nos demuestra el poder del cine mudo y del lenguaje clownesco. Un interesante complemento para explotar este recurso es el uso de un Pianista (Martin Pomerantz), el cual pone un sonido que se amolda perfectamente a la obra y ayuda a adentrarnos en este mundo del cine en blanco y negro. Más allá del esfuerzo hecho por interpretes, directores y demás cabe destacar que la sala Ana Frank realiza un excelente labor protocolar para evitar contagios durante las funciones abriendo la sala para que se una con el jardin, separando los asientos y brindando todo lo necesario para que podamos disfrutar de la función sin miedo de contagiarnos de COVID.

Estreno: Sábado 9 de enero – 20h.

Días y horarios: sábados a las 20hs.

Valor de las entradas: $400.-

Duración del espectáculo: 60 minutos

En esta ocasión les presentamos una reseña sobre “CANCIONES CON GRACIA, El humor en el teatro musical” dirigida por Pablo Gorlero y dirección musical de Santiago Rosso con Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda, Sacha Bercovich, Tatiana Luna en  los jardines del Auditorio de Belgrano.

Con canciones de Anything Goes, The Rocky Horror Show, Avenida Q, Company, Barnum, Hamilton, El rey león, 9 to 5, y Annie Get Your Gun, entre otras (incluye un homenaje a Hugo Midón).

Sin dudas, Pablo Gorlero es un gran referente de nuestro teatro musical argentino y mundial, sus apuestas buscan aggiornar materiales diversos bajo el signo de nuestra tierra. Las canciones y propuestas se adaptan a nuestro idioma e idiosincrasia. Incluso hay una trasposición de una de las canciones al contexto pandémico y reírnos un poco de nuestra dramática situación, ayuda a relajarnos un poco.

Los intérpretes musicales se destacan con su maravilloso arte desplegado, cada uno y una con su marca personal que los caracteriza, desde el humor, el encanto, la simpatía. La fuerza que tienen es impresionante y fue una maravilla poder volver a disfrutar de su magia en el escenario, al aire libre y con muchos espectadores eufóricos que probablemente disfrutaban de su primer show luego de muchos y largos meses de cuarentena.

Dentro del complicadísimo panorama del teatro actual, esta es una propuesta con aire fresco que nos da esperanza para lo que se viene.

Algunas canciones nos sonaron desactualizadas en cuanto a las letras medio patriarcales, pero entendemos que respetan el material original que proviene de otro contexto y época. Y el humor ayuda, como dijimos, a alivianar.

Pronto esta propuesta volverá a estar en cartelera, recomendamos disfrutar de este show divertido, ameno y con mucho talento a disposición del teatro musical.

Idea  y dirección: Pablo Gorlero

Dirección musical: Santiago Rosso

Con: Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda,

Sacha Bercovich, Tatiana Luna

Intérpretes (por orden alfabético): Sacha Bercovich, Tatiana Luna, Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda

Reemplazo: Agustín Iannone

Participación especial: Rita

 Peinados: Miguel Ángel González y Claudia Zucchi

Fotografías: Marcela Russarabian

Difusión y prensa: Carolina Alfonso.

Asistencia de dirección y diseño de luces: Sebastián Armella

Producción ejecutiva: Ezequiel Paredes

Asistencia en producción: Mariela Schvartz

Dirección musical: Santiago Rosso

Idea y dirección: Pablo Gorlero

Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

Nada del amor me produce envidia fue la segunda obra de la cual he tenido la posibilidad de asistir luego de la apertura de los teatros a raíz del aislamiento social obligatorio (Ahora Dispo). Está vez el lugar de encuentro ha sido el Teatro El Picadero, dónde también han respetado minuciosamente los protocolos establecidos para que podamos disfrutar de un melodrama musical protagonizado por María Merlino.

La obra nos cuenta la historia de una costurera, una persona que fue la responsable de hacer los vestidos de bodas, fiestas y demás galas sociales, siendo una participe indirecta en el amor y la felicidad de otras personas. Lo primero que dice al presentar los quehaceres de su vida, es que nada del amor le produce envidia, porque ella tiene otro concepto de esa palabra trasladado al arte que realiza, que produce un amor un tanto solitario del que ha decidido padecer. El punto de inflexión aparece cuando esta costurera recibe el encargo de una elegante clienta a la que le diseña el mejor vestido que jamás a hecho, pero que también ocurre la irrupción de la misma Eva Duarte, quienes se disputan el codiciado vestido de nuestra protagonista.

Sin ánimos de contar más sobre lo que sucede en la obra, tenemos que decir que se trata de un unipersonal en la acompañan números musicales que sirve para conocer el alma de la protagonista. La actriz María Merlino logra brillar con su personaje, apasionada en su soledad, y que logra transmitir sus sentimientos en cada momento. La puesta en escena es simple, pero nos pone en el lugar de los hechos, que contiene los elementos de costura y un maniquí con un vestido, que logra verse como protagonista a pesar de estar estático durante casi toda la obra.

La historia tiene una duración de menos de una hora, pero es intensa y concreta en lo que quiere contar. Un relato que también nos pone en un contexto histórico en la época gloriosa del peronismo, pero que resulta un hecho para la historia, sino más bien solo un contexto dónde ocurren las penurias de la modista.

Nada del amor me produce envidia es una obra bella y armoniosa, en la que vemos la transformación de la protagonista y dónde cada canción fue elegida correctamente para mostrar los sentimientos de esta solitaria mujer. Volver al Teatro El Picadero también fue una experiencia única, dónde nos demuestran que teniendo todos los cuidados correspondiente, podemos disfrutar de algo tan bueno para el alma como lo es el teatro.

Domingos a las 19 hs Teatro El Picadero: “Nada del Amor me Produce Envidia”. Es un melodrama musical cuyo anclaje es el mundo de las cancionistas argentinas de los años 30. Obra de Santiago Loza interpretado por María Merlino y dirigida por Diego Lerman.

Entradas por Planteanet

Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

¡El teatro ha vuelto! Esto es lo primero que quiero decir, sin olvidarme del sincero respeto que le tengo a todos los artistas del circuito independiente que aún no han tenido la oportunidad de tener su apertura a lo presencial y siguen sobreviviendo en el streaming. Pero aún así esto es lo que siento al volver a sentarme en una butaca, el hecho de transportarse cuando se levanta el telón (aunque sea se manera simbólica) y nos perdemos frente a lo que sucede en el escenario. Las reglas de como se lleva a cabo todo han cambiado, el público se ha reducido, hay distanciamiento y protocolos , pero la magia que tiene el teatro sigue estando intacta.

Antes de comentar cómo fue la experiencia de la obra en si, que toca adelantar que se trató de una sátira de lo político, endulzada con algo de musical, me gustaría hablar sobre cómo ha sido ir al teatro por primera vez después de tanto tiempo. La organización del teatro San Martin fue más que correcta, como también el comportamiento de todos los asistentes que han entendido perfectamente los códigos de distanciamiento con tal de disfrutar algo tan bello como es el teatro. A la sala se ha ingresado con anticipación, nos han tomado la temperatura y colocado sanitizante para nuestras manos. Allí en la imponente sala casacubierta , los asientos mantienen una distancia en la que anulan una fila y habilitan otra para espectadores, mientras entre asientos se dejan dos espacios libres. Aunque desde la foto la cosa pareciera que estaba vacía, existió una buena concurrencia que ha querido disfrutar de la obra Happyland.

Happyland hace alusión a un cabaret de Panamá donde se han conocido el general Juan Domingo Perón, con la que fue su tercer y última esposa llamada Isabel. Como sabrán, este personaje fue una figura importante dentro de la escena política en nuestro país, aunque su recuerdo llegue a verse más oscurecido debido a haber protagonizado una caótica presidencia que culminó con el último golpe militar en la nación. Es ahí donde empieza esta historia, sobre lo que sucede inmediatamente luego de este golpe, cuando Isabel se encuentra recluida en una residencia de Neuquén, acompañado de su ama de llaves andaluza y quiénes custodian su estadía. Si bien la pieza respeta los sucesos en su tiempo, está lejos de ser un retrato meramente histórico, sino más bien aprovecha ese escenario para hacer una sátira sobre lo que pudo haber pasado por la cabeza de esa mujer en ese entonces. Obviamente no falta la crítica y el humor ácido haciendo alusión a lo político, a lo que fue la figura de Perón y la sombra de lo que fue su anterior esposa Evita. Todo esto también está acompañado de una especie de flashbacks que nos muestra la faceta artística de Isabelita, mostrando también un lado más humano que quizá pocos lleguen a conocer, siempre sin olvidarse de que estamos ante una sátira.

Si hay algo que hace exquisita la pieza, más allá de la temática (que puede resultar para algunos controvertida), es el trabajo actoral que la obra nos regala. Tenemos a una artista de gran calibre como lo es Alejandra Radano, dándonos un personaje que demuestra el histrionismo de la artista. Los momentos más musicales están a cargo de Josefina Scaglione y Carlos Casella, que con su presencia otorgan un relajo a lo satírico en momentos necesarios. También están las actuaciones de Marina Merlino, como la doméstica andaluza, Adriana Pergueroles como una arzobispo, y Marcos Montes, como la encargada de la seguridad de las huéspedes, y que otorga una exelente representación de Eva Duarte en una especie de posesión espiritual que se lleva a cabo en un momento de la obra.

Ahora sí, Happyland es una obra que seguramente será difícil que deje a más de uno indiferente. A mi me ha gustado la libertad que se han tomado para contar todo desde un punto de vista satírico, sin olvidarse de lo histórico, pero haciendo que este sea un elemento de la misma sátira. La propuesta es interesante por lo que es, una obra que no tiene miedo de exponer su humor y su crítica, con un elenco que está entregado a aquello que nos quieren mostrar. Volver al teatro ha sido una experiencia excepcional y necesaria, sin olvidarse con lo que sucede a raíz de la crisis sanitaria ocurrida a raíz de la llegada del covid-19. Para aquellos que se animen a asistir al teatro, siempre respetando los protocolos por el bien de todos, les recomiendo esta experiencia, así como toda expresión teatral artística como lo es el teatro virtual y el presencial, con lo que con este último podemos decir que después de tanto tiempo, el teatro ha vuelto…

Hasta el 7 de diciembre podrás ver online las obras ganadoras del concurso y ciclo «OBRAS CORTAS EN PANDEMIA», convocadas por Vagón Producciones y La Carpintería Teatro y filmadas en su totalidad dentro del teatro, sin público presente. Después de recibir más de cien obras de Argentina y del resto del mundo, resultaron ganadoras:

🥇»Hay butacas» de Ignacio Pozzi
🥈»La conversación» de Diana Raznovich
🥉»Hasta el fin de los días» de Rafael Fernando Nofal

📅 Hasta este viernes 27/11 podrás seguir viendo «La conversación», que trata sobre la importancia de entablar, defender, reflexionar sobre la forma en que podemos mantener una charla. Todo tiene un precio, aunque no lo queramos reconocer, las paredes pueden ser reales o no. ¿Cuántas charlas de café, han dado lugar a largas reflexiones? Una obra para recapacitar sobre el aquí y el ahora, en un diálogo de tres personajes entorno a una mesa, que ofrece que se inicie la conversación.

El sábado 5 de diciembre a las 20 hs. estrena «Hay Butacas», y podrás verla por 72 hs.

Dónde: canal de YouTube de @lacarpinteriateatro
Entradas: http://panel.alternativateatral.com/evento2287-

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA La conversación:
Dramaturgia: Diana Raznovich
Actúan: Daniel Begino, Julieta Correa Saffi, Jorge Laplace
Música original: Pol E. Gonzáles
Diseño gráfico: Romina Salerno
Producción Audiovisual: Alagorra Producciones
Producción general: Vagon Producciones
Dirección: Florencia Suarez Bignoli

Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Comedia escrita y dirigida por Juan Paya, después del acceso al streaming con la primera que fue Ruidos molestos, retornan al ruedo con otra obra virtual, acercándonos a la idea de la Navidad, en una comedia fresca protagonizada por este terceto, Nico Maiques en el papel de Sofía, Juan Paya, el hijo de Sofia y Pedrito Paya, es y hace el papel de un niño de unos ocho o nueve años, que la rompe por su simpatía, naturalidad y porque los genes se heredan, es un hijo de tigre.

La obra trata que Sofia, la abuela de Pedro, tiene un affaire sentimental con Rodolfo, el Papá Noel del barrio, mientras el hijo de Sofía, anda de conquista de chicas a través de las redes sociales. Lo más lindo que tienen estos streaming, se muestran al pasar el backstage, es que el elenco junto al equipo técnico lo hacen con placer pasando un buen momento y eso se transmite por la red virtual y contagia.

Está anunciada como única función el sábado 21 de noviembre 22:00 hs (Cada acceso dura 24 hs), pero es una comedia que seguramente dará más de una vuelta por el streaming. Las entradas las pueden adquirir por https://www.ticketek.com.ar/el-plan-rodolfo/online

Una invitacion a reír, a bailar con la Cumbia Navideña.

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Con dirección y dramaturgia de Marie Alvarez, en su cuarta temporada, vía streaming, la obra Palabras que se rompen con ellas, la cual logrará un encuentro de cinco mujeres, sin importar el espacio, ni el momento: Virginia Woolf, Alfonsina Storni, Sylvia Plath, Alejandra Pizarnik y Sarah Kane.

Cada una tendrá palabras a romper, para compartir en ese círculo literario creado en el escenario, con las logradas actuaciones de las actrices Caita Barberán, Magui Buteler, Ana Paula Cremona, Deu Haddad, Victoria Maliandi. (Elenco en Córdoba).

Una obra que en su diálogo logra trascender, polemizarán sobre la discriminación y podrán estas mujeres darnos sus testimonios sobre lo que vivieron, por lo que lucharon y en el escenario las palabras encontrarán la divergencia y la convergencia, donde cada una reivindicará el rol de la mujer a lo largo de la historia, en una búsqueda de encontrar la igualdad, no entre los sexos sino como una necesidad de la humanidad.

Excelente propuesta para la reflexión, para comprender por lo que cada una de ellas tuvo que atravesar en un momento propio y único..

Sobre los méritos de la puesta:

**Artista / Obra seleccionada en la 1er Muestra Nacional de Memoria y Género organizada por la Sala Ernesto Farina (UPC) – 2018 – Córdoba

** Obra seleccionada para “El llamado de las Brujas” – Ciclo de Teatro por Mujeres – Teatro Independencia – Mendoza – Mayo de 2019

Disponible por Alternativa Teatral, el viernes 13 y sábado 14 de noviembre, a las 20 hs, porque las palabras son algo más que un medio llegan a ser un fin.

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com