Por Esteban Salas

El último sábado de noviembre el Teatro La Mueca (Cabrera 4255) presentó la última función de “Que así sea”, libro y producción de Carla Pannunzio bajo la dirección de Matías Litvak y musicalizado por Ezequiel Escobar Berisso.

La obra inicia con un sutil estampado musical, construido a base de una guitarra solista y aunado a una atmósfera lumínica tenue, que funciona como sedante contra el ruido molesto de la audiencia al ingresar a sala. Sobre el escenario se intuye una habitación juvenil desordenada que enmarca el hábitat de dos chicas que se preparan para salir furtivamente del convento por las noches para cumplir un sueño musical. En medio de la
penumbra nocturna, una de ellas recibe una serie de visitas inesperadas que la intrigan emocionalmente y le motivan a descifrar estas misteriosas apariciones.

Durante su estadía en este lugar de retiro, dos monjas generacionalmente distintas se encargan de la guía
espiritual de las chicas. Con la evolución del texto, estas proposiciones se desarrollan hacia un cuestionamiento del deseo, las ilusiones y los tabúes, donde la sátira en torno a la educación religiosa establece un gran eje transversal en cuanto a la definición de normas y preceptos que construyen el orden establecido, lo correcto y las buenas costumbres en una sociedad conservadora. En este sentido y como estrategia, la historia reúne personajes en apariencia bastante antagónicos y se nutre de esta relación para conducir el mensaje a lo largo de la obra. Y es que la propuesta inmediatamente circula con facilidad en el imaginariod espectador al descifrar el contexto donde ocurren las acciones: ¿Qué pasa cuando dos chicas jóvenes se encuentran de “campamento” recluídas en un convento bajo el amparo de dos monjas?

Bajo una estructura de teatro musical, gracias al sencillo pero impecable aporte musical, durante la puesta en escena se van revelando los deseos -personales, comunes- así como también los conflictos y relaciones entre las protagonistas. Y es que llega un momento en el que no hay otra forma de ahondar más en estos deseos que a través de las canciones.
Los puntos altos de la obra son el montaje, la intención de interactuar con la audiencia, la gran calidad vocal de las actrices, la acertada ambientación y diseño lumínico.Tal vez el texto pierde ritmo y se resuelve mucho antes de lo planeado, sin embargo el carisma y el buen humor mantienen una buena disposición por parte del público.

Que así sea es una invitación a reflexionar acerca de los moldes en los que estamos inscritos, y esa lucha por romperlos. Quien tiene sueños puede encontrar un espejo en esta puesta en escena. Al mirarse en él podrá darse cuenta que en la búsqueda de la felicidad, recorrer el camino con un corazón dispuesto al cambio puede ser el destino final en sí mismo.

ELENCO

Maria Álvarez Primo es Emilia Rinaldi.
Carla Pannunzio es Guadalupe Artola.
Beatriz Espíndola es Sor Elena.
Selene Berardone es Sor Consuelo.
Alejandro Vitale es El Señor.
Ezequiel Escobar Berisso es El Músico.

FICHA TÉCNICA

Dirección: Matías Litvak.
Asistencia de Dirección: Roció Peralta.
Asistencia general: Antonella Alfi Carriere
Escenografía: Edgardo Percovich para La Real Compañía.
Vestuario: NIETTA para La Real Compañía
Fotografía y diseño gráfico: ABRIL VENTRICE
Diseño de luces: Matias Litvak
Prensa: 0KM PRENSA
Música, Letras y Dirección Vocal: Ezequiel Escobar Berisso.
Libro y coordinación general: Carla Pannunzio

Por Denise González
Lnave de lxs locxs, el vientre hinchado de comer verdades

La aventura comenzó ya en el exterior de la sala: solo sentarse a esperar a que se abran las puertas basta para estar participando de La nave. En un ambiente donde todo parece ser de todos, que da sensación de hogar, una persona reparte fichas y lápices para ser completadas por los futuros espectadores. La propuesta es responder una serie de preguntas insólitas que nos transportarán a lugares no tan transitados de nosotros mismos. Esto, y que mientras tanto rondan situaciones improvisadas alrededor que nos van introduciendo a la obra, nos preparan para la acción en un clima muy particular.
Al entrar al espacio donde va a suceder la magia nos indican que podemos tomar asiento donde queramos. Las sillas están por doquier, repartidas aleatoriamente. Las luces juegan con la imagen del enigma central y los personajes ya están en escena, expresándose a través de sus cuerpos y voces, vestidos de blanco y esparcidos en diferentes puntos, aunque todos ellos dentro de este escenario circular al que rodeamos los recién llegados.
La obra transcurre desde el principio entre situaciones abstractas breves; se presentan como algo desconocido, pero con lo que todos nos identificamos. Tarde o temprano llegamos a entender que estamos viendo nada más ni nada menos que la cotidianidad reflejada en un signo, en un conflicto teatral que grita “hay que expulsarlx por distintx”. Lo profundo del ser humano expuesto a un ciclo de juicios infinito.
Si algo ha de destacarse de los artistas y de la obra en general, esta composición construida a partir de la investigación realizada por la directora en torno a Foucalt, es la intensidad con la que trabajan y que bien saben volcar sobre el contexto para introducirnos en la atmósfera colectiva en que vivimos sin ser conscientes en la sociedad. Desde lo técnico, el profesionalismo con que se desarrollan las improvisaciones, dando su toque pasional en cada reacción, en cada intervención. Envuelven la concentración de cada persona y sin duda la llevan a un lugar recóndito y peculiar, a un descubrimiento en su interior. Las frases, el contacto físico y las miradas traspasan la relación espectador-actor. Esto se ahonda sobre todo en los fragmentos en que el público es invitado a jugar dos juegos. Los asistentes, sorprendidos, tienen la posibilidad de apropiarse del espacio para expresar sus miedos y fortalezas a través de las preguntas sustanciales que ofrece la puesta en escena detrás de aquellos juegos inocentes que alguna vez nos enseñaron a jugar. La nave se convierte en un verdadero cuadro de entrega y liberación para los valientes que ponen sobre la mesa su verdad. Es que si algo logra es desnudar los límites y los dolores que nos encierran desde lo más primitivo en la cultura que nos origina desde la niñez.
Más allá de subrayar la excelente forma en que se desenvuelve cada eslabón de la cadena que conforma La nave en cuanto a lo profesional, hay algo no tan fácil de conseguir que se ve claro durante toda la secuencia, y que quiero colocar en una posición excepcional: el espectador tiene permiso de adueñarse de la experiencia, reflexionar y llevarse dentro un disparador inmenso de cuestiones de su cualidad humana. Es precisamente lo que la hace única y personal, volviéndose invaluable para quien abraza al arte para replantearse su realidad diaria.

Ficha técnica
Intérpretes: Julieta Rocío Barletta, Facu Cohen, Malena Jawerbaum, Juan Ignacio Piasentini, Jimena Romero, Joaquín Saldeña, Gustavo Silva Arévalo, Liliam Zarreth.
Vestuario: Verónica Casanova
Escenografía: Ana Díaz Taibo
Diseño Gráfico: Sabrina Pintos
Asistencia Técnica: Camilo Labraña
Asistencia en Dirección: Lucila Lobel
Producción Audiovisual: Habla la Hache, Jualián Baquero
Prensa: Cakatúa Prensa
Dirección: Mariana Moschetto

Función: Viernes 23hs | El Club de Trapecistas Estrellas del Centenario. Dirección: Ferrari 252, CABA | Entrada gral: $300.- Promociones disponibles en boletería

En el Camarín de las Musas, los lunes a las 21 hs, con dramaturgia de Damian Valgiusti y dirección de éste último junto a Gimena Romano Larroca, una cita teatral: Dos plazas y media, que trata sobre una pareja, que flotan individualmente a la deriva, en un mar, donde cada uno de ellos intenta rescatar al otro, a través del amor.

El elenco conformado por el binomio actoral de Damian Valgiusti y Luciana Ulrich, cuentan como dos extraños, en el naufragio personal, a medida que se unen en esa balsa imaginaria formada por un colchón de dos plazas y media que aparenta navegar a la deriva y que el amor permitirá izar velas, donde intentarán ir con el mismo rumbo, para amarrar en algún puerto.

Una metáfora teatral que los llevará por el buen camino, de ver una excelente obra teatral, donde los personajes, los harán remar en ese milagro que día a día se da, como es la convivencia de una pareja, que en este caso, logra superar todos los obstáculos que se le interponen.

Una obra en un estilo muy personal, en cuanto a la dramaturgia, para exponer, esa búsqueda del ser humano, por encontrar la felicidad, junto a una pareja, como queriendo resignificar la importancia de la brújula del amor, cuando no marca rumbos.

Ficha técnico artística
Autoría: Damian Valgiusti
Actúan:Luciana Ulrich, Damian Valgiusti
Voz en Off: Hernando Calaza, Beba Cortalezzi
Escenografía: Ana Repetto
Diseño de luces: Juan Baez, Alejandro Velázquez
Música original:Aguamarina, Diego Lozano
Fotografía:Maria Jose Bertotti
Prensa:Bmz Comunicaciones, Marcelo Boccia, Carlos Mazalan, Ariel Zappone
Producción ejecutiva: Tatiana D´ Agate, A Tierra Gestión
Producción general:Dos Plazas Y Media
Diseño de coreografia:Nicolás Salvo
Dirección:Gimena Romano Larroca, Damian Valgiusti
Duración: 55 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar
Lunes – 21:00 hs – Hasta el 09/12/2019

Premios
Obra ganadora I Concurso de Autores Conurbano Norte de la Provincia de Buenos Aires, 2014

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Leandro Bres

¿Como hablar de la experiencia de “Proyecto Barhein” sin spoilear todo lo que sucede?

Puedo contar que las historias (porque son varias) transcurren en un bar, y se van entramando con el paso del tiempo de forma impensada. Historias de parejas, personas solas que buscan pareja, parejas que quieren separarse y otras que fueron corrompidas por la traición.

En la obra, estamos en el bar, somos el bar, y todo sucede a nuestro alrededor, justo al lado nuestro. Este recurso muy bien desarrollado, va creciendo progresivamente sin volverse invasivo sobre el espacio personal de cada espectador y espectadora. Logran abordar todo el espacio, sin incomodar (en el mal sentido de la palabra) a quienes estamos viviendo la experiencia como público.

Con buenas actuaciones en distintos códigos (algunas escenas realistas, incluso naturalistas, otras paródicas y hasta por momentos surrealistas) la obra se desarrolla con mucho humor, dando profundidad a situaciones cotidianas. Ocho actores y actrices en escena, cada cual con su impronta, pone a funcionar sus mecanismos para aportar a “Proyecto Barhein” una diversidad que conforma una unidad.

Sin dudas, la protagonista de la obra es la puesta en escena. La esencia del espectáculo radica en el uso del espacio, y en el cambio constante de foco en el desarrollo de una situación a otra. La puesta de luces es fundamental, ya que direcciona la mirada del espectador; un acierto total, que aporta dinamismo y sorpresa, logrando captar la atención del público y sostenerla a lo largo de la obra. Cuando parece que algo se instala (una situación, un personaje, una escena) se rompe y sucede otra cosa, descolocando y sorprendiendo. Cuando pareciera que nada más puede suceder, algo más sucede.

La dramaturgia está al servicio de la puesta en escena. Con diálogos que aparentan ser charlas superficiales y banales de bar, se abordan inesperadamente temas existencialistas y filosóficos, desde la felicidad, la soledad, la fidelidada, la traición, hasta la muerte. Todo esto, enmarcado en un contexto que nos atraviesa, como el uso de redes sociales, la comunicación mediatizada, la inmediatez y otras características de la era digital, logrando una efectiva identificación en los espectadores.

Pueden vivir esta experiencia teatral llamada “Proyecto Barhein” los viernes 22hs. en Santos 4040 (Santos Dumont 4040 – CABA)

Dramaturgia:Proyecto Barhein

Actúan:Bernardo Artica, Nicolás Barbeito, Ayelén Espíndola, Juan Games, Luciano Monge Mauger, Agustina Morteo, Debora Rodriguez, Juana Varela

Vestuario:Analia Morales

Escenografía:Cecilia Zuvialde

Diseño de luces:Santiago Swi

Diseño sonoro:Juan Cordone

Comunicación:Francisco Tizon

Diseño gráfico:Facundo Marcos

Asistencia general:David Brakin

Producción:Bernardo Artica, Ayelén Espíndola, Santiago Swi

Idea, dirección y puesta en escena: Santiago Swi

Con dramaturgia y dirección general de Alfredo Bracaccini, en esta oportunidad, se representó en el Patio de Plastilina, la obra Agrietándonos, un espectáculo a la gorra, que se viene haciendo los sábados y que estuve presente, el sábado 23 de noviembre a las 21 hs.

Un espectáculo teatral, íntegro, un hermoso ensamble, de música, poesía, humor, y abrir el espacio a la reflexión sobre los momentos que vivimos bajo el género de la sátira.

La faceta musical del espectáculo una muy adecuada selección de canciones, que conforman parte de la pieza teatral, con la hermosa voz de la joven Lucianna Rennola, la guitarra / voz de Jorge Fudin.

Además de la música, hay poesía recitada por el elenco, en diferentes fragmentos de la representación, de poetas muy conocidos como González Tuñón, Rafael Alberti, Leon Felipe, Miguel Hernández, Brecht, Ernesto Cardenal, Mario Benedetti, etc.

El elenco, conformado por Marta Casas, Eugenia Bianchi, Francis Sculli y Carlos Compagno, logran dar vida a la sátira, encarnando diversos personajes, donde magistralmente se mezclan los ingredientes dando los resultados esperados de un hermoso ensamble artístico donde sin hablar exactamente de ella, pero de alguna manera, siempre estará presente todo el tiempo, la grieta. Una obra, que es inevitable toque la sensibilidad del espectador, con un bagaje de mensajes que llevarán a la reflexión, como el que dice «Las utopías no murieron, solo se tomaron un descanso».

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Sebastián Sabio

La vida de los que persiguen un imposible.

Por un lado, la alegría, la fiesta y el jolgorio, por otro la tristeza, la desazon y la desesperanza. Esas son las dos caras que viven en esta obra que juega permanentemente con los polos opuestos en los que debe vivir un actor.

“Antiheroe off” cuenta la historia de Remo, un actor que a través de sus cinco personajes (o cualquier otro que se le solicite de ultimo momento) busca juntar dinero suficiente para viajar a Londres y asi reencontrarse con su hijo. Durante el transcurso de la obra el único intérprete en escena atravesará el universo de sus creaciones como actor mientras, entre personaje y personaje, muestra cómo es él, quién es en realidad.

En la cara de Patricio Abadi, intérprete y dramaturgo de Remo, se puede apreciar el mundo de su personaje. Solo con su expresión él logra transmitir un entramado de sensaciones y pensamientos que dejan al espectador con la sensación de entender a la perfección la situación, incluso antes de que aparezca la información de lo que sucede.

En una puesta en escena innovadora en la que se destroza la cuarta pared (por momentos pecando de “obra standupera”) esta dupla con Patricio Abadi como actor y dramaturgo y Paula Marron desde la dirección dejan de traer este mundo lleno de sensibilidades ocultadas por las emociones ficticias del actor por este año pero van a regresar el año que viene.

Por Jonathan Sassón
“Siempre Shakespeare. Lo cómico es trágico y tan trágico que es cómico, o lo que se es capaz de hacer por odio y celos». Cuatro actores, especialistas en el teatro físico, el clown y el burlesco, interpretan la famosa tragedia de William Shakespeare, Othelo.”

Una obra se considera un clásico cuando trasciende en el tiempo, se vuelve una referencia y así cobra valor cultural.
La mayor parte de la dramaturgia de Shakespeare claramente son obras clásicas, si bien abarcó distintos géneros, para referirse o bien llevar a cabo una tragedia teatral hay que tener en cuenta a dicho autor.
Podría decirse que la versión de Gabriel Chame Buendia ya es un clásico, los años que lleva haciéndose la convierten en una referencia en la cartelera y la forma en que está hecha representa una influencia ineludible, un método de adaptar un clásico con procedimientos y lenguajes actuales, sobre todo en código clown / cómico.

Un clásico se caracteriza por ser universal, quizá por las temáticas que trata, Othelo cobra un significado particular aquí y ahora por atravesar temas como la violencia de género o el racismo. En este caso al ser abordado desde la comedia, sin solemnidad, se le da a la obra un carácter popular.

Para quien no haya leído o presenciado la obra de Shakespeare anteriormente esta versión es una gran puerta de entrada y para quien conozca de que se trata podrá disfrutar a pleno la comedia de todas formas.

De por si la dramaturgia de Shakespeare, su forma poética conmueve, se le suma la energía, la entrega de la interpretación, la calidad de las actuaciones haciendo que esta obra no solo provoque risas sino que además estremezca.

Aparentemente es cierto eso de que tragedia más tiempo da como resultado comedia, de seguro la tragedia sería perder el tiempo y no ver esta espectacular obra.

Ficha técnico artística

Autoría: William Shakespeare
Adaptación: Gabriel Chame Buendia
Actúan: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio
Vestuario: Gabriel Chame Buendia
Escenografía: Jorge Pastorino
Diseño de luces: Jorge Pastorino
Diseño sonoro: Sebastián Furman
Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar
Fotografía: Gianni Mestichelli
Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone
Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole
Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik
Asistencia de Producción: Micaela Fariña
Asistencia técnica: Ariel Dabbah
Asistencia de dirección: Justina Grande
Prensa: Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar
Producción: Buendia Theatre
Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037
Sarmiento 2037 Capital Federal – Buenos Aires
Jueves – 21:00 hs – Hasta el 30/11/2019

Por Leandro Bres

“Romance del Baco y la vaca” es una obra escrita por Gonzalo Demaría (Happyland, Tarascones, Juegos de amor y de guerra) que cuenta en primera persona la historia de Baco, un vaquero que fué criado por una vaca, y luego se hará hombre con otra. Un bandido, un marginado que está por fuera de la ley, quien relata sus hazañas para concretar su amor por Blanquita (la vaca) y su enfrentamiento con las autoridades.

Al estilo “road movie” (película de viaje por la ruta) este espectáculo unipersonal crea en escena distintos momentos, lugares y situaciones de la vida de Baco (Marco Antonio Caponi) desde su infancia, su descubrimiento sexual, hasta sus aventuras de amor y clandestinidad con Blanquita.

Una dramaturgia inteligente, escrita en verso gauchesco, que logra dar un tono rural, y que con el correr del espectáculo se instala como un código totalmente comprensible a los oídos del espectador. Diversas situaciones propone el texto, que son jugadas al máximo a lo largo de la obra.

Muy destacable el diseño de iluminación, que logra un ritmo ágil y atractivo en la puesta en escena. El actor Marco Antonio Caponi pone el cuerpo, la voz y la imaginación al servicio de la historia que recrea, logrando transportarnos a cada lugar y momento que describe en su narración. La estética muy acertada, una caracterización pensada al detalle, que permite poner al personaje en primer plano y olvidarnos el rostro del reconocido actor televisivo.

Grandes decisiones del director Daniel Casablanca (Macocos, Forever Young, Muertos de risa) dejan lucir la escena, con un dinamismo impensado para un espectáculo unipersonal, y con el humor físico que lo caracteriza a él como actor y artísta. Sin mucho despliegue escenográfico, nos lleva a todos esos lugares que describe el texto y a imaginar otros personajes del relato que no están presentes.

Algunos momentos de música en vivo interpretada por Caponi con un banjo eléctrico, dan a la obra un marco musical concreto, que refuerza el tono “cowboy” mediante sonidos referentes del imaginario colectivo.

Una función a sala llena, con un público entregado que respondió de forma positiva ante cada situación construida en escena y cada situación cómica que lo hizo reír.

Pueden ver la última función el Domingo 23/11 a las 21.30hs en Timbre 4 (Mexico 3554, Boedo CABA)

Autoría:Gonzalo Demaria

Actúa:Marco Antonio Caponi

Vestuario:Pamela Martinelli

Iluminación:Gonzalo Córdova

Asistencia de dirección:Guadalupe Bervih

Prensa:Bmz Comunicaciones, Marcelo Boccia, Carlos Mazalan, Ariel Zappone

Producción:Joaquin Bachrach, Marco Antonio Caponi

Dirección:Daniel Casablanca

Por Leandro Bres

«Reina sin Reino” es un espectáculo unipersonal, presentado por la compañía Solos. Actúa Susana Cohen, quién también está a cargo de la puesta en escena, junto a Julio Pallares, autor de los textos utilizados en la obra.

Toma como referencia la historia de Juana l de Castilla (más comúnmente conocida como «Juana la loca») para representar una secuencia de relatos y testimonios en primera persona sobre el poder, la locura, la pasión, el perdón y el olvido.

La obra ambientada en el S XV, dura 50 minutos, y pone en escena a una Juana prisionera, víctima del poder de la nobleza, la iglesia y los hombres. Una mujer poderosa, ya sin poder. Sometida a las decisiones de otros. Usada políticamente y siempre en función de otros. Madre esposa reina y rehén, finalmente invadida por la locura.

Es destacable la entrega de la actriz en escena, su compromiso físico y vocal para representar la locura y sostener los textos que evocan y relatan su pasado.

Se utilizan muñecos artesanales como interlocutores para direccionar, por momentos, el discurso de Juana hacia otros personajes históricos de su entorno (su esposo Felipe, su padre y sus hijos). Un recurso interesante que nos ayuda a los espectadores a ubicarnos en la historia del relato. Otros objetos atractivos en escena como un cofre, copas, unos bastones y un sillón antiguo remarcan la época, pero no son utilizados en su totalidad para construir situación dramática.

La música refuerza el clima de época; recrea las voces que oye Juana en su cabeza y su pasado. El diseño de luces crea un clima entre onírico y monótono, que le da cierta densidad a los relatos.

La obra se presenta los sábados hasta el 23 de Noviembre en el Teatro Universidad Popular de Belgrano (Campos Salles 2145- Nuñez CABA) a las 21hs.

Sobre textos de Julio Pallares. Una creación actoral de Susana Cohen.

Puesta en escena J. Pallares S. Cohen.

Diseño de luces: Miguel Coronel

Producción general: Cía. Solos.

Con dramaturgia y dirección de Sebastián Kirszner, en el teatro La Pausa, los jueves a las 21 hs , una cita con una comedia que logra poner una mirada amable sobre la crisis socio-política del 2001. Está perfecto, hacer esa retrospectiva, tener esa mirada, porque nos descontractura, y eso nos proporciona un análisis más ecuánime y riguroso, a la hora de encarar los momentos históricos.

«Crónica de una muerte devaluada..», transcurre en Pinares Country Club, en diciembre del 2001, con gente paqueta, que se altera y viven el caos, lo mismo que el resto de los mortales. La diferencia está en el cómo, en el el estilo. La pieza teatral alterna humor, delirio, grotesco como las herramientas narrativas, para ponernos en contexto histórico, pero además como sucede en la vida y eso es lo que la hace atractiva, los personajes, tienen sus vidas, sus problemas, y está interesante como se dejan arrastrar por las circunstancias del momento.

Se van a encontrar con el personaje del presidente del 2001, que está excelentemente caracterizado, y el «physique du rol», ayuda al actor. Todo el elenco, con cintura interpretativa en cada uno de los personajes, logra ese mecanismo ágil de comedia: Roxana Andres, Marina Arias Vivarelli, Victoria Arrabaça, Nehuen Bauer, Daniel Ibarra, Pablito Lancone, Normando Martin, Alexis Mazzitelli, Dani Olmi, Germán Silvero.

Se la recomendamos que la vayan a ver. Los que nacieron próximos al 2001, hoy tienen diecinueve años y está bueno, tomar el contacto, con una pieza teatral que los hará pasar un buen momento de jueves y que les permitiría introducirlos en un pedacito de nuestro acervo.

Agradezcamos al teatro, está incursión que está haciendo por las crónicas: esa narración que bucea por la línea histórica y es positivo, porque va a contribuir a dar otra mirada. Va abrir cabezas, seguramente dará nuevos horizontes, para evitar, en el futuro que dejemos usar esa palabra que da más miedo que la muerte que es cuando hablamos de «devaluada».

Ficha técnico artística
Dramaturgia y dirección: Sebastián Kirszner
Actúan:Roxana Andres, Marina Arias Vivarelli, Victoria Arrabaça, Nehuen Bauer, Daniel Ibarra, Pablito Lancone, Normando Martin, Alexis Mazzitelli, Dani Olmi, Germán Silvero
Vestuario: Rocío Rey
Redes Sociales:Pablito Lancone, Alexis Mazzitelli
Diseño gráfico: Germán Silvero
Asistencia de dirección: Roxana Andres
Web: http://www.lapausateatral.com.ar
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
(LA PAUSA) TEATRAL
Av. Corrientes 4521
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com