La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
La improvisación es quizá el mayo desafío para un actor, el salir de la zona de confort al tener un guión, una situación y un personaje definido es lo que marca la diferencia. No todos los directores dan el pie para que un actor improvise en su obra, pero en Camelo… Todos van a improvisar.
«¿Qué es Camelo? Es un espectáculo teatral y al mismo tiempo una clase de teatro. Así define Rodolfo Rossi la obra que dirige y escribe. De la mano de un elenco joven y prometedor, en una hora veremos lo imposible pero también lo único ya que es un show que no se repite entre funciones.
Silvia Ariza, Agustin Belloli, Ailén Dettano, Matias Huttin, Solana Loza, Paula Mangini, Carolina Marana, Jacqueline Perez Soto, Rodolfo Rossi, Samantha Skandar, Nuria Storni es parte del elenco estable de este show, con el ritmo de »DESARME, DESARME, DESARME» dirigido por el andaluz Miguel Fo, el cual hará de profesor de teatro de estos chicos, pero… El público es quien dirige las situaciones y personajes que van a interpretar los jóvenes actores.
Para quienes nunca hayan ido a un show de impro, esta es la oportunidad. La idea de poder pertenecer a una obra nos involucra mucho más, lo cual se vuelve un evento diferente y totalmente disfrutable.
Con pocos recursos pero con una dirección clara, los actores deben estar bien entrenados para afrontar todo lo que el director y el público pida, se vuelve un reto para ellos y una experiencia para nosotros.
Camelo 100 % impro es una puesta en escena original, divertida y experimental, sobre todo diferente para aquellos que están acostumbrados al teatro convencional y clásico.
Camelo 100 % impro está disponible los miércoles a las 20 horas en el Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524).
El sábado pasado tuvimos la oportunidad de presencial una obra/espectáculo llamado Lila, que nos cuenta la historia de una artista transexual, que entre el concierto que nos brinda, realiza un viaje al pasado para contarnos su historia, sobre cómo llegó hasta donde está actualmente, desnudando sus sentimientos en el texto y en su música.
Lila es una artista que se hizo reconocida en España, su país de origen, pero que ha vivido gran parte de su vida en Argentina, dónde su padre tenía una carnicería cuando era niño. Justamente «era» es la palabra que debemos utilizar, ya que nuestra protagonista vivió la transición al cambio de género. Siendo rechazada por su padre y viviendo los siguientes años al límite, luego se convirtió en una estrella y en una de esas noches de canto, nos cuenta toda su historia. Entre camarines comenzamos a enterarnos lo que sucedió en su pasado, el porque aparece el niño que lo atormenta, ya que aún tiene temas sin resolver. En el camino Lila nos deleita con la interpretación de canciones populares, que siguen el camino de su historia, y que a su vez nos deja espacio para brindarnos una letra de su autoría, para concluir el relato y la relación de lila y su padre.
Ulises Puiggros se pone en la piel de Lila haciéndola propia, y en dónde él también se hace cargo de la dramaturgia de la obra. Ulises contó que la idea surgió luego de conocer a mujeres trans que le fueron de inspiración y que ha decido tomar el desafío actoral de contar la historia de una artista trans desde su perspectiva.
Lila es una obra conmovedora, pero además de eso es un excelente show en el que todos podremos disfrutar de un agradable concierto un sábado por la noche. Lila puede verse los sábados a las 22:30 horas en Espacio Callejón (Humahuaca 3759).
Es atractiva la propuesta a primera vista. Una versión libre de un clásico del teatro barroco español, con una mirada contemporánea puesta en el género, la identidad y el cuerpo. Una comedia de enredos sobre el deseo equivocado, interpretada por un elenco que interroga las etiquetas a los cuerpos de todos los tiempos y lugares.
La maravillosa Payuca interpreta a Doña Juana, un personaje femenino que se viste de hombre para vengarse de un amor. Vestida de hombre, se hace pasar por un tal Don Gil de las calzas verdes, y enamora a Doña Inés, quien confundida se enamora de un hombre con rasgos de mujer. Pero Inés no es la única “engañada”. Toda la comedia está basada sobre la “confusión” que genera Doña Juana.
La versión libre de Gonzalo DiMaría explota al máximo la potencialidad reflexiva del clásico de Tirso de Molina, dejando evidente la enorme universalidad de los conflictos por el género. ¿Masculino? ¿Femenino? Este elenco está más allá de toda categoría. Don Pedro, el padre de Doña Inés, es también un personaje cuyo género es confuso. Se podría pensar que es su madre. Y así muchos otros.
Parece que esa idea de “confusión”, tan propia de las comedias de enredos, es una excusa para Pablo Maritano, director de la pieza. Esta excusa hace la obra no solo divertida, sino atrevida y afilada. La inclusión de números musicales es una decisión atinada, así como los vestuarios y la escenografía (mínima, y a su vez, grandilocuente).
Un aplauso de pie para Payuca y para el elenco y los músicos en escena. Se agradece la delicadeza de la adaptación, los guiños de humor contemporáneo y las convenciones teatrales de antaño, como el maquillaje y los peinados. Es una obra para divertirse, y recomiendo ir sin hambre ni sueño, porque son 90 minutos de poesía barroca. Vale la pena ir.
La otra vuelta me deprimí fiero leyendo que David Chase, creador de LOS SOPRANO, dijo que el actor James Gandolfini, conocido por interpretar al protagonista del show Tony Soprano, le expreso abiertamente las ganas de volver a ser el personaje en alguna película de la serie … Pero lamentablemente ésto jamás paso ya que este crack encontro a la parca en el 2013 a sus 51 años durante su estadía en Roma, Italia. El vacío que Gandolfini dejo en la industria fue corrosivo y LOS SOPRANO quedo como una obra de culto a la que jamas pensamos que se iba a volver a revisitar. Antes de empezar me gustaría aclarar que ésta serie de HBO sobre la intimidad de los criminales de New Jersey es mí favorita, estando por encima de clásicos como Breaking Bad o Twin Peaks. El manejo que tiene la serie del drama y la comedia es solo la punta de las cualidades que tiene ésta epopeya emocional que usa el mundo gangster como escenario. La sensibilidad que los escritores alcanzaban con TODOS los personajes del programa llegaba fuerte y nos hacía empatizar con gente muy errante gracias a la humanidad con que eran tratados. La narrativa era vanguardista para la televisión de esa epoca (principios de los 2000) ya que la trama hacía enfasis en los tiempos muertos, osea, en momentos en los que la trama dejaba de tener importancia y se ponía como foco cosas casuales que, de ser sacadas, la historia central seguía teniendo sentido. En definitiva, en lo que a mí respecta, LOS SOPRANO es la mejor serie de la historia … Ahora paso a hablar de LOS SANTOS DE LA MAFIA, la precuela centrada en un joven Tony Soprano, interpretado por Micheal Gandolfini, hijo puro se James, y en Dickie Moltisanti (Alessandro Nivola), mentor del protagonista y padre de uno de los personajes estrella del programa, Christopher Moltisanti, interpretado en su momento por Micheal Imperioli.
La historia tiene como escenario los disturbios raciales en la Newark de los 60, usando como conductor al personaje de Dickie, un capo mafia que busca ser lo mejor persona posible dentro de las circunstancias en las que su «trabajo» lo deja parado. Como acompañantes tenemos a Jon Bernthal y Vera Farmiga haciendo de Johnny Boy y Livia Soprano, los padres de Tony quien vuelve aparecer interpretado por el hijo del actor original, un pibe que encima salio RE parecido al padre y que, ENCIMA, tiene un talento actoral que complementa al parecido físico. El chabon no es un actor haciendo de Tony Soprano, ES Tony Soprano de joven … Es un cast perfecto, poético y muy fuerte para los fanáticos de la obra de David Chase. Lo mismo Corey Stoll heredando el papel de Junior Soprano, interpretado originalmente por Dominic Chianese. Despues tenemos a Billy Magnussen y John Magaro como las versiones juveniles de Paulie Gualteri y Silvio Dante, quienes no brillan pero si sirven como apoyo referencial con la serie. Ray Liotta vuelve al genero triunfante (despues de ser inexplicablemente rechazado por Scorsese) haciendo de dos personajes (gemelos) muy diferentes que dejan en evidencia la versatilidad actoral.
Alan Taylor vuelve al Sopranoverse para dirigir la película y, con sus manejos de cámara, deja en claro que tiene total conocimiento de que es lo que los fans quieren ver, porque en definitiva, LOS SANTOS DE LA MAFIA es una película hecha para los que vieron la serie. Los regresos de los personajes estan muy bien presentados, saben como ser sutiles y épicos al mismo tiempo. Chase vuelve y demuestra que sigue teniendo su toque escribiendo personajes tan trimidensionales que podemos seguir queriendo hasta después de verlos en sus momentos mas oscuros.
Lo que me molesto fueron dos cosas:
1) La película se vale por si sola, el guión es sólido … Pero se nota que la idea original era hacer una película sobre los disturbios de Newark y despues se avivaron de que quedaría mejor con los personajes de LOS SOPRANO en la mezcla … Esto está mal? No, para nada, pero por momentos se sienten como dos películas diferentes en una. Por un lado esta la tragedia shakespeareana de Dickie Y por la otra tenemos la de Harold Cross (Leslie Odom Jr), un gangster que la historia lo muestra como uno de los fundadores de la mafia afroamericana. Ambas historias son brillantes, toman rumbos bastante paralelos al punto de no cruzarse lo suficiente como para sentirse UNA SOLA COSA.
2) Hubiese estado bueno que se desvíen de la trama central para apoyarse mas en el absurdo de los tiempos muertos, bien como hacía la serie. Ustedes dirán «yyy bueno, es una película, no hay tanto tiempo como en una serie» pero en ese caso hubiese estado bueno que LOS SANTOS DE LA MAFIA sea la EL IRLANDES de HBO haciéndola de tres horas, y uso EL IRLANDES como comparación ya que en esa película se podían ver bastantes elementos de los que les menciono (la escena del pescado).
LOS SANTOS DE LA MAFIA es cine de calidad y a la vez una carta de amor para aquellos que quedamos fascinados con LOS SOPRANO. Espero que hagan una o dos películas mas de éste periodo, ya que me quede con MUCHAS ganas de ver mas de Micheal Gandolfini como el joven Tony Soprano.
Por Alejandro CorellHace más de cuatro siglos desde que Miyamoto Musashi definiera el camino del vacío, marcando los pasos y formas que todo buen guerrero debía seguir para poder actuar de forma efectiva. Actuar, sin pensar, traduciendo en acciones y movimientos todo el entrenamiento aplicado a lo largo de su vida, de forma que el fallo no depende ya de uno mismo. Quien iba a decir que más allá de los antiguos Shinobis, el camino del vacío es igualmente aplicable y natural en el medio de los videojuegos.
Y es que, esto es lo que propone Severed Steel, sin que nos demos cuenta. El primer título de Greylock Studio conforma un shooter en primera persona en el cual controlamos a Steel, una chica con poco tiempo para dar explicaciones y muchas ganas de destruir. Se trata pues de un shooter basado en el tiempo bala, en el cual podemos ralentizar nuestra percepción del tiempo a placer, de una forma muy similar a la que podemos ver en juegos como Max Payne o Stranglehold.
La premisa es sencilla, como Steel, nuestra misión es destruir hasta los cimientos una malvada mega-corporación, EldenSys, la cual cuenta con dinero suficiente para contratar gigantescas tropas de seguridad, que no dudarán en intentar acabar con nosotros conforme nos vean. Por suerte para Steel, no se lo vamos a poner nada fácil.
A través de 6 capítulos, divididos en pequeños niveles, nos abriremos paso por distintas zonas del complejo arrasando con todo aquello que se nos ponga delante. En un primer lugar el juego resulta simple, los primeros niveles no destacan por su complejidad arquitectónica y el estilo Voxel Art se antoja poco desarrollado. No obstante, no tardaremos en conseguir uno de los elementos más distintivos del título, un cañón que sustituirá nuestro brazo izquierdo y nos permitirá abrir enormes agujeros donde queramos. Si, donde queramos. Es en este momento donde el diseño de niveles se abre sobremanera ante el jugador. Las paredes ya no son separaciones entre salas, si no posibles formas de sorprender al enemigo. La distribución de los niveles aumenta su tamaño rápidamente, dando justificación a este estilo visual, que permite diseñar de forma “fácil” una gran variedad de salas, para ofrecer desafíos diferentes cada vez que atravesemos un nivel.
El sistema de combate es simple. Recogeremos las armas por las que pasemos por encima, y nunca tendremos opción a recargar. Una vez se acabe el cargador, ese flamante lanzacohetes solo servirá como arma arrojadiza. Es no solo posible, si no que casi obligatorio, realizar todo tipo de piruetas por el mapa, desde correr por las paredes, lanzarse por los aires o deslizarse por el suelo. Y es que sólo cuando nos encontremos danzando en medio de este infierno de balas Steel será capaz de atravesar el terreno sin recibir daño.
Podremos acceder a placer al tiempo bala, una mecánica que ralentiza la percepción del tiempo, lo que nos permitirá, junto al veloz sistema de movimiento y piruetas, recorrer el nivel sin ser golpeados, dejando a nuestro paso un inconcebible reguero de cadáveres. Este es el principal objetivo del juego, correr y matar. En un primer momento, parece complicado el completar un nivel sin morir. Pero conforme el tiempo pasa y adquieres habilidad con el sistema de combate, no tardas en seguir el anteriormente nombrado “sendero del vacío” y responder a hordas de atacantes sin parar a reflexionar sobre cuál será el siguiente paso, fluyendo entre un arma y otra.
No hay una gran variedad de armas, pero si suficientes para no sentir que caemos en la repetición. Desde lanzagranadas a pistolas, pasando por escopetas subfusiles y similares, no tendremos mucho tiempo para pensar que arma utilizar, sino que probablemente nos conformaremos con apuntar al próximo desafortunado con el instrumento que acabamos de agarrar de las frías manos de su difunto compañero.
La campaña no es excesivamente larga, más teniendo en cuenta que una vez dominadas las mecánicas es posible superar ciertos encuentros a velocidades de vértigo. Pero junto al modo historia, se presenta un modo secundario de hordas, a lo largo de distintos mapas que podremos variar utilizando “mutaciones”, las cuales sirven para cambiar las reglas del juego (cambios en la gravedad, tocar el suelo mata…).
Junto a esto se incluye el editor de niveles, el cual permite a la comunidad dejar fluir su imaginación para construir las misiones más locas que se les ocurra. Hay que tener en cuenta que para que la comunidad desarrolle niveles, debe existir esta comunidad, pero no hay duda de que, si el título llega a manos de las suficientes personas, este modo permitirá darle una vida casi ilimitada al tiempo de juego.
En conclusión, Severed Steel es un shooter frenético que no decepcionará a los fans del tiempo bala. Con el poder de destruir prácticamente todo el escenario, las opciones para completar cada nivel son casi ilimitadas. Si bien se nota que el presupuesto del título es limitado, no es ni de lejos un mal juego. Acompañado de una BSO electrónica que podría acompañar a cualquier aventura Cyberpunk, Severed Steel no defraudará si lo que quieres es desestresarte mientras flotas por el mapa y disparas sin piedad
El género de autoayuda no es de mis favoritos, si bien hay millones de adeptos a libros que le digan que hacer y cómo sentirse, hay ciertas preguntas que se me escapan: ¿Se puede enseñar a querer?
No todo en la vida es tan profundo y más si nos vamos a los setentas (una de mis épocas favoritas de la historia reciente) donde la música de Julio Iglesias, El Puma y Juan Gabriel estaban en su clímax.
Una gris oficina de editorial de empleados con trajes de disco, están en urgencias pues su autor principal no puede escribir un libro de autoayuda sobre el amor, tienen 15 días para entregarlo sino se enfrentarán consecuencias, la esposa de este escritor hundido comienza a ser coautora, ambos comienzan a ver su visión del amor y la forma de reparar la relación.
Emilia Mazer, Fabio Di Tomasso, Gonzalo Urtizberea, Edda Bustamante y Esteban Prol forman parte del elenco de esta comedia romántica de Victor Winer (de él recomiendo también Los Soviets de San Antonio) y dirigida por Mariano Dossena.
La musa de Ataque 77 e icono de los 80’s Edda Bustamante está de vuelta en esta obra, con su belleza y carisma en un rol secundario, Emilia Mazer es el alma de la obra con su inocencia y romanticismo Los personajes debatirán sus posturas del amor en quince días mientras la música de Julio Iglesias y los Bee gees van sonando de fondo.
15 días para hablar de amor es una comedia amena, tierna y llena de color que se presenta en el Teatro Regina los viernes y sábados a las 21:30 y domingos a las 19:30 (Av. Santa Fe 1235)
Para los amantes de los JRPG, la saga Tales fue siempre un equivalente a patear fuerte al medio. En sus 25 años, han cargado a la industria con excelentes títulos, y desde siempre ponen la vara muy alta en el género. La apuesta más reciente de Bandai Namco es Tales of Arise, que busca pulir las imperfecciones de entregas anteriores y brindarnos una experiencia inolvidable.
La historia nos sitúa en Dahna, región que hace 300 años sufre la invasión de Rena. Este último, gracias a su poderoso ejército y tecnología avanzada, sume a la población a un nivel de esclavitud, con el fin de explotar los vastos recursos que poseen. A partir de este momento, la convivencia entre dahnanos y renanos se torna insostenible. Entre los miles de dahnanos oprimidos, surge un grupo revolucionario que tiene como objetivo poner fin a la tiranía renana. Dentro de ese grupo, se encuentra nuestro protagonista, Alphen, quien tiene una máscara de hierro y sufre de amnesia.A pesar de que la historia no reinventa la rueda, está muy bien narrada y la atención al detalle es lo que la destaca. Los problemas los encuentro en el desarrollo de los personajes.
Alphen es exageradamente sensible y sobreactuado. Su altruismo es tal que llega a molestar. Es un cliché con espada, que ya se vio en decenas de ocasiones. Shionne es una renana que, por motivos que averiguaremos con el correr de la historia, se unió a nuestro grupo de rebeldes y nos acompañará en el viaje. Es la típica coprotagonista femenina con actitud ruda, reacia a fraternizar con sus compañeros y que, a medida que avanzamos, comienza a sensibilizarse y a mostrar sus sentimientos. Con ellos dos como parámetro, qué se puede esperar de los demás. Luego tenemos a la chica dulce, al joven-adulto con ganas de volverse más fuerte, la mujer fuerte e independiente, y así. Sí tengo que decir que, a pesar de las personalidades aburridas que tienen, sus historias personales están bien contadas y logran hacer empatizar al jugador.
Al momento de pelear, poco hay para corregir. Sí, los combates son parecidos entre sí, pero la variedad en los personajes, en las armas y en los propios enemigos es tal, que nunca se vuelve repetitivo. Los tipos de golpes que usaremos se llaman “artes”, y deberemos configurarlos muy bien para lograr combos fructíferos. No bastará con spamear un botón, porque cada uno de estos artes consumirá energía y, si nos quedamos sin ella, sólo podremos dar ataques básicos que no hacen prácticamente daño. Al final del día, obtenemos un sistema de combate frenético, cargado de acción y muy entretenido.
El apartado artístico es precioso. A pesar de que no se trata de un mundo abierto, los entornos por los que el jugador se mueve son “semiabiertos”, y no hay rincón que no esté cargado de detalles. Esto se replica en los personajes y en los enemigos, que tienen diseños muy bien trabajados. La banda sonora, otro punto altísimo que musicaliza la aventura de manera sublime.La Ultimate Edition, además del juego base, nos incluye una gran cantidad de skins para nuestros personajes, objetos de mejora que nos ayudarán en la aventura y nos permitirán levelear más rápido y, en pocas palabras, una gran ayuda extra, que se hace más evidente en las primeras horas de juego. Esto es cosa de cada jugador, pero ya de por sí estamos ante un juego base de 60 dólares. Y por esta edición nos piden 110 (¡!). Personalmente, no creo que valga la pena los 50 dólares extra que nos piden por lo que finalmente nos dan.
Para aquellos que se lo preguntan, la pantalla de créditos la veremos no antes de las 40 horas de juego. Y si queremos abarcar todo lo que el juego nos ofrece, llegaremos a las 70. Y qué rápido que se pasan. Tales of Arise es un viaje que no queremos que termine. Con sus falencias, es un título cargado de acción, muy entretenido y que nos logra contar una historia atrapante. No puedo hacer más que recomendarlo, tanto para los fanáticos del género, como para quienes se quieran iniciar.
El equipo de The Sixth Hammer nos ha permitido acceder de forma adelantada a la demo extendida de Moo Lander, un título en el que encarnamos al último superviviente de una peculiar civilización, que utiliza la leche de las vacas de Marte para dotar de energía a sus aparatos tecnológicos, como por ejemplo la propia nave en la que nos desplazamos.
No hace falta jugar mucho para notar las influencias de este título. De forma destacable, este juego se ha inspirado en la famosa saga de metroidvanias de Ori (Ori and the Blind Forest y Ori and the Will of the Wisps). En el momento en el que intentas emular un concepto conocido y querido, te acercas a parte del público que ha disfrutado de ello, pero es un arma de doble filo ya que a partir de ese instante se esperará de tu producto un nivel de calidad igual o superior al del título emulado. Y es aquí donde radica el principal problema de Moo Lander, que es un quiero y no puedo. Hay un buen nicho de mercado para nuevas aventuras metroidvanias, pero el público habitual ha disfrutado del excelente control de pequeño caballero hueco en Hollow Knight o del deslumbrante apartado visual del anteriormente citado Ori, entre otros.
En mis primeros minutos en la demo, me sentí bien recibido por el diseño artístico de los fondos del juego, pero rápidamente me desencanté al ver en movimiento los elementos artísticos del primer plano, que dejan bastante que desear. De hecho, este apartado artístico brilla todavía menos en los menús del juego, que parecen pedir a gritos un lavado de cara completo. Tan impactante fue esa primera imagen que pocos minutos después me sorprendí por el hecho de que el juego está doblado. El equipo de doblaje trabaja, al menos en la demo, en las voces de los dos protagonistas, nuestro extraterrestrial amigo y la inteligencia artificial de su nave. Este es quizás el punto más fuerte del título, las conversaciones entre estos dos personajes son cuanto menos graciosas, y en más de un momento cuestionan la propia seriedad del juego, cosa que le sienta realmente bien.
Un gran problema de este título es que la mecánica principal, volar con la nave, no es nada satisfactoria. Podremos movernos en todas direcciones atravesando el mapa, pero el diseño de nivel parece pensado para una nave que pueda controlar su inclinación, cosa que (al menos en la demo) no es posible. De forma habitual te quedarás atrapado contra elementos dañinos, desembocando en una espiral de recibir daños, siendo posible recibir daño letal en cuestión de instantes, muriendo sin llegar a entender que es lo que ha pasado.
Avanzando un poco en la demo se desbloquea el sistema de combate, con un cañón de leche inicial bastante desastroso. Conforme avances en el título desbloquearás puntos de habilidad para desbloquear nuevas habilidades. Muchas no estaban disponibles en esta versión pero si era posible desbloquear una espada de leche (si, sé que suena raro) que es de lejos, un arma mucho más poderosa que la pistola inicial. A partir de ese momento el título se volvió mucho más satisfactorio porque pasas a convertirte en una maquina de destrucción, que no se tiene que preocupar de enemigos ni de obstáculos (realmente, no creo que convertirte en el dios de la destrucción en el minuto 10 sea la solución, pero es mejor que pulsar el botón de disparo 50 veces por cada enemigo).
Si bien este combate queda así “solucionado”, el juego presenta un combate no letal contra las vacas del planeta, para dejarlas inconscientes y poder abducirlas. Este combate necesita urgentemente un cambio. El arma inicial no letal es lenta y poco precisa y las vacas son absurdamente fuertes y rápidas. La pelea contra el jefe equino me consumió el mismo tiempo que el resto de la demo, y ha sido probablemente uno de los encuentros menos satisfactorios con un boss que he tenido en toda mi vida como jugador.
Como conclusión, la idea que presenta el título es original, pero se requiere una gran cantidad de trabajo para conseguir darle a Moo Lander una imagen superior a la de cualquier juego gratuito clónico de móvil. Ahora mismo, está muy lejos de ser La Leche.
En el Teatro Animal, de estilo rústico, rediseñado a partir de la estructura de una casa antigua en un rincón de Almagro, se presenta una vez cada algún tiempo la obra Bocetos. Ambiente muy tranquilo, con oferta de tragos y porciones de pizza entre otras consumiciones, nos reciben a los asistentes en el patio pintoresco que precede a la sala. Con todos los protocolos correspondientes, nos ubican antes de que comience la función, distribuyéndonos en las sillas que están estratégicamente repartidas en torno al escenario.
Cuatro actrices, tres de ellas representando las obras de arte vivas en un museo peculiar en que los personajes despiertan para contar su historia. La participación de la presentadora funciona como hilo conductor a través del resto de las intervenciones, con una interacción directa al público. Con momentos filosóficos y delirantes, nos guía para enfrentarnos a las intérpretes. Los monólogos de cada una van desde lo humorístico y bizarro hasta el drama profundo.
Se percibe, desde mi punto de vista, una gran creatividad detrás de cada narración, con propuestas, ideas y exploraciones corporales y verbales auténticas y muy particulares de cada una de las actrices, además del divertido final en el que las cuatro se unen para una misma puesta en escena de cierre.
Además del sonido y luces elegidos adecuadamente a cada momento, quiero destacar sobre todo el maquillaje y vestuarios que facilitan al espectador conectar con la invitación a la experiencia. La duración de la obra personalmente me resultó perfecta para lo que implica.
Puedo decir muy segura que se trata de una obra divertida, interesante y medida justamente para el entretenimiento de cualquier tipo de espectador. Conocer las obras artísticas es un plus para comprender el origen de los relatos. Para finalizar, recomiendo y me entusiasmo con el anuncio de una nueva función de Bocetos el día 16 de octubre a las 20 horas, esta vez con la renovación de los monólogos.
El viernes me traje un helecho del trabajo, con entusiasmo lo colgué en el patio interno de casa. Lo que nunca pude haber imaginado es que esta planta podría ser milagrosa, todo esto luego de ver la obra ELHECHO.
Siguiendo con la retrospectiva de la actriz, autora, directora teatral Mariana Chaud (de la cual hice reseña de Ubú Patagónico, obra que pertenece a esta retrospectiva), ELHECHO es una de las puestas en escena más originales, absurdas y divertidas que he visto.
Un helecho comienza a filosofar sobre su vida y las personas que lo rodean, estático un lugar donde poca luz le llega, dentro de una iglesia donde un sacerdote pierde la cordura e intenta comprobar la existencia científica de Dios, una mujer sumamente inocente y utilizada por todos los personajes, descubrirá los secretos milagrosos de este helecho. Al menos esta es la trama de la obra de dentro de una obra.
Ximena Banús, Santiago Gobernori, Walter Jakob, Laura López Moyano, Lalo Rotavería forman parte de esta alocada trama donde un grupo de actores ensaya una pésima obra que posiblemente jamás se monte, mediante musicales, momentos irrisorios, ridículos y exagerados, la cuarta pared no se rompe del todo aunque tiene la tentativa de hacerlo.
La escenografía de Ariel Vaccaro es meticulosa al recrear esta sala de estar eclesiástica. La música original de Gabriel Barredo junto a la coreografía de Luciana Acuña aporta el clímax de la obra y levanta el júbilo de los espectadores. Elhecho es una obra popular muy amena, la retrospectiva de Mariana Chaud es original, experimental y desafiante, se vuelve un teatro anti teatro donde lo absurdo, lo sin sentido y lo ridículo cobran forma. Esta obra seguramente hará que veas a tu helecho de forma distinta.
Elhecho está disponible de jueves a domingo a las 20 horas en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715 al lado del Ecoparque) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La Butaca Web 