Bleh Nights: #VeranoFest

El sábado pasado disfruté de música, de una excelente exposición de fotos y participé como recitadora en esta oportunidad en Dottore Malatesta Bar, por la zona de San Telmo organizado por Bleh Nights, el evento bajo el cálido nombre de #VeranoFest

Bleh Nights bajo el lema “Menos normal, más Bleh” es un ciclo itinerante que celebra la música, dibujo, fotografía, danza, poesía y teatro poco tradicional, cada dos semanas, en diversos centros culturales, bares temáticos, donde organizan estas reuniones donde se congrega público para pasar un excelente momento.

Patricio Benitez, además de cantante y compositor es el productor cultural al cual tenemos que agradecer el tiempo que dedica a difundir arte y cultura, organizando eventos donde les da oportunidad a artistas que puedan acceder a un espacio para poder compartir un excelente momento con un público ávido de pasar un agradable sábado a la noche.

El día que participé, las paredes se revistieron con una excelente muestra de fotos de Magui Fiantieri y Francisco Pelayo. La música de guitarras, ukeleles, baterias en géneros diversos: pop, rock nacional vinieron de la mano del grupo Nebuloso, Aneleym, Mery Vanborder, Emilio Fabián.

Tuve la oportunidad de recitar alrededor de veinte poesías, algunos de Graciela Pavlovsky de su reciente libro: Las aguas del deseo y otros de mi autorìa. Fue una noche plena a pura emoción escuchar el aplauso afectuoso, de respeto y disfrute del público como dice Graciela “al sacudir las aguas de la escritura”.

Le recomendamos que siga los eventos de Bleh Nights por Facebook en la página https://www.facebook.com/BlehNights/ y también si tiene la oportunidad puede escuchar a Patricio en algún recital accediendo a la página (https://www.facebook.com/patobleh)

Más Patricios, más Bleh, muchos MalaTesta, sembrando arte para cosechar buenos frutos que serviràn para alimentar al alma.


https://www.facebook.com/BlehNights/


Reseña Diana Decunto

Crítica: Vergel, de Kris Niklison

Un duelo repentino lleva a una mujer al borde de la locura. Trámites funerarios, calor y una vecina que viene a regar las plantas, se juntan en un periplo emocional donde es imposible distinguir lo real de lo irreal.

La protagonista es una mujer brasilera, que tras unas vacaciones en Buenos Aires, se encuentra sola bajo el duelo de haber perdido recientemente a su esposo. En un aparente accidente este personaje ha muerto , sin darle tiempo a que ella asimile este hecho debe hacerse cargo de los trámites correspondientes para llevarse el cuerpo a su país , y así darle una correcta despedida. La burocracia y la mala suerte están de su lado , se ve obligada a quedarse durante unos días ya que existen dificultades con la justicia para que se pueda retirar el cuerpo. En ese lapso empieza a asimilar esa vida totalmente sola , viviendo de los recuerdos de aquella persona que amó, y a su vez comienza a vivir nuevas experiencias tanto personales como sexuales con una vecina de su temporario hogar.

La premisa es fuerte, comienza con la muerte y sigue con el desafío que significa continuar ante la pérdida de un ser amado. Así mismo , la historia se carga de humor negro que acompaña a esta mala racha que tiene con el traslado del cuerpo. La historia en momentos es divertida, en otras atrevida , y en general dramática.

El papel de Camila Morgado como la reciente viuda es uno de los puntos más fuertes del film. Entre el dolor , la incertidumbre y la torpeza va recorriendo este camino de supervivencia , en poder vivir con el pasado y su ser amado lejos pero tan presente en si misma. La interacción sexual y algo amorosa con su vecina , interpretado por Maricel Alvarez, resulta algo extraña y quizá chocante. El esposo de la protagonista muere , y al poco tiempo comienza a explorar el sexo con otra persona , y con alguien del mismo sexo, siendo una experiencia totalmente nueva para ella. Así mismo se logra comprender sus motivos , y las decisiones que al final toma , dan cierre correcto a ese proceso de duelo que debe enfrentar.

Vergel es una película muy interesante desde su temática , la actuación de su actriz principal y la estética de un Buenos Aires colorido y hostil, visto desde un edificio. El drama de perder a alguien querido y el humor que se desata a raíz de más infortunados hechos , dejan una agradable película sobre la supervivencia cuando alguien que quieres ya no está.

Calificación 8/10

FICHA TÉCNICA

Productoras: Basata Films (AR), Casadasartes Films (BR)
Escrita, dirigida y producida por: Kris Niklison (AR)
Elenco: Camila Morgado (BR) y Maricel Álvarez (AR)
Participaciones: Daniel Fanego, Daniel Aráoz (AR), Maria Alice Vergueiro (BR)
Producción Ejecutiva: Mi Chan Tchung (BR)
Producción Administrativa: Victor Schneider (AR)
Fotografía y Arte: Kris Niklison (AR)
Sonido: Martin Grignaschi (AR)
Música Original: Arrigo Barnabé (BR)
Edición: Kris Niklison (AR), Karen Harley (BR)

Estreno comercial el 1 de febrero.

El 1 de febrero llega la sexta edición del Festival Temporada Alta a TIMBRe4

Entre el 1 y el 11 de febrero, llega a TIMBRe4 la 6ta edición consecutiva del Festival Temporada Alta en Buenos Aires (TABA). En esta nueva edición, se presentarán espectáculos provenientes de España, México, Perú, Uruguay, Chile, Francia, Brasil y Argentina. La programación incluye: la semana catalana, mesas de conversación, workshops, charlas y debates post función, actividades especiales, y el ya clásico y esperado Torneo de dramaturgia transatlántico, entre otras actividades. Las entradas se pueden adquirir a través de la web de TIMBRe4: www.timbre4.com.

Con pluralidad de montajes y artistas procedentes de diversos países, culturas y formaciones artísticas, la edición TABA 2018 brindará diferentes formas escénicas que se distribuirán por las tres salas de TIMBRe4, fundando un escenario para vivir dos semanas de variedad teatral. Clown, circo en pequeño formato, performance, teatro físico, música, marionetas, danza, entre otras propuestas, deleitarán la cartelera teatral porteña de febrero con cruces de universos que incluyen temas como: memoria, historia, marginación, discriminación, migración, dictadura, genocidio cultural, identidad, violencia y explotación, entre otros.

El jueves 1 de febrero, 19 h, se inaugurará la 6ta edición de TABA, organizado por TIMBRe4 y el Festival Temporada Alta de Girona, un clásico del verano argentino por el que ya han pasado más de 25 compañías (nacionales e internacionales) y más de 22.500 espectadores desde su primera edición en 2013. Cabe destacar, que Temporada Alta es el festival de artes escénicas que se celebra en las ciudades de Girona y Salt durante los meses de octubre, noviembre y diciembre. En las últimas encuestas, profesionales españoles lo han considerado como el festival más prestigioso de España.

Claudio Tolcachir destaca: Imaginamos un espacio de encuentro. Un lugar de aprendizaje, de cruce, de mezcla. Donde mirarnos en la mirada de otros mundos para crecer y reconocernos. Estamos tan solos y el teatro solo existe por el encuentro físico entre nosotros. Respirarnos, cuestionarnos, desconocernos, aceptarnos. México, Chile, Uruguay, Perú, Argentina, España y Francia se suman este año. Más talleres, workshops y el ya legendario torneo de dramaturgia. No puedo imaginarme un proyecto mejor en este instante del mundo que juntarnos con esto que amamos y nos quema el cuerpo y poner todo ese fuego juntito a trabajar. Los esperamos con más ilusión que nunca de que el teatro hace bien.”

Desde la edición 2015, el festival tomó expansión en otros países. Ese mismo año, llegó a Uruguay, y en 2016 se celebró la primera edición de Temporada Alta en Perú. Esto amplió la repercusión del evento, que se repetirá en esta nueva edición, ya que se desarrollará en simultáneo en ambos países.

La programación de la semana catalana 2018 en TIMBRe4, está conformada por tres producciones y el torneo de dramaturgia. En esta edición, el artista catalán Quim Girón presentará la propuesta de teatro físico: Indomador. Circo, danza y música conforman un espectáculo que nos muestra la fuerza incontrolable que todos tenemos dentro y nos conecta con nuestra animalidad más profunda. Cuerpos transgénicos, verticales, acrobacias con tacones, cuchara dentro de la nariz, lucha de gallos, danzas rituales.

La grilla catalana continúa con PLUJA, un trabajo excepcionalmente íntimo y cercano. Un espectáculo no convencional, con un público reducido que se encontrará cerca de la escena. La música de la pianista y compositora Clara Peya, creada especialmente para la ocasión, y el teatro de marionetas de Guiillem Albà se encuentran en un viaje poético, mágico y con toques de humor.

La tercera propuesta que llegará a Buenos Aires desde Cataluña es Psicosis de las 4.48 de Sarah Kane, interpretada por Anna Alarcón. La obra explora la región de la mente que la mayoría de los seres humanos desearía no tener que visitar nunca. Cabe destacar, que hasta el momento todas las presentaciones fueron en catalán, y en esta oportunidad será la primera vez que se realice en español. Alarcón recibió el Premio BBVA como Mejor actriz de teatro 2016.

Por Uruguay se presentará la obra Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón, interpretada por la reconocida actriz uruguaya Estela Medina con dirección de Levón. Medina, fue discípula de Margarita Xirgu en la primera generación de egresados de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático (EMAD) de Montevideo y primera actriz de la Comedia Nacional del Uruguay hasta 2008. Es preciso destacar que es la actriz más premiada del teatro uruguayo. El unipersonal ilumina el camino de un viaje a la memoria de Margarita Xirgu. El estreno mundial de la pieza tuvo lugar en marzo de 2017 en dFeria en Donostia, España.

Desde Perú, vendrá Savia un texto de Luis Alberto León, versionado y dirigido por Chela De Ferrari, fundadora y directora artística del Teatro La Plaza. La obra se inspira en una etapa poco revisada de la historia de Perú, la violencia y los abusos que sufrieron los indígenas amazónicos por empresarios caucheros. Esta pieza nace del festival de teatro Sala de Parto, y es la segunda obra de una trilogía que narra tres momentos críticos de la historia de Perú. Una obra intensa, como intensa fue la historia.

Por Chile, con dirección de Rodrigo Soto y dramaturgia de Gerardo Oettiguer se presentará Pompeya. La desaparición de una amiga en Santiago detona una crisis en un grupo de travestis, poniendo en riesgo sus vidas y las de sus rivales colombianas. “El travesti es una excusa para hablar de un Chile que trata a su gente como inmigrante en su propia tierra. Somos nosotros mismos excluidos”, cuenta el director. La obra se estrenó en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) con excelentes críticas y repercusiones en el público.

La segunda propuesta chilena es Yo maté a Pinochet un monólogo escrito e interpretado por Cristian Flores, el cual a través del personaje pone en relieve cómo la memoria permite un ejercicio crítico de evaluación del presente, no siempre grato de aceptar y de escuchar. La obra nos mostrará a Manolo, un ex combatiente de un grupo revolucionario marginado del relato oficial, quien nos cuenta sobre el reencuentro con personas de su pasado, a las que le confiesa, impulsado por la nostalgia, por el deseo de darle sentido a sus pérdidas, a sus decisiones y a su lucha, que él mató a Pinochet.

México estará representada por dos propuestas de formato íntimo por parte de la compañía Vaca 35, Teatro en grupo. Compañía que viene recorriendo festivales a nivel mundial, con sus creaciones. En TABA 2018 se podrán ver: Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar, versión a partir de Las criadas de Genet, obra emblemática del grupo, que, en sus más de 250 representaciones, se presentó en España, Cuba y México. La obra busca, a través de temas universales, indagar sobre el mundo, su violencia y su capacidad de marginación.

La segunda propuesta mexicana es Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar, creación teatral desde Tres Hermanas de Chejov. La obra propone una indagación profunda sobre el hastío que nos rodea en las relaciones frustradas de lo cotidiano. Planteamiento extremo en base a la honestidad actoral y la brutalidad del tedio. Las propuestas de Vaca 35, Teatro, fueron muy bien recibidas en España y se basan en la interacción con el público.

En esta nueva edición, con el fin de continuar fomentando la expansión y el cruce de fronteras, participarán dos nuevos países: Brasil y Francia. Por Brasil, La Compañía Periplo presentará la obra Celebración de la realidad. Con dirección de John Mowat, trae a la escena cuentos de El Libro de los Abrazos de Eduardo Galeano. A través de un lenguaje sintético y bien humorado cada una de las escenas presenta el punto de vista de gente anónima y nos invita a reflexionar y cuestionar nuestra participación en la construcción de la Historia.

Por Francia, se presentará la obra Réparer les vivants (Reparar a los vivos), adaptación de la novela de Maylis de Kerangal por Emmanuel Noblet. Montaje sobre un trasplante de corazón: cómo el corazón de Simon, de 19 años, puede reemplazar el de Claire, de 50 años de edad. Con el suspenso y la velocidad de nuestro tiempo, Maylis de Kerangal nos ofrece esta historia que reconcilia la finitud y el genio humano.

Argentina estará representada por Teatro del Bardo y la obra El Cruce, adaptación del cuento homónimo de Sebastián Borkoski y relatos de Horacio Quiroga. Un cruce de universos donde conviven la literatura, la música y la danza. Formado en Entre Ríos, el grupo Teatro del Bardo, extendió su trabajo a diversos países de América Latina y Europa.

Como en cada nueva edición, el Mediterráneo y el Río de la Plata se medirán en el Torneo de dramaturgia transatlántico en el que dos autores catalanes (Laia Alsina Ferrer y Xisco Rosselló) se retarán en un ring con dos autores argentinos (Leonardo Hofman y Carolina Steeb). Los competidores leerán sus textos y el público, mediante votación popular, determinará el ganador. Los primeros enfrentamientos serán determinados por la organización del torneo mediante sorteo, y la lectura de los textos se hará sin develar los autores al público asistente, hasta la gran Final.

Con nuevos universos, diversidades, experiencias y contenidos artísticos, TIMBRe4 da comienzo a su temporada teatral 2018 con el encuentro que celebra la fusión de propuestas e intercambio. Una mixtura cultural donde el calor se convierte en el escenario para la celebración de las artes escénicas gestando vínculos y complicidades culturales. Desde el 2013, TABA es la cita teatral ineludible del verano argentino.

Las entradas para los espectáculos, están a la venta a través de la web de TIMBRe4: www.timbre4.com. Entrada general $280. Hay packs: 3 x 600 y un abono pack todo TABA x $2.100

Crítica: Detroit, zona de conflicto.

La dupla Kathryn Bigelow y Mark Boal, en dirección y guión respectivamente, han hecho una recreación histórica de los disturbios que ocurrieron en Detroit en 1967

Bigelow, única ganadora mujer del Oscar a Mejor Director, se vuelve a lucir en un film que reconstruye un incidente que marcó la historia de la ciudad de Detroit.

Relata el ataque de la policía de Detroit en el motel Argiels contra un grupo de afroamericanos, durante una de las revueltas racistas más grandes de la historia de Estados Unidos.

La policía asesino a tres hombres desarmados y golpea brutalmente a otras nueve personas entre ellas dos mujeres blancas. Describe también el levantamiento tras años de abusos y ataques racistas injustificados.

Aunque la película esté contada por una de las mejores directoras de la época, hay escenas que pueden resultar un poco largas y que le terminan sacando el dramatismo que viene teniendo el film. Igualmente Kathryn Bigelow logra siempre lo que se propone, cuenta desde una mirada imparcial los hechos que ocurrieron en esa convulsionada Detroit de la década del 60.

Difícil contar desde la mirada del blanco la opresión que vivieron y en muchos casos sigue viviendo la comunidad negra. Bigelow puede decir que sale indemne de la prueba.

FICHA TÉCNICA

ELENCO: John Boyega, Anthony Mackie, Algee Smith DIRECCIÓN: Kathryn Bigelow GUIÓN: Mark Boal GÉNERO: Drama/ Historia DURACIÓN: 143 minutos Calificación: 8/10

Alejandra Martínez

Crítica: El Declive, de Nelson Valente

La pieza se desarrolla en torno al vínculo entre dos matrimonios de adultos maduros, que transformarán un domingo rutinario y aburrido en un oscuro caos donde las miserias más profundas de cada individuo salen a luz. El Declive propone así una reflexión acerca del modo en el que construimos la felicidad y la posibilidad de cambiar de paradigmas aún en el último instante.

Tito y Antonio son amigos desde la infancia, Nelly y Susana, sus respectivas esposas también entablaron una amistad. Es un domingo tranquilo, como cualquier otro en el cuál se juntaron a almorzar como acostumbran a hacer.
Ellas se encuentran conversando mientras ellos están en el patio, Tito, el dueño de casa, es bastante inquieto y rezongón, se puso a ordenar aunque no encuentra nada y pide todo a su esposa. Ambas parejas paran a descansar y disfrutar de un café, pero
mediante una invitación que hace Nelly a un próximo almuerzo, la tranquilidad se ve irrumpida ya que ese día Antonio tenía planeado ir a pescar, Tito se enoja por el
rechazo y desencadena una discusión la cuál lleva a mostrar las miserias de todos.

El argumento tiene una linea y en determinado momento se cambia rotundamente el curso de la historia. Con actuaciones destacables, convincentes, y personajes muy
bien logrados, esta pareja de matrimonios, logra sumergirnos y hacernos parte de la discusión de ese living. El director describe la obra como “Una tragicomedia con tintes
realistas”, cuya descripción se asemeja a la temática que lleva “El loco y la camisa”, otra obra de Nelson Valente, que actualmente está en cartel con su octava temporada. Una obra contada a través de un realismo crudo, la obra aborda interrogantes y
conflictos universales del ser como el valor de la libertad, el desgaste propio de las relaciones y los mandatos sociales.

El Declive es una obra que nos invita a reflexionar acerca del modo en el que construimos la felicidad y la posibilidad que tenemos de poder
modificar el curso de las cosas.

Autor: Nelson Valente

Elenco: Enrique Amido (Tito) / Cristina Pachi Molloy (Susana) / Carlos Rosas (Antonio) / Lide Uranga (Nelly)

Fotografía: Mariana Fossatti

Diseño gráfico: Sebastián Carzino

Prensa y Comunicación BTE: Silvina Linzuain, Sebastián Carzino

Asistente de dirección: Leandro Calcagno

Dramaturgia, puesta en escena y dirección: Nelson Valente

Rubro del espectáculo: Comedia dramática / tragicomedia

Duración: 60 minutos

Funciones: Jueves 22:30 hs Teatro el picadero (Enrique Santos Discepolo 1857 CABA)

Entradas en la boletería del teatro y por Plateanet.

Julieta Ale

 

 

 

 

 

 

Dalia Gutman en «Cosa de minas»

En este unipersonal de Stand Up, Dalia Gutmann intenta explicar por qué las mujeres se comportan como se comportan, a través de su mirada humorística. Con canciones, hay una sorpresa en mitad del show, videos y un monólogo de más de una hora.

“Cosa de Minas” es un unipersonal de stand up que intenta explicar con humor el particular comportamiento femenino. Con videos, canciones y un monólogo de una hora diez, Dalia comparte sus experiencias y se divierte reflexionando acerca de lo que les toca vivir a las mujeres. El show provoca una catarsis generalizada: Las mujeres se sienten identificadas y acompañadas, y los hombres entienden un poco mejor de qué se trata este revuelto de emociones que implica ser mujer. Estrenado en Febrero de 2011, “Cosa de Minas” ha recorrido numerosos escenarios de Argentina (Rosario, Mendoza, Neuquén, Mar del Plata, Pinamar, Villa Gessell, Bariloche, Bahía Blanca, Tandil, La Plata, muchas localidades del Gran Buenos Aires) y también se ha presentado en Guayaquil (Ecuador), Lima (Perú) y Montevideo (R.O.Uruguay). En su 7mo año de éxito en la cartelera porteña, hombres y mujeres disfrutan de este unipersonal que constantemente se renueva

Dalia cuenta sus experiencias y se ríe de sí misma y de lo que nos toca vivir diariamente a las mujeres. Aunque el show es para mujeres los hombres que vayan podrán entender un poco más las emociones femeninas.

Y si bien ya hace 7 años que está en cartelera, si no la viste es muy recomendable para reírte de nosotras mismas.

Dalia Gutmann

Cosa de Minas en el Teatro Maipo – Reestreno a partir del miércoles 17 a las 21.00hs

Entradas por Plateanet.

Alejandra Martínez

Crítica: La obra secreta

La película cuenta sobre las obras y pensamientos de Charles-Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920, como Le Corbusier (1887-1965) , suizo y nacionalizado francés, destacado arquitecto y teórico de la arquitectura urbanista, decorador de interiores, pintor, escultor y escritor. Para que tengamos una idea de quien estamos hablando una parte de la obra arquitectónica de Le Cobusier, en el 2006 fue inscrita como Patrimonio de la Humanidad, en la categoría de bien cultural .

Esta versión fílmica está dentro del género de ficción-documental. El actor Daniel Hendler interpreta a un arquitecto que se queda atrapado, caminando en las cornisas de la obsesión con la obra de Le Corbusier. El personaje siente desencanto de la profesión elegida, porque cuando se recibe abre un estudio y recibe trabajos para reformar baños, construir quinchos. Cuando estudiaba soñaba con hacer obras compartiendo el diseño moderno propuesto por Le Corbusier que habla de la “máquina de habitar”, que cuestiona a la geometría como uno de los causantes del retroceso en la arquitectura.

La película se centra en mostrar las características arquitectónicas de la Casa Curutchet, en La Plata, cuyos planos fueron realizados por Le Corbusier, en una única visita que tuvo a Buenos Aires. Fue una casa hecha a medida para consultorio médico y hogar familiar. Nunca se llegó habitar y se transformó en museo.

La dirección es de Graciela Taquini, quien ha logrado a través de imagen y audio, permitir que el público conozca a estar personalidad, y como la película lo dice en manos de Daniel Hendler, conocer a alguien a través de sus obras y no desde la mirada de las críticas. Cuando hablo que la directora ha priorizado mostrar la casa, muchos podrán pensar en algo trivial que se está tratando de magnificar pero no es así. La construcción está emplazada en un bello lote y les puedo asegurar que el diseño abre signos de interrogación, la luz entra perfecta a cada una de las habitaciones, hay paredes curvas, el paseo por esta casa, inevitablemente, atrapa al visitante.

El actor Mario Lombard encarna a Le Corbusier, con una excelente recopilación de frases y pensamientos. Hay un excelente trabajo de edición que permite apreciar cómo se puede a través de una cámara, realizar documentales, que permiten divulgar, enseñar sin descuidar la imagen, logrando que el espectador viaje, conozca y se interese por investigar.

Un poco de cal y no todo arena, diremos que la película es algo lenta, y para los muy ansiosos, puede ser tildada de muy lenta. Las ideas que expone Le Corbusier, no a todos les despertará interés, pero invito a que cuando la vayan a ver, reflexionen sobre cuanta verdad hay en que la arquitectura es arte y si es arte, debería estar bien pensada, en pos del bienestar y confort, porque hace a nuestra calidad de vida y no olvidemos como subraya Le Corbusier, que muchas veces, sólo prima el interés comercial.

Calificaciòn 7/10

Ficha Técnica

TITULO ORIGINAL: La obra secreta

ACTORES: Daniel Hendler, Mario Lombard.

DIRECCION: Graciela Taquini.

ORIGEN: Argentina.

FECHA DE ESTRENO: 25 de Enero de 2018


Reseña de Diana Decunto

Crítica: La noche del demonio, la última llave.

Se ha estrenado una nueva Insidious, esta vez realizando una conexión entre la tercera y primera entrega, sirviendo como secuela e historia de orígenes. Su resultado es superior al film anterior pero que aún así no alcanza el nivel de las primeras cintas dirigidas por James Wan, que han sido la clave del éxito de la saga.

La parapsicóloga Elise Rainier se enfrenta esta vez a aterradoras apariciones que tienen lugar nada más y nada menos que en su antigua casa familiar. Con el fin de ayudar a la familia que recién se ha instalado en esa cada, y que está sufriendo escalofriantes incidentes paranormales, Elise deberá enfrentar espiritus y fuerzas del mal y purgar la casa de su infancia en el reto más temible y personal de su carrera.

En este capítulo tenemos como protagonista a Elise (Lin Shaye), quizá el personaje más entrañable de la saga, y en el que le brindan un espacio para contar su historia y conectarla con el resto de los espisodios. La mejor parte de esta película es su inicio , que nos lleva a la niñez de Elise , que desde pequeña tenía el don de poder ver a los seres del más allá , algo que le ha ocasionado problemas con su familia. El comienzo es bastante extenso pero completo para conocer bien el pasado del personaje y que la llevó a hacer del don su trabajo y vida. Allí se ha encontrado con una de las peores tragedias de su vida, y en el futuro debe regresar para ayudar a un hombre y también enfrentar sus propios miedos.

La cinta se hace interesante por la historia de Elise, el conocimiento de su pasado y la conexión con el primer film. Así mismo la fórmula ya se siente agotada , utilizando recursos para innovar pero que quedan a medio camino. Es una película de terror efectiva , pero que no llega a ser una parte de lo que nos brindó James Wan hace años atrás.

Seguramente el carisma de los actores que representa Elise y su equipo es lo que salva a la cinta y la vuelve interesante. El humor siempre está presente, denotando la química entre los actores y sus personajes. Del resto hay poco que hablar , ya que las nuevas incorporaciones se han hecho para entablar cierto contenido emocional con Elise , pero que no pasan de ser interpretaciones caladas y llanas.

La noche del demonio: La última llave es una película del género de terror que resulta efectiva pero que denota el agotamiento de la saga. Ni la llave ni los demonios tienen el suficiente interés, salvo la historia y el protagonismo de su personaje más carismático, quien termina con una conexión con el primer film. Recomendable para aquellos que quieren ver una cinta de terror entretenida y que no esperan el nivel de las primeras Insidious.

Calificación 6/10

Crítica: Entonces la noche, de Martín Flores Cárdenas.

Contra los deseos de su madre, un niño decide salir a buscar a su padre que los abandonó una noche; años más tarde la tranquilidad de una mujer se ve perturbada por una sucesión de hechos misteriosos; un policía investiga una serie de asesinatos bestiales y una prostituta intenta sobrevivir en un mundo que la acecha permanentemente…

Un escenario austero, un sillón viejo, algunas sillas, y al fondo un panel de luces. Dos hombres enfrentados con sus guitarras, acercándose al estilo lejano oeste mientras tocan una melodía digna de esa imagen, sentados a lo largo del sillón y las sillas que lo rodean, aparecen los protagonistas de la obra, que dando la sensación de amistad y cotidianidad entre sí, comienzan a turnarse y a contarnos historias, a forma de monologo ,mientras los otros escuchan sin acotar más que miradas cómplices o risas.

Un niño quién es abandonado por su padre y decide buscarlo, una mujer con una marcada soledad, un policía y una prostituta , todos ellos tienen en común historias que la llegada de la noche consigo miedos e incertidumbres, situaciones misteriosas donde las guitarras acompañan el clima y lo no dicho.

A Martín Flores Cardenas lo conocía por su anterior trabajo en “Entonces Bailemos” que fue muy aclamada en el circuito off del teatro porteño, esta vez su apuesta subió y fué por una obra que entra dentro del circuito comercial, con protagonistas como Cecilia Roth y Dolores Fonzi, en una sala de Paseo la Plaza.

No sólo el nombre hace guiño a su trabajo anterior, sino también ese estilo del vestuario, que podríamos llamarlo algo así como “western argentino”, y la forma en que sus personajes se relacionan. Ya sabemos que es un director cuya narrativa funciona, y las actuaciones son realmente muy buenas, se destacan Roth y Fonzi, que son muy bien acompañadas por Díaz y Arengo, acertados en sus personajes que permanecen en escena hablando al público, con un contenido fuerte y melancólico , captando en todo momento al espectador, que espera ansioso saber como terminó la noche de cada uno.

FICHA TÉCNICA
Una obra de MARTIN FLORES CARDENAS
Elenco: CECILIA ROTH – DOLORES FONZI – GUILLERMO ARENGO – EZEQUIEL DIAZ

Músicos: FERNANDO TUR, JULIAN RODRIGUEZ RONA

Música Original: FERNANDO TUR
Diseño de Escenografía: ALICIA LELOUTRE
Diseño de Iluminación: MATIAS SENDON
Diseño de Vestuario: ANA MARKARIAN & ALICIA MACCHI
Asesor de Movimiento: MANUEL ATWELL
Director Técnico y de Montaje: JORGE H. PEREZ MASCALI
Asistente de Dirección & Stage Manager: MARIANA BINDER
Vestidor: HECTOR FERREIRA
Fotografía Estudio: ALEJANDRA LOPEZ
Comunicación: Audiovisual MILWATTS
Comunicación Digital: BUSHI CONTENIDOS
Producción Gráfica: ROMINA JUEJATI
Comunicación Visual: GABRIELA KOGAN
Prensa: SMW

Productora Ejecutiva: CARLA CARRIERI
Director de Producción: ARIEL STOLIER
Productor general: PABLO KOMPEL

FUNCIONES: MIERCOLES Y JUEVES 20:45 HS / VIERNES 21 HS / SABADO 20 Y 22 HS / DOMINGO 20HS

LOCALIDADES: desde $550°°

VENTA DE ENTRADAS DESDE EL 22 DE DICIEMBRE DE 2017

POR SISTEMA PLATEANET www.plateanet.com 5236-3000

www.paseolaplaza.com.ar

Julieta Ale

Reseña: Amado mío

Amado mío es un espectáculo musical dirigido por Valeria Ambrosio, que resulta algo peculiar y exquisito de ver. Peculiar porque cuenta con un repertorio interpretado en italiano , algo que quizá sea difícil de comprender para el público , pero es exquisito porque genera mucho interés a pesar de ello, traspasando la barrera que puede presentar la diferencia de idioma. ¿Porque resulta tan disfrutable este espectáculo? Porque tiene una dirección impecable , hecho para que el público se deleite con sus canciones desde lo vocal y corporal, cosa que también se destaca por el gran talento de los actores en escena.

Podemos ver en la puesta que existe cierto contenido argumental, ese contenido viene a tratar el tema del amor y de la comunicación , sobre los distintos medios que existen para poder expresarse. Así mismo se recrean las escenas a través de la música, en su mayoría interpretados en el idioma italiano , que permite denotar la dulzura y pasión que quiere transmitir. La pasión también es un tema presente , más allá del mensaje sobre amar y ser amado , nos encontramos con aquellos ingredientes que lo hacen posible o que intensifican estos sentimientos. También podemos notar la clara presencia masculina, el uso de la sensualidad y el deseo entre ellos que se transmite también hacía el público haciéndolo participe de ello.

El trabajo actoral e interpretativo resulta lo más destacable en esta bella pieza, como se había mencionado antes , hay una intensa presencia masculina encabezado por Nacho Pérez Cortes , Esteban Masturuni y Emanuel Robredo Ortiz , quienes se desenvuelven con soltura y carisma hacia el público. Flor Benítez es la única mujer en el elenco, con un excelente manejo del escenario y su potente registro vocal , deja su huella en el show deleitándonos en cada uno de sus cuadros musicales. Willy Lemos funciona como nexo entre lo musical y lo teatral, añadiendo texto y un mensaje sobre la temática de la obra.

El Maipo kabaret funciona como un espacio íntimo para conectarse junto a la obra , detalle importante también es la presencia de músicos en vivo , que siempre es un recurso importante y embellece la puesta escénica. La dirección de Valeria Ambrosio es precisa , desde el manejo actoral , el uso del vestuario y la escenografía , que completan ese espacio sensual y elegante.

Amado mío es una propuesta jugada y distinta , que permite conectar al público desde su música, el espacio escénico y el gran despliegue actoral. Las canciones en italiano no resultan ninguna barrera para que el espectador entienda lo que la obra quiere brindar, aquel simple y sincero amor.

Ficha técnica

Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge

Coaching Actoral: Willy Lemos

Arreglos, Dirección y Producción Musical: Matías Chapiro

Actúan: Florencia Benitez, Nacho Pérez Cortés, Esteban Masturini, Emmanuel Robredo Ortiz y Willy Lemos

Piano y Melódica: Matías Chapiro

Flauta y Saxo tenor: Juan Sak

Violoncello y Contrabajo: Adrian Speziale

Sobre una Idea de: Kinucha Mitre

Dramaturgia: Valeria Ambrosio

Colaborador para Dramaturgia: Sebastian Suñé

Vestuario: Calandra-Hock

Escenografía y Arte: www.adiaznavarro.com

Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Producción Ejecutiva: Franco Gandullo

Asistente de Dirección: Leo Gaetani

Dirección: Valeria Ambrosio

Redes Sociales @amado.mio.musical

Todos los viernes, sábados a las 21:00 hs

y los domingos a las 20:00 hs.

Maipo Kabaret – Esmeralda 443

Entradas: desde $250

En la boletería del teatro o en Platea Net

Daniel Alvarez