Review: Todo el dinero del mundo

Recuerdo que esta película me llamo la atención unos meses atrás gracias a Kevin Spacey. Fue elegido para protagonizar a el magnate John Paul Getty, pero las fuertes declaraciones de famosos estadounidenses sobre acoso sexual, en menos de un mes de su estreno, se decidió sacarlo de la película, siendo reemplazado por Christopher Plummer.

«El hombre que tiene hijos, le da rehenes a la fortuna»
Esta historia, que esta basada en hechos reales (con algunas escenas dramatizadas), ocurre mayormente en la década de los 70 en Europa, mas precisamente en Italia, donde secuestran a al nieto adolescente de John Paul Getty (Christopher Plummer), multimillonario creador de la petrolera Getty Oil, pidiendo 17 millones de dolares para su liberación.

Getty decide mandar a Fletcher Chase(Mark Wahlberg), un ex agente de la CIA, para ayudar a Gail Harris (Michelle Williams) madre de Paul (Charlie Plummer) para poder encontrarlo. El conflicto del film claramente se ve, por una parte, la ambición de un hombre con su dinero y el no querer pagar por el rescate y por la otra, una madre tratando de recuperar a su hijo a costa de su ex suegro.
Durante la trama, te explica como el hombre mas rico del mundo, construye su fortuna con el petróleo, su relación personal con su familia y los dias del secuestro de Paul.

Todos las historias reales llevadas a la pantalla grande suma mas expectativa de lo que se va a narrar, como se va a narrar y quien lo dirigirá. Al escuchar el nombre Ridley Scott, ya he imaginado una gran película que debes ir a ver, con sus grandes proyectos por detrás que lo defienden, siendo ésta una de las cintas más atractivas de su filmografía reciente.

Calificación:8/10

TITULO ORIGINAL: All the Money in the World

ACTORES PRINCIPALES: Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Michelle Williams.

GENERO: Policial, Nominada al Oscar, Drama, Biográfica.

DIRECCION: Ridley Scott.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

Fernando Benítez

Reseña: ¿Oíste papá?

¿Oíste papá? aborda el conflicto entre los miembros de una familia armenia. Tres generaciones de varones: abuelo, hijo y nieto. El regreso de la hija mujer del exterior sacará a la luz secretos, mentiras, la relación intergeneracional con nuestros mayores y las distintas miradas sobre el mundo cotidiano, la historia y el compromiso con lo social.

Ésta es una comedia que habla sobre la inmigración (en este caso la armenia), de la familia y de lo cotidiano. Observamos la relación de un hijo con su padre, ya mayor pero aún lúcido y fuerte, de sus diferencias, sus discusiones, pero también el profundo amor que subyace. Los cuidados y recomendaciones de Yirair para con su viejo padre, Garbis; los enojos cuando el viejo padre se comporta como un rebelde adolescente; los caprichos e ideas fijas, los asuntitos de Garbis con sus amigos, su obsesión con determinada cifra, la queja constante y, cuando se le hace notar, la negativa. Todo siempre en un tono que nada tiene de agresión y posee mucho de confidencia. La imaginería desbordada de Garbis: resulta que dice comunicarse con su esposa ya fallecida, y ésta le cuenta de un tesoro enterrado en el jardín. Entonces, a cavar hasta encontrarlo, tarea ésta en complicidad con Aram, su nieto mimado, el hijo un tanto díscolo de Yirair. Cavar para desenterrar aquello que está escondido. Una discusión por la hija que viene desde Armenia a visitarlo, luego de muchos años de no comunicarse, menos verse, todo lo pone en jaque. Es entonces que
se descubre un secreto familiar, una “verguenza”, de esas basadas en prejuicios y mandatos sin reflexión, una suerte de honorabilidad que más que dignificar, corrompe. Aram, comprensivo trata de unir, de curar heridas del pasado, de apelar a los sentimientos más profundos. Y al perdón, como bálsamo de lo más
precioso que tiene una familia: el reconocerse uno en los gestos, en la mirada de los otros.

Correcto trabajo el de los actores Kalusd Jensezian, Jorge Ducca y GastónbSantos. La dirección de Herminia Jensezian es prolija y permite el lucimiento de los actores y valoriza lo que se esconde por debajo de este relato familiar.

Ficha Artístico Técnica

Actúan: Garbis: Kalusd Jensezian / Yirair: Jorge Ducca y Aram: Gastón Santos

Asistencia de Dirección: María Laura Laspiur /Diseño espacial y de iluminación: Herminia Jensezian /Coreografía: Tro Jensezian /

Ilustración: Juan Pablo Cuchian / Fotografía y Diseño Gráfico: Edgardo Kevorkian / Producción Ejecutiva: Marina Kryzczuk

Traducción, Adaptación, Puesta en Escena y Dirección General: Herminia Jensezian

Producción General: TADRON Teatro / Prensa & Difusión: Simkin & Franco

Funciones: sábados a las 20.30hs

Dónde: TADRON Teatro

Dirección: Niceto Vega 4802

Informes: 4777-7976

www.tadronteatro.com.ar

Entrada General: $200/ Dto para Estud y Jubilados:$150

https://www.facebook.com/tadron/

Duración de la obra: 1 hora

A.R Belano

Crítica: Las horas más oscuras

Winston Churchill se convirtió en primer ministro del Reino Unido, en 1940. Sin embargo, subió al poder durante los momentos más cruciales de la Segunda Guerra Mundial debido a que el ejército nazi avanzaba de forma imparable por el continente europeo, con la amenaza de invadir Inglaterra. Las horas más oscuras (Darkest Hour) plasma las acciones de Churchill, quien tuvo que embarcarse entre la posibilidad de un tratado de paz con Alemania o ser fiel con sus ideales para luchar porque Reino Unido no caiga en manos de los Nazis.

El político es encarnado magistralmente por Gary Oldman, a quien no se reconoce gracias a la gran caracterización realizada por los maquilladores y además por sus inflexiones vocales, desplazamiento escénico y vestuario. Su presencia se hace notar en la cinta y logra dar vida a un personaje histórico que es considerado, por muchos, como muy polémico y hasta desagradable.

A Oldman lo acompañan Kristin Scott Thomas como su esposa, Clementine Churchill; Ben Mendelsohn como el Rey Jorge VI; Lily James como la secretaria personal del primer ministro, Elizabeth Nel; Ronald Pickup como el primer ministro Neville Chamberlain; y Stephen Dillane como Lord Halifax, secretario de Relaciones Exteriores.

Joe Wrigth dirige a este excelente elenco, con guión de Anthony McCarter (La teoría del todo) y una gran fotografía de Bruno Delbonnel (Amélie). En ésta biopic coherente, Wrigth nos muestra a un dirigente pragmático que es capaz de tomar decisiones difíciles en pos de su nación. Obvio que cuenta con su postura ideológica, nada raro en películas históricas.

Calificación: 8.5/10

TITULO ORIGINAL: Darkest Hour

ACTORES PRINCIPALES: Lily James, Gary Oldman.

GENERO: Nominada al Oscar, Histórica, Drama, Biográfica.

DIRECCION: Joe Wright .

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 15 de Febrero de 2018

Alejandra Martínez

Reseña: El puente Azul

Todos los viernes y sábados de febrero a las 21:00 hs (Última función: 24/02) en la sala Redonda del Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444), la obra de teatro y musical «El Puente Azul» te permite ver al teatro en su conexión más íntima con la emoción, la ternura y el amor. La actriz Dolores Ocampo y el actor Mariano Mazzei, ambos con un hermoso brillo en la mirada, cualidad innata de la juventud, recrean en un formato musical la historia de dos generaciones. Una la de los abuelos inmigrantes italianos que apretados económicamente se vieron obligados a cruzar el Puente Azul viniendo de la Europa para hacerse la América. Tal vez en el pasaje de barco que compraron nuestros abuelos olvidaron leer la letra chica que les explicaría que significaba hacerse la América. Estos mismos personajes vuelven al presente en el rol de nietos, ellos se conocen en París y se terminan enamorando, una italiana: Evangelina y un porteño: Roni. Todo genialmente condimentado con hermosas canciones, donde el texto, dirección musical, interpretación en piano es de Fernando Albimarrate sobre una idea original de Mariano Mazzei.

La dirección general es de Emiliano Dionisi quien tiene el mérito de saber teatralmente mostrar ese tejido entre el presente y pasado con una exquisita gracia, permitiendo a Dolores Ocampo y Mariano Mazzei demostrar lo que pueden hacer arriba de un escenario.

Los personajes en algunas escenas se les pianta un lagrimón lo que profundiza el sentimiento. Esa cuota de emoción fue viral hacia el público porque creo que quienes provenimos de inmigrantes no podemos evitar emocionarnos y agradecer a todos aquellos que quieran rendirle homenaje y más si la calidad interpretativa, la selección musical, la puesta en escena reúne el nivel de excelencia que logra esta obra.

Recomendamos «El puente azul» una historia de amor y de distancia contada con música y canciones.

Ficha técnica:

Texto y música: Fernando Albinarrate

Idea original: Mariano Mazzei

Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei

Piano: Fernando Albinarrate

Violín: Nicolas Reboredo

Diseño de vestuario: Marisol Castañeda

Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra

Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco

Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi

Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky

Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra

Producción general: Compañía Criolla

Fotografía: Lau Castro

Dirección musical: Fernando Albinarrate

Director asistente: Juan José Barocelli

Dirección general: Emiliano Dionisi

Duración: 65 min.


Reseña Diana Decunto

Review: 3 anuncios por un crímen

Mildred es una mujer de mediana edad, áspera,un tanto masculina en sus maneras, dura como una piedra y al límite de la violencia. Es de ese tipo de personas que se manifiestan en su vida, con valores que no siempre coinciden con la moral de turno, pero que indefectiblemente se someten
al rigor de su propia ley, para su bien ó para su mal.

Uno no se atrevería a invitar a Mildred para que te alegre la fiesta, ahora, si estás en problemas, y ella te dijo que estaría con vos… andá preparando las vituallas, puede que sea un largo y sinuoso viaje, pero no lo harás solo. Mildred vive en un pueblito en los suburbios de Missouri (EE.UU.), y hace varios meses violaron a su hija, la mataron salvajemente y destrozaron su cuerpo, le prendieron fuego. Sucedió en un camino apartado, poco transitado, un tanto
periférico, a la vera de unos carteles de esos que tanto hay en las rutas.
Mildred contrata el servicio de esos carteles.

3 anuncios.
Tal 3 cruces en el Gólgota de ese suburbio de Missouri que hablan de un sacrificio, el de la joven hija de Mildred, el de ella misma…

“Violada mientras moría”

“¿Todavía no hay arrestos?”

“¿Cómo pasó, jefe Willoughby?”

Harta de no obtener justicia, de que la investigación por el horrendo asesinato de su hija no obtenga resultado alguno, Mildred grita al pueblo, a su pueblo, su reclamo. Y es escuchada por los medios. Y también por las autoridades y por sus conciudadanos. Entonces es, que esos 3 anuncios funcionan como un
revulsivo, un catalizador de voluntades, recibirá algún apoyo: la gente de raza negra, los latinos, los apartados de la fiesta. Y tendrá poderosos opositores: el cura que viene a darle consejos y Mildred lo pone en su lugar (que es el de los
miserables); y los policías. El relato los ubica aún con la impronta racista y
fascistoide en casi todos, pero especialmente en el agente Dixon, muestrario de brutalidad y prejuicio. Y otros, que apoyan a esta runfla de impresentables.

El sheriff Willoughby, objeto del ataque en los anuncios, es apreciado por el pueblo y por sus subalternos. Y aunque no es un dechado de sagacidad, es un buen esposo, un tierno padre, y enfrenta un interrogante (el asesinato de la
chica), que luego observaremos está más allá de sus capacidades, las propias y las del recurso humano que maneja ( “De 15 policías que tengo, debería echar a 11 por racistas. Y me quedaría con 4 homofóbicos”, dice).
Convengamos también, que Mildred no es un compendio de virtudes. Aunque mejor que los policías, es capaz de acciones brutales y tampoco está exenta de prejuicios. Para conseguir sus fines, no observa en detalle los medios a utilizar.
Todos los personajes de la película parecen tener opacidades y cargar culpas. Pueblo chico, infierno grande, expresa el dicho. Y en este pueblito de Missouri parece ser así.
El jefe Willoughby se suicida (tenía un cáncer terminal, que todos en el pueblo sabían) y el único retén de la bomba humana que es el policía Dixon, ya no está, por lo que por una explosión de violencia descontrolada y sin sentido, Dixon es expulsado de la fuerza policial por el nuevo jefe asignado. Un sheriff de raza
negra. Paradojas del destino, que se dice. Y si de paradojas hablamos, es Dixon, el ex policía, el golpeador, el racista, el borracho, quien escuchará una conversación casual en un bar (donde, si no), de alguien que cuenta como violó a una chica, para luego calcinarla. Dixon provoca al jactancioso abusador, y en una pelea obtiene su ADN.
También la patente de su vehículo. Lleva ésta información a la policía y luego de las averiguaciones pertinentes, les informan que es un soldado combatiente en
el Oriente, en una de las tantas guerras que emprende el gran país del norte. Les dicen que no es posible que haya estado en Missouri cuando sucedieron los hechos. En suma: es obvio que les mienten. Protegen un buen instrumento para
matar. Y si de paradojas plantea la película: un viaje en busca de justicia, pero que se parece un tanto a la venganza, une a Mildred y a Dixon, en camino a otra parada de ese infierno tan temido, como inexorable.

El inglés Martin McDonagh realizó un film estructurado como un policial, pero con densidad de tragedia griega, cruel, sin concesiones, donde todos los personajes son perdedores y de algún modo permeables a las ominosas fuerzas en juego.

La música de Carter Burwell, habitual musicalizador de los Hnos Coen, es sutil y elocuente en sumo grado.
El guión de McDonagh, es el sólido andamiaje que sostiene la potencia narrativa de la película. Frances McDormand compone un personaje difícil de empatizar, y lo logra con
maestría. Su Mildred es una furia con el corazón lacerado. Soberbia actuación. Woody Harrelson compone un sheriff Willoughby querible, con gestualidad mesurada, lo que es raro en éste actor. Uno de sus mejores trabajos. Sam Rockwell como el policía Dixon, tal vez al límite de la caricatura, pero no desentona.
Muy buen film.

Guión y Dirección: Martin McDonagh
Fotografía: Ben Davis
Música: Carter Burwell
Elenco: Frances McDormand. Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage,
Caleb Landry Jones
Origen: EE.UU.

A. R. Belano

Crítica : 50 sombras liberadas

Es difícil realizar una crítica objetiva de un film, del que si bien no me ha parecido una aberración, se trata de una entrega que es «Solo para fans». Seguramente aquellos fans de la trilogía de E.L James estarán más que emocionados con el final , y los demás, contentos de que al fin haya terminado.

Tercera y última entrega anunciada de la saga. Anastasia Steele y el millonario Christian Grey caminan al altar. Después de su luna de miel, en la que ocurrieron incidentes aislados regresan a Seattle donde Ana descubre una noticia que cambiará la vida de la pareja.

Cabe decir que la historia es una de las más flojas de la trilogía , el cierre responde más bien al peligro en que se ven sometido Christian y Anastasia , al encontrarse que quiere vengarse de ellos y hace difícil su recién vida de casados. Si bien muchas cosas se han resuelto entre la relación de estos lindos y cachondos , vuelven los problemas de parejas relacionado a lo que se quiere para el futuro, si, hablamos de hijos. Después de eso no hay mucho más que algunas escenas regaladas de sexo , aunque sin el interés y la intensidad mostrada en las anteriores entregas. La cuestión es que la historia terminó, y solo aquellos que la han seguido desde el principio , están pendientes de su desenlace que ha sido correctos pero sin grandes emociones.

En cuanto a las actuaciones, convengamos que es Dakota Johnson quien brilla con su interpretación, gracias al carisma que tiene , y Jamie Dornan, simplemente es el tipo buenorro que no tiene mucho más que eso. Es la realidad pero es lo que se ha buscado desde un principio , la química entre los personajes es natural y el público la ha comprado , eso es lo que importa.

También toca decir que el film pierde fuerza también en lo técnico y estético , mostrando antes una fotografía mucho más cuidada , al igual que su música, que ha sido un deleite en las películas anteriores . Lamentablemente no se ha trabajado mucho en eso , sino más bien en cerrar la historia de una vez por todas sin importar lo que se pierda en el camino.

50 sombras liberadas es una película que está dirigida a aquellos que aún siguen interesados en ser parte del desenlace de esta historia. Es una película correcta pero que pierde fuerza tanto en su guión como en la dirección de James Foley. Aprovechen a ver por última vez a esta pareja de lindos y ricachones , antes de que sean felices y ardientes por siempre.

PD: las comparaciones con el libro se las debo.

Calificación: 6/10

TITULO ORIGINAL: Fifty Shades Freed

ACTORES PRINCIPALES: Jamie Dornan, Dakota Johnson.

GENERO: Romance, Drama.

DIRECCION: James Foley.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

105 Minutos

Crítica de cine : Recreo

Crítica de Maximiliano Pouchan

Tres parejas con sus hijos pasan un fin de semana en una cómoda casa en medio del campo. Alejados de todo y dándose una pausa de lo cotidiano.

Andrea y Leo (los anfitriones) son una pareja de profesionales con un hijo que está entrando en la adolescencia. Han viajado mucho y han disfrutado todos los placeres que un buen pasar económico les ofrece, y más. Llegan hasta allí, sandía en mano y desesperados de hambre, Sol y Nacho, que son padres de trillizos. Ella está abocada a ser madre y él parece no terminar de madurar. Completan el grupo Mariano y Guadalupe, recientemente padres de su primer hijo. Él, vegano, con una educación especial y una mirada del mundo más abstracta y elevada, acaba de dejar su trabajo y está intentando construir ideas nuevas y revolucionarias. Ella trata de acomodarse a su nuevo rol de madre.

Entre cenas y almuerzos, pileta y sol, seremos testigos de divertidas conversaciones sobre las fantasías, los miedos, el pasado y el futuro. Sobre la cama y puertas adentro conoceremos más detalles de cada pareja que, copas de vino mediante y otras yerbas, irán aflorando y saliendo a la luz transformando el tinte cómico en drama.

La historia está presentada como una comedia sobre personas que están entrando a los 40. Y claramente es así. Pero en realidad habla de atravesar etapas. Sobre la incertidumbre de lo que vendrá. Y la crisis que implica abrir una puerta y dejar atrás cosas.

Es una película bien escrita, bien realizada y bien actuada. Por momentos está al borde de caer en lugares comunes, y en otros instantes aparecen situaciones e imágenes que vuelven a la historia más interesante.

Debo confesar que Recreo ha superado mis expectativas, pero siento que los directores y autores podrían haber ido más lejos, que había más tela para cortar y que podría haber sido un film más importante y con más personalidad. Es, sin embargo, una muy buena película, ya que, aunque con un perfil comercial, se vuelve más que eso: es un pequeño recreo de la realidad en la que habitan los personajes, casi como si volvieran a la infancia, al juego.

Calificación 8/10

Recreo (Argentina/2018)

Guión y dirección: Hernán Guerschuny y Jazmín Stuart.

Elenco: Carla Peterson, Juan Minujín, Fernán Mirás, Jazmín Stuart, Martín Slipak, Pilar Gamboa, Ramón Cruz, Agustín Bello Ghiorzi, Zoe Levinson y Ámbar Rodríguez.

Fotografía: Marcelo Lavitman. Música: Juan Blas Caballero.

Dirección de arte: Ailin Chen.

Edición: Agustín Rolandelli.

Sonido: Emiliano Biaiñ y Marcos Zoppi.

Distribuidora: Buena Vista International.

Duración: 96 minutos. Apta para mayores de 16 años.

Crítica: 15:17 Tren a París

Como si de Frederick Zoller se tratase…

Basada en un evento real, la película se centra en tres amigos americanos que, por esos oscuros chistes del destino, terminaran siendo heroes tras salvar a más de quinientas personas de un ataque terrorista a bordo de un tren que recorría todo Europa. Los protagonistas del evento, Anthony Sadler, Alek Skarlatos y Spencer Stone, se interpretan a sí mismos con la idea de narrar como llegaron hasta ese momento y como quedaron los muchachos tras un evento tan traumatico.

Clint Eastwood sigue más vigente que nunca en su faceta como director. Continuando con su tradición de brindarnos historias protagonizadas por HEROES REALES (ésta vez de una forma bastante literal) el cineasta presenta un proyecto que, a pesar de contar con un trabajo técnico aceptable, no logro convencerme.

No suelo quejarme del cine norteamericano y su obsesión de hablar de sus heroes, ya que es entendible que cada cultura quiera sacar a relucir sus virtudes ante otros paises … pero honestamente me tiene harto la propaganda militar de ciertos films. La película recrea la situación del ataque de ISIS al tren que recorría Europa, pero a la vez parecía que me estaban queriendo reclutar para ir a pelear a Irak.

El reparto adicional hace un buen trabajo acompañando la historia de estos muchachos, los cuales se desenvuelven bastante bien para no ser actores, y la música del proyecto se adecua bien a pesar de ser bastante escasa.

«15.17 Tren a Paris» no es mí tipo de película, pero como mí trabajo es ser objetivo para ustedes entonces les cuento que la forma de contrastar la rutina normal de tres hombres con la violencia que se vive hoy en día debido a lo absurdo de la guerra es algo que nos brinda un punto de vista bastante reflexivo. Yo si fuese ustedes no pagaría para verla, pero si algún día quieren deprimirse viendo cine realista veanla … yo prefiero evadirme con Batman y sus amigos.

Calificación: 5/10

TITULO ORIGINAL: The 15:17 to Paris

ACTORES PRINCIPALES: Alek Skarlatos, Anthony Sadler, Spencer Stone.

GENERO: Histórica, Drama.

DIRECCION: Clint Eastwood.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

94 Minutos

Crítica de Agustín Villegas

Reseña : Hansel y Gretel, una historia de chocolate.

Las propuestas infantiles o familiares no sólo están cuando tenemos cerca las vacaciones de invierno, sino es algo que está y debería estar en todo el año. Este fin de semana tuvimos el placer de ver «Hansel y Gretel», una adaptación libre del cuento de los hermanos Grimm. Con algunos giros y cambios argumentales , esta obra se presenta para entretener a los más chicos y a toda la familia.

«Hansel y Gretel» es un cuento más que conocido , si bien esta propuesta teatral tiene algunos cambios en la trama y los personajes , es fiel a la escencia del cuento y del mensaje que quiere dar. Hansel y Gretel salen al bosque a recolectar alimentos (esta vez con permiso de sus padres), al perderse en el bosque se encuentran con una casa hecha de golosinas, donde habita una malvada bruja que tiene el deseo de comerse a los pequeños visitantes. Lo básico ya lo sabemos , y es lo que la propuesta respeta en su adaptación, lo demás es resultado de lo que se logró componer en su puesta escénica en función del humor y el entrenamiento para los más chicos.

Los ingredientes básicos para realizar una obra infantil se llevan a cabo a través de el humor , la música y el mensaje o lección que nos deja cualquiera de estas aventura. Todo se encuentra presente y bien trabajado, brindando una propuesta que si bien es sencilla pero logra su objetivo de entretener. Hansel y Gretel seguramente aprenderán a desconfiar de los extraños , los padres a estar más atentos con sus hijos y las brujas malvadas a saber que ser bondadosa es mucho más cool.

Con pocos actores se ha logrado una propuesta simple , correcta y entretenida para el público . Cabe destacar aunque sea intencional o no , la presencia de una villana transgénero , que termina resultando lo más divertido de la propuesta , generando situaciones hilarantes y divertidas , además de ser indirectamente inclusivos.

Hansel y Gretel es una obra de Dag producciones , que ha llevado el espectáculo a distintos teatros de CABA y el Gran Buenos Aires , actualmente contando con funciones en el teatro La Mueca. Se trata de una opción para llevar a los más chicos y entretenerse con teatro para toda la familia.

Elenco
Alexis Mazzitelli (Hansel)
Gisela Gómez (Gretel)
Diego Martin (Bruja)
China Rodriguez (Madre)
Ezequiel Hanke (Padre)

Funciones : 3, 10 y 17 de febrero 17 hs en el Teatro La Mueca (José Antony Cabrera 425)

Entradas por alternativa teatral..

Crítica: A 47 metros

Dirigida por Johannes Roberts y protagonizada por Mandy Moore, Claire Holt y Matthew Modine, “A 47 metros” es una película prolija pero no trae nada novedoso al mundo de los tiburones. ¿Será que el tema ya parece acabado? Hay muchas películas exitosas que han concebido clásicos en el cine como Tiburón de Steven Spielberg, Mar abierto de Chriss Kentis y Deep Sea de Renny Harlin; solo por enumerar algunas. Y a lo mejor tenemos muy en mente la más reciente Miedo profundo de Jaume Collet-Serra, lo cierto es que no nos lleva al suspenso deseado.

Te cuento de qué trata: dos hermanas viajan a México en busca de diversión, queriendo disfrutar de unas vacaciones juntas. Conocen a dos a chicos que le proponen sumergirse en una jaula para ver tiburones. Lisa, la hermana mayor no está muy convencida, pero Kate la convence. Se sumergen en el océano y lo que tendría que ser una gran experiencia, se convierte en la peor pesadilla de sus vidas. Deben encontrar la manera de sobrevivir con menos de una hora de oxígeno y poder llegar a la superficie, a través de 47 metros, rodeadas de tiburones blancos.

Si te gustan los tiburones blancos y los efectos especiales, te la recomiendo para disfrutar un rato.

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: 47 Meters Down

ACTORES PRINCIPALES: Claire Holt, Mandy Moore.

GENERO: Drama, Aventuras.

DIRECCION: Johannes Roberts.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: BF + Paris Films

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

89 Minutos

Alejandra Martínez