Crítica: Sherlock Gnomes

Crítica de Nicolás Katopodis

John Stevenson plasmó aspectos superficiales de los grandes clásicos Sherlock Holmes (1887, Arthur Conan Doyle) y Romeo y Julieta (1597, William Shakespeare) en un mundo infantil de gnomos, donde la trama puede hacer de introducción antes de llevar al niño a las obras originales: el resultado es Sherlock Gnomes.

Aunque el título haga mención al personaje principal de la obra detectivesca más leída, es una combinación entre aquella y la tragedia romántica de Shakespeare. En un mundo como éste, habitado por seres humanos, la película está enfocada en la vida de los gnomos, donde éstos son raptados por el enemigo de hace tiempo de Sherlock Gnomes. Junto a su compañero, Watson, que representa un punto medio entre los gnomos y los humanos, caracterizado por la esencia londinense del siglo XX, ayudan a los gnomos Gnomeo y Julieta a rescatar a sus compañeros que convivían con ellos en el jardín de sus dueños.

Es una gran oportunidad para introducir, de manera superficial, a los más pequeños en las tramas de suspenso, misterio, deducción lógica y tragedia. En ellos puede observarse algo de lo que supieron representar Doyle y Shakespeare hace tiempo, aunque, obviamente, no con el mismo final: la relación entre Gnomeo y Julieta son, en un punto, idénticas a las que tienen los compañeros de aventuras, Sherlock y Watson. En la primera, hay una circunstancia que los excede a ambos y se interpone de momento en la relación; lo mismo pasa en la segunda pareja, y esto causa el conflicto de la historia.

El problema en ambas relaciones causa automáticamente una sensación de empatía, que pone al espectador del otro lado del personaje, con la sensación que causa en el momento . También pueden verse otras problemáticas, como los momentos en los que el detective pasa por alto las emociones, prefiriendo la racionalidad, aunque, como se dijo al comienzo de la nota, es sólo una introducción (muy buena) para que los chicos comiencen a entender los grandes clásicos.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Sherlock Gnomes

VOCES ORIGINALES: Chiwetel Ejiofor, Michael Caine, Maggie Smith, Emily Blunt, James McAvoy, Johnny Depp.

GENERO: Animación.

DIRECCION: John Stevenson.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

87 Minutos

Apta todo público

Reseña: «Macbeth», adaptación de Roberto Aguirre.

Reseña de Nicolás Katopodis

La obra más trágica y fantasmagórica, según algunos, de William Shakespeare, es uno de los clásicos que mayor veces se ha representado a lo largo de la historia: Macbeth. Aun así, Roberto Aguirre, premiado en el año 2000 como mejor director de la Provincia de Buenos Aires, supo dirigirla sin caer en lugares comunes, y dándole cierto, o completo frenetismo.

Con varios detalles a destacar, como el uso permanente del escenario y sin cortes tradicionales, el director y el elenco, conformado por Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Salez y Diego Gallardo representaron Macbeth con mucha suspicacia, y dio un gran resultado.

Las escenas que nacen de la iluminación que apuntan a Macbeth, o a su Lady en otros casos, solos, recitando unas líneas de manera muy dramática, son fundamentales para el desarrollo de los personajes. El autor de la obra original les dio, en especial a ellos, gran personalidad que el lector puede ir desmenuzando a medida que lee la obra; aquí pasó lo mismo. En reiteradas ocasiones, era explícita la construcción que los personajes hacían de sí mismos (sobre todo el principal), sin embargo, es importante las actuaciones en segundo plano de los otros, también.

Un consejo al lector: haber leído la obra antes. Una de las razones sobre esto son los numerosos papeles que tienen algunos actores, como por ejemplo Mauro Sález, que pudo hacer una gran interpretación de una de las brujas, y de Macduff. Es difícil para alguien que no esté familiarizado con el argumento, identificar cuándo un actor interpreta a un personaje o a otro. Además, otra premisa auténtica que se pudo apreciar, más allá del escenario en el que se puede observar desde el inicio hasta el final a los actores, son los efectos lumínicos que los mismos que están en escena encienden, que causa un punto de gran conmoción y de importancia en la historia.

El ya mencionado Sález tuvo una gran actuación al interpretar a más de un papel sobre el escenario. Supo utilizar las cuerdas vocales como una herramienta eficaz en su papel, al igual que las líneas que cantó Amanda Bond, que fueron importantes es los momentos cúlmines. Asimismo, Miguel Nocera pudo darle al personaje principal un aspecto de arrepentimiento, y así esparcir ese karma por toda la sala.

AGENDA
Estreno: sábado 10 de marzo, 20:00 hs.
Funciones: sábados, 20:00 hs.
Lugar: Actors Studio ( Av. Díaz Vélez 3842, CABA)
Reservas: 4958-8268
Entradas: $250 | 2×1 con Club La Nación, Clarín 365, Sagai, Club Escena.
Duración: 75 min.
Trailer: «Macbeth, dir. Roberto Aguirre«

Ficha técnica
Elenco: Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Sález, Diego Gallardo.
Asesoramiento Vocal: Flor Fränkel
Coreografía: Omar Saravia
Máscaras: Diego Gallardo
Iluminación: Martín Hoffmann
Vestuario: Trini Muñoz Ibáñez
Fotografía: Antonio Fernández, Federico Pérez, Aldo Ballarini
Gráfica: Patricio Pérez Ututo
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Amanda Bond
Adaptación y Dirección: Roberto Aguirre

Crítica: El Atelier, de Laurent Cantet

Crítica de Diana Decunto

La película L’Atelier del año 2016 con premios en varios festivales, acontece en un “aburrido” pueblo al sur de Francia: La Cistat, un hermoso lugar de la costa francesa, con un mar rodeado por acantilados, escenario natural que favorece lograr el clima de tensión que la película propone.

La historia principal es un taller de escritura, en la que participan adolescentes, el cual está a cargo de una famosa novelista. El cineasta Laurent Cantet, a partir de este eje principal, contará con varios disparadores secundarios para tocar la problemática de la sociedad actual poniendo énfasis en los adolescentes y el mundo con el que deben lidiar.

Rara vez se me ha presentado una película que realiza un análisis sicológico y sociológico de un mundo violento, con intolerancia, discriminación, guerras y en paralelo convive un thriller, que mantiene en vilo al público hasta el final.

El Director Laurent Cantet logra con la cámara romper la máscara superficial de los personajes, ahonda en sus fibras más íntimas, analiza sus vínculos, con una mirada fría, no convencional.

Es una película de disfrute para aquellos que participamos de talleres de escritura. Quienes mejor comprenderán algunas platicas, que no se tornan tediosas para el neófito, porque es un salpicado fino de comentarios sobre la escritura. En este sentido, me parece altamente rescatable el análisis sobre el uso de las palabras muertas.

Me parece muy interesante en Cantet, que se interne en una actividad, que recomiendo a todos contar con la experiencia, por lo menos, una vez en su vida de haber participado en un taller de escritura. La película desmitifica ese concepto generalizado, que se tiene sobre los talleres de escritura como una actividad reducida para unos pocos y aburrida. La película logra demostrar la importancia del taller como actividad grupal donde se potencian las individualidades y demuestra a medida que la convivencia avanza sobre la necesidad de aprender a escuchar al otro para poder en conjunto avanzar y la importancia que tiene el coordinador en su función de moderador. Cuenta con dos magníficas actuaciones, las de Marina Fois y Matthieu Lucci, quienes encarnan a la escritora y al alumno, dos personajes aparentemente, enfrentados, todo el tiempo, donde ambos se sienten atraídos, por la curiosidad y ponen el esfuerzo en intentar entender al otro.

Excelente la fotografía, los escenarios naturales donde se encuentra filmada, las actuaciones del resto de los actores y actrices.

Tengan en cuenta, que esta película se da dentro del marco del Ciclo de Cine Francés, que este año celebra sus diez años de arribo a Buenos Aires para disfrutar de la mejor filmografía. Comenzará el 5 de abril y donde la cartelera puede ser consultada en www.cine-frances.com. Recomendamos esta propuesta fílmica de la productora Zeta Films, cuyo estreno comercial está previsto para el 12 de abril. Gracias a Laurent Cantet, gran cineasta francés, quien con una cámara inquieta ha logrado para la pantalla grande, capturar el color de las diferentes pinceladas de esta comedia humana que nos toca vivir, con sus logros y desequilibrios.

Puntuación 8/10.

Festivales y premios

Les Redez vous de cinema francais a Paris – 2018. Secciòn Press Junket

Festival de Cannes 2017. Seccion Un certain regard

Festival International de la Rochelle 2017 – Selección oficial

Festival de Film Fracais d’Helvetica 2017 – Selección oficial

Festival International du Film de Vancouver 2017 – Selección oficial

Chicago International Film Festival 2017 – Selección oficial

UK French Film Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección World cinema

Dubai International Film Festival 2017 – Selección cinema of the World

Ficha Técnica

Titulo original : L’atelier

Año: 2016

Duración: 116 minutos

Distribuidora: Zeta Films

Director: Laurent Cantet

Con: Marina Fois, Matthieu Lucci, Wanda Rammach

Crítica de cine : La librería

Crítica de Isabel Urrieta

“Pinta tu aldea y pintarás el mundo”
León Tolstói

En esta entrega, la cineasta Isabel Coixet, nos trae una adaptación de la novela homónima de la autora inglesa Penélope Fitzgerald, publicada en 1978 y cuyo proyecto tomó a la directora catalana siete años en llevar a la gran pantalla. A primera vista algunos podrían pensar que se trata de “cine de mujer” –Lo que sea que ello signifique para quienes le aplican este reducido- Porque sí, es una historia marcadamente autobiográfica, en el caso de ambas autoras, y sí, posiblemente identificable para muchas de las espectadoras, pero hablamos de un relato bastante universal.

El filme narra la historia de Florence Green, una mujer que por razones sentimentales y un amor profundo por la literatura decide abrir una librería en un pequeño pueblo costero de Inglaterra a finales de los 50. Esta iniciativa, a pesar de noble, no es comprendida por la mayoría de los habitantes y en especial no es de agrado para Violet Gamart, una dama cuya voz está implicada en las decisiones de esa población y se sirve de toda una estructura de poder factico que reposa a los pies de sus caprichos. Por fortuna Florence no está sola en su empeño y es que en el transcurso de la cinta aparecen dos personajes de carácter muy marcado, Edmund Brundish un solitario lector y Christine una niña curiosa e inteligente, que serán para la protagonista un paliativo contra la desesperanza.

En la película se puede apreciar el poder como hecho transversal a las relaciones humanas pero a su vez nos habla de coraje, de un personaje principal que en hazaña quijotesca no está dispuesta a rendirse fácilmente ante las adversidades y que no todo lo que respecta a lo humano está en su totalidad perdido, relatado desde una perspectiva muy tradicional.

Con un casting maravilloso y una buena historia, se podría reprochar que existen algunas señales confusas en el discurso, un vaivén entre el usual sentimentalismo de la directora –que podemos apreciar en muchas de sus obras de ficción- y un tono seco y más bien sugerente cuyo origen es de conjeturar pertenece a la obra original.

Cuesta afirmar que sea una obra trascendental, sin embargo por el mero hecho estético, por una visión de los libros y de la lectura que es realmente apasionante y por los destellos de humor bien pensado aún en circunstancias desfavorables, es una obra que merece la experiencia sensorial de habitar el cine, la sala.

Como directora tenemos a una Coixet que vuelve a gustar a un amplio público y en honor a ello la siguiente frase que pronunció en rueda prensa de la Semana Internacional de Cine de Valladolid escenario del estreno mundial de La librería.

“Para mí los libros y las películas me han permitido vivir mil vidas, que de otra manera no hubiera vivido y me han permitido desarrollar un concepto de empatía, de ponerme en el lugar del otro, que para mí es fundamental para la convivencia.”

Calificación : 7/10

FICHA TÉCNICA:
Título original: The Bookshop
Año: 2017
Duración: 113min.
País: España, Reino Unido, Alemania
Dirección: Isabel Coixet
Guión: Isabel Coixet (Penélope Fitzgerald)
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Jean-Claude Larrieu
Montaje: Bernat Aragonés
Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O’Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega, Nick Devlin
Productoras: Coproducción España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films

Crítica: Un viaje en el tiempo

Disney ha tenido bastante éxito últimamente con sus producciones de Marvel y las habituales cintas animadas del estudio que estrenan año tras año. Si algo le faltaba era alguna película original más allá de estos productos mencionados, y ahí es donde entra en escena «Un viaje en el tiempo «. Se trata de una película sobre una fantasía y un viaje que traspasa el tiempo y el universo , basadas en las novelas de Madeleine L’Engle. ¿Resultado? Una historia con muy buenas intenciones , pero que estas no alcanzan para captar la escencia de un relato aparentemente complejo , convirtiéndose se un simple y soso entretenimiento.

Tras la desaparición de su padre científico, tres seres peculiares envían a la joven Meg, a su hermano Charles y su amigo Calvin al espacio para intentar encontrarlo.

La película comienza a partir de la desaparición de un hombre , padre de la protagonista , en el que siente la pérdida de aquel ser querido en su vida cotidiana. Un día , llega alguien para decirle que está vivo en algún lado , aunque para que sea posible debe realizar un viaje fantástico hacia una parte del universo que es desconocido por muchos. Sobre esta historia no podemos agregar algo que no hayamos visto , la importancia de esta es sobre el aprendizaje de dicho viaje ante la aparición de fuerzas como la luz y la oscuridad, y sé que forma repercuten en la vida real de todas las personas. Si , la película nos quiere enseñar que con el poder de la luz, esta que viene de nuestros corazones y el amor , es capaz de vencer cualquier oscuridad . ¿Después de eso que podemos aprender ? Absolutamente nada.

Es por eso que la película goza de buenas intenciones, además de una notable inclusión en cuanto a la diversidad racial , denotado en la participación del elenco. Que es algo interesante en cierto punto del film, pero que tampoco resulta algo crucial en la historia. El film relata un viaje tan largo para mostrar paisajes bonitos , aventuras algo peligrosas , pero que aún así se resolución podría haberse ejecutado en unos cuantos minutos.

Lo más destacable del film es su apartado visual, aunque no sean sobresaliente sus efectos visuales , si posee una estética que le es propia al film. Aquellas buenas intenciones se ven reflejadas en el colorido de sus paisajes , en los vestuarios que muestran la diversidad de culturas, algo que le da dado identidad a la cinta. A pesar de ello , el film de Ava DuVernay carece de esa complejidad que el relato requiere , además hacer a los personajes bastante llanos , evitando la capacidad de que el espectador pueda empatizar con algunos de ellos.

Un viaje en el tiempo es una película que parte de un relato con potencial , pero se queda ahí siendo un film con buenas intenciones pero con una deficiente resolución de su contenido. A pesar de ello es bella estéticamente, conteniendo una identidad propia marcada por sus coloridos escenarios y la diversidad cultural.

Calificación 5/10

Crítica de cine : La Ciambra

Crítica de Andrés Prillo

Nosotros contra el mundo

Un retrato crudo, realista y con rigor documental de la parte menos turística de Italia, el sur profundo, hogar de los marginados de otras tierras.

La Ciambra es el nombre del complejo de edificios donde vive una pequeña comunidad de gitanos en los suburbios de Calabria. El protagonista de este relato de iniciación a la adultez es un carismático chico de 14 años llamado Pío.

Siempre con un cigarrillo en la mano, vive con su numerosa familia en un humilde departamento. Carente de educación formal, la vida lo llevó a adquirir una serie de habilidades prácticas. Sabe manejar autos y motos, propios o ajenos. Es que este chico cree estar preparado para integrarse al negocio familiar: el delito. Los robos de autos, casas, valijas o radios suelen estar encargados por un grupo de mafiosos locales: “los italianos”, como los llaman los romaníes.

La película está interpretada en su totalidad por actores no profesionales, residentes reales de La Ciambra, que actúan versiones ficticias de sí mismos. Este afán documental es consecuente con los diálogos y escenas cotidianas, que generan un clima tan verosímil que por momentos hace dudar si lo que se está viendo es realmente una película de ficción.

La mayor virtud de la película es su voluntad de ser genuina en su representación de los habitantes de la Ciambra. Los personajes parecen personas reales, creíbles, de carne y hueso, sin la tendencia a idealizar propia de la ficción.

Gran parte de la tensión surge a partir de la detención del hermano mayor de Pio, que lo obliga a asumir el rol de adulto y jefe de familia antes de tiempo. Pío se debatirá entre el deseo de demostrar su madurez y hombría ante sus familiares, y las inevitables dudas y temores que le genera su nueva responsabilidad.

El único momento en que la película se despega del estricto realismo es en una serie de encuentros oníricos que Pío tiene con un caballo blanco, al que nunca puede alcanzar. Su significado queda abierto a la interpretación del espectador (acaso la pureza, la libertad perdida).

Parte de la complejidad del film aparece en la relación de los romaníes con otro grupo de extranjeros marginados, los africanos. Por un lado Pío mantiene una cálida amistad con Ayiva, un exiliado de su propia tierra, Burkina Faso, que roba para enviar dinero a su familia. A través de él conocerá a un grupo de inmigrantes ilegales de distintos países (Ghana, Nigeria). Tras el recelo inicial, aprenderá palabras en su idioma, mirará un partido de fútbol con ellos, y en definitiva humanizará ante sus ojos a las figuras abstractas de los refugiados africanos.

Por otro lado, la familia de Pío, tiene una imagen negativa, estereotipada de los africanos como “borrachos” y “violentos” en quienes no se puede confiar. Curiosamente similar a la percepción de los italianos, que consideran a los gitanos un pueblo de ladrones de otra tierra.

Estas contradicciones llegarán a su clímax cuando Pío tenga que llevar a cabo un último crimen, ya no sólo material, sino moral. El niño deberá decidir hasta donde está dispuesto a llegar para demostrar su lealtad. Un cruel dilema ético se le presentará cuando tenga que elegir entre su familia y su amistad.

Una película frontal, genuina y agridulce sobre el paso del tiempo, la pérdida de la inocencia y los choques entre el orden familiar y la libertad individual. También una película compleja y ambigua que reflexiona sobre la otredad, el pensamiento de tribu y la eterna distancia que separa a los propios de los “de afuera”. En palabras de su abuelo: “Recuerda Pío, somos nosotros contra el mundo”.

Calificación: 7.5/10

TÍTULO ORIGINAL: A Ciambra

ACTORES PRINCIPALES: Pío Amato, Koudos Seihon, Damiano Amato

GÉNERO: Drama

DIRECCIÓN: Jonas Carpignano

DURACIÓN: 118 Minutos

ORIGEN: Italia

DISTRIBUIDORA: Zeta Films

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

Reseña: Travestisong, de Carlos Casella

Reseña de Agustín Arosa

Parece difícil que un hecho exceda al generoso espacio que impone el CC 25 de Mayo, sobre todo un Lunes. Travestisong no participa del exceso, pero sin embargo, tiene algo que ofrecer: una rítmica escapular a contraluz.

Es ese episodio el que nos introduce en sus primeros momentos con 11 actores esgrimiendo una amenaza. Pronto eso que pensamos que era nos deja confundidos. A travestisong le dijeron “cantate una que sepamos todos” y accede, pero no gratuitamente.

Cuadros musicales se suceden sobre tacos y batallas coreográficas (y sí, la pieza es demandante físicamente). Los jóvenes le prestan el cuerpo y la afrontan simultáneamente. Indudablemente tiene humor, pero quizás no se le presente de modo directo.

Sucede que la obra es una pequeña intensidad para la amplitud del complejo. Por eso, a la inversa, el espacio “le queda chico”. El lugar, el día, la ropa, casi todo parece raro; uno quizás duda. Es que la obra desafía nuestro imaginario para plantear hechos posibles; esto es su travestismo. El taco y el pantalón cortito son meros significantes para apuntalar otra cosa. Lo que usted espera se presenta en cueros distintos, y la actitud de demandarle al otro que cumpla nuestras expectativas debe ser replanteada: la pieza no vino a revolucionarnos, ni busca sorprendernos, no necesita justificarse para explotar su existencia de brillantina y canciones reinas. Por cierto, el homoerotismo y la estética del sexo no son recursos trillados de la danza, sino un deber coyuntural.

Travestisong se presenta como un Showchoir herético que vale la pena visitar.

Travestisong:

Lunes 21.00hs, CC 25 de Mayo (Av Triunvirato 4444)

Autoría, Dirección y Coreografía: Carlos Casella

Actores: Braian Bre, Javier Crespo, Lucía Giannoni, Diego Gómez,Abril Lis Varela, Natalia López Godoy,Emmanuel Palavecino, Ignacio Emanuel Plaza, Camila Puelma Wright, Matías Rebossio, Lucila Sol Roberto.

Vestuario: Cecilia Alassia

Iluminación: Paula Fraga

Producción musical: Martín Bosa, Tomás Carnelli

Fotografía: Camila Castro Grinstein

Asistencia de dirección: Cintia Dattoli

Producción: Lucas Sánchez , Analía Thiele

Crítica de «Titanes del Pacífico: La insurrección».

Titanes del Pacífico (Pacific Rim) es un film del 2013 que ha sido dirigido por el mexicano Guillermo Del Toro, que relata la historia de una invasión de monstruos de otro mundo que son combatidos robots construidos por los humanos para luchar contra estos seres. Lo que ha resultado un fracaso comercial en Estados Unidos , ha puesto en peligro su continuación. Gracias a las buenas críticas que tuvo la primera entrega y el éxito que cosechó en el mercado asiático , hoy tenemos la esperada secuela que ha venido con algunos cambios pero que mantiene su escencia.

Han pasado 10 años luego de la gran guerra que se ha desatado contra los monstruos llamados «Kaijus», en el que han cerrado el portal que los traían a la tierra, aunque siguen desarrollando sus defensas ante un regreso de los invasores. La película se toma su tiempo para mostrar el después de la invasión, en como todo a proseguido y como las nuevas tecnologías acechan para cambiar el rumbo hacia el futuro. Aquellos famosos Jaegers , que se controlaban por dos pilotos mediante un enlace neural, están casi por pasar a obsoleto gracias a una nueva forma de control de estas armas. Todo esto hace desatar una guerra entre los humanos , antes de que los extraterrestres vuelvan para la Invasión.

Esta secuela ha logrado poder darle un nuevo aire a este film, tomando lo que sucedió anteriormente para comenzar casi desde cero y expandiendo el propio universo que ha creado. La historia es lenta , pero no aburrida , sino más bien que se toma su tiempo para sentar las bases del conflicto, que principalmente sucede entre las personas que quieren tener el control de aquellas armas que han sido importante para el mundo y deben estar listas ante un nuevo ataque. Hay personajes nuevos , ya casi no quedan rastros de los protagonistas de la anterior película, aunque ellos siempre están en conexión con su precuela. De este modo el film permite conectarse con los personajes antes de ponerlos en acción, que está más que claro que hacía su final la tiene , con su festin de luchas y explosiones.

Entre las actuaciones quizá quien más se llega a destacar es Jhon Boyega, quien resulta una nueva incorporación del film, necesario para este reinicio, ya que se han perdido a varios del elenco anterior.

Si bien el film no logra capturar del todo aquel estilo de animé que le ha dado Guillermo del toro, resulta una secuela entretenida y justa. Hacia el final tenemos un cliffanger que marca el camino que tomará si el film tiene el éxito necesario para una nueva secuela, esperemos que sea así.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Pacific Rim: Uprising

ACTORES PRINCIPALES: John Boyega, Tian Jing, Scott Eastwood.

GENERO: Ciencia Ficción, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Steven S. DeKnight.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 22 de Marzo de 2018

111 Minutos

Crítica: La Ciambra

Crítica de Paula Fossatti

Al posicionarnos en este film italiano nos encontramos con la mirada de Jonas Carpignano que retrata los conflictos presentes a lo largo del territorio italiano durante los diferentes periodos de crisis mundiales.

Su primer recorrido cinematográfico fue dado con Mediterránea (2015) en el que cuenta el engorroso camino de inmigrantes de Burkina Faso hacia Calabria, sur de Italia. Ahora se pone los zapatos y ajusta el cinturón para retratar la realidad de otra comunidad marginal en la que por decisión propia él ahora es uno más de ellos; los gitanos.

A Ciambra“(2017) rodada íntegramente en el barrio de Gioia Tauro, es un auténtico “gueto” en el cual las fuerzas de seguridad recurren contantemente para recuperar objetos robados, allí Carpignano incursiona en diversas costumbres de la comunidad, el protagonista es Pío Amato, un niño de 14 años que debe irrumpir en el mundo adulto y sustentar lo que queda de su familia, ya que el resto de los integrantes; padre, tíos y hermanos están en la cárcel.

“A Ciambra”, a su vez habla de una infinidad de cosas más, borra la pequeña línea que separa la ficción del documental y la vida familiar se ve expuesta con la participación de todos sus integrantes que viven una vida llena de preocupaciones económicas, delincuencia y la incursión temprana a las adicciones de sus pequeños hijos y nietos. El anciano, antiguo patriarca, le recuerda a Pio que en el mundo se encuentran solos, esto lo representa imágenes oníricas en el mensaje inicial del film y en reiteradas ocasiones más.

Calificación: 8/10

País de origen Italia-Brasil-Francia-Suecia-USA

Duración 117 minutos

Formato DCP

Su estreno está previsto para el 29 de marzo.

Reseña: Dejar de ser, de Luciano Cejas.

Por Maximiliano Pouchan

Un joven desaparece. Es secuestrado por el aparato represor del gobierno militar. Su madre, atravesara entonces, el infierno encarnado en la realidad oculta dentro de los centros clandestinos de detención. Seremos, junto con ella, testigos de la tortura, la desesperación, el miedo y el extermino absoluto del ser.

La obra propone, en primera instancia, un ejercicio de memoria. Pero, es un relato sobre una transformación. Sobre cómo esta madre deja de ser quien es y comienza a dar pelea en búsqueda de la verdad.

Luciano Cejas asume varios riesgos. La desaparición forzada de personas es un hecho real, actual y de necesaria reflexión, del cual mucho se ha hecho y dicho en el arte. Es un tema doloroso y que a veces requiere incluso cierto rigor histórico y cierta corrección política y estética. En escena, el director se permite explorar sin miedos, confiando en la verdad que le dictan las vísceras y su sentido estético de la realidad. Construye una puesta no tradicional, con elementos de estéticas teatrales disimiles, encontrando entre ellas los nexos exactos para lograr un resultado orgánico. El manejo del espacio y la composición de la imagen es extraordinario y la dosificación de la información y la tensión es muy precisa.

La selección musical es ecléctica. A veces te golpea en el medio del pecho y por momentos, mezclándose entre respiraciones y gritos, se vuelve desgarradora. Sin miedo a caer en lugares comunes, introduce canciones muy conocidas, dándole pelea a todas las imágenes previas que tenemos de ellas.

El vestuario es de un valor simbólico poderoso y acertado. Hay ropa que deja de ser ropa, son restos de personas que llevan encima los personajes y que apenas los cubre. Los intérpretes se dejan atravesar por el dolor y construyen algo verdadero. Con gran habilidad ejecutan una composición de acciones y danza de una belleza conmovedora.

DEJAR DE SER es un poema hecho de fragmentos del pasado y la sensibilidad puesta en movimiento, sonidos e imágenes. Es una experiencia teatral necesaria.

Hay que verla, sentirla y pensarla.

Intérpretes

Alfonsina Macchi Herrera, Catalina Crusat Albornoz, Flavia Basilico, Jeanette Feal. Luciana Edelstein, Magalí Nuñez, Maite de León, Micaela Rivetti, Matías Sangougnet, Nahuel Alejandro Lozano, Sol Morales, Yasmín Gomez

Ficha Técnica

Dirección artística y coreográfica: Luciano Cejas

Coordinación General: Mónica Rodriguez Manzano

Asistente de Dirección: Micaela Rivetti

Dirección de Imagen: Pamela Dávalos

Asistente Audiovisual: Nahuel Alejandro Lozano

Community Manager: Guadalupe Peralta Caceres

Duración: 60 minutos

Publico: Adultos

Prensa: Kasspress – Sergio De Caro y Laura Kass Mathieu

Dirección General: Luciano Cejas

Funciones: Domingos 20 hs – IFA (Centro de experimentación teatral)