Reseña: ¿Quién es Jey Mammon?

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la función de ¿Quién es Jey Mammon?, Un unipersonal donde el comediante que le da nombre a su espectáculo nos invita a divertirnos con sus más excéntricos personajes. La música es también una compañía que junto al humor de sus personajes , permite al espectador distenderse en una noche (muy tarde) de teatro.

El mismo Jey hace gala de su propio show que comienza casi a la medianoche , tarde para algunos y temprano para aquellos que piensan seguir la noche del viernes. De este modo el actor nos presenta a una serie de personajes un tanto peculiares, que van desde un locutor de radio , un cura cordobés y su personaje más reconocido: Estelita. Así todos estos series tienen su momento en escena mediante pequeños skecths , en los que cada uno se maneja con un humor particular y bien logrados en su interpretación. Para tener una conexión entre todas las historias el mismo Jey se sale de personaje , para hablar un poco de su vida y también hablar con el público, haciendo que la función sea interactiva con la gente que está ahí presente.

Si bien cada uno de los personajes están bien logrados , el momento cumbre de la noche es la aparición de Estelita , donde agarra el micrófono , sale del escenario y empieza a molestar al público. Utilizo la palabra “molestar” debido a que este personajes , empieza a interactuar con el público sin pelos en la lengua, utilizando ese momento para hablar de sexo , intimidades y cosas incómodas para el entrevistado. Puede resultar incómodo que esta “diva” se te acerque , pero debido a su frescura será imposible no reírte con ella, aunque sea de vos mismo.

Al final el espectáculo hace una conexión entre lo que es el artista como persona y aquella relación que guarda con sus personajes. Dando a entender de qué ellos son parte de el, de su personalidad, más allá de que esté actuando para un público. Y así se cierra una noche agradable y muy entretenida.

Funciones: Viernes 23:30 hs

Teatro Ludé (Montevideo 842)

Entradas por Plateanet

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Reseña: Edipo Rey

Edipo Rey” (Sófocles 496/406 aC.) es una de las tragedias griegas fundantes del teatro occidental. Citada en la “Poética” de Aristóteles; en “El nacimiento de la tragedia” de Nietzsche; analizada por S. Freud y con cientos de versiones, desde Pasolini a Stravinsky, de Cocteau a The Doors. Sin la menor de las dudas y con potencia insoslayable (por sutil y por profano), atraviesa el núcleo de
nuestra cultura como pocas producciones del hombre hayan podido hacerlo.

Lo que se cuenta es lo siguiente: Layo, rey de Tebas, consulta al oráculo de Delfos (hoy sería un terapeuta, un asesor de inversiones, un sacerdote, todo eso junto) y éste le vaticina que sería asesinado por su propio hijo. Cuando Yocasta, su mujer, da a luz a su primogénito, Layo ordena atar los piés del niño y arrojarlo al monte Citerón a que espere su destino, el único posible, su triste final.

Ese niño se llamaba Edipo.

Pero el esclavo que lo trasladó se apiada del niño y lo entrega a un pastor de otra tierra, y éste lo da a los reyes de Corinto que no podían tener descendencia, que lo crían como un príncipe. Una vez ya un hombre, escucha un chisme, una infidencia, y decide consultar al oráculo sobre su origen. El oráculo le brinda una cruel respuesta: que mataría a su padre y desposaría a su madre. Horrorizado por tal posibilidad, Edipo huye de Corinto para escapar a tal destino expuesto, una fuga desesperada hacia adelante, a la construcción de su destino, a su tiempo y a su historia, en sus piés, en su voluntad, en su espada. hasta que, en un cruce de caminos…

Edipo era feliz cuando más ciego de su origen era. Y cuando vió todo, fué infeliz. Cruel y bella metáfora, que nos habla de lo divino, de lo profano, de mariposas volando hacia el sol, de la arrogancia del conocimiento, de la brutalidad de la ignorancia, del hombre. Y del destino.
La puesta en escena propuesta por Jorge Vitti es despojada: telas a fondo de escena como columnas y una pequeña banqueta escalonada que hace las veces de púlpito. El tratamiento de la luz acompaña el criterio de la puesta, con puntuaciones que permiten clarificar el relato, que en su manifestación en conjunto tiende al ascetismo. El coro es expresado mediante música de rap y el vestuario, contemporáneo. La adaptación del texto, acerca su estilo al decir de hoy y aporta a la idea general de la puesta.

Las actuaciones, siendo correctas, no alcanzan puntos más altos, debido al
planteo de distanciamiento propuesto para la proyección del discurso escénico. Lo que permite que el espectador observe el mecanismo, sin involucrarse completamente. Una dosificación más meticulosa de éste dispositivo podría realzar aún más el trabajo del elenco. Hablamos de sutilezas, por supuesto, ya que la obra de Sófocles es un Everest, cuyas alturas pueden marear y perder el sentido del destino: de tan claro que se ve, puede emborrachar la mirada. Un texto para aventureros.

La propuesta es digna de ser acompañada.

Ficha Técnica
Elenco:
Fabian Vena: Edipo
Natalia Lobo:  Yocasta
Alfredo Castellani: Creonte
Willy Lemos: Tiresias
Juan Carlos Ricci: Mensajero de Corinto
Cutuli: Criado de Layo
Gus Bassani: Corifeo
Alejandro Gallo Gosende: Mensajero de la casa  
Coro Municipal de Camara Ernesto Storani de Lujan con la dirección de Santiago Rosso
Voz de rap:  Inti Rap
Producción Ejecutiva: Fiorella Camji
Asist. Producción: Fiorela Gianuzi
Prensa: Tommy Pashkus Agencia
Fotografía :Guido Adler
Comunicación visual CCC : Claudio Medin
Diseño de vestuario: Natalia Queirolo
Diseño de sonido : Gerardo Boglioli
Diseño de iluminación: Gonzalo Córdova
Asistente de Dirección:  Fiorella Camji
Versión y Dirección : Jorge Vitti
Funciones: Viernes y sábados – 22:30hs
Centro Cultural de la Cooperación, Sala Solidaridad (Av. Corrientes 1543).
Entradas: Desde $300



A.R. Belano

 

Reseña: Alfaguarra, de Tadeo Pettinari

Reseña de Magalí Onetto

Zona sur, Banfield. Un premio de literatura: El famoso “Alfaguarra de novela”. Tres escritoras planean una venganza contra su amiga y colega “Betinita”, la flamante ganadora del premio. ¿Quién diría que la ambición por el éxito puede llevar a circunstancias límites que uno jamás se hubiese imaginado? ¿O, en su defecto, a los momentos más bizarros y desopilantes?

Todos los viernes a las 23 en el Teatro Bar Nün, Villa Crespo, un elenco de cuatro talentosas actrices traen a la vida –de la manera más cómica- a este grupo de mujeres novelistas que desean a toda costa el reconocimiento literario que una de ellas consiguió. Por eso, Samantita, Sarita y Selvita organizan una celebración a Betinita, la ganadora del premio “Alfaguarra de novela”. Pero la envidia puede más: aquellas tres que no lograron el éxito, tienen preparado un plan siniestro para Betinita. En un escenario simple, con sólo una mesa y un sillón, suceden situaciones descabelladas que dejan al desnudo los celos, las frustraciones, las ambiciones, los miedos, las inseguridades, los secretos, los prejuicios y los deseos. Un camino que nadie podría predecir apenas empieza la obra, pero que todos al salir del teatro, se verán reflejados de alguna manera.

El minimalismo de la puesta en escena, el particular vestuario, la música -poca, pero en los momentos más oportunos-, y la acertadísima iluminación presente en las situaciones más dramáticas, realza las geniales actuaciones de las artistas, cada una con un papel bien definido: Samantita, la jefa del grupo; Sarita, la sumisa; Selvita, la lujuriosa al estilo “livin’ la vida loca“; y Betinita, quien ostenta sus riquezas por haber ganado el prestigioso premio.

La obra escrita por Tadeo Pettinari y dirigida por Emanuel D’Aloisio, sabe ir por lugares poco comunes. Esta comedia negra no sólo es creativa en sus diálogos, sino que la comedia visual funciona igual de cómico. Además, entre tantos finales inesperados en el mundo del cine, tv y teatro, Alfaguarra sorprende a cada paso. ¿De qué manera Sandro y la biblia podrían aparecer en el mismo escenario?

La única manera de descubrirlo, es tomarse un viernes a la noche para disfrutar del buen teatro independiente y de esta perlita en la que, cualquier semejanza con la realidad, no es pura coincidencia.

Ficha técnica

Elenco: Marisa Vernik, Lorena Rovatti, Paula Rubinsztein y Noemí Susana Ron Dramaturgia: Tadeo Pettinari

Adaptación y dirección: Emanuel D’Aloisio

Asistencia de dirección: Elle Verlicht

Escenografía: Daniela Draiye

Vestuario: Leonela Camizasca

Diseño de luces: Lautaro Pane

Diseño gráfico: Pulpografía

Fotografía: Elle Verlicht

NÜN TEATRO BAR: Juan Ramirez de Velazco 419, CABA
Funciones: viernes 23hs
Entradas: $250 / estudiantes y jubilados: $200 / Promo 2x$350

Reservas por Alternativa Teatral

Reseña: Rock of ages

Desde hace un tiempo sucede que cada El martes se ha hecho un día típico para festejar en el teatro Maipo con un buen musical. Comenzó con The Rocky horror show, y tras su éxito siguió con Rock of ages , un musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′ y también una historia de amor.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo que llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , los intérpretes en todo momento tienen en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Existe una separación entre la música y el relato , permitiendo que el público pueda disfrutar ambas partes , desde la facil comprensión de la historia hasta el goce de sus canciones en versión original.

En su segunda temporada, Rock of ages ha regresado para brindarnos aquella fiesta que nos tenía acostumbrado cada martes en el Maipo. Para los que aún no la vieron les recomendamos que se acerquen a ver este musical con excelentes artistas, y que además , te regala el mejor rock de los 80′.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Reseña: Ella puede sola, de Leonel Giacometto

Reseña de Maximiliano Pouchan

Ella habita un espacio que decidió construir como resguardo. Con paredes abandonadas y manchadas, como su corazón.

No vive sola. Tiene dos hijos.

Lisandro, un maestro que espera inútilmente una beca que pareciera nunca llegar, quien, además, dedica su vida a cuidar a su hermana: decidida, frágil e inteligente, ha quedado paralítica tras sufrir un accidente. Ambos han sabido construir un mundo de juegos y complicidades Un vínculo precioso y extraño en donde los límites afectivos son imprecisos

Entre la madre y sus hijos hay una pared de cosas no dichas.

En la casa el ambiente es denso. Se percibe en la mirada y en la pausa. Se respiran sentimientos encontrados y una contradicción en cada palabra. Los hijos no saben si odiar o sentir pena por su madre. Y ella, sumergida en un mundo de fantasías, alcohol y pastillas, simplemente los ignora.

Todos simulan ser fuertes, pero se necesitan. No pueden solos.

Una tragedia convive con ellos, una presencia que aún tiene sus cosas en el placard.Deben hablar para no enloquecer. Y poner un punto final a tanto dolor. “Atontados de tan amontonados deben estar esos pájaros que cuando logran escapar, se lastiman con lo primero que encuentran”. ELLA PUEDE SOLA propone un ejercicio de percepción y lectura activa por parte del espectador. Desde este punto de vista, es un espectáculo no tradicional.

Si bien la trama es simple y clara, la belleza y la virtud de la obra se encuentra en el complejo entramado de recursos expresivos que han sabido crear su autor y su directora, y que los intérpretes, con enorme talento, han materializado en su trabajo. La obra exige en el espectador una triple actitud: la de lector de imágenes, exégeta de signos, receptor de ambientes y atmósferas.

En primera instancia, somos testigos de la cotidianidad de esta familia. Sus miembros poseen cierta belleza y melancolía que se irá trastornando en la medida en que la historia avance. Irá saliendo a la superficie su lado oscuro y este universo domestico irá adquiriendo ciertos rasgos oníricos y perversos. Todo aquello que aceptamos con normalidad cambiará su dimensión. El espacio construirá una arquitectura diferente en nuestra percepción; el tiempo mutará sus posibilidades lineales, en un ir y venir, del pasado al presente, y se desarrollará en una elipsis que pasa casi desapercibida. La atmósfera poco a poco se volverá opresiva e irá envolviéndonos en este melodrama desgarrador.

Lili Popovich hace gala de su talento y nos regala una de sus interpretaciones más conmovedoras. La potencia y fragilidad de Luciana Caisutti es fundamental en el resultado de la historia y Nicolás Asprella despliega una capacidad de recursos como actor que no pasa desapercibida por nadie.

Un despliegue técnico impecable que pone en evidencia uno de los talentos de su directora: el armado de equipos de trabajo. Grace Pereyra, con la minuciosidad y el detalle a los que nos tiene acostumbrados, nos brinda esta pieza brillante y visceral.

Ficha técnico artístico:

Autoría: Leonel Giacometto / Actúan: Nicolás Asprella, Luciana Caisutti, Lili Popovich / Diseño de vestuario: Cecilia Bruck / Diseño de escenografía: Cecilia Bruck / Diseño de luces: Gonzalo Calcagno / Fotografía: Nora Lezano / Diseño gráfico: Pablo Guzmán / Asistencia de dirección: Gabriela Arata / Prensa: Juan Ignacio Penlowskyj / Dirección: Graciela Pereyra

JUEVES 21.15 HS – EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO – El Salvador 4530 – Capital Federal

Reservas: 4831-9663 – Venta anticipada por Alternativa Teatral.

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Crítica: La desaparición

Crítica de Laura Brosio

La familia conformada por Tudor, Cristina y sus dos pequeños hijos, Ilie y María, parece la familia perfecta hasta que una mañana de domingo, cuando Tudor lleva a los chicos al parque, María, de cinco años y medio, desaparece en el lugar. A partir de esa tragedia se inicia el resquebrajamiento del vínculo de la pareja y el proceso de descomposición de la familia.

Cristina va de la tristeza a la ira y decide dejar a Tudor e irse con Ilie a la casa de sus padres. Es en ese instante cuando esta película rumana, dirigida por Constantin Popescu, comienza a centrarse en la actitud de Tudor y muestra cómo su dolor y shock inicial van mutando hacia la culpa, la obsesión y la locura, en un tortuoso camino teñido por el vacío y la degradación de su persona. A través de planos cortos, la película se interna en la psiquis de este hombre desesperado que pierde el rumbo y se transforma en un fantasma de sí mismo. Al principio, la película da cuenta lentamente del transcurso de los días mientras que después hay saltos temporales hasta llegar a un contundente y controvertido desenlace –que provocará un cimbronazo en el espectador- luego de pasados unos 54 días de la desaparición de la niña.

Grandes actuaciones de Bogdan Dumitrache y Iulia Lumânare como la pareja protagónica, sobre todo de Dumitrache, sobre cuyo personaje Tudor se centra el relato promediando el film. Su cara, sus gestos, sus movimientos trasuntan toda la deriva anímica por la cual pasa Tudor, con una desgarradora escena final interpretada con una entrega total por parte del actor.

Desde el mismo momento de la desaparición de la niña, el espectador no tiene respiro en la carga de angustia que sigue al hecho y, de alguna manera, sin proponérselo, termina acompañando a Tudor en la frenética búsqueda que emprende con la esperanza de encontrar a su hija. Sin embargo, la extensa duración del film –dos horas y media- puede conspirar contra esa complicidad del espectador al tratarse de un relato tan duro y hasta asfixiante en su dramaticidad.

Ficha técnica:

Título original: Pororoca

Año: 2017

Duración. 152 min.

País: Rumanía

Dirección: Constantin Popescu

Elenco: Bogdan Dumitrache, Iulia Lumânare, Constantin Dogioiu, Stefan Raus, Adela Marghidan

Guión: Constantin Popescu

Fotografía: Liviu Marghidan

Productores: Lissandra Haulica, Liviu Marghidan

Sonido: Vincent Arnardi

Calificación: 8/10

Crítica de “Avengers: Infinity War”

Crítica de Agustín Villegas

Thanos está en la puerta…

Tras diez años de meticulosa planeación y coordinación Marvel Studios nos brinda el principio del final de todo lo que se vino armando hasta la fecha. Éste evento no puede ser juzgado como una película común y corriente, ya que se debe tener en cuenta la coherencia que los guionistas y directores lograron mantener con dieciocho películas detrás.

La historia sigue al titán loco Thanos (Josh Brolin) en su cruzada para reunir las gemas del infinito que le permitirán convertirse en el ser más poderoso de toda la realidad, idea que a los fragmentados Avengers no les copa ni un poco ya que, con una intención retorcida pero noble, el villano buscara destruir la mitad del universo con el fin de encontrar un balance.

No se me ocurre una mejor elección que los hermanos Russo para llevar a cabo éste final. En el pasado demostraron ser directores excepcionales con la segunda y tercera parte de la trilogía centrada en CAPITAN AMERICA y acá vuelven a lucirse con unas escenas de acción soberbias que no dan respiro alguno. Los personajes interactúan de formas simples pero épicas, regalandonos momentos glaseados de un dulce fan service del que no me quejo. El equipo logró mantener lo mejor de cada personaje, respetando las virtudes mas copadas que cineastas varios plasmaron en el pasado. Por ejemplo mucho de los diálogos entre LOS GUARDIANES DE LA GALAXIA se notan que fueron realmente escritos por el genial James Gunn, probando que no solo se buscaba tenes grandes encuentros sino que también querían mantener vigentes los conceptos centrales de los personajes ante una situación tan desesperante como la que se viene amasando desde la primera película de LOS HEROES MAS PODEROSOS DE LA TIERRA.

Claro que hay algunos personajes que tienen más protagonismo que otros (de hecho, unos pocos se los dejaron en el freezer para la cuarta parte anunciada para Mayo del 2019), pero TODOS tienen su momento especifico para brillar. La división de grupos es tan heterogénea que verlos interactuar genera una satisfacción que ninguna otra saga hollywoodense puede concebir. A pesar de tener que manejar una cantidad de personajes y situaciones excesivas tengo que admitir que la historia está bastante bien estructurada, ya que la interacción entre los heroes se ve lubricada por la psicología del espectacular Thanos.

El Marvel Cinematic Universe se caracteriza por, a excepción de Loki, tener villanos bastante cutres. La llegada de Thanos cambia ésto, ya que estamos ante un tipo que considera que es el bueno de la historia. Su convicción de hacer el mal por un bien mayor no solo es creible, sino que se siente y hasta es capaz de generarnos cierta empatia. No voy a comparar al personaje con su versión en los cómics, ya que el universo del cine deja bastante al margen el material original y se enfoca en crear una nueva mitología con lo que tiene, pero la personalidad compleja de Thanos esta represantada de una forma bastante fiel.

Algo que suele preocupar en éstas películas es el exceso de humor. Les adelanto que sí, hay muchos chistes y, a diferencia de ‘THOR: RAGNAROK’, saben perfectamente cuando aparecer. Además, el punto positivo de la comedia en éste caso es que sirve para contrastar con la oscuridad del villano, los chistajos aparecen pero son golpeados en el higado por situaciones dramáticas haciendo una película mucho más rica que ‘SPIDER-MAN: HOMECOMING’ o ‘IRON MAN 3’.

Como puntos negativos se podría decir que la acción está distribuida de una forma un poco desproporcionada. Hay demasiadas trompadas y de la nada te muestran una escena de serenidad introspectiva que vuelve a ser interrumpida por más trompadas. Es entendible debido al argumento en sí, pero me esperaba más dialogo entre los secuaces de Thanos y los Vengadores, ya que eso hubiese servido para ver más como ciertos personajes reaccionaban ante una situación tan jodida como un tipo que tiene el control de romper el todo con un chasquido de dedos.

Despues de unos pares de tropiezos el universo cinematográfico de Marvel nos entrega un digno comienzo del final. ‘AVENGERS: INFINITY WAR’ es el proyecto más ambicioso de la franquicia hasta la fecha y, si tienen conocimiento de lo que se vino haciendo hasta ahora, vayan a verla que van a disfrutarla como niñitos.

Calificación 8.5/10

TITULO ORIGINAL: Avengers: Infinity War – Part 1

ACTORES PRINCIPALES: Mark Ruffalo, Chris Pratt, Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth.

VOCES ORIGINALES: Bradley Cooper, Vin Diesel.

GENERO: Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Anthony Russo, Joe Russo.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Buena Vista

ESTRENO: 26 de Abril de 2018

149 Minutos