Reseña: Rock of ages

Desde hace un tiempo sucede que cada El martes se ha hecho un día típico para festejar en el teatro Maipo con un buen musical. Comenzó con The Rocky horror show, y tras su éxito siguió con Rock of ages , un musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′ y también una historia de amor.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo que llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , los intérpretes en todo momento tienen en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Existe una separación entre la música y el relato , permitiendo que el público pueda disfrutar ambas partes , desde la facil comprensión de la historia hasta el goce de sus canciones en versión original.

En su segunda temporada, Rock of ages ha regresado para brindarnos aquella fiesta que nos tenía acostumbrado cada martes en el Maipo. Para los que aún no la vieron les recomendamos que se acerquen a ver este musical con excelentes artistas, y que además , te regala el mejor rock de los 80′.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Reseña: Ella puede sola, de Leonel Giacometto

Reseña de Maximiliano Pouchan

Ella habita un espacio que decidió construir como resguardo. Con paredes abandonadas y manchadas, como su corazón.

No vive sola. Tiene dos hijos.

Lisandro, un maestro que espera inútilmente una beca que pareciera nunca llegar, quien, además, dedica su vida a cuidar a su hermana: decidida, frágil e inteligente, ha quedado paralítica tras sufrir un accidente. Ambos han sabido construir un mundo de juegos y complicidades Un vínculo precioso y extraño en donde los límites afectivos son imprecisos

Entre la madre y sus hijos hay una pared de cosas no dichas.

En la casa el ambiente es denso. Se percibe en la mirada y en la pausa. Se respiran sentimientos encontrados y una contradicción en cada palabra. Los hijos no saben si odiar o sentir pena por su madre. Y ella, sumergida en un mundo de fantasías, alcohol y pastillas, simplemente los ignora.

Todos simulan ser fuertes, pero se necesitan. No pueden solos.

Una tragedia convive con ellos, una presencia que aún tiene sus cosas en el placard.Deben hablar para no enloquecer. Y poner un punto final a tanto dolor. “Atontados de tan amontonados deben estar esos pájaros que cuando logran escapar, se lastiman con lo primero que encuentran”. ELLA PUEDE SOLA propone un ejercicio de percepción y lectura activa por parte del espectador. Desde este punto de vista, es un espectáculo no tradicional.

Si bien la trama es simple y clara, la belleza y la virtud de la obra se encuentra en el complejo entramado de recursos expresivos que han sabido crear su autor y su directora, y que los intérpretes, con enorme talento, han materializado en su trabajo. La obra exige en el espectador una triple actitud: la de lector de imágenes, exégeta de signos, receptor de ambientes y atmósferas.

En primera instancia, somos testigos de la cotidianidad de esta familia. Sus miembros poseen cierta belleza y melancolía que se irá trastornando en la medida en que la historia avance. Irá saliendo a la superficie su lado oscuro y este universo domestico irá adquiriendo ciertos rasgos oníricos y perversos. Todo aquello que aceptamos con normalidad cambiará su dimensión. El espacio construirá una arquitectura diferente en nuestra percepción; el tiempo mutará sus posibilidades lineales, en un ir y venir, del pasado al presente, y se desarrollará en una elipsis que pasa casi desapercibida. La atmósfera poco a poco se volverá opresiva e irá envolviéndonos en este melodrama desgarrador.

Lili Popovich hace gala de su talento y nos regala una de sus interpretaciones más conmovedoras. La potencia y fragilidad de Luciana Caisutti es fundamental en el resultado de la historia y Nicolás Asprella despliega una capacidad de recursos como actor que no pasa desapercibida por nadie.

Un despliegue técnico impecable que pone en evidencia uno de los talentos de su directora: el armado de equipos de trabajo. Grace Pereyra, con la minuciosidad y el detalle a los que nos tiene acostumbrados, nos brinda esta pieza brillante y visceral.

Ficha técnico artístico:

Autoría: Leonel Giacometto / Actúan: Nicolás Asprella, Luciana Caisutti, Lili Popovich / Diseño de vestuario: Cecilia Bruck / Diseño de escenografía: Cecilia Bruck / Diseño de luces: Gonzalo Calcagno / Fotografía: Nora Lezano / Diseño gráfico: Pablo Guzmán / Asistencia de dirección: Gabriela Arata / Prensa: Juan Ignacio Penlowskyj / Dirección: Graciela Pereyra

JUEVES 21.15 HS – EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO – El Salvador 4530 – Capital Federal

Reservas: 4831-9663 – Venta anticipada por Alternativa Teatral.

2 x 1 socios Club La Nación

Crítica: La desaparición

Crítica de Laura Brosio

La familia conformada por Tudor, Cristina y sus dos pequeños hijos, Ilie y María, parece la familia perfecta hasta que una mañana de domingo, cuando Tudor lleva a los chicos al parque, María, de cinco años y medio, desaparece en el lugar. A partir de esa tragedia se inicia el resquebrajamiento del vínculo de la pareja y el proceso de descomposición de la familia.

Cristina va de la tristeza a la ira y decide dejar a Tudor e irse con Ilie a la casa de sus padres. Es en ese instante cuando esta película rumana, dirigida por Constantin Popescu, comienza a centrarse en la actitud de Tudor y muestra cómo su dolor y shock inicial van mutando hacia la culpa, la obsesión y la locura, en un tortuoso camino teñido por el vacío y la degradación de su persona. A través de planos cortos, la película se interna en la psiquis de este hombre desesperado que pierde el rumbo y se transforma en un fantasma de sí mismo. Al principio, la película da cuenta lentamente del transcurso de los días mientras que después hay saltos temporales hasta llegar a un contundente y controvertido desenlace –que provocará un cimbronazo en el espectador- luego de pasados unos 54 días de la desaparición de la niña.

Grandes actuaciones de Bogdan Dumitrache y Iulia Lumânare como la pareja protagónica, sobre todo de Dumitrache, sobre cuyo personaje Tudor se centra el relato promediando el film. Su cara, sus gestos, sus movimientos trasuntan toda la deriva anímica por la cual pasa Tudor, con una desgarradora escena final interpretada con una entrega total por parte del actor.

Desde el mismo momento de la desaparición de la niña, el espectador no tiene respiro en la carga de angustia que sigue al hecho y, de alguna manera, sin proponérselo, termina acompañando a Tudor en la frenética búsqueda que emprende con la esperanza de encontrar a su hija. Sin embargo, la extensa duración del film –dos horas y media- puede conspirar contra esa complicidad del espectador al tratarse de un relato tan duro y hasta asfixiante en su dramaticidad.

Ficha técnica:

Título original: Pororoca

Año: 2017

Duración. 152 min.

País: Rumanía

Dirección: Constantin Popescu

Elenco: Bogdan Dumitrache, Iulia Lumânare, Constantin Dogioiu, Stefan Raus, Adela Marghidan

Guión: Constantin Popescu

Fotografía: Liviu Marghidan

Productores: Lissandra Haulica, Liviu Marghidan

Sonido: Vincent Arnardi

Calificación: 8/10

Crítica de «Avengers: Infinity War»

Crítica de Agustín Villegas

Thanos está en la puerta…

Tras diez años de meticulosa planeación y coordinación Marvel Studios nos brinda el principio del final de todo lo que se vino armando hasta la fecha. Éste evento no puede ser juzgado como una película común y corriente, ya que se debe tener en cuenta la coherencia que los guionistas y directores lograron mantener con dieciocho películas detrás.

La historia sigue al titán loco Thanos (Josh Brolin) en su cruzada para reunir las gemas del infinito que le permitirán convertirse en el ser más poderoso de toda la realidad, idea que a los fragmentados Avengers no les copa ni un poco ya que, con una intención retorcida pero noble, el villano buscara destruir la mitad del universo con el fin de encontrar un balance.

No se me ocurre una mejor elección que los hermanos Russo para llevar a cabo éste final. En el pasado demostraron ser directores excepcionales con la segunda y tercera parte de la trilogía centrada en CAPITAN AMERICA y acá vuelven a lucirse con unas escenas de acción soberbias que no dan respiro alguno. Los personajes interactúan de formas simples pero épicas, regalandonos momentos glaseados de un dulce fan service del que no me quejo. El equipo logró mantener lo mejor de cada personaje, respetando las virtudes mas copadas que cineastas varios plasmaron en el pasado. Por ejemplo mucho de los diálogos entre LOS GUARDIANES DE LA GALAXIA se notan que fueron realmente escritos por el genial James Gunn, probando que no solo se buscaba tenes grandes encuentros sino que también querían mantener vigentes los conceptos centrales de los personajes ante una situación tan desesperante como la que se viene amasando desde la primera película de LOS HEROES MAS PODEROSOS DE LA TIERRA.

Claro que hay algunos personajes que tienen más protagonismo que otros (de hecho, unos pocos se los dejaron en el freezer para la cuarta parte anunciada para Mayo del 2019), pero TODOS tienen su momento especifico para brillar. La división de grupos es tan heterogénea que verlos interactuar genera una satisfacción que ninguna otra saga hollywoodense puede concebir. A pesar de tener que manejar una cantidad de personajes y situaciones excesivas tengo que admitir que la historia está bastante bien estructurada, ya que la interacción entre los heroes se ve lubricada por la psicología del espectacular Thanos.

El Marvel Cinematic Universe se caracteriza por, a excepción de Loki, tener villanos bastante cutres. La llegada de Thanos cambia ésto, ya que estamos ante un tipo que considera que es el bueno de la historia. Su convicción de hacer el mal por un bien mayor no solo es creible, sino que se siente y hasta es capaz de generarnos cierta empatia. No voy a comparar al personaje con su versión en los cómics, ya que el universo del cine deja bastante al margen el material original y se enfoca en crear una nueva mitología con lo que tiene, pero la personalidad compleja de Thanos esta represantada de una forma bastante fiel.

Algo que suele preocupar en éstas películas es el exceso de humor. Les adelanto que sí, hay muchos chistes y, a diferencia de ‘THOR: RAGNAROK’, saben perfectamente cuando aparecer. Además, el punto positivo de la comedia en éste caso es que sirve para contrastar con la oscuridad del villano, los chistajos aparecen pero son golpeados en el higado por situaciones dramáticas haciendo una película mucho más rica que ‘SPIDER-MAN: HOMECOMING’ o ‘IRON MAN 3’.

Como puntos negativos se podría decir que la acción está distribuida de una forma un poco desproporcionada. Hay demasiadas trompadas y de la nada te muestran una escena de serenidad introspectiva que vuelve a ser interrumpida por más trompadas. Es entendible debido al argumento en sí, pero me esperaba más dialogo entre los secuaces de Thanos y los Vengadores, ya que eso hubiese servido para ver más como ciertos personajes reaccionaban ante una situación tan jodida como un tipo que tiene el control de romper el todo con un chasquido de dedos.

Despues de unos pares de tropiezos el universo cinematográfico de Marvel nos entrega un digno comienzo del final. ‘AVENGERS: INFINITY WAR’ es el proyecto más ambicioso de la franquicia hasta la fecha y, si tienen conocimiento de lo que se vino haciendo hasta ahora, vayan a verla que van a disfrutarla como niñitos.

Calificación 8.5/10

TITULO ORIGINAL: Avengers: Infinity War – Part 1

ACTORES PRINCIPALES: Mark Ruffalo, Chris Pratt, Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth.

VOCES ORIGINALES: Bradley Cooper, Vin Diesel.

GENERO: Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Anthony Russo, Joe Russo.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Buena Vista

ESTRENO: 26 de Abril de 2018

149 Minutos

Crítica: Basada en hechos reales

Crítica de Isabel Urrieta

Existen cintas de cintas, desde películas a las que acudimos a ver quizás en búsqueda de novedad o simplemente para resguardarnos en otros mundos, en historias de terceros que a su vez son un breve descanso de la cotidianidad, pero están también aquellas, como es el caso a citar, que invitan exclusivamente por la reverberancia de un nombre, por el hecho de pertenecer a autores que son piezas fundamentales del cine en distintas generaciones como lo es Roman Polanski.


“Basada en hechos reales” es la última producción del director franco-polaco, adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Delphine de Vigan y cuyo guión está escrito por el también director de cine Olivier Assayas.La película retrata la historia de Delphine una escritora en un momento dramático de su carrera -la consecución de una segunda obra literaria que mantenga la calidad y la popularidad de su primera publicación- y la aparición en su vida de un enigmático personaje, “Elle”, una mujer que le declara una profunda admiración y que comparte oficio aunque desde el perfil de ghostwritter. La primera no sólo se halla bajo una profunda presión de un segundo éxito, siente contradicciones de una obra previa que siendo tan personal la lleva a atormentarse con la idea de una desmedida exposición individual y familiar y la segunda tiene un objetivo muy claro, entrar en la vida de la reconocida autora a como dé lugar, dejando en evidencia desde del inicio síntomas de un acercamiento con formas aberrantes.
La película retrata la historia de Delphine una escritora en un momento dramático de su carrera -la consecución de una segunda obra literaria que mantenga la calidad y la popularidad de su primera publicación- y la aparición en su vida de un enigmático personaje, “Elle”, una mujer que le declara una profunda admiración y que comparte oficio aunque desde el perfil de ghostwritter. La primera no sólo se halla bajo una profunda presión de un segundo éxito, siente contradicciones de una obra previa que siendo tan personal la lleva a atormentarse con la idea de una desmedida exposición individual y familiar y la segunda tiene un objetivo muy claro, entrar en la vida de la reconocida autora a como dé lugar, dejando en evidencia desde del inicio síntomas de un acercamiento con formas aberrantes.
Las actuaciones son claves, tenemos a una Emmanuelle Seigner que encarna impecable a la escritora quebrada y a una Eva Green que se impone en cada cuadro. La música es remarcable, está compuesta por Alexandre Desplat, el ganador de dos Oscars (por Gran Hotel Budapest y La forma del agua) y creador de increíbles soundtracks de los que probablemente desconocíamos su autoría. Por último, columna vertebral de la pieza, está el hecho de que dos maestros del thriller psicológico y del film noir nos llevan al lenguaje audiovisual esta historia que nos mantiene desde un primer momento impacientes y atentos al constante flirteo entre lo real y lo ficcionado.
En sintonía semántica con el filme tenemos a un Roman Polanski al que naturalmente se le cuestionará si supera o no los éxitos que lo han posicionado en su trayectoria como cineasta, pero que sale aireado por mantenerse inteligente, coherente en cuanto a su filmografía y por mostrarnos un producto que dista de estar caduco.
No es una cinta para quienes todavía conciben que atender al metraje de una película requiere de un final que los satisfaga y si en cambio para quienes están dispuestos a contemplar, a mirar un ejemplar que remite a la idea de que hay gente que sabe de su oficio.

Calificación 8/10

FICHA TÉCNICA:
Título original: D’après une histoire vraie
Año: 2017
Duración: 100min.
País: Francia, Polonia, Bélgica.
Dirección: Roman Polanski
Guión: Olivier Assayas, Roman Polanski (Novela: Delphine de Vigan)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Montaje: Margot Meynier
Reparto: Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Pérez, Damien Bonnard, Camille Chamoux, Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou
Productor: Wassim Béji
Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou
Productor: Wassim Béji

Estreno 3 de mayo

Reseña: «La Gioconda», de la compañía Lírica G. Verdi.

Reseña de Diana Decunto

La Compañía Lírica G. Verdi, el pasado domingo 22 de abril en el Teatro El Globo se presentó con la ópera en cuatro actos La Gioconda de Amilcare Ponchielli. Con esta obra, inicia su ciclo de presentaciones correspondientes al año 2018. Para aquellos que estén interesados en ver un espectáculo de alta calidad artística está previsto volver a realizarse otra representación de La Gioconda, el domingo 29 de abril a las 21 hs. Con la primer puesta de gala, ha sido un lujo que promete un año de mucha intensidad y de exigencia para LA VERDI y donde el público tendrá la suerte de ver otras puestas programadas a lo largo de este año como ser Junio 3 y 10, Hotel de Inmigrantes “que 20 años no es nada” de Adriana Segal, en Agosto el 25 y 2 de Setiembre Falstaff de Giuseppe Verdi, el 30 de noviembre y 6 de diciembre Suor Angelica de Giacomo Puccini y Billy Budd de Benjamin Britten.

Fue un gran momento que se vivió el domingo pasado, en el Teatro El Globo, cuando se bajaron las luces y comenzó la Maestra Susana Cardonnet a tocar el piano para dar comienzo a la obra que nos transportaría a un espectáculo de un alto contenido artístico y sensibilidad de quienes participaron de la puesta en escena. La obra fue creada, dirigida y protagonizado por Adriana Segal. Un excelente vestuario, iluminación que realzó la participación de solistas, comprimarios, coreutas, bailarines y actores. Adriana Segal, después de seis años, abocada a la dirección volvió a cantar en el papel de Gioconda. Hace siete años que LA VERDI cuenta con la suerte de tener como Director Musical al maestro Ramiro Soto Monllor.

La frase favorita de Adriana Segal, directora e interprete es: “Mejor es la calidad y no la cantidad”. Hecho que quedó una vez más demostrado, con esta puesta.

Adriana Segal en el papel de Gioconda. Nacida en Buenos Aires, lleva 55 años comprometida con la música. Comenzó a los cinco años estudiando piano y se fue perfeccionando, cantó como solista en operas completas, entre las que podemos mencionar Il Trovatore. Aida, Tosca, La Gioconda, La Bohemia, etc. Desde el año 2012, cumple funciones como Directora General, régisseuse, idea, producción y preparatoria vocal y teatral en la Compañía Lírica “G.VERDI” y en la Escuela Popular de Opera de la misma compañía. Otra de las puestas realizadas: Oberto, Conde di San Bonifacio de G.Verdi (estreno latinoamericano Teatro Avenida 2014, 2015, puesta que obtuvo varios galardones) y muchas más como Cavalleria Rusticana (Mascagni) , Il Trovatore (G.Verdi), La Vie Parisienne, entre otros.

Destacable la labor de Sidney Page, realizador artístico, nacido en San Salvador de Jujuy que logró una conjunción perfecta entre música e imagen. En una obra caracterizada por muchos personajes en escena, los cuales se desenvolvieron perfectamente.

Todos los (as) cantantes, de excelente trayectoria, compuesto por Gabriel Rabinovich en el papel de Barnaba.

En el rol de Alvise Badoero, el cantante Claudio Rotella, entrerriano oriundo de Paraná.

Laura Dominguez encarna a Laura Adorno. Manuel Pietro en el rol de Enzo Grimaldo.

Fabiana Francovig, actuación de alta expresividad dramática además de sus dotes para el canto. Y por último Gabriel Sala, hijo de Tito Sala, quien desde corta edad tuvo afición por la música, quien se encuentra complacido de pertenecer a la Compañía Lírica Giuseppe Verdi, porque ha podido canalizar su pasión por la ópera pudiendo participar del coro y como solista. Sin olvidarnos de Raul Lagomarsino y Pablo Macia.

La obra transcurre durante la época de la inquisición en Venecia, siglo XVII. La Gioconda es una mujer que se gana la vida cantando por la calle, es el único sostén de su madre. Está enamorada del exiliado político Enzo Grimaldo.

Se cruza la Gioconda con Barnaba, un espía maléfico de la Cámara de los Diez a quien la cantante rechaza y el ingrato crea una trama para culpar a la madre ciega de brujería con el propósito de exigir a la Gioconda a que acceda a sus insinuaciones amorosas.

Gioconda se cruza con el miembro del consejo Alvise Badoero junto a su esposa Laura. Su marido cree que esta última le ha sido infiel con Enzo Grimaldo y le exige que ofrezca su vida a cambio de borrar las manchas dejadas por el deshonor. Y no vamos a contar más, sobre como es el desenlace.

El broche de oro en la obra es la participación del cuerpo de baile: Rodolfo Romero, Elvira Haydee Peredo Aguirre, Leandro Otero, Carlos Martìn Parrinello Torres, Noemí Hernán Lizarraga.

La obra se encuentra completa con la presencia de los coreutas pertenecientes a la Compañia Lírica G.VERDI, cuya misión en estas puestas es mantener y mejorar el nivel de producción operística. El coro está conformado por un hermoso grupo de personas de distintos niveles de la sociedad, pero todos con una misma pasión y alto compromiso con las metas que desea alcanzar el hermoso proyecto de la Compañía Lírica “G.VERDI”. Todos sus miembros agradecen muy especialmente el apoyo dado por sus respectivas familias que hacen posible la difusión de la ópera sin descuidar la calidad. En esta oportunidad también contó con la participación de Pilar Lírica que es la primer y única compañía de ópera de la ciudad de Pilar desde el 2015.

La Compañía Lírica “G.VERDI” cada vez que sube a escena ofrece su amor por la ópera, el respeto hacia los artistas, los autores, y el público. Con ganas por hacer nuevas cosas de “Mejor calidad”. Invito a que seamos capaces de retribuirles con cálidos aplausos todo el esfuerzo para que el estímulo sea el motor impulsor y continúen por este camino de excelencia.


Ficha Técnica

La Gioconda (opera en cuatro actos de Amilcare Ponchielli.

Al piano Maestra Susana Cardonnet

Directora General y Escena Adriana Segal

Director Musical Ramiro Soto Monllor

Directora Musical Solistas Susana Cardonnet

Curadora de escena Lizzie Waisse

Realizador Sidney Page

Subtitulados Aida Komaid Van Gelderen

Diseño de Luces Adriana Segal

Maestro de Luces Norberto Lara

Caracterizador Ariel Peña

Asistente general Juan Francisco «Kiko» Balestron

REPARTO

GIOCONDA……Adri Segal

LAURA ADORNO….Laura Dominguez

ENZO GRIMALDO………. Manuel Pietro, Gabriel Sala (Cover)

BARNABA………… Gabriel Rabinovich

ALVISE BADOERO…....Claudio Rotella

MADRE……………………..Fabiana Francovig

ZUANE…………………………Raúl Lagomarsino

ISEPO………………………….. Pablo Macia

UN BARNABOTTO…………Agustìn Adúriz-Bravo


CUERPO DE BAILE

Rodolfo Romero, Elvira Haydee Peredo Aguirre, Leandro Otero, Carlos Martìn Parrinello Torres, Noemí Hernán Lizarraga.


CORO ESTABLE DE LA COMPAÑIA LIRICA » G. VERDI»

http://www.verdilirica.org

Sopranos: Aguirre Silvia – Cabrera Zulema – Colomo Sophie – Crivelli Ana – Gontad Isabel – Huertas Alejandra – Kass Tamara – Meno Sanz Candelaria – Raffaelli Diana – Rafaelli Sandra – Salem Sandra – Salvador Marisa – Sánchez Kalina María – Ventura Marta

Mezzosopranos Carfagna Margarita – Cichero Graciela – Kioss Elsa – Porro Silvia- Ripoli Carmen – Farias Guadalupe – Silveyra Patricia – Larrea María

Tenores: Benitez Alberto – Bertone Ivan – Domenichino Daniel – Garcia José – Losasso Martín – Macia Pablo – Page Sidney – Peña Ariel – Reinhardt David – Sala Gabriel

Baritonos y bajos : Adúriz Bravo Agustín – Gonzàles Oscar – Hidalgo Walter – Lagomarsino Raúl – Leveroni Maximiliano – Ramos Marcelo – Contraalto Grifa Norma

Jefe de cuerdas: Gabriel Sala


Pilar Lírica

Dirección Julieta Rosso

Actores Lucas Delfino – Andres Filgueira – Emilia Vucci – Elena Cuba

Reseña: Amontonados

Dos chicos se están por comprometer y organizan una fiesta, pero empiezan a entrelazarse las historias, los amigos y la familia.

«¿QUE SUCEDERÍA SI EN EL MOMENTO MAS IMPORTANTE DE TU VIDA REAPARECE LA PERSONA QUE NO PENSABAS VOLVER A VER? ¿QUE SUCEDERÍA SI TE ENCUENTRAS EN EL MEDIO DE ESAS DOS PERSONAS QUE MAS AMAS TENIENDO QUE TOMAR UNA GRAN DECISIÓN?

Rodrigo Parrilla y Alan Giraud a la cabeza del elenco nos hacen replantear las relaciones y dejar de lado los prejuicios. Junto con Nelson Cogno, Ailen Mazkin, Emilio Segovia, Juan Cruz Greco y Lorena Venturuzzo, nos llevan a un mundo de amores y mentiras, donde las parejas ocultan más de lo que muestran. Los padres se separan y los amigos no tienen la vida genial que nosotros pensamos.

Daniel Mansilla su director y guionista nos muestra una obra sencilla, pero con toques de humor y simpatía.

Amontonados te hará reír, pero también pensar en cada situación que vives a diario con las personas que te rodean y forman tu círculo íntimo. Realmente una obra recomendable que se despedirá éste viernes 27 de Abril en el Teatro de la Fábula.

Funciones : Viernes 21 hs TEATRO «DE LA FABULA» (Agüero 444)

Alejandra Martínez

Reseña: Ni con perros ni con chicos

Después de su exitosa temporada en el Teatro nacional Cervantes y luego de su gira en el resto del país , regresa una pieza del teatro musical que ha sido aclamada y ha encontrado su lugar para seguir cautivando al público. Ni con perros ni con chicos se encuentra actualmente en cartelera en el Espacio Callejón , bajo la dirección de Javier Daulte y la participación de Laura oliva, Omar Calicchio, Daniela Pantano y Federico Coates.

Ni con perros, ni con chicos… cuenta la vida del célebre actor y director de cine y teatro Charles Laughton -inglés nacionalizado estadounidense en 1950- que brilló en la época dorada de Hollywood (La vida privada de Enrique VIII, El jorobado de Notre Dame, Espartaco, Testigo de cargo, entre otras) y de su mujer Elsa Lanchester, actriz también británica cuyo nombre cobró fama en 1935 por su papel en La novia de Frankenstein, y a partir de ahí desarrolló una interesante carrera en el cine (La escalera de caracol, La zapatilla de cristal, Testigo de cargo), en varias películas junto a su marido. La obra recorre la vida privada y pública de ambos. La intimidad de la pareja va descubriéndose a la vez que entretelones de la historia del cine y el teatro de la época aparecen, y los personajes van y vienen en el tiempo y el espacio.

Podemos decir que Ni con perros ni con chicos se trata de una historia de amor , tal vez no está contada de la forma más convencional, y tampoco solo es el amor a otra persona , sino también al arte , a una forma de vivir y a la vida misma. Es así como el relato nos pone en escena a el actor Charles Laughton , que a través de la mirada de su esposa (También actriz ) coloca en las tablas aquellos buenos y malos momentos que ha tenido con el actor, además de hacer un repaso completo de toda su vida artística.

Cabe decir que esta es una gran historia llevada a cabo por grandes intérpretes. En primer lugar nos encontramos con Laura Oliva , siendo una mujer que tiene el control en la historia , a través de ella transcurre el relato y los recuerdos que se hacen literalmente presentes, logra mostrar un personaje dinámico, cómico y adorable. Por el otro lado tenemos a Omar Calicchio, básicamente es un monstruo haciendo de otro tal cual ,como se comenta en una parte de la obra , dicen que el protagonista con solo de estar parado sin hacer nada ya acaparaba toda la atención. El título de la obra está inspirado en una frase de Alfred Hitchcock: Nunca se te ocurra hacer una película con animales, ni con niños, ni con Charles Laughton”, y es eso lo que el actor logra hacer con su papel , estar para ser el centro de atención , obviamente teniendo una gran compañía que deja grandes momentos cuando se trabaja en conjunto. El resto del elenco lo completan Daniela Pantano y Federico Coates , que logran imponerse a aquella atención que los personajes principales acaparan , siendo más bien un complemento que hacen de este musical algo artísticamente bello.

Existe un buen manejo del escenario , utilizando distintos espacios para colocar a los personajes, de acuerdo a lo que quieren transmitir en cada momento, la dirección está medida en cada detalle. El vestuario nos traslada a una época dorada en el cine y el arte en general , que logra cautivarnos tanto en su simpleza como extravagancia.

Ni con perros ni con chicos es una gran obra de teatro musical , con una historia potente y cautivadora, acompañado de melodías que juegan con el relato y el espectador, haciéndolo parte de este mágico recuerdo. Las actuaciones son sobresalientes, tenemos a cuatro artistas que dan la talla para componer una buena historia. Una obra simple y eficaz que no te puedes perder.

Entrevista a Guillermo Francella – Ciclo Los Descendientes

El pasado 16 de abril, tuve el inmenso placer de ser invitada al Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires (Istituto Italiano Di Cultura) para participar de la entrevista pública y gratuita realizada por el periodista Luis Mazas y teniendo como invitado de lujo al actor y director Guillermo Francella.

Este evento se dio en el marco de la propuesta “Los descendientes” un ciclo que se ha reanudado, el cual propone mostrar a personalidades destacadas en Argentina que tienen ascendencia italiana para que nos cuenten sus orígenes, acerca de cómo inmigraron a estas tierras, como han vuelto a reencontrarse con sus raíces y profundizar sobre sus proyectos actuales y futuros.

Fue una charla distendida, en el Salone Benedetto Croce, un hermoso lugar muy iluminado con una hermosa biblioteca al costado, donde el lustre de la madera brillaba tanto como el público, Guillermo y Luis.

La química de la entrevista fue perfecta porque Luis y Guillermo expresaron su recíproco respeto y cariño que vienen cultivando desde hace muchos años.. Ese vínculo permitió que Guillermo, nos contará de su “italianidad” y nos compartiera la historia de su abuelo genovés Domenico que llegó a esta tierra, muy joven a los 16 años, en 1892, en el buque Córdoba, de religión católica y profesión “trabajador con las manos”: albañil. Y Guillermo dice “y ahí comenzó todo”.

Luis le preguntó de cómo se inició en la actuación. Sus referentes de muy joven eran las películas italianas, admirador de un cine, que en un momento desapareció y el cual se está reflotando, caracterizado por dejar un mensaje de crítica social. Destacó su vocación “innata” y su constancia para hacer lo que más le gustaba que era actuar. Reconoció el apoyo familiar con el que contó y lo dificultoso que fueron sus inicios.

Francella contó de su regreso a italiana, con motivo de su participación en festivales de cine en Venencia, lo cual le permitió recorrer varias ciudades a las cuales las recordó con sentimiento y admiración.

Se habló del fenómeno “Casados con hijos”, ese ciclo familiar junto a Erika Rivas, Luisiana y Darío Lopilato, Florencia Peña y con la participación especial de Marcelo De Bellis. Guille, encarnaba el papel de “Pepe Argento” en esta comedia, la cual tiene la friolera de trece años que se sigue pasando por canal 11. Y lo maravilloso, por eso me permito llamarlo fenómeno, es que no tiene miras de caer de la programación. Se le preguntó sobre después de tantos años, si seguía sin cobrar regalías sobre la obra y comentó que sobre una nueva ley que se sancionó, los actores han logrado digamos entre comillas la propiedad intelectual de su imagen y existen actualmente una situación más justa para un medio tan castigado en otros momentos.

Se hizo una remake por otros obras, de la etapa de un Francella, como actor cómico, como el sketch de “no me toquen a la nena” y se debatió sobre la desmesura que tuvo la crítica de ciertos sectores que acusaron de ser un sketch discriminatorio. Compartió con nosotros cuanto le dolió estos comentarios porque es un respetuoso de la mujer y que mejor botón de muestra puede dar, un actor con un matrimonio de muchos años, perfil bajo, sin escándalos mediáticos, y con dos hijos a los cuales nombró con orgullo y admiración por lo que cada uno está haciendo en el ámbito profesional, destacando que lo hacen por mérito propio.

Luis le preguntó por su vuelco al género dramático. Guille contó de su entrañable relación con el director de cine Juan José Campanella; “El secreto de tus ojos” , película argentina éxito en el 2009, la cual le abrió a Francella, una faceta nueva, de su profesión, de la cual esta fue la punta para seguir escalando e ir yendo por más, como el El Clan (2014) de Pablo Trapero ganador como mejor película iberoamericana de los premios Goya, Corazón de león (2013), Los Marziano (2010). Se hizo mención de la obra de teatro La cena de los tontos, donde actuó junto a Adrián Sur.

Y de ahí contó en esa búsqueda interna de crecimiento cómo llegó a realizar el debut como director y adaptador de la película italiana Perfectos desconocidos (2017) de Paolo Genovese que tuvo una recreación en el cine por Alex de la Iglesia. La obra versa sobre varios matrimonios que se reúnen para cenar y que uno de ellos propone a título de juego, que todos dejen los celulares sobre la mesa. Y cada vez que reciban un mensaje o llamada, se compartirá con el resto de los contertulios. Contar el argumento hace que no pierda atractivo la obra porque el “qui de la cuestión” es el desarrollo de la idea. La película original tiene tono de comedia, pero se mecha con situaciones que se tornan dramáticas y que hacen una crítica social muy interesante.

Francella contó como le resultó el proceso interno de adaptación de la obra “Perfetti sconosciuti” y actualmente en cartelera en el Teatro Metropolitan Sura en el que actúan Alejandro Awada, Agustina Cherri, Mercedes Funes, Gonzalo Heredia, Peto Menahem, Carlos Portaluppi, Magela Zanotta. “Guille” reconoció que está en el proceso de largarle la mano para que la obra empiece a caminar, porque confesaba que asistía, mínimo, a dos funciones a la semana, para supervisarla.

Cerró la entrevista contando que está leyendo algo, pero que no tiene nada decidido pero si mucho en vista. Se encuentra en una etapa de merecido descanso porque hubo meses muy agotadores previos a la puesta de la obra y en paralelo participó en el rodaje de películas que se están por estrenar. También confesó que no puede estar mucho tiempo sin hacer nada. El público fiel lo esperará ansioso a este hombre que transmite una imagen de mucha sensibilidad y que demostró una sólida trayectoria que es el producto de muchos años de esfuerzo. Quedamos a la espera del proceso creativo para que el resurgimiento sea como la del ave fénix con algún otro proyecto que seguramente nos sorprenderá para bien, nos emocionará y volveremos a aplaudirlo. Queremos agradecer al Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires que nos ha dado tan cálida recepción y que nos ha permitido pasar una excelente velada.


Reseña Diana Decunto

Crítica: Monsieur & Madame Aldeman

Crítica de Paula Fossatti

Estamos

hablando de una película que mezcla casi a la perfección el drama y la comedia, en su inicio parece ser simplemente una historia de un amor truncado en que una mujer se enamora de un hombre que no tiene el más mínimo interés por ella; pero es a través de la introducción de un periodista interesado en contar la vida del protagonista, que su esposa relata en diversos capítulos como la vida los llevó a permanecer juntos cuarenta años.

La particularidad de este film es que en su imagen inicial conocemos a todos los personajes de la trama, reconociendo allí un punto de inflexión de lo que habitualmente estamos acostumbrados a ver en el cine.

¿Una mujer que vive para un hombre? ¿Es eso lo que nos quieren contar?. El primer acto deja entrever eso, pero la trama es mucho más profunda, narra la vida de Sarah Adelman (Doria Tillier) y de Victor de Richmont (Nicolas Bedos), cabe recordar que ambos fueron guionistas y él dirigió dicho film; un matrimonio que estaba desbordado de secretos y complicidades, en especial en la profesión de Victor, quien era un escritor reconocido. A través de las palabras de Sarah la historia gira en torno a su esposo quien con el paso de los años cambia su percepción del mundo artístico y de la vida.

La construcción de ambos personajes denota que no tienen intención alguna de crear un protagonista cliché ni escenarios habituales, ya que si algo se debe destacar es la escenografía con colores pasteles, creando verosimilitud lo más fiel posible, en situaciones más emocionales los colores se intensifican creando un clima extremadamente verosímil.

El papel que representa Doria sobresale por donde se lo mire, es quien lleva las riendas del asunto en la historia ya que solo conocemos su perspectiva de la realidad de todos esos años y convence al espectador de que todo lo que sucedió fue de ese modo y no hubo cabida para otra realidad. El final de la película te eleva hasta tal punto que te lleva a pensar que esta dupla puede seguir haciendo más películas sin ningún inconveniente.

Calificación: 8/10.