Crítica: Golem: La Leyenda

Por Leonardo D’Assaro

Entendamos lo que estamos viendo: “The Golem” es una película israelí, que intenta acercarse al género del terror de época, basándose en una de sus principales leyendas folclóricas. El Golem, según la mitología judía, es un ser animado a través de un conjuro. Siendo conformado a través del barro, tomando una forma incompleta cuasi humana. Es un ser fuerte, poco inteligente, que llevará a cabo su tarea de muerte de acuerdo a los requisitos de la persona que le dio vida.


De eso se trata esta película. Nos encontramos en el siglo XVII en Lituania. Un pueblo judío es agredido por otro que está siendo diezmado por una terrible peste. Como ven que el pueblo judío logra sobrevivir a través de su fe y religión, le piden a la curandera judía que salve a la hija enferma del jefe del pueblo agresor. En caso contrario, el pueblo judío será aniquilado por estos salvajes.
Al ver a su aldea inmersa en esta situación, Hanna decide invocar al Golem, a través de las escrituras secretas de la Kabbalah. Así el Golem se hace presente y aniquila todo lo que Hana considera peligroso para ella.
Una película de época, con un presupuesto ajustado, pero que nos permite vivenciar una historia alejada a lo que nos suele ofrecer Hollywood de acuerdo a este género.
Recomendable para aquellos que buscan historias con atmosferas inquietantes y no tanto susto fácil.

Calificación: 6 de 10

Análisis: Death Stranding para PS4

Por Jorge Marchisio
En un mundo futurista, donde la civilización se derrumbó, y el mundo de los vivos casi que convive con el de los muertos, tomamos el control de Sam Bridges, un transportista que es encargado de llevar varios pendrives a diferentes asentamientos, para lograr que lo que quedo de Estados Unidos, se vuelva a conectar a una red de intercambio de información.


Con bastante polémica y hype detrás, nos llega Death Stranding, el nuevo game creado por Hideo Kojima, que quien, con su propio nombre, ya levanta revuelvo por donde vaya. ¿Pero Death Stranding merece tanta repercusión como se le está dando?
Por un lado, si, ya que se nos plantea un gameplay por demás original, donde es algo más que un simulador de delivery como los haters dicen. En DS tendremos que pensar bien como y cuanto vamos a cargar a nuestro personaje, el saber balancear el peso y la forma de movernos. Así mismo, se nos obliga a ver bien el terreno antes de ir directo de forma ciega a la entrega. Y para esto podremos contar con cuerdas y escaleras que nos ayudaran en nuestros viajes, y posteriormente con algunos vehículos para agilizar los traslados.


Pero también con el juego nos llegan las ñañas típicas de Kojima. De entrada, podemos dejar nuestro joystick a un lado para poder ver las larguísimas y constantes cinemáticas (en las que el nombre de Hideo Kojima sale hasta el hartazgo). También la historia, que en apariencia es bastante complicada sin necesidad, teniendo giros y contra giros que complican las cosas, cuando todo era en apariencia bastante más sencillo.


Pero quizás el mayor problema de Death Stranding es que no es un juego para todo el mundo. Para los que tienen poca paciencia, o buscan un gameplay variado o con mas acción, desde ya les decimos que acá no van a encontrar eso. De hecho, lo aconsejable es que alternen DS con otro game, o que no lo jueguen en sesiones largas, ya que, al poco tiempo, veremos que nuestros encargos, por más complicados que sean los terrenos que tenemos que avanzar (con el futuro agregado de enemigos), todo termina tornándose bastante parecido y volviéndose un poco monótono.
Pero eso no equivale que estemos ante un mal o regular juego., aparte del mencionado innovador gameplay, la factura técnica de Death Stranding debería ser la vara mínima a la que deben aspirar las grandes desarrolladoras de la industria. En cualquier momento podremos sacar una captura de pantalla que de igual forma se va a ver hermosa e ideal para poner como fondo de pantalla.


Para finalizar, notaran que los puntos negativos son bastante menores que los positivos; y que quizás, al ser una obra que propone un nuevo estilo de jugar, sea el factor por el que levantó tanta controversia. Eso no implica que no estemos ante uno de los mejores games del 2019 y que seguramente va a sentar las bases para una nueva ola de gameplay.

Calificación 8/10


Lo mejor: la innovación del gameplay, el apartado gráfico.
Lo peor: la trama es enrevesada sin necesidad, puede tornarse monótono con el tiempo.

Reseña: Antihéroe Off

Por Sebastián Sabio

La vida de los que persiguen un imposible.

Por un lado, la alegría, la fiesta y el jolgorio, por otro la tristeza, la desazon y la desesperanza. Esas son las dos caras que viven en esta obra que juega permanentemente con los polos opuestos en los que debe vivir un actor.

“Antiheroe off” cuenta la historia de Remo, un actor que a través de sus cinco personajes (o cualquier otro que se le solicite de ultimo momento) busca juntar dinero suficiente para viajar a Londres y asi reencontrarse con su hijo. Durante el transcurso de la obra el único intérprete en escena atravesará el universo de sus creaciones como actor mientras, entre personaje y personaje, muestra cómo es él, quién es en realidad.

En la cara de Patricio Abadi, intérprete y dramaturgo de Remo, se puede apreciar el mundo de su personaje. Solo con su expresión él logra transmitir un entramado de sensaciones y pensamientos que dejan al espectador con la sensación de entender a la perfección la situación, incluso antes de que aparezca la información de lo que sucede.

En una puesta en escena innovadora en la que se destroza la cuarta pared (por momentos pecando de “obra standupera”) esta dupla con Patricio Abadi como actor y dramaturgo y Paula Marron desde la dirección dejan de traer este mundo lleno de sensibilidades ocultadas por las emociones ficticias del actor por este año pero van a regresar el año que viene.

Reseña: Historias Breves 18 (2017)

Escrita por: Gonzalo Esteba Borzino

Cobertura del 34º Festival de cine de Mar del Plata

Los creadores de contenido audiovisual nacional no pueden evitar mirar con ansias, en algún punto de sus carreras, la oportunidad de ser elegidos para la convocatoria de Historias Breves, financiados por el INCAA y promocionados por el ministerio de educación, cultura, ciencia y tecnología. Gracias a su apoyo financiero, se pueden llevar a cabo proyectos cortos pero precisos, latentes venas artísticas que permiten nuevas visiones sobre viejos conceptos o, porque no, una mirada primogénita sobre nuevas problemáticas. Los premiados, presentes durante las proyecciones, dieron sus agradecimientos al público, como así a sus colaboradores y leyeron un comunicado, donde se resaltaban las grandes dificultades por las que sus proyectos debieron pasar debido a la crisis nacional y negligencia estatal. Cerraban dicha carta esperando que las próximas entregas de la convocatoria, puedan ser más gratas para los participantes, celebrando, asimismo, el cambio de gobierno.

Proyectados en el auditorio del museo Mar, estos son los cortometrajes presentados, ganadores del concurso en la víspera de sus 25 años. Para evitar contar de más, se utilizó la sinopsis brindada a la audiencia asistente al evento.

12 Kilómetros || Dirigida por: María Soledad Laici

Es la hora de la siesta. Una niña campesina de apenas ocho años será la única compañera de su madre que está a punto de parir. Juntas emprenderán el camino al hospital a pie. Las contracciones cada vez violentas han detenido el avance de la mujer en plena ruta y será la niña quien deba recorrer, sola, esos 12 kilómetros que la separan del puedo más cercano en busca de ayuda.

Una urgencia latente, el dolor de Antonela Luce y la templanza de Valentina Shiaffino son los elementos de esta eterna caminata por un paisaje desolado. El insípido terreno como opuesto a la fertilidad del parto, y una niña capaz de todo nos revela una lucha donde la suerte y la perseverancia se vuelven factores decisivos.

El nombre del hijo || Dirigida por: Martina Matzkin

Lucho, un niño trans de 13 años, no suele compartir mucho tiempo con su padre. Cuando emprende unas vacaciones junto a él y su hermana menor la nueva cercanía y cotidianidad ponen su relación a prueba. Sobre todo cuando en medio de una noche de insomnio, Lucho tiene su primera menstruación.

Distante y callada. El ritmo del film logra capturar la pesadumbres de un padre pasando por el desarrollo de dos identidades en cortocircuito, cuya conflictiva existencia paralela es no solo inevitable, sino que también contradictoria. A diferencia de otros cortos discursivamente similares, Martina Matzkin logra atravesar su temática con gracia, sin necesidad de ser demasiado evidente, diciéndolo todo en la dureza de la relación familiar de Tristán Miranda y Daniel Cabot.

Justo || Dirigida por: Paula Romero Levit

“Justo” es un cortometraje acerca de la justicia. Ella, la protagonista, es una joven que propondrá a los pasajeros de un colectivo lleno un cambio de la administración de los asientos. En el viaje descubrirán que, más allá del resultado, siempre es bueno revisar el orden establecido.

Desafiante, aunque levemente soso. Este cortometraje se esfuerza en hacer un caso desde la posición de privilegio al colocar a Camilia Fabbri como acomodada en lugar de necesitada, intentando hacer mella en el espectador promedio. Si algo me llevo de esta, es la siempre grata aparición de Darío Levy, en esta ocasión encarnando a un colectivero.

La playita || Dirigida por: Sonia Bertotti

Ciudad de Corrientes, verano. A orillas del Paraná y bajo la sombra del Puente General Belgrano, miles de familias compiten por un espacio para su sombrilla y sus reposeras. Priscila, una niña de 7 años a la que nadie presta atención, saldrá tras los pasos de un elusivo vendedor de juguetes ambulante, alejándose cada vez más de su familia, intentándose cada vez más en la aventura.

Una aventura de descuido. Una niña en un viaje sin rumbo, tumbándose con las trabas del destino, encontrándose con el peligro consecuente de una familia egocéntrica. Un reflejo hilarante de la fuerza del descanso, contando con una abominable cantidad de extras. Como Sofía Sánchez, cientos de niños se pierden en las caricias costeras del descuido familiar.

Instrucciones para Adela || Dirigida por: Laura Huberman y Manuela Martínez

Tres mujeres, tres generaciones, el paso del tiempo y una despedida inminente. Abuela, madre e hija pasan el día en un velero familiar. Algunas miran hacia atrás y otras hacia adelante.

Cálida y un tanto caótica, como suelen ser los cruces de las edades. Este corto, rodado enteramente en una embarcación navegante, se atreve a desnudar las truculentas aguas del destino inevitable y la introspección familiar. Contando con la brillante Elvira Onetto como la matriarca de cabeza, con la compañía de Mercedes Morán y Manuela Martínez, es una conversación entre hijas, con un final acechante.

Te seguiré || Dirigida por: Pedro Levati

Un mismo personaje inmerso en distintas épocas plantea un gran interrogante: si hubiésemos nacido en otro momento ¿Seriamos los mismos? Nuestras vivencias, experiencias o relaciones, la manera de vincularnos afectivamente y emocionalmente ¿hubiesen sido las mismas en otro contexto?

Excepcionalmente ejecutada y fuertemente arraigada en el teatro musical, esta pieza bellamente construida es una oda a las décadas de antaño. Una historia desarrollada por los cuerpos de Silvina Paolini y Matías Galitelli, y puntillosos estudio de relaciones entre dos almas entrelazadas por la música. A pesar de su marcada herencia teatral, el corto dispone de un dinamismo particular que lo aleja lo suficiente de la puesta estática que supondría con este tipo de trabajos.

Critica: Los que vuelven

Por: Gonzalo Esteba Borzino

Cobertura del 34º Festival de cine de Mar del Plata

Perdida entre las gruesas hojas de la selva misionera, una mujer llora desconsoladamente. Julia (Lali Gonzalez), con su hijo muerto en brazos, le ruega a la Iguazú, la madre del día y la noche, que lo regrese a la vida. Lo logra pero, como le había advertido su sirvienta y confidente Kerana (María Soldi), sus plegarias tendrán consecuencias mucho más oscuras de lo que cree. Tiempo después, su marido Mariano (Alberto Ajaka), dueño de un campo de plantación, deberá hacer frente a la avanzada sobrenatural que se cierne sobre sus obreros.

Continuando la línea recorrida en el premiado cortometraje La vuelta del Malón (2010), Laura Casabe (La valija de Benavídez) vuelve a presentar a los indígenas vengativos, haciendo retornar a los guaraníes desde más allá de la muerte. Lo que describen como un rodaje “hermoso pero duro”, la película fue hecha en tan solo veintiún días, plagados de extenuante esfuerzo físico debido a las largas caminatas, el sofocante calor y la constante lluvia. Laura bromea diciendo que se filmaba, si la selva quería que filmasen. Afortunadamente al momento de grabar, las condiciones lumínicas resultaron excepcionales, lo cual permitió que lograsen su espectacular puesta fotográfica.

Es un largometraje hermoso, con la despampanante puesta de Leonardo Hermo, quien logró una iluminación realista y eficiente, incluso en tomas nocturnas. Asimismo, la dirección de arte resultó sublime, con efectos prácticos de carne y sangre para pequeños segmentos gore y vestuarios encantadores, acompañantes de la escenografía natural de los espectaculares paisajes misioneros, algunas veces recorridos a dron.

Originalmente, al igual que su cortometraje, la película ocurría en el sur, durante la campaña del desierto, teniendo a las comunidades arránqueles como los retornados. Sin embargo, se debió de realizar el cambio radical de locación y, por tanto, una profunda reescritura del guion. A pesar de tener definido el final, la narrativa pasó por muchas instancias de reubicación temporal. Planearon comenzar con un misterio, que terminase en sorpresa y por ello se decidió fragmentar el film desde el montaje, fabricándolo desde la exposición de la pieza. Confiesan que ellos mismos fueron sorprendidos por los acontecimientos que iban apareciendo en su historia.

La fragmentación narrativa se hizo, por un lado, para satisfacer dicha necesidad de misterio-sorpresa, piedra angular del género, y por el otro por una cuestión ideológica: “Lo que queríamos era generar la idea de la culpa criolla, abordar el tema haciéndonos cargo que nosotros somos los herederos que sometieron y que seguimos sometiendo.”, aseguraron luego de la proyección. Y fue por esto mismo que se optó por posicionar a los guaraníes como “el otro”, utilizando las convenciones del terror para contar lo que querían contar y transmitir lo que querían transmitir, sin posicionarse en un lugar deshonesto. Se debía atravesar la empatía desde la posición del rechazo y aceptación del otro.

Llamada “la revancha de los pueblos originarios” por los espectadores, el film está cargado de convenciones genéricas atravesadas por subversiones, una estética y manejo contextual similar a The Witch (2015) y una sensación de presencia ominosa digna de clásicos japoneses. Los que vuelven nos muestra un futuro film de culto a nivel latinoamericano. No importa cuánto se nos quiera convencer con que es un género muerto, al final siempre retorna.

Se estrena en mayo en salas comerciales.

Puntaje: 10.0/10.0

Critica: Huérfanos de Brooklyn (Motherless Brooklyn)

Por: Gonzalo Esteba Borzino

Cobertura del 34º Festival de cine de Mar del Plata

En los barrios bajos de Nueva York, plena década del ‘50, Frank Sinnata (Bruce Willis) intenta chantajear a la gente equivocada, y por ello es asesinado. Su protegido, Lionel Essrog (Edward Norton), un detective con síndrome de Tourette, buscará resolver los motivos del homicidio y acabará descubriendo una conspiración para desplazar a los más vulnerables, encabezada por el ambicioso Moses Randolph (Alec Baldwin), un alto mandatario de la municipalidad, hambriento de más poder.

Escrita, dirigida, producida y protagonizada por Edward Norton (Keeping the Faith), la adaptación de la novela de Jonathan Lethem nos muestra una despiadada ciudad que nunca duerme. Caracterizada con cuidadosos vestuarios de época y atravesada por la gloriosa música de Daniel Pemberton, el film nos transporta a bares del submundo, barrios devastados y hoteles de lujo, mientras se sigue una pista de sangre, pólvora y cenizas de cigarrillo. Un drama con tintes de policial negro tanto en lo estético, narrativo y político.

Actoralmente el foco de atención son los tics nerviosos de Lionel, los cuales lo llevan a espontáneos momentos incomodos entre personas que lo creen, en el mejor de los casos, un bufón. Sus explosiones le hace lanzar frases incomodas, a veces hasta rítmicas, las cuales generan momentos humorísticos, pero a la vez dejan espacio para tiempos de tensión apremiante, al no saber en qué momento podría tendrá un ataque. Esta característica, aunque cueste creerlo, es llevada maravillosamente por Edward Norton, quien lleva adelante una ejecución verosímil y muy satisfactoria. No obstante, no se puede evitar mencionar a las otras figuras actorales que atraviesan la película, como la rudeza de Bruce Willis, la expresividad silenciosa de Gugu Mbatha-Raw y la sobre-expresividad de Willem Dafoe.

El balance entre Lionel y Moses tiene un vaivén sublime. Mientras el detective describe su enfermedad como una compulsión que lo fuerza a tener conductas antisociales, el magnate se muestra como un personaje externamente controlado e intocable, pero su interior hierve fervorosamente, siendo esta su mayor debilidad. La película juega con esta dualidad de conflictos interiores-exteriores marcadas por dos personajes que, aunque diametralmente opuestos, pueden tener más que ver de lo que creen. Es una pena que en el extenso metraje solo compartan un par de escenas, evitando que este paralelismo se vislumbre con mayor efectividad.

Peleas sucias, la mano negra del estado y todo ese jazz. Las marcas del policial negro están ahí, en esta larga pieza de corrupción americana y discriminación, manteniendo vivo a un género siempre latente porque, lamentablemente, siempre es relevante.

Se estrena en diciembre en salas comerciales.

Puntaje: 8.5/10.0

Playstation España hace anuncio de sus primeras ofertas, anticipándose al esperado Black Friday

Sony Interactive Entertainment España (SIE España) inicia su campaña de ofertas para el Black Friday 2019, con descuentos en el servicio PlayStation®Plus (PS Plus) y en grandes títulos para PlayStation®4 a través de PlayStation®Store (PS Store). A estas ofertas se sumarán en los próximos días más productos, tanto en formato físico como en digital, adelantándose así a la época navideña para que los fans y jugadores no tengan que esperar para hacerse con sus productos favoritos a los precios más competitivos.

La campaña de Black Friday arranca en PS Store con importantes rebajas en varios títulos AAA del catálogo de PS4™ en formato digital hasta el lunes 2 de diciembre. Entre ellos, los usuarios podrán saltar al césped en EA SPORTS™ FIFA 20 por solo 44,99€ (antes costaba 69,99€); transportarse a un mundo post-apocalíptico y luchar contra engendros en la aventura exclusiva de PS4™ Days Gone por solo 39,99€ (antes 69,99€); o enfundarse el traje de súper héroe y balancearse por las calles del Nueva York con Marvel’s Spider-Man, a un precio de 19,99€ (antes 39,99€).

Los fans también encontrarán más títulos rebajados como: Grand Theft Auto V Premium Online Edition con un descuento del 71%, rebajando su precio de 34,99€ a 9,99€; Borderlands 3 a 39,99€; NBA 2K20 a un precio de 34,99€; y exclusivos de PS4™ de la colección PlayStation®Hits como God of War, Horizon Zero Dawn: Complete Edition, The Last of Us Remastered o UNCHARTED™ 4: El desenlace del ladrón a 14,99 €.

Además, durante este periodo, estará disponible con un descuento del 25% la suscripción anual de PlayStation®Plus. De esta forma, los jugadores podrán disfrutar durante 12 meses del juego online en PlayStation®4 (PS4™) y todas las ventajas adicionales que ofrece este servicio por solo 44,99€ frente al precio habitual de 59,99 €. El descuento estará disponible solo durante este período para compras realizadas a través de PS Store (hasta el 2 de diciembre) y en establecimientos adheridos a la promoción (hasta el 1 de diciembre).

Resumen ofertas destacadas para Black Friday de PlayStation®Plus y PlayStation®Store:

PlayStation®Plus

  • Suscripción anual: 44,99 € / Precio original: 59,99 €

PlayStation®Store

    • EA SPORTS™FIFA 20: 44,99 € / Precio original: 69,99 €
    • Days Gone: 39,99 € / Precio original: 69,99 €
    • Marvel’s Spider-Man: 19,99 € / Precio original: 39,99 €
    • Marvel’s Spider-Man Game of the Year Edition: 29,99 € / Precio original: 49,99 €
    • NBA 2K20 : 34,99 € / Precio original : 69,99 €
    • Borderlands 3: 39,99 € / Precio original: 69,99 €
    • Grand Theft Auto V Premium Online Edition: 9, 99€ / Precio original 34,99€
    • God of War®: 14,99 € / Precio original : 19,99 €
    • Horizon Zero Dawn: Complete Edition: 14,99 € / Precio original: 19,99 €
    • The Last of Us Remastered: 14,99 € / Precio original: 19,99 €
  • UNCHARTED™ 4: El desenlace del ladrón: 14,99 € / Precio original: 19,99 €
  • Crash™ Team Racing Nitro-Fueled: 25,99 € / Precio original: 39,99 €
  • Tom Clancy’s Rainbow Six Siege Deluxe Edition: 8,99 € / Precio original: 29,99 €
  • Blood & Truth (exclusivo para PS VR): 19,99 € / Precio original: 39,99 €
  • ASTRO BOT Rescue Mission™: 14,99 € / Precio original: 39,99 €

Éstas son solo algunas de las miles de experiencias al alcance disponibles a partir de hoy con la promoción de Black Friday para PlayStation®. En los próximos días se desvelarán más ofertas.
Para más información sobre la campaña de Black Friday, visita:
Web oficial de Black Friday PlayStation®
Blog oficial PlayStation®
Ofertas PlayStation®Store

Crítica: Huérfanos de Brooklyn

Por: Virginia Cattaneo
Crítica: Huérfanos de Brooklyn (Motherless Brooklyn)
Película dramática con tintes cómicos escrita, dirigida y protagonizada por el gran Edward Norton y el infalible Bruce Willis.

Huérfanos transcurre durante los años ´50 en New York. Lionel Essrog (Edward Norton) es un detective muy inteligente, memorioso y de gran corazón que padece síndrome de Tourette razón por la cual hace y deshace frases constantemente formando rimas además de tener varios tics que logra calmar mascando chicle o fumando hierbas y que lo hacen particularmente entrañable. Su historia personal se refleja en su mirada triste, sufrió mucho de chico al haber quedado huérfano a los 6 años y luego al haber vivido en un asilo de monjas donde fue despreciado, maltratado y golpeado por ellas además de ser denominado “Fenómeno” desde siempre. La historia arranca cuando asesinan a Frank Minna (Bruce Willis), su maestro y amigo de la vida y él se promete descubrir quién lo hizo. Ese hecho es el puntapié inicial que desanuda un ovillo que mantendrá a todos con los ojos bien abiertos y entregados al suspenso intrigante y sin baches que sostiene toda la película, el cual los envolverá de manera tal que no se enterarán que el film dura 2hs y 24 min.
La trama se desenlaza dentro de un juego de poder donde, para variar, ganan pocos y pierden muchos. Randolph Moses (Alec Baldwing) interpreta al pez mas gordo de la historia quien ejerce un poder manipulador y aplastante sobre los ciudadanos de Harlem. Su hermano, Paul Randolph, (Willem Dafoe) aporta una cuota importante de protagonismo en ese entramado y Laura Rose (Gugu Mbatha-Raw) luchará por salvaguardar los derechos de esa gente y además lo llevará a Lionel por un costado de la vida que él desconocía.

Son para destacar las actuaciones de Willem Dafoe y la de Edward Norton, además de su excelente dirección. También la música de Craig Armstrong se lleva un aplauso especial por ser la encargada de transportar al espectador dentro de la historia.
Para mi gusto el final podría haber sido distinto, mas impensado quizás, aunque igualmente atrapante y tierna son las dos palabras que mejor definen este caso detectivesco con agregados imprevistos como el replanteo obligado como sociedad a revisar las actitudes lastimosas que tenemos muchas veces para con los demás y también a mirar a los costados y llegado el caso no permitir que se violenten los derechos de los mas necesitados.

Calificación 8.50/10

Reseña: Othelo

Por Jonathan Sassón
“Siempre Shakespeare. Lo cómico es trágico y tan trágico que es cómico, o lo que se es capaz de hacer por odio y celos». Cuatro actores, especialistas en el teatro físico, el clown y el burlesco, interpretan la famosa tragedia de William Shakespeare, Othelo.”


Una obra se considera un clásico cuando trasciende en el tiempo, se vuelve una referencia y así cobra valor cultural.
La mayor parte de la dramaturgia de Shakespeare claramente son obras clásicas, si bien abarcó distintos géneros, para referirse o bien llevar a cabo una tragedia teatral hay que tener en cuenta a dicho autor.
Podría decirse que la versión de Gabriel Chame Buendia ya es un clásico, los años que lleva haciéndose la convierten en una referencia en la cartelera y la forma en que está hecha representa una influencia ineludible, un método de adaptar un clásico con procedimientos y lenguajes actuales, sobre todo en código clown / cómico.

Un clásico se caracteriza por ser universal, quizá por las temáticas que trata, Othelo cobra un significado particular aquí y ahora por atravesar temas como la violencia de género o el racismo. En este caso al ser abordado desde la comedia, sin solemnidad, se le da a la obra un carácter popular.

Para quien no haya leído o presenciado la obra de Shakespeare anteriormente esta versión es una gran puerta de entrada y para quien conozca de que se trata podrá disfrutar a pleno la comedia de todas formas.

De por si la dramaturgia de Shakespeare, su forma poética conmueve, se le suma la energía, la entrega de la interpretación, la calidad de las actuaciones haciendo que esta obra no solo provoque risas sino que además estremezca.

Aparentemente es cierto eso de que tragedia más tiempo da como resultado comedia, de seguro la tragedia sería perder el tiempo y no ver esta espectacular obra.

Ficha técnico artística

Autoría: William Shakespeare
Adaptación: Gabriel Chame Buendia
Actúan: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio
Vestuario: Gabriel Chame Buendia
Escenografía: Jorge Pastorino
Diseño de luces: Jorge Pastorino
Diseño sonoro: Sebastián Furman
Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar
Fotografía: Gianni Mestichelli
Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone
Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole
Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik
Asistencia de Producción: Micaela Fariña
Asistencia técnica: Ariel Dabbah
Asistencia de dirección: Justina Grande
Prensa: Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar
Producción: Buendia Theatre
Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037
Sarmiento 2037 Capital Federal – Buenos Aires
Jueves – 21:00 hs – Hasta el 30/11/2019

Análisis: Jet Kave Adventure para Nintendo Switch

Siempre resulta placentero saber de nuevos juegos en plataforma en 2D que saben perfectamente captar la escencia de los títulos más influyentes del género. Más allá de su concepción independiente, el juego Jet Kave Adventure nos trae una aventura a lo Donkey Kong pero que tiene como protagonista a un cavernícola afectado por una invasión alienígena. Lo prehistórico y la tecnología extraterrestre se mezclan para brindar una experiencia muy entretenida y creativa dentro del género de plataformas.

El juego ha sido desarrollado por el equipo de 7Levels y se nota el cariño que se le ha tenido en relación al diseño del juego y su jugabilidad puramente plataformera. La historia nos lleva al prehistórico y somos un cavernícola que resulta atacado por una especie alienígena que ha estrellado su nave, y resulta que va a provocar una erupción para repararla. Nuestro personaje logra hacerse con un Jet, que será una herramienta para dar saltos y atravesar obstáculos. Y es eso lo que básicamente es Jet Kave Adventure, un juego dónde debes correr, saltar y golpear tratando de superar cada uno de los niveles que nos atraviesan. Dentro de cada nivel se podrán recolectar variados objetos, los alimentos funcionan para llenar una especie de pata de pollo que son útiles para recargar energías cuando te estás quedando sin vida. El resto son a modo de coleccionables, que permite la búsqueda en muchos pasajes secretos que se encuentra dentro de los niveles.

Dentro de las mecánicas del juego, el Jet es un protagonista más, además de ser útil para alargar los saltos y poder llegar a varios sitios, también es útil para la rotura de piedras y atravesar lugares en los que te harías daño si solo pasas corriendo. Para ello el dispositivo tiene como un sistema de carga turbo, dónde apuntas con el control hacía que lado quieres dirigirte y terminas corriendo súper rápido por una fracción de segundos. El juego cuenta con un planteamiento interesante para mezclar la ambientación prehistórica y alienígena, pero más allá del contexto que tenga su narrativa, su ejecución denota simpleza para otorgar un plataformas liso y puro. El juego es de por sí divertido, su control resulta intuitivo y ágil, lo que si es que puede pecar de repetitivo con el paso de los niveles, aunque afortunadamente sigue manteniendo el interés con el paso de las horas.

Uno de los mayores logros que ha tenido el juego es desde su apartado visual, mantiene una animación que quiere asemejarse a lo realista pero que tampoco se olvida de su carácter animado a la hora de plantear su mundo prehistórico y al personaje principal. Como había mencionado antes en lo repetitivo de los niveles, aquí también puede que caiga en ese vicio ya que echamos un poco falta la variedad en sus escenarios, y quizá un poco también en sus enemigos. Pero aún así lo que nos muestra está muy bien hecho, y se agradece mucho lo que podemos ver para un plataformas dónde básicamente debemos correr, saltar y golpear.

Jet Kave Adventure es una grata sorpresa dentro de los títulos independientes que busca dar una experiencia plataformera clásica al estilo de Donkey Kong. La gente de 7Levels ha hecho un gran trabajo haciendo un juego sumamente entretenido, aunque cuente con pequeñas limitaciones. Esperemos que puedan seguir trabajando con este título, como sucedió en el caso de Yooka Laylee (Título independiente con el que comparte mucho de su escencia), que con un poco más de apoyo de la comunidad seguramente podrán mejorar aún más la experiencia.

Calificación 7.5/10