Analisis: Demon Pit para PC

Dentro de los juegos que Digerati ha distrubuido a finales del 2019, llegó el título Demon Pit, un juego en el que debes luchar contra demonios que van hacia tí. Con una oleada de enemigos constante, es una propuesta entretenida en el que tú objetivo es disparar, matar, recargar y seguir con este ciclo.

Para hablar de Demon Pit, podemos hacer una referencia al juego Doom, dónde colocamos a un personaje dónde su objetivo es matar y evitar que te maten. El juego cuenta con un sistema de hordas, en el que tienes la tarea de eliminar a los enemigos, luego de eso los niveles van cambiando y seguirán apareciendo más y más enemigos. Todo esto se produce en conjunto a un sistema de progresión en el que podrás obtener nuevas armas para ir combatiendo a las nuevas amenazas , que aumentan en número y dificultad. La jugabilidad se desarrolla en una misma plataforma, en la que los escenarios van cambiando junto a los enemigos , tenemos una gran variedad de ellos, así como elementos que se van añadiendo para agregar dificultad al juego, como la lava, rayos lásers, entre otros . El juego mantiene un dinamismo bastante interesante, en el que la progresión y las nuevas armas, son un buen añadido para seguir jugando y que este no resulte tan repetitivo, a pesar de que todo el juego se desarrolle en una misma arena. Se trata de un FPS con un estilo a los juegos de los años 90, dónde los primeros Doom son una referencia a tener en cuenta, ya que se alimenta mucho del título

En cuanto a su apartado visual, podemos decir que este FPS busca dar una sensación de que parezca un juego de los años 90, caracterizados por sus polígonos en 3D y las texturas, aún así también busca dar la sensación de ser un juego actual y mantener el equilibrio entre esas dos épocas totalmente distintas. Todo su diseño artístico está implementando para mantener una identidad un tanto aterradora y post apocalíptica, dónde decenas de enemigos aparecen en escena para intentar atacarte, y es donde la variedad hace destacar su diseño de niveles y jugabilidad. En cuanto al sonido, si bien puede resultar un tanto repetitivo, si toca reconocer que su ritmo resulta algo pegajoso y que se adecua bien a la jugabilidad que trae, salir a machacar enemigos.

Demon Pit es un juego FPS que bebe mucho de la franquicia Doom, y que nos trae un juego que nos recuerda a las primeras entregas de la serie, tanto por su ritmo frenético como por el estilo visual que nos transporta a los 90. Su rendimiento es bastante fluido, y tiene contenido suficiente para entretenernos durante varias horas en la tarea de matar y seguir matando enemigos.

Calificación 7.5/10

Análisis: AO Tennis 2

Debo decir que en este último tiempo me he hecho más amigo de los juegos deportivos, disfrutando de títulos que optan por la simulación con mayor cercanía al realismo. En el caso de AO Tennis me ha sucedido algo particular, este es un deporte que realmente me interesa mucho, aunque en la práctica realmente debo admitir que no soy bueno. Caso contrario pasa con el juego, ya sabiendo de antemano las reglas, y aprendiendo fácilmente sus controles, se hace un juego disfrutable, aunque seguramente solo para los amantes del Tenis

El estudio Big Ant hizo el primer juego de AO Tennis en el año 2018, presentando un juego con la licencia oficial del Autralian Open, y que mantiene una simulación del deporte fluida y notable en su apartado visual. En esta segunda entrega distribuida por Big Ben , notamos que el apartado gráfico ha mejorado considerablemente, pero el problema quizá es que las novedades del juego son pocas, cosa que podría haber dado mucho más de si. Lo que realmente mejora es el gameplay, que nos ofrece un apartado jugable refinado, y que se siente fluido en cada una de las partidas. Además de los correspondientes controles para cada uno de los golpes, existen una serie de características tácticas (Como el balance entre la fuerza de ataque, defensa, entre otras cosas) que hacen del juego dinámico y entretenido, estando bien logrado para aquellos que quieran pasar horas jugando. La realidad es que su reglamento y gameplay no son muy difíciles , pero quizá si no tienes mucha idea de cómo se juegue al tennis, puede que no termines enganchando con la propuesta. Esto puede parecer una crítica negativa, pero no es así, es un tema que suele pasar con la mayoría de los juegos de deporte y/o simulación, ya que el disfrute del juego depende mucho del interés que tenga el usuario de la práctica real en sí misma. Por eso mismo para hacer la crítica, he tratado de hacerme amigo del deporte, que generalmente me interesa, y que pude notar que está bastante bien logrado en gameplay y gráficos, aunque le haga falta un poco más de contenido.

En su contenido, podemos optar por las partidas rápidas, el multijugador y el modo de campaña, un elemento que últimamente los juegos de deporte están reforzando para dar un interés al juego en solitario. Quizá en ese apartado le ha hecho falta un poco más de contenido, de dejar además de la simulación, un sistema de progresión que pueda resultar útil para generar horas de juego, y no quedarse en un título de jugabilidad casual.

El apartado técnico del título si ha mejorado en consideración, manteniendo un acabado gráfico mucho más pulido y una jugabilidad que también se desempeña con dinamismo. Cuenta con algunos detalles de realismo que se ven interesantes, como las intervenciones médicas en partido debido a las lesiones que pueden sufrir los jugadores, algo que sucede a menudo en la realidad. También el título cuenta con un apartado sonoro notable, con buenos efectos de sonido y una ambientación que es muy acorde a lo que se vive en el ambiente del tenis. Quizá en cuanto a estrellas, quizá se echa un poco de falta el uso de licencia para personalidades , pero como sabes que es una cuestión de presupuesto, en su modestia podemos contar con un Rafael Nadal dando la estela al juego.

Ao Tennis es un juego del mencionado deporte que ha sabido dar las mejoras necesarias para ser un buen simulador de deportes. Si bien no es el juego definitivo, si da una buena gala para los aficionados del tenis, con una jugabilidad sencilla y entretenida.

Calificación 7/10

Crítica: La hora de tu muerte

Por Guillermo Benites
La Hora de tu muerte (Countdown), película dirigida por Justin Dec y protagonizada por Elizabeth Lail y Jordan Calloway.


Vivimos en una época en la cual creo que las películas de terror están cerca del punto de evaluación “intenta superar las expectativas”, caen en recursos a los cuales muchas de las personas que vienen años viendo películas de terror ya pueden predecir en qué momento el director intentará asustarnos, no hablamos de terror psicológico sino las apariciones sorpresa o los sonidos fuertes en momentos de tensión. Así que si esperan algo de terror psicológico no se encontrará en ningún momento o situación.

Podríamos decir que esta película usa los diferentes recursos de películas de terror, entre ellas está en que tenemos un grupo de jóvenes (el 99.999…% de las películas de hoy en día), el intentar escapar a una muerte destinada (aquí le guiñamos el ojo a Destino Final 1, 2, 3, …), pero este tipo de cosas adaptabas al tiempo contemporáneo usando una app que predice tu muerte.

Lo que encuentro quizás un poco bien logrado, es al recurso de quitar lo predecible en ciertas escenas, como lo hizo IT en su primera película, el factor distractor y hacernos creer por donde saldrán a asustarnos y demostrarnos que nos equivocamos suele tener éxito en algunas escenas; sin embargo, el rumbo de la historia de la película no pasa a ser nada novedoso, ni tampoco cometer errores argumentativos y a esto me refiero por ejemplo a que pasen cosas muy locas que nada que ver con la historia solo para dirigirla en un rumbo diferente o por falta de ingenio al no saber cómo direccionar la historia para lograr el final deseado.
Para finalizar esta película me parece entretenida y recomendable para aquellos que se asustan fácilmente y les gusta las películas de terror. Pero la calificación que le doy es por el poco o nulo aporte que le puede dar al género y es mejor que las que tiene Neflix en su catálogo.

Calificación 5.5/10

Crítica: El robo del siglo

Por Guillermo Benites
Película argentina dirigida por Ariel Winograd y protragonizada por Diego Peretti, Guillermo Francella, Pablo Rago, Luis Luque, Rafel Ferro y Mariano Argento.


Existen historias en la vida real que son tan increíbles que superan la ficción al punto que es muy posible que tengamos una película y nos cueste creer que realmente haya pasado. Cuando vemos películas acerca de robos o estafas se nos viene muchas veces a la mente algunas como La gran estafa(Ocean’s Eleven) y su saga, 21: Black Jack, Los Ilusionistas (Now You See Me), Rápidos y Furiosos 5 (les recuerdo que en esta idearon todo un plan para de engaño para robar la bóveda), entre otros. En estas películas vemos como muestran al espectador el plan maestro para realizar un robo que resulta muy difícil de lograr y que incluso se presentan dificultades a medio robo y a pesar de mostrar el plan de robo, buscan sorprender y entretener al espectador con situaciones inesperadas, también recurren a romper con la línea de tiempo haciendo retrocesos en la historia. Este sería un poco el esquema Hollywoodense que se tiene de este tipo de películas para que sean considerabas, entretenidas, buenas o pochocleras.
Para ser honesto el Robo del Siglo que fue basado en un hecho real supo desarrollar su historia para hacerlo entretenido en todo momento y divertido en otros, increíble me parece la manejo del guion para crear esos momentos de humor de forma sutil en los cuales los diálogos podrían pasar como verídicos (porque al momento de hablar muchos decimos cada cosa loca y graciosa), y es que uno se imagina al autor del atraco narrándole al guionista con humor por cada cosa que pasaron.

Entre los hechos reales y ficticios en esta película uno queda bastante satisfecho con esta producción sin nada malo que decir, ni nada que pedir que se le agregue.

Calificación 7.5/10

Crítica: La Lechuga

Por Leandro Bres

«La lechuga» es una obra escrita en Venezuela por César Sierra, y en este caso, adaptada por Juan Paya. Es una comedia negra, cuyo argumento gira en torno a los 3 hermanos Martinez, Virginia, Victor y Vinicio. Su padre está hace 9 años en estado vegetativo, viviendo en la casa de Virginia (Sabrina Carballo) y su marido (Juan Paya). Estos, cansados de ser los responsables del cuidado del hombre anuncian, en la reunión del cumpleaños del padre, que a partir de ese día, no seguirán alojándolo en su casa. Por lo tanto, alguno de los dos hermanos de virginia deberá responsabilizarse por él. Víctor (Santiago Mallarino), espera el quinto hijo junto a su esposa Dora (Julieta Granja, quién interpreta en este caso a una mujer presentada como una ignorante y bruta del conurbano bonaerense). El otro hermano, Vinicio, es un homosexual afeminado e histérico que manifiesta apenas poder hacerse cargo de sí mismo, además de insinuar que el cuidado de su padre interrumpiría su agitada vida sexual.

Entonces ya nadie quiere hacerse cargo del padre en estado vegetativo, y los conflictos y las diferencias entre hermanos se acentúan hasta explotar en escena.

En la puesta en escena en el teatro multiescena, a través de personajes estereotipados, se abordan temas como lo normal y lo “anormal”, lo que está «bien» y lo que está «mal», y se manifiesta en los vínculos la intolerancia y la burla al diferente.

La lechuga es una comedia con un humor ácido, carácterístico de la obras de Juan Paya (“La madre que los parió” y “Salvajes”) donde no se termina de comprender si se rien con, o de la otra persona que es diferente.

Las actuaciones son dispares: algunos personajes están construidos en un código realista (los dueños de casa, quienes tienen una buena posición económica y cargos políticos). Mientras que otros, resultan una caricatura, una sátira de ciertos estereotipos (el homosexual afeminado e histérico, la mujer embarazada por quinta vez con errores para hablar que vive en el conurbano)

Nicolás Maiqués (Vinicio) se destaca desde que entra a escena hasta que termina la obra. Es innegable su capacidad actoral y su habilidad para la comedia. Con su desparpajo y creatividad sorprende tanto a espectadores como a sus propios compañeros, por momentos, copando la escena.

Sabrina Carballo se destaca es su momento trágico, luego de descubrir la verdadera cara de sus hermanos y su actuación se torna conmovedora.

La adaptación de Juan Paya busca contextualizar la obra en la idiosincrasia argentina, y deja (a mí modo se ver) en un segundo plano lo argumental, para destacar en chistes y pasos de comedia situaciones vinculadas a la crisis económica, el aumento de impuestos y servicios, y la diferencia de clases sociales. También lo hacen con cuestiones relacionadas a la violencia de género, la campaña contra la despenalización del aborto, el #niunamenos y el feminismo.

Pueden ver la lechuga, en el teatro multiescena (Av. Corrientes 1764) Viernes, Sábados y Domingos 22hs.

Crítica: La Savia

Por Leandro Bres

Elsa (Mirta Busnelli) es una mujer amante de las plantas y de los libros. Una lectora, devenida en escritora; una lectora que no quiere olvidar, y empieza a escribir. Comienza la obra y vemos en escena un dispositivo escenográfico que se impone a la vista: un recorte en el espacio escénico a través de plantas de todo tipo y tamaño, en el centro un escritorio con una lámpara y un lapicero, y sobre el fondo y laterales, bibliotecas llenas de libros y más plantas. Parece ser un estudio en la casa de Elsa, quien en soledad, comienza narrando su historia le da vida. Un joven corredor (Agustín García Moreno) pasa por delante y a partir de una conversación, entablan una simpática amistad. Una empleada doméstica joven (Constanza Herrera) con quien intercambia visiones de la vida y diferencias generacionales, la acompaña en su viaje de recuerdos. Una subtrama de amor entre el corredor y la empleada, parece ser guionada por Elsa; quizá es la creadora que mueve los hilos de estas historias.

A lo largo de la obra aparecen en escena otros personajes, producto del recuerdo (o quizá de la imaginación) de Elsa, como sus hijos, su ex marido, (también interpretado por los jóvenes actores) en un código que rompe el realismo de la escena.Por momentos la obra se torna surrealista, con un clima onírico y mágico. Nos sorprende proponiendo nuevas posibilidades, cuando creemos que nada de lo que vemos puede cambiar. Entonces muta, y nos invita a seguir ese viaje de los recuerdos y la imaginación de Elsa.

Esta obra escrita y dirigida por Ignacio Sanches Mestre, está cargada de imágenes muy potentes que nos invitan a viajar junto a Elsa y compañía, sin movernos de la butaca. Nos transporta a su pasado, nos invita a bucear en sus recuerdos y fantasías.

La palabra “sutileza” la describe a la perfección: sin grandes pretensiones argumentales ni actorales , logra construir lo íntimo y sensible de una forma sencilla y muy efectiva. El humor invade por momentos la escena sin buscarlo, creando momentos muy genuinos.

La actuación de Mirta Busnelli resulta entrañable. Con una naturalidad y absoluto compromiso en lo que construye en escena, comanda la escena con una energía suave y potente a la vez. La joven actriz Constanza Herrera, y el joven actor Agustín García Moreno, la acompañan a la perfección, y también logran momentos brillantes y genuinos.

Absolutamente destacable el diseño escenográfico de Laura Copertino, que logró delimitar el espacio escénico construyendo un universo mágico y a la vez posible. La iluminación diseñada por David Seldes, tiene detalles desde el interior de la escena (pequeños foquitos de colores, lámparas de escritorio y de pié) que aportan al espectáculo un cambio de clima que acompaña a la perfección cada momento.

Este espectáculo con más de 60 funciones, comenzó su cuarta temporada, dentro del ciclo “verano off en el met” (Teatro Metropólitan Sura). Fué estrenado en abril de 2017 producido por el TNA ( Teatro Nacional Argentino -Teatro Cervantes) y desde entonces, pasó por los tres circuitos: el “oficial”, el independiente/circuito off (haciendo funciones en Santos 4040) y actualmente pisa la calle Corrientes para iniciar esta temporada dentro del circuito comercial.

También formará parte del FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires) con funciones los días 25/1 y 1/2.

Pueden ver LA SAVIA, los sábados 20.30hs en el Teatro Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343. (CABA)

¡No se la pierdan!

De Ignacio Sánchez Mestre

Con Mirta Busnelli, Agustín García Moreno y Constanza Herrera

Foto: Ignacio Coló

Diseño gráfico: Caro Tana

Asistente de Iluminación: Facundo David

Asistente de vestuario: Ailén Zoe Monzón

Asistente de escenografía: Miranda Pauls

Arreglo musical: Facundo Mazzota

Diseño de sonido: Tomás Mesa Llauradó

Iluminación: David Seldes

Vestuario: Lara Sol Gaudini

Escenografía: Laura Copertino

Asistente en escena: Julián Giménez Zapiola

Asistente de dirección: Tomás Mesa Llauradó

Producción: María La Greca

Dirección: Ignacio Sánchez Mestre

La Savia es un espectáculo producido por el Teatro Nacional Argentino – Teatro Cervantes. Su estreno tuvo lugar en la sala Luisa Vehil, en 2017.

Análisis: Untitled Goose Game para Xbox One

Untitled Goose Game fue uno de los indies que más lograron destacarse en el 2019 desde su llegada a PC y posteriormente a consolas. Se trata de un juego en el que debes controlar a un ganso con el que debes hacer estragos por dónde pases. A simple vista es una premisa un tanto absurda, pero que en la práctica, cuenta con una jugabilidad sumamente divertida dónde el caos será la mejor experiencia del juego.

Creo que muchos deben conocer la fama que tienen los gansos en su relación con las personas, y también seguramente a algunos les ha tocado correr debido a sus perseguidas. Básicamente es la premisa de este juego de ganso sin título, lo que debemos hacer es ser un ganso que no hace otra cosa más que trollear a la gente que habita en el juego, y aunque parezca un poco bobo, es jodidamente divertido. Tenemos cuatro áreas determinadas, en la que debemos cumplir con una serie de tarea , en la que básicamente toca molestar a la gente de un pequeño pueblo. Tareas tan sencillas como tirar un rastrillo al río, robar un bote de juguete, entre otras cosas, sirven para generar el caos que se inicia en el pueblo por culpa de este ganso. Aquí el sigilo es lo que predomina en la parte de la jugabilidad, donde el proceso y sus consecuencias resultan sumamente divertidas. Capaz lo único que se echa de menos, es que el título tiene una corta duración, y si se quedan enganchados como su servidor, es un juego que te puedes terminar en el día con el uso de unas cuantas horas. El título requiere una dosis de estrategia, algunas misiones pueden requerir una inversión de tiempo y pensar bien los pasos que se van a realizar, pero que afortunadamente siempre hay alguna solución. Lo bueno es que en el juego no hay una forma de morir o perder la partida, simplemente si no cumples con las tareas que necesitas hacer , terminas siendo descubierto por las personas del pueblo, y si, te echarán a patadas de ahí. Pero con ello todo vuelve a una normalidad para que puedas cumplir con tus tareas y seguir adelante con tus fechorías.

En cuanto al apartado visual, toca decir que si bien cuenta estilo gráfico un tanto simplista, su acabado resulta de lo más encantador. Con una animación que cuenta con detalles minimalista en el diseño de personajes , nos muestra un colorido que fluye muy bien con la propuesta. El juego es una aventura ágil y divertida, dónde debemos pasear por el pueblo y hacer cosas a nuestra manera, siempre siendo un ganso medio rebelde. La cámara acompaña a la fluidez que mantiene su jugabilidad, también está la posibilidad de realizar zoom y desenfoques que son útiles en la resolución de tareas, y que todo llega a verse realmente bien. El sonido es un factor muy importante en Untitled Goose Game, si bien su fuerte no es la banda sonora (Que está bien lograda). Este mantiene unos efectos de sonido muy interesante en los momentos que el protagonista realiza sus gansadas, o cuando se está por ser descubierto, con un sonido de piano que aumenta su intensidad cuando el peligro es mayor.

Untitled Goose Game es un juego sumamente entretenido, también una experiencia que si bien es corta, resulta muy satisfactoria si te gustan las travesuras. Con un buen acabado artístico y un gameplay que se siente fluido y bastante entretenido, Untitled Goose Game es uno de los indies que más se han destacado en el 2019, con una propuesta simple y bastante graciosa.

Calificación 9/10

Crítica: Jumanji: El siguiente nivel

Por Agustín Villegas

La era del riesgo nulo en Hollywood.

En el 2017 salió ‘JUMANJI: WELCOME TO THE JUNGLE’, una película situada en el mismo universo que la ‘JUMANJI’ de Robin Williams pero con un enfoque mucho mas contemporáneo, ahora el juego de mesa es un videojuego. La idea fue creativa y la película gusto bastante entre el publico normal y los fans de la JUMANJI noventera. La idea contaba con la escencia de la original pero tratada desde un punto de vista mucho muy distinto. Ésta tercera entrega lamentablemente se limita a ir por lo seguro, remakear la película en un entorno un poco mas grande.

En esta ocasión la historia se centra en la busqueda de Spencer (Alex Wolff), quien tras haber entrado en un estado depresivo producto de darse cuenta que la realidad apesta se mete en el Jumanji solito para tener algo por lo que luchar. La trama en vez de enfocarse a full en esto gasta tiempo en la amistad entre Eddie Giplin (Danny DeVito) y Milo Walker (Danny Glover), dos ancianos que tras años de distanciamiento se reencuentran con fines que, si les dijese, sería spoiler. Estos personajes tienen una interesante conexión con el juego, y toda esta trama se trastabilla con el hecho de que la busqueda del protagonista de la peli anterior.

Lo mas interesante de esta entrega es que, al intercambiar de personajes dentro del juego, los actores Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart y Karen Gilligan tienen un rango muy amplio para divertirse actuando. Johnson y Hart son los avatares de los viejitos, lo cual es divertido al principio pero cansa debido al abuso de chistes de abuelos puestos por los guionistas, mientras que Black brilla siendo el avatar de una jovencita. El contraste entre la realidad y lo que son dentro del juego es lo que mejor funciona dentro de esta película.

Las escenas de acción son la personificación de la palabra GENÉRICO. A medida que la película va pasando cada vez se ven mas iguales, y si a esto se le suma que ver a La Roca siempre con el mismo look en todas las películas contemporaneas de Hollywood habidas y por haber esto se torna una experiencia algo repetitiva. El estilo de CGI lo vimos mil veces en otras películas y perdonenme pero no me voy a conformar con pensar que es lo que es, se supone que no tiene que ser siempre lo mismo. A la primera se lo perdonamos porque innovo, y el resultado en relación espectativa / posibilidad de fracaso fue mas que positivo, se conservo la esencia de la original con nuevas ideas cocinadas para el público actual, mientras que ésta nueva se queda en la zona de confort que hizo de la anterior una idea fresca. Aunque pensadolo bien … ¿la de 2017 fue buena porque es buena o fue buena porque esperabamos algo muy malo? Tema para otro día.

El resto del cast tiene la ventaja de que se los dejo divertirse en sus papeles. Awkwafina, Nick Jonas y Rory McKann tuvieron libertad de hacer lo que querían en sus personajes y por este motivo creo que el cast es de lo mejorcito de este refrito.

‘JUMANJI: EL SIGUIENTE NIVEL’ es una película familiar que será recordada solo como un DLC de la verdadera continuación de la ‘JUMANJI’ original.

Crítica: Bacurau

Por Bruno Glas

Bacurau abre con una escena llamativa y poderosa, de las que captan de inmediato nuestra atención: un grupo de gente que lleva a cabo el entierro ceremonial de la matriarca de su pueblo. Con seriedad, pero sin perder el humor, Mendonça Filho nos ubica en el tiempo y espacio del filme. Al mismo tiempo, va dibujando de a poco el perfil de varios de los personajes del lugar.

Esta construcción resulta virtuosa en tanto muestra del universo del filme, casi enteramente con imágenes y sin una palabra de más. El destino de la película supone una geografía imaginaria. En otro momento, el maestro del pueblo trata de enseñarles a los chicos de la escuela la ubicación precisa del pueblo. Al no poder encontrarla en el mapa de su tablet, opta por mostrarles uno tradicional, que de tan rudimentario no parece real. Esta creación de un lugar posible que Bacurau supone, se cae a pedazos con la aparición de un grupo comando estadounidense que pretende invadir el terreno.

El realizador parece haber querido contar varias películas: por un lado, la del retrato de un pueblo y sus habitantes, como si se tratara de un fresco; otra, una película que muestre la invasión y ataque del enemigo extranjero contra este mismo pueblo, con una estética más o menos miserabilista; finalmente, una película “de género”, que remite sólo de manera superficial al western, a la ciencia ficción y al gore. Si de estas tres, apenas sí funciona la primera, es porque el cambio de tono impide al filme tomar una forma coherente. No se trata de jugar con lo imprevisible y las expectativas, sino de tener la capacidad de mantenerse constante. Y Bacurau exhibe más de lo que sugiere, por eso sus costuras saltan a la vista con el cambio de un estilo a otro, renunciando a cualquier fluidez narrativa. La aparición misteriosa de un plato volador tipo ovni, que más tarde revela su funcionamiento, es tan poco sutil en su valor alegórico como la gruesa caracterización de los invasores gringos: sádicos, impiadosos y frívolos, frente a las virtudes de los nativos. Para que esto nos quede claro, Mendonça Filho no duda en mostrar las atrocidades que los primeros son capaces de llevar a cabo (cómo se explica, si no, el asesinato de ese nene que jugaba de noche, o los dos soldados que cogen después de matar). Sólo así se justificaría el contraataque brutal de los nativos, que el filme muestra de manera gozosa. El problema es que ese desenfado resulta incoherente con el desarrollo anterior de todo lo ocurrido. No hay, entonces, ni un compromiso fuerte con la sobriedad narrativa, ni con el exceso del gran espectáculo.

Por lo que vemos en el tercer acto, Mendonça Filho tiene muy en claro dónde se ubica a nivel ético con Bacurau. Pero su defensa de los valores del pueblo quedó perdida, en medio de una estética de la esquizofrenia.

Calificación: 4/10

Crítica: Cats

Luego de filmar la versión cinematográfica de Les Miserables, el director Tom Hooper se embarca en la difícil tarea de adaptar uno de los musicales compuesto por Andrew Lloyd Webber , Cats. En nuestro país, la película llegó luego del estreno en Estados Unidos y otros países, donde el film fue realmente vapuleado por la crítica, colocándolo como uno de los peores films del año (estrenó a finales del 2019). Si bien no es el gran desastre cinematográfico (Al menos es mejor que el esperpento de Los Ángeles de Charlie) pero aún así estamos ante una película decepcionante debido a la dificultad de adaptar la obra musical a un carácter cinematográfico, además de fallos en sus aspectos técnicos y en el propio cast.

Quizá en el caso de les miserables, la cosa resultó mucho más airosa, ya que se trataba de un relato más apegado a la realidad, o al menos relacionado a un momento histórico, además de que es un producto diferente más allá de su propuesta musical. La cuestión es que en Cats, básicamente los personajes son humanos representando a gatos, algo muy parecido como cuando las personas hacían de monos en el planeta de los simios, como para hacerse una imagen. Si bien en la puesta musical, los actores subían a escena como gatos con el uso de vestuario y maquillaje, en este caso se usan actores pero también empleando el CGI para llegar a la forma gatuna. Quizá esta es una de las grandes fallas de la película, porque no logra darnos una imagen precisa de nos quieren vender como personajes, dando una realidad muy difusa entre la cara de los actores y su desproporción con lo creado por computadora, además de que en los actores secundarios se les nota la falta de ganas en los diseños . Lo que también llega a fallar, es la forma en que intentan trasladar el lenguaje musical al cinematográfico, ya que tenemos momentos que cuentan con interesantes coreografías, pero que la cámara se pierde enfocando primeros planos cuando lo que realmente importa es todo el ensamble. Vayamos al grano, la propuesta es buena, sobre todo por la música de Andrew Lloyd Webber y parte de su cast que es atractivo, lo que falla es la adaptación y hace que todo su conjunto llegué a verse borroso.

En cuanto a los actores , tenemos algunas participaciones bien logradas como otras que son realmente un bochorno. Una de las actrices que salen mejor paradas es Judi Dench, con un personaje un tanto espiritual, y que brinda sus buenos momentos como jueza del concurso que se lleva a cabo para lograr ir a una especie de Edén. Y aunque la protagonista (Francesca Hayward) mantenga la misma expresión durante casi todo el metraje, no se lleva la atención por see lo peor del film en cuanto a lo actoral. Rebel Wilson nos da un personaje totalmente tedioso, con escenas que son ampliamente aburridas y técnicamente espantosas (Véase el número de las cucarachas cantando) , un Ian Mckellen que se merece algo más que ponerse a lamer un tarro de leche , y a Idris Elba, quien dejó de lado la irrealidad de Marvel para interpretar con escaso carisma a un gato villano (…?)

Parece que lo que digo sobre la película son todas cosas realmente terribles, pero aún así debo admitir que en lo personal la terminé disfrutando. Su música y el contexto de su historia con los gatos, que aunque no cuente con un hilo conductor preciso, resulta bastante atractiva , al menos para acercarse a la obra original de Webber. Además la mítica canción Memory, mantiene casi la misma potencia y emoción que se tienen en la obra, destacando la labor de Jennifer Hudson en los minutos que aparece. También hay una pequeña participación de Taylor Swift, que si bien su número musical es bastante agradable, solo funciona para agregar una canción original al film para llevarla a entregas de premios, aunque también ese fue un intento fallido.

Cats no es el gran desastre del año, de este o el anterior, depende de cómo lo queramos ver. Sino más bien es una adaptación fallida de un musical complejo. A aquellos que se han acercado al musical anteriormente, se van a encontrar con algo interesante pero que no logra transmitir la misma escencia que lo ha hecho en las tablas. La música del gran Andrew Lloyd Webber cumple, sobre todo en su canción más famosa, pero su paso por el cine queda en la decepción, y por momentos en la vergüenza ajena.

Calificación 5/10