Reseña: Ricos, de Lee Blessing

“Ricos” es una obra del dramaturgo estadounidense Lee Blessing y es la primera vez que se presenta en Buenos Aires. Está dirigida por el multipremiado director LIZARDO LAPHITZ. Se puede ver todos los lunes a las 21 hs., en la sala MDA del teatro-bar El Método Kairós, ubicado en El Salvador 4530, Ciudad de Buenos Aires.

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Un matrimonio aparentemente consolidado decide festejar su aniversario número 21 en el mismo hotel donde se hospedaron el día de su boda. Él está muy entusiasmado, ella no tanto, y eso se nota. Lo que comienza con un buen augurio termina desatando algunas situaciones que provocan un desenlace inesperado. La obra es un drama aunque tiene momentos en los que provoca risas. Sin embargo, quizás sean de los nervios o sean para descomprimir. Las temáticas que se abordan son amplias y bien específicas tales como la violencia, el deseo, y también se cuestiona el “para toda la vida”. Todos los tópicos son tratados desde una perspectiva dialoguista que logran resurgir las épocas felices de la pareja sin lograr que dichas épocas permanezcan en el presente.

El director hizo un trabajo muy bueno propiciando el clima de la sala al incluir música en vivo. La saxofonista Daniela Haikins nos recibe desde que ingresamos con melodías que relajan y que durante la obra aportan marcando acontecimientos y profundizando momentos lúgubres. En relación al trabajo actoral, los dos profesionales, la actriz Rosario Charo Jaimes y el actor Alejandro Holm  prometen que mientras dure la obra, la sala se mantendrá con un nivel de tensión muy elevado. Esa tensión será sostenida por el constante ida y vuelta entre la pareja que no para de trabajar ni un momento durante la hora que dura la función.

La trama sucede en un cuarto de hotel que está correctamente escenografiado y dispuesto en el escenario. Todos los momentos y situaciones que descubrimos fluyen en el espacio. Se utilizan recursos sonoros que colaboran en el desarrollo de la historia.

“Ricos” es una historia potente que se puede ir a ver con amigos, en pareja o solo. Pasar un buen momento está asegurado durante el espectáculo y después también. El Método Kairós divide su espacio entre las salas de teatro y un bar que favorece a todo el ritual de ir al teatro y tiene precios amigables.

 

Ficha Técnica

Autor: Lee Blessing.

Director: Lizardo Laphitz.

Elenco: Rosario Charo Jaimes y Alejandro Holm.
Saxofonista: Daniela Haikins.

Escenografía: Paula Picciani.

Diseño de vestuario: Paula Picciani.

Diseño de luces: Caio Senicato.

Realización de escenografía: Maximiliano Méndez.

Diseño gráfico: María Forni.

Asistencia de dirección: Lucas Álvarez.

Producción ejecutiva: Marina Kryzczuk y Melissa Prieto Amaya.

Coordinación escénica: Osvaldo Bermúdez.

 

*Todos los lunes a las 21hs., en El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A.  – Argentina.

*Reservas: 4831-9663 //produccioncreativa.cuentas@gmail.com. Valor entrada: $250. Más info:http://www.elmetodokairos.com.ar

 

Reseña: Victoria Seri 

Crítica: Christopher Robin

Me parece curioso que a través de las redes sociales he leído muchos comentarios negativos sobre el diseño de Winnie The Pooh y sus amigos en este live action. Al contrario de los demás , a mi me ha parecido de los más bello, obviamente cuesta desacostumbrarse de la forma en que conocemos a estos pequeños personajes de animación, pero viendo la película, esto supone un gran trabajo artístico. Se trata de una película entretenida para los chicos , emotiva y nostalgia para los adultos , que si bien no es una idea muy original, nunca está de más ver una historia que nos recuerde que nunca es tarde para sentirse como un niño.

El pequeño Christopher Robin debe despedirse de sus amigos , ya que partirá hacia un internado lejos de su hogar, estos pequeños amigos son Winnie Pooh y otros animalitos con aspecto de peluche. Luego de esta despedida se hace un repaso sobre lo que sucede en la vida de este muchacho hasta llegar a la vida adulta. Siendo un adulto , vive cargado de responsabilidades en una Inglaterra post guerra , donde la economía no funciona muy bien, y el está a cargo de tomar decisiones difíciles, como despedir al personal. Todas estas responsabilidades hace que Christopher tenga muy poco tiempo para su familia, cuya hija reclama la presencia de su padre al que quiere mucho, pero siempre está ausente. Luego de todo el estrés que ocurre por la urgencia laboral , aparece Winnie Pooh en la vida de este hombre , con la intención de revivir aquella amistad que tuvieron hace muchos años y hacerle recordar valores que al parecer tenía olvidados.

La realidad es que no se trata de una idea original, ya que hemos visto infinidad de producciones que intentan revivir al niño que tiene dentro a un adulto lleno de responsabilidades, la diferencia es que en esta película está Winnie Pooh. La presencia de estos personajes funciona para apelar a la nostalgia , aunque en esta ocasión se los ve muy distintos al no ser una animación. La historia es bastante sencilla, pero resulta efectiva con la ternura y el mensaje positivo que busca dar. A nivel argumental es una película que resulta interesante, entretenida tanto para chicos como a grandes, con la dosis justa de emotividad.

Lo más destacable de la cinta son los diseños que se hicieron de los personajes de mundo de Winnie Pooh. La realidad es que cuando salieron los primeros tráilers y pósters, a mucha gente le pareció un poco terrible la forma en que hicieron a estos personajes en live action, sobre todo Pooh, que parecía un aterrador oso de felpa con la cara chata. Al ver la película completa, se puede decir que fue un acierto en la forma que se mostraron a los personajes , quizá sean un poco más sombríos de la forma en que se veían en animación, pero se adaptan muy bien a la tonalidad en que está ambientado el film.

En cuanto a las actuaciones, debo decir que están mucho mejor los animalitos que los propios actores. Ya que hasta la participación de Ewan Mcgregor resulta un tanto plana y sin muchos matices. Hayley Atwell está bastante desaprovecha, mostrándola nomás como una mujer que solo está para los reclamos y hacer honor a sus funciones perteneciente al patriarcado de la época.

Christopher Robin es una película entretenida y bastante correcta en lo que quiere transmitir. Es una historia bastante simple y ya vista , pero el añadido de Winnie Pooh, nos regala ternura y nostalgia. Se trata de un film bonito para llevar a los chicos, y a la vez , sacar el sentimiento nostálgico de los grandes .

Calificación 7/10

Crítica: Todavía: Una nueva oportunidad.

La pelicula retrata la historia de una pianista viuda que despues de un trasplante de corazon decide retomar su carrera alentada por sus hijos, quienes con su amor la cuidaran, y llevaran a cabo su sueño contra viento y marea para recuperarse y volver a vivir. La llevaran a hacer un concierto en la hermosa ciudad de Panamá, el recuerdo de su marido aparecerá en todo momento y emprenderán un viaje con los músicos con quienes tiene una relación muy cercana. Con todo lo que esto implica, se darán situaciones de desencanto y tambien de risa, en el medio aparecerá una situacion poco común con uno de sus hijos porque el gran concierto se hará esperar . Hay algunas discrepancias en el grupo por la misma convivencia.

Hsy hermosas postales del mar y de los maravillosos paisajes de jujuy, bella historia que con la actuación de Betiana Blum que nos regala una lección de vida, Hugo Arana nos dará lindos momentos de risa y pablo rago encarna a un hijo realmente preocupado y amoroso que asiste en todo a su querida madre. Todo elenco entrega una importante carga emotiva con este tema, maravillosas actuaciones que poco a poco se vuelven entrañables.

El director hace una apuesta con esta película con un tema poco común y eligió un lugar idílico para darle forma. Seguramente el espectador que la vea se dejará llevar a cada instante por la trama, recomendable para pasar un buen rato con risas aseguradas

Calificación 9/10

Eduardo Bustos

Crítica: Volinia

“Volinia” (Wolyń) de Smarzowski que se proyecta dentro del marco del Festival de Cine Polaco.  // Crítica por CJ. Colantonio.

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Una película de extrema violencia, pero que no se escapa de los hechos sucedidos entre 1943/44 sobre la masacre de los polacos en Volinia, un pequeño pueblo de ocupación soviética y que durante décadas fue un tema tabú.

Habitado por ucranianos, polacos y judíos, en donde los más jóvenes se mezclan con una naturalidad mayormente aceptada, una adolescente polaca, de un día para otro tiene que enfrentarse con el horror inimaginable de la Segunda Guerra Mundial (el genocidio judío) y la masacre que devino de las Bandas Nacionalistas Ucranianas hacia los asentamientos polacos y que se fraguaron de ambos lados.

El director abre una cicatriz histórica al mostrar todo sin tapujos, a tal punto que en Ucrania el film fue prohibido.

Tal es el caso, que recién en junio de 2013 el Parlamento de la República de Polonia aprobó una resolución en la que esta masacre se consideró como una «limpieza étnica que tiene las características de un genocidio».

La película está basada en algunos recuerdos de los sobrevivientes de la masacre.

(Calificación: 8/10)

Crítica: Johnny English 3.0

Rowan Atkinson, el eterno Mr Bean, vuelve a las pantallas de cine para ponerse en la piel del torpe espía Johnny English. Una tercera parte de esta parodia al cine de espías, que en esta ocasión denota un humor demasiado simplón y predecible , aunque nos termina regalando algún que otro momento divertido.

Inglaterra está sufriendo un ataque cibernético, todos los agentes secretos activos quedan al descubierto, y por ello deben enviar a un agente retirado para solucionar este problema. Por suerte o por su misma torpeza , esta misión cae en manos de Johnny English, quien se encontraba dando clases a niños en una escuela , pero que seguía con sus mañas de espía durante la enseñanza. Un agente viejo debe enfrentarse a lo nuevo : La tecnología, y así , salvar nuevamente al país británico.

Cabe destacar que mucho de los chistes parece que están orientados al público infantil, si bien esto no supone un problema , ya que así ha sido en anteriores ocasiones , aunque resuelto con un poco más de ingenio. El problema de este humor , es que constantemente se anticipa al chiste . Por ej, en una supuesta escena alguien dice «No toques X cosa porque si lo haces , causará gran alboroto» minutos después , el alboroto sucede. Este tipo de chistes sucede repetidamente, llegando al cansancio y a lo muy predecibles. Existen momento humorísticos que realmente funcionan , como en el que utilizan un aparato de realidad virtual , pero el resto es puro relleno , y aburre.

Rowan Atkinson es el eterno Mr Bean, y más allá de su encasillado personaje , ha encontrado en Johnny English un espacio para lucirse con sus mañas actorales. Su actuación es correcta y fiel a su estilo, el problema es el perezoso guión que no acompaña. Tampoco hay un llamativo elenco como en los anteriores episodios, quien llega a destacarse nomás es Olga Kurylenko como la Femme Fatale de turno.

Johnny English 3.0 es una película que sigue la fórmula de los anteriores capítulos pero que denota una gran pereza a la hora de desarrollar un guión interesante en base a su estilo de humor. Brinda momentos graciosos, pero son pequeñas partes de todo un metraje. Se trata de una película regular que aburre más de lo que llega a causarnos gracia.

Calificación 4/10

Crítica: Nace una estrella

Bradley Cooper, vuelve a la pantalla grande, con una gran y clásica historia. La yapa es que viene acompañado con su coprotagonista Stefani Germanotta, o como la conocerán todos, Lady Gaga.
Con su debut protagónico en la película (Aunque hizo una participación pequeña en la película de Robert Rodriguez «Sin City», y fué protagonista en la Serie American Horror Story: Hotel y Roanoke) nos lleva a la historia de Ally, donde de día trabaja en un lugar que no es para ella, pero de noche, canta en un bar, haciendo lo que le apasiona.

Allí inesperadamente conoce a Jack, un cantante famoso en decadencia y alcohólico, que al verla y escucharla, quedó maravillado por ella y su canto. Entonces, decide llevarla al estrellato.
Es interesante los nuevos descubrimientos que se plasman este proyecto.
En primer lugar, Cooper debuta como director de esta película, involucradose también en el guion y la producción. Por segundo, es la tercera adaptación de Nace una Estrella. La primera película se hizo en 1937, y su segunda adaptación con Barbara Streisand como protagonista en el año 1976 (ambas fueron un éxito).
Por tercer lugar, ya antes mencionado, Lady Gaga debuta en la gran pantalla con un buen rol, con muy buenas criticas y ovaciones en los Festivales de Venecia y San Sebastian.
Y por cuarto lugar, la música, que fue escrita para esta película mayormente por Gaga y Cooper, se grabó únicamente en vivo, para una mayor interacción en la actuación.

Con una semana de diferencia, se estrena este jueves en todos los cines argentinos una muy buena película, con una gran actuación e historia y, la gran cantidad de temas originales, muy variado entre el Country, Rock y Pop. Me paso de salir y buscar los temas para escucharlos nuevamente.
Muy recomendable de ver y escuchar el film en el cine, por lo visual, y por el sonido para apreciar la banda sonora.
¿Se vendrá algún Oscar para esta película?

Calificación 9/10

Fernando Benítez

Crítica: Noche de paz

“Noche de Paz” (Cicha Noc) de Piotr Domalewski que se proyecta dentro del marco del Festival de Cine Polaco. // Crítica por CJ. Colantonio.


“Noche de paz” es una modesta ópera prima que apuesta al trabajo interpretativo.
Todo sucede en la noche de navidad cuando Adam regresa desde Holanda donde trabaja a la casa de sus padres en Polonia. No es el primero de la familia en haber abandonado el país, su padre ya se había ido a Alemania y su tío, a Bélgica en el pasado. La historia, de hecho, muestra la emigración como una predestinación entre los polacos.
Su director y también guionista supo aprovechar su trabajo como actor -pero esta vez detrás de cámaras- para desarrollar una línea argumental donde dos familias, la de su tío también, evidencian sus ausencias, aunque el vínculo de sangre es más fuerte.
Ésta línea argumental permite jugar al director con otros elementos secundarios que aunque podrían ser un tanto forzados, nos dirigen a un lugar donde los personajes tienden a aceptar situaciones que los podrían haber condenado como familia.
Un buen comienzo para un director que nos da una referencia sobre la idiosincrasia polaca, lo que les divierte, lo que les importa, y su manera de resolver los problemas. CJ COLANTONIO PARA LA BUTA WEB
(Calificación: 7/10)

Crítica: Cold War

‘Cold War‘, de Pawel Pawlikowski, dentro del Festival de Cine Polaco – Crítica por CJ. Colantonio.

Una película se convierte en obra de arte cuando quien la ejecuta entiende al cine como el espejo donde nos descubrimos a nosotros mismos.

Sin lugar a dudas esta obra de arte, enaltece al cine al llevarnos de la mano por una serie de capas que combinan de manera orgánica, una viseral historia de amor, inspirada en los padres del propio director, y atravesada por el comunismo y el exilio en plena guerra fría. Sin embargo, no es otra historia de amor frustrada por las circunstancias que rodean a los personajes; Paweł Pawlikowski (polaco, ganador del oscar por IDA a mejor película extranjera) está más interesado en el viaje emocional de los personajes a quienes hace cargo de sus decisiones.

Su enorme capacidad de convertir el contexto social, político y espiritual en escenarios, donde sus personajes construyen su vida, le permiten ir más allá de los miedos personales de sus protagonistas y elaborar un ensayo soberbio de cómo el amor es el arma más poderosa que construye y destruye todo.

En ese contexto, donde se vislumbra una crítica a la sociedad intelectual parisina con impecables diálogos que se dan el lujo de la comicidad, despertará interés también a quien esté obsesionado con la política, con Dios o con la maravillosa música que te hará terminar de caer rendido a sus pies. Seguramente al público polaco no dejará pasar desapercibida el terror estalinista de ésa época.

Sin duda, su marca personal de autor radica en su enorme sensibilidad para entrelazar estos dos aspectos: lo superficial y lo profundo. La mejor película que veré este año.

(Calificación: 10/10)

Crítica: La última familia

‘La última familia’, de Jan P. Matuszński que se proyectará dentro del marco del Festival de Cine Polaco. // Crítica por CJ. Colantonio.

 

 

Basada en hechos reales, “La ultima familia” retrata los últimos veintiocho años de vida de Zdzislaw Beksinski, reconocido pintor polaco de arte abstracto y surrealista.

Ejecutada magistralmente por avezados planos secuencia, uno sucedido en un avión que te hará olvidar que estás dentro de un cine, ésta cinta cuenta con los más consagrados actores polacos quienes a riesgo de caer en manierismos, desarrollan su rol con tanta realidad que por un momento te olvidas que son actores.

“La última familia” nos introduce dentro de cubículos cerrados donde se respira el arte y donde la sofocación de los espacios construye el mundo interior donde los personajes parecen estar a gusto, aunque con el único fin de escapar de la realidad, donde reina la autodestrucción.

Posiblemente su hijo Tomasz, un maníaco-depresivo con tendencias suicidas y coleccionista de discos responsable en gran medida de la introducción de la música pop occidental a la radio polaca y también traductor de películas extranjeras, sea el mayor responsable de complotar para que esto suceda de manera más evidente. Su esposa Zofia, la verdadera cabeza de la familia, intenta mantener un estrecho equilibrio entre estos dos hombres que consumen su vida.

Todo este circo, se pudo recrear gracias a que el pintor tenía la afición de grabarlo todo con cintas de video doméstico de poca calidad pero que al director y al guionista Robert Bolesto le vinieron de maravilla para plasmar lo sucedido con actores.

Se podría decir el relato nos prepara para un final inesperado para quien no conoce la historia, pero este talentoso director te dejará sin aliento.

(Calificación: 9/10)

Crítica: Sánate (Anima film fest)

Siempre es oportuno comunicar, desde un punto de vista amplio y actual, el verdadero motivo por el cual nos enfermamos, que es el estrés. Acompañar el tratamiento alopático con una terapia holística, es la propuesta de este documental.
Sánate, hace foco en las enfermedades que más padece la humanidad hoy, que son el cáncer, la artritis reumatoidea, la fobromialgia, entre otras.

En estos “tiempos modernos”, en los que el desorden y el caos predominan, escasean las personas que verdaderamente “eligen” como vivir cada día y afrontar lo que pudiera surgir, por ejemplo, una enfermedad crónica; quizás la valentía, el coraje y los grandes golpes de la vida, sean la clave para cuestionarse si lo que hacemos, es simplemente una consecuencia de factores externos y no una elección.
Para los “rebeldes” que se atreven a pensar en otras posibles realidades, el despertar es la consecuencia, en donde las respuestas se buscan de manera no convencional, convirtiéndose en una decisión personal el cómo sanarse, que sin lugar a dudas es un camino diferente al de los demás.
Este documental, es un recuerdo o llamado de atención para los que se encuentran en esta senda de sanación y en buena hora, una sustancial ayuda para aquellos que estén transitando un difícil momento de sus vidas a causa de una enfermedad y no encuentren respuesta o “solución” en la medicina alopática.
Si bien, las terapias holísticas tienen su raíz en el oriente, en el occidente ya están incorporadas, y se encuentran presentes en el pensamiento colectivo, que reconoce métodos no invasivos de curación.
Además de los testimonios inspiradores, se hace una crítica a los laboratorios y al empresario detrás de cada pastilla o tratamiento en el afán de supuestamente, sanar. También se habla del “efecto placebo” y de los experimentos con personas enfermas. Queda claro aquí, que el consumo de medicación alopática o estos tipos de tratamientos, no sanan, porque jamás tratan la enfermedad de raíz, ni buscan la emoción primaria que la ocasionó, que es la clave de la sanación. Es una cuestión de lo que pensamos y sentimos y las consecuencias de sus repercusiones en nuestro organismo.

“El Médico puedo diagnosticar, nunca pronosticar” y lo que debe tener un ser humano para sanarse, elija el tratamiento que elija, debe tener FE, una fe inamovible.
Cuenta con la participación de Deepak Chopra M.D., Bruce Lipton Ph.D., Michael Bernard Beckwith, Anita Moorjani, Gregg Braden, Dr. Joe Dispenza, Anthony William y Marianne Williamson, entre otros.

Laura Pacheco Mora.
Calificación: 7/10