Crítica: Cuando ellas quieren

Cuando ellas quieres que retrata la vida de cuatro mujeres mayores de edad (No digamos viejas), que están unidas de toda la vida gracias al club de lectura del cual son integrantes desde hace muchos años. Ellas , grandes amigas, comienzan un viaje en el que se replantean sobre su vida amorosa y la sexualidad , todo eso gracias 50 sombras de grey.

El reparto está compuesto por Diane Keaton, Jane fonda, Mary Steenbugen y Candice Bergen, y hago incapié sobre las actrices en primer lugar , ya que ellas son las que hacen que el film resulte entretenido. Sobre la historia es algo bastante simple, cuatro amigas deciden salir adelante y confrontar sus problemas de amores y sexualidad, con el añadido de la edad, ya que las cosas no son como cuando eran jóvenes. El planteamiento a raíz de la lectura de 50 sombras de grey, aunque resulte algo exagerado, marca un inicio divertido y es un pie razonable para empezar a hablar sobre sus situaciones sexuales. Tenemos a la que disfruta del sexo pero se distancia del amor , a la que no ha logrado vincularse con alguien después de su divorcio , a la viuda y la casada pero sin pasión . Si bien cada situación tiene algo de banal y hasta a veces empalagoso , como comedia su historia es entretenida , ligera pero logra su cometido.

El punto fuerte del film son sus actrices, hay mucha química entre ellas y si bien no están dejando lo mejor de sus carreras , se nota que la unión hace la fuerza. Si, toca aclarar que todas son señoras cool , ninguna es una jubilada que cobra el mínimo, por lo que sus historias si bien no reflejan de todas las personas mayores de edad , sus temas son interesantes de analizar e identificarse.

Cuando ellas quieren es una comedia simple y efectiva, que nos trae historias de amor y sexo en la vejez. La película está llena de clichés típicos de comedias románticas y funciona bastante bien con ellos, gracias a sus actrices que nos demuestran que viejos… Son los trapos.

Calificación 7.5/10

Reseña: El paraíso perdido

Si Lacan ya nos había dejado en claro que es la intervención del lenguaje la que transforma al hombre en sujeto, esta obra de Cesar Brie nos lo deja en claro de principio a fin.

Once actores-bailarines jóvenes que logran conjugar virtuosismo corporal, buena proyección de la voz y sólidas interpretaciones, despliegan una galería de seres subyugados por la palabra.

Cada personaje compartirá recuerdos en los que la palabra del Otro mortifica, condiciona, reprime. Las palabras regresan con fuerza, impregnando fragmentos de escenas conflictivas, violentas, traumáticas, a veces tragicómicas, creando cuadros que se van encadenando y superponiendo dando como resultado una gran composición caleidoscópica que captura la mirada del espectador , dialogando con su propio inconsciente hasta permitirle confirmar cuán semejantes somos.

Hay historias que remiten a experiencias públicas y otras que se sumergen en la intimidad del ámbito privado, El espectador, sin embargo, encontrará a todas igualmente conmovedoras.

 

 

Intérpretes: Micaela Sol Carzino, Sofía Diambra, Sebastián Gui, Iván Hochman, Gabriela Ledo González, Florencia Michalewicz, Ignacio Orrego, Abril Piterbarg, Liza Taylor, y Alejandro Parente

Música original: Pablo Brie

Arreglos: Matías Wilson

Vestuario: Sharon Luscher

Video: Juan Barone

Fotos: Hernán Paulos

Diseño gráfico: Sebastián Carzino

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente de dirección: Ignacio Gómez Bustamante y Nelson Valente

Idea y dirección: César Brie

Trailer de Juan Barone: https://www.youtube.com/watch?v=MOzg8YXehIs

REESTRENO 2018: domingo 6 de mayo 17 hs.

Funciones: domingos 17 hs.

Duración: 60 minutos

SANTOS 4040

Santos Dumont 4040

http://www.santos4040.com.ar/

Entradas: $ 250 y $ 200 (descuentos a jubilados y estudiantes)

Reservas: www.alternativateatral.com

Gabriela Lema

Crítica de cine: Chavela

Crítica de Magali Onetto

Las mujeres que desafían toda lógica machista y patriarcal, merecen ser visibilizadas y homenajeadas hoy. El séptimo arte es el vehículo para desnudar la historia de Chavela Vargas, la mítica cantante mexicana que devolvió la esencia a la música ranchera y, sobre todo, confrontó los mandatos de su época convirtiéndose en un ícono para las mujeres en su país y para el colectivo LGBT.

«La más macho entre los machos» vuelve a la vida en el documental que lleva su nombre, a través de entrevistas y fotografías inéditas, grabaciones de su poderosa voz y su guitarra melancólica, en un recorrido por su vida desde su infancia rebelde en Costa Rica hasta sus últimos años en España y México.

Entre mujeres, alcohol y música, la historia de Chavela Vargas fluye a través de ella misma: es ella quién nos contará, a partir de una entrevista de 1992, sus amores y desamores, los prejuicios y expectativas que recayeron sobre ella, el amanecer y el ocaso de su carrera a finales de los 70, y su renacer 20 años después. «Hablemos de lo que viene» sugiere Chavela. Sin embargo, sucede mucho más.

A través de una intimidad muy bien lograda con la artista, la naturalidad se hace presente en las entrevistas, como si estuviésemos hablando, entre mate y mate, de la vida misma y de sus enseñanzas y aprendizajes. Nombres como Frida Kahlo, Pedro Almodóvar, José Alfredo Jiménez aparecen en boca de Chavela, de sus amigas y de sus amantes.

Acompañada y reforzada por el repertorio de la cantante, la historia se cuenta por sí sola, y es una gran oportunidad para conocer la vida de la leyenda que logró hacerse un lugar en un mundo de «machos», siendo discriminada por su homosexualidad, por sus pantalones sólo permitidos a los hombres, por su no-uso de maquillaje, por enfrentar los estereotipos. Y el dolor de una infancia difícil y sin amor, siguió allí, muy dentro, latente. Semillas que, años después, harían crecer una de las personalidades más fuertes y más heridas de México del siglo XX.

Calificación: 8/10

Calificación: SAM 13
Duración: 93 minutos

Reseña: Tango villero

¿Es posible combinar la cumbia con el tango? ¿Cuál sería el procedimiento para lograr esta fusión? La propuesta teatral, Tango Villero responde estos interrogantes. Asume el desafío de mezclar estos dos géneros musicales, sumamente dispares.

Tango Villero fusiona el canto con la actuación. Reinventa la típica comedia musical, regentada por grandes emplazamientos como El Gran Rex o El teatro Colón. El elenco es reducido, al igual que el escenario. Sebastián Ziliotto es intérprete y creador de esta obra. Presta su voz pero no se transfigura en un personaje, como ocurre en la comedia musical. Esto también se aplica a los bailarines, quienes sólo acompañan al artista. Marcela Dibon y Walter Amaya muestran a los espectadores los pasos típicos de un tango como es la cumparsita. Este nombre responde al himno popular y cultural de Uruguay. Los compositores Gerardo Matos Rodríguez o Carlos Gardel fueron los pioneros y máximos representantes de este baile. Gracias a sus melodías, la cumparsita alcanzó éxito en Latinoamérica.

El título de esta puesta en escena no pasa desapercibido, ya que tango y cumbia forman parte de nuestra identidad cultural. Sebastián Ziliotto traspone renombradas “cumbias villeras” a un ritmo lento y pausado. Invoca y apela al conocimiento del público con canciones tales como “Mabel” del grupo musical Los pibes chorros, “Sos botón” de Flor de Piedra o “Paisaje” de Gilda. Los espectadores no pueden resistir la tentación de cantar a la misma par que el intérprete el estribillo “Borracho yo voy cantando, con mis amigos voy festejando un triunfo más…”. Los temas giran en torno a las fiestas, las mujeres, los enredos amorosos, así como las situaciones sociales. Asimismo, para hacer esta fusión más creíble, el elenco se viste acorde al atuendo que llevan los cantantes de estas cumbias y recurre a diversos clichés. “¡Tómate el palo!, “Ta re piola!”, “¡A la gilada ni cabida!” o “¡Tirate un paso!”.

Esta representación teatral desea mostrar cuán parecidos son los inicios y las formas del tango y la cumbia. Ambos comparten códigos, lenguajes y contextos. He aquí, una propuesta innovadora a la par que desafiante. La única discrepancia radica en el ritmo. Hay determinados momentos en los cuales se pierde la verdadera esencia de la cumbia debido a la premisa de focalizarse demasiado en la fusión.

El espectador no puede permanecer impasible ante esta obra, la cual propicia un clima familiar y distendido entre el público y el equipo técnico.

Intérprete: Sebastián Ziliotto

Dirección y puesta en escena: Gabriel Villalba

Dirección musical y arreglos: Mariano Frumento

Músicos: Mariano Frumento, Nicolás Radicchi, Pablo Yamil
Bailarines: Marcela Dibon y Walter Amaya
Locución: Martín Wullich

Coreografía y asistencia de dirección: Anita Gutiérrez

Vestuario: Alina Paz Torres Claro

Diseño gráfico y audiovisual: Pamela Dávalos

Comunicación: Ann López Musa
Producción musical: Jorge Soldera

Producción ejecutiva: Pato Rébora

Producción Comercial: Cecilia Riegui
Idea: Sebastián Ziliotto

Prensa: BMZ Comunicaciones

Desde el 17 de mayo, todos los jueves a las 21:00

8 ÚNICAS FUNCIONES

El Método Kairós Teatro – El Salvador 4530

Localidades: $ 300.-

Entradas en venta en Alternativa Teatral.

Redes Sociales

Facebook e Instagram @TangoVillero

América Arana

Reseña: Monologazo

Cuatro historias contadas por sus protagonistas, por ellas, las que conviven con el adjetivo: género femenino.

Damas con emociones, con un humor basado en los extremos emocionales. En esencia, estas cuatro mujeres arriban al escenario para contarnos sus experiencias. La primera, ha sido abandonada por su marido, quien se ha fugado con la directora de la obra y nos comparte sus inseguridades y miedos.

La segunda es una futbolista, una guerrera en el campo de batalla, que fue acumulando “no se pueden”, esos sellos atávicos de la sumisión, despertándose, todo ese rencor contenido y estallando, en una proclama liberadora, con un alto corte humorístico.

La tercera es una guía de turismo, que nos lleva con su sketch, en un viaje a Rusia, donde el paseo, es para que se ajusten los cinturones, plagado de mucho humor. La cuarta dama es una hipocondríaca, desbordada, con una bata y una cofia, internada en algún lugar, con algunos temitas, pendientes de resolver y que los comparte con el público, imprimiendo lo mejor del humor.

Que mejor explicación, que aplica a este monologazo, su Dossier que dice: “unas monas con navajas. En bata. En Rusia. Rebeldes. En un vacío existencial. Monologazo o la transmutación del diálogo interno en un sopapo ardiente que te amiga con la soledad”.

En un teatro muy diferente a mi gusto, el Teatro NO Avestruz, por su ubicación en Palermo Hollywood que lo saca del circuito de teatros, y lo hace una propuesta interesante para una salida nocturna un viernes a las 22:30.

Este hermoso escenario, con una salida a un hermoso patio de una acogedora casa, invita a esta temporada teatral 2018, mayo / junio, con una promoción de 2 x 1 y con una frase que dice “No aflojes, vení al teatro”. A esta tarjeta de presentación agreguemos la invitación para adentrarnos más, saliendo de lo superficial de la epidermis, para conocer a cuatro mujeres, que les aseguro, van a lograr hacernos entrar en calor y olvidarnos que estamos entrando en el invierno.

Ficha técnica:

Elenco:

Mariela Barcos

Vicky Brudny

Marcela De Grande

Valeria Zylberberg

Foto: Alejandra Piedrabuena

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa: Kazeta Prensa

Dirección: Alejo Samban

Duración: 70 minutos

Funciones: viernes de junio 22:30 h. NoAvestruz.Humboldt 1857

Reservas: noavestruz.com.ar/reservasnoavestruz.com.ar/reservas

Crítica de cine: Román

Crítica de Agustín Villegas

No me jodan sino los jodo…

El hecho de estar ante un policial oscuro made in Argentina ya suma varios puntos, con una puesta en escena intensa mal acompañada de una historia que se desenvuelve demasiado convenientemente estamos ante un film solido pero poco sobresaliente.

Las actuaciones son el punto fuerte, el reparto lleva escenas con diálogos bastante pocos trabajados a un punto en el que logramos creerlo. Me atrevo a decir que probablemente la dirección de actores fue lo mejor de éste trabajo. Si bien el estilo visual es muy Nicolás Winding Refn (demasiado) se pueden notar movimientos de camara y conceptos muy interesantes de ver.

Mí problema con el guión se debe a que el punto de la vista de la historia se encuentra íntegramente en el protagonista, limitando a los personajes secundarios al punto de convertirse en herramientas. No hay personajes que generen empatia, ni siquiera el protagonista al cual se le dedica tanto tiempo. No obstante la historia central tiene cualidades atrapantes, algunos elementos de la historia pueden ser considerados bastante impredecibles.

Román es un proyecto interesante. Si bien no es creativo y cuenta con demasiada «inspiración» de otros proyectos se puede percibir cierto aire de frescura en lo que es cine argentino.

 

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: Román

ACTORES PRINCIPALES: Nazareno Casero, Carlos Portaluppi, Gabriel Peralta Rangel.

GENERO: Policial.

DIRECCION: Eduardo Meneghelli.

ORIGEN: Argentina.

DISTRIBUIDORA: Aura Films

ESTRENO: 31 de Mayo de 2018

72 Minutos

Apta mayores de 13 años con reservas

Crítica: El legado del diablo

Crítica de Paula Fossatti

Ari Auster en su ópera prima se las ingenió perfectamente para mantener en vilo la paciencia y cordura del espectador ya que durante 127 minutos el cuerpo permanece erguido a la espera de ”todo lo que pueda suceder va a suceder”.

El filme habla de la destrucción familiar, la oscuridad detona con la muerte de la matriarca quien a partir de su ausencia se encarga de transformar en una fatalidad la vida de quienes quedan en su hogar… su familia; a partir de secretos encriptados vinculados al ilusionismo y otras situaciones adentradas en el reino de lo sobrenatural.

La película es protagonizada por Toni Collete (Annie) quien hasta el final lucha por proteger a su familia de las desgracias que le preceden, en su dolor explica y justifica el accionar de su madre debido a la vida difícil que llevó. Sus hijos Alex Wolf (Peter) y Milly Shapiro (Charlie) quien es la elegida en el reino del infierno para adentrarse a un nuevo mundo. Ambos encarnan papeles exquisitos en cuestiones actorales mostrándole al mundo el dolor y la consecuencia de pertenecer a una familia disfuncional. Gabriel Byrne (Steve) es el padre de familia que mostrará la poca cordura que puede existir en situaciones extremas.

Sin duda este film va a quedarse en la taquilla por largo tiempo ya que dimensiona el pánico y el horror humano en situaciones cotidianas de la vida. Todo lo que implica sangre y lágrimas tendrá su recompensa.

Puntaje 9 /10 .

Crítica: Amor de medianoche

Katie es una chica de 17 años quien desde su infancia vive protegida dentro de su casa ya que debido a una rara enfermedad, recibir la más mínima cantidad de luz solar podría resultar mortal para ella. Sin embargo su vida cambiará radicalmente cuando Charlie se cruce en su camino y comiencen a vivir un amor de media noche.

Basada en la película japonesa del 2006 titulada con el mismo nombre, la película narra una historia de amor adolescente, cuyo conflicto no es el de la chica líder del colegio en contra de la nerd que de la nada se vuelve linda, pero tampoco es algo que no hayamos visto antes. Katie (Bella Thorne) es una chica que desde su infancia sufre una enfermedad llamada X P , la cuál hace que no pueda estar en contacto con el sol porque podría morirse, debido a eso su vida fue privada de varias cosas, como por ejemplo asistir a clases o juntarse con amigos, solo cuenta con una amiga y sus pequeñas salidas son nocturnas, todo lo demás lo vive a través de la ventana de su habitación, en donde se enamora a la distancia de un chico llamado Charlie (Patrick Schwarzenegguer ).

Tiempo después, de una forma inesperada, se conocen y nace el amor entre ellos, viviendo historias nocturnas, ya que ella no se encuentra preparada para contarle sobre su enfermedad y siempre encuentra la forma para que sus salidas no sean de día.

Obviamente en toda historia de amor, tiene que haber un notable conflicto que haga distanciar a la pareja, y aquí no es ni más ni menos que sin darse cuenta ella es expuesta al sol y su enfermedad se desencadena, distanciándolo de su amado.

La historia, si bien no es novedosa y nos remite a historias como “Bajo la misma estrella”, o “Si decido quedarme” ,aunque aún mas trillada, podemos decir que esta bien contada, las actuaciones son correctas y es entrenida, aunque pasa a ser una más del montón.

Calificación 6/10

Julieta Ale

Reseña de teatro: Dos más dos

Se ha estrenado en el teatro el nacional la adaptación teatral de la película Dos más dos , un film de Diego Kaplan que tenía como protagonistas a Adrián Suár , Julieta Díaz , Carla Peterson y Juan Minujin. La historia toma como temática central el intercambio de parejas , dominado por la cultura Swinger. En esta ocasión el elenco está encabezado por Fernán Mirás, Eleonora Wexler, Julieta Zylberberg y Luciano Cáceres.

El éxito que ha tenido el film se debe a la reflexión que brinda sobre las parejas , en relación al público que está dirigido. Si bien esto no está hecho para un tipo de público específico, pero si podemos notar que hay mayor identificación en aquellas parejas que llevan años juntas, en el que puede existir el planteo de alternativas para mantener viva la pasión. ¿El intercambio de parejas es realmente una alternativa ? ¿Es algo apto para todos ? Estamos ante un tema que aún en nuestra generación sigue siendo tabú, sobre esa relación de existe entre el amor y la exclusividad física. La obra pone en escena a una pareja común y corriente , a un hombre bastante cerrado en relación a la sexualidad, a una mujer que ha aceptado esos términos pero con el pasar de los años siente que quiere o necesita algo más. Cualquier pareja se puede reflejar en estos temas , una forma quizá simple o muy compleja de satisfacer su deseo con otro pero dejando de lado la infidelidad o el concepto que se tiene de ella. La puesta teatral es bastante fiel al material fílmico, realizando algunos cambios por necesidad teatral , debido a que los solo los cuatro protagonistas están en escena. Existe una resolución ágil para mantener la escencia de lo que se ha visto en la película , y poder explorar un poco más a los personajes en cuestión.

Podemos notar que la adaptación teatral se hace mucho más íntima y cercana con el espectador, el proceso en el que dos parejas amigas deciden arreglar dicho intercambio sexual es mucho más lento pero se torna más interesante ya que el público puede empatizar mejor con los personajes, sobre todo con los que se disponen a hacer un cambio bastante brusco en sus vidas. Obviamente no falta el humor , que se olvida de ese tabú y nos pone al sexo como ese elemento de placer que es, quitando el lado sentimental de lado. Así el espectador logra reírse de aquello que quizá pueden llegar a reprimir , más si está en la butaca sentado junto a su pareja. El relato se libera de prejuicios (con ellos incluidos ) y es lo que funciona, volviendo también al replanteo de las relaciones de pareja , los celos y la fidelidad pero desde otro punto de vista.

Los actores en escena cumplen con ese legado que habían dejado los intérpretes del film. Si bien la escencia de los personajes prácticamente están intactos , cada uno de los actores dejan parte de sí mismo para hacer de su trabajo algo peculiar. Fernán Mirás y Eleonora Wexler son los que más empatía con el público provocan , ellos son los que deben cambiar su comportamiento, arriesgar su vida de parejas por intentar algo nuevo. El conservador y ella dispuesta a cambiarlo todo, aunque sigue siendo fiel a su estilo y sentimientos. La pareja compuesta por Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg es la que sirve como pie para animar al trato , a hacer el intercambio sexual . Se trata de una pareja aparentemente abierta en todo sentido , aunque también existe el conflicto entre ellos y cosas que deben aprender de sus amigos.

La puesta en escena es vistosa , con varios cambios de escenografía que nos coloca en ambiente por aquellos sitios que recorre el film. El nivel de producción es alto y acompaña perfectamente al relato, con una notable dirección de los actores por parte de Marcos Carnevale.

Dos más dos es una adaptación necesaria , que logra entretener al mismo nivel que el film , y además profundizar a sus personajes generando mayor empatía con el público. Para aquellos que no vieron la película es una buena opción para acercarse a la historia, que busca reflexionar y acercarse a un tema que siempre fue tabú. Es una propuesta teatral bien actuará , ideal para parejas aunque entretenida para todo el público.

Ficha técnica “DOS MAS DOS”

Autores: Juan Vera / Daniel Cúparo

Elenco: Eleonora Wexler, Fernán Mirás, Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg.

Dirección: Marcos Carnevale

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de Vestuario: Ana Markarián

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Música Original: Nico Posse & Mono Morello

Prensa y Comunicación: Vanesa Bafaro

Producción Ejecutiva: Edgardo Alba / Nicolás Ventura

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

FUNCIONES

MIÉRCOLES 20.00 H.

JUEVES 21.45 H.

VIERNES 20.00 H.

SÁBADOS 21.45 H.

DOMINGO 19.00 H.

Entradas a la venta por

www.plateanet.com

5236-3000

o en boletería de “El Nacional Sancor Seguros”

(Av. Corrientes 960, de 10.00 a 20.00 H.)

Reseña: Nenamala, de Juan Seré

En el Teatro Ladran Sancho en su segundo año se representa NenaMala que entra dentro del teatro no convencional. Se debe tratar de no encasillar a las obras pero es muy difícil no hacerlo, al momento, de escribir la reseña. Para mí cae en “no convencional”, todo aquello a lo que no estamos acostumbrados a ver. NenaMala es una mezcla de teatro de terror con ficción, géneros sobre los cuales no hay muchas puestas en escena en Buenos Aires, en la actualidad.

La obra redobla el desafío porque logra excelentes efectos e imágenes, con recursos simples, pero no por eso le restan verosimilitud, lo cual la hace muy meritoria. Es una obra con un texto profundo, exquisitos dicen quienes ofrecen esta propuesta que aborda la filosofía sobre la vida y la muerte.

El tema fue escrito y dirigido por Juan Sere. La puesta está a cargo del grupo Rojo Accidente. El relato comienza en un faro, donde un viejo, intuye que la muerte se acerca mientras lo cuida su nieto Gordon. Un joven, tímido, quien en un intento por salvar a su abuelo, toma coraje y se lanza a aventuras para intentar salvarlo.

Gordon en busca de medicamentos llegará a una ciudad azotada por la peste. Es una obra con muchas metáforas porque ese encuentro con el mundo representa crecer.

El elenco actoral logra adentrar al público en un clima muy logrado. Hay actuaciones, algunas más destacables que otras, pero en general el nivel es muy bueno de todos. La labor del director Seré se palpa porque no es nada fácil mantener la tensión en este tipo de obras.

NENAMALA, es una alegoría cruel de una noche que vale por muchas, donde la plástica, lo perfomático, invitan a la versatilidad, plasman pensamientos profundos en boca de sus personajes, con puntos de encuentro que permiten una obra singular donde la platea se mantiene expectante a los diálogo y a lo próximo que está por ocurrir porque a lo largo de su desarrollo, la idea de la vida y la muerte penden de un hilo.

Ficha Técnica
Actúan: Pablo Bronstein, Gastón Filgueira Oria, Mariano Sayavedra, Marcos Krivocapich, Nicolás Levin, Andrés Granier, María Belén Ribelli, Carolina Stegmayer, Rosa Ortíz Pereyra, Luis Mancini y María Agustina Trimarco.
Diseño de máscaras: Juan Ignacio Fiori
Escenografía: Juan Fiori
Vestuario: Nicolás Levín y Belén Ribelli
Diseño de luces: Fidel Semería
Música original: Eloy Vicario Malich
Operación de sonido: Ulises D´Atri
Fotografía: Alba Cuenca y Estudio Levín
Ilustrador: Pedro Mancini
Prensa: Boca en Boca Prensa&Difusión
Dramaturgia: Juan Seré
Dirección: Juan Seré

Lunes 21hs / Guardia Vieja 3811