El gran final hace gala a un espectáculo que representa un homenaje al director y coreógrafo Bob Fosse. Dicho artista, había dejado en claro que tras su muerte, el funeral debía ser toda una fiesta fiel a su estilo. De este modo, Gustavo Wons toma este hecho para montar un show que se convierte en la mencionada fiesta de Fosse. Un espectáculo lleno de talento y Jazz..

Bob Fosse fue uno de los grandes coreógrafos de la historia del cine y de la comedia musical de Broadway. Debutó en el teatro como bailarín y coreógrafo y actuó también en algunas peliculas, teniendo en  sus manos obras como Cabaret, en el cual ganó un Oscar a mejor director. Este musical funciona como un recorrido biográfico de aquel director, en el que Gustavo Wons se pone en la piel de Fosse para hacer un repaso de grandes momentos de su vida y obra. Así como en una biografía, siempre es necesario plasmar la escencia de sus inicios , con un joven Fosse interpretado con maestría por Mariano Magnífico. También acompañado por un gran elenco , en el que se denota la precisión tanto en las coreografías como en la música.

Si bien tenemos una historia, pero esta propuesta no se trata de una obra convencional. Casi no hay texto, pero aún así , tanto la música como el baile conforman una narrativa que nos permite imaginar todo el recorrido del artista hasta el día de su muerte.

Otra particularidad que tiene esta puesta , es permitir que cada semana haya un invitado para que forme parte del show. Para este reestreno en el Lola Membrives , subió al escenario Laura Conforte , una actriz que posee gran despliegue escénico , siendo una opción ideal para este regreso.

El gran final es un espectáculo que le rinde el mejor homenaje al artista Bob Fosse, con un show que le es fiel a su estilo y que revive el espíritu del director y coreógrafo. Gustavo monta un show impecable, preciso y bello para disfrutar en teatro.

“EL GRAN FINAL”…Tributo a Bob Fosse
Un espectáculo de Gustavo Wons

Idea, coreografía y puesta en escena: Gustavo Wons
Libro: Julio Panno
Productor: Matías Baraviera

Elenco: GUSTAVO WONS – ARIEL JUIN– RODO SANTAMARINA – FLORENCIA VITERBO – SANTIAGO ALMARAZ – NICOLÁS TADIOLI – EUGENIA GIL RODRÍGUEZ – CECILIA ESTEVEZ – CARLA NOVAL – NICOLÁS VILLALBA – VICKY BANFATHER – SOFÍA VAL – VERÓNICA TORRES – MARIANO MAGNÍFICO – NICOLÁS CHAVEZ – CARLA LANZI- MARCELO AMANTE – YAZMIN CORTI

TEATRO LOLA MEMBRIVES – Av. Corrientes 1280 – CABA – 4381-0076

Funciones: Martes 21.00 hs.

Localidades: $400 y $300

Reseña de Paula Fossatti

Aún atravesados por el dolor sin importar los años que pasaron del último Golpe de Estado es un acto de nobleza hacia nuestra historia contar lo que aún continúa latente en la sociedad Argentina y en ocasiones quedamos perplejos tratando de entender como es que todo esto sucedió. El Secreto Libre es una historia basada en un hecho real ocurrido en un centro de detención clandestino en la ciudad de Rosario.

El Secreto libre es mucho más que una historia de amor dentro de un centro de detención clandestina, Marta y Roberto se conocen por medio de tuberías en donde se encontraban detenidos, allí se enamoran. Ambos personajes representan la angustia ante la fragilidad, la ira ante la injusticia y la frustración de saber que la distancia que hay entre el que tenes al lado tuyo es enorme e indiferente teniendo como única opción confiar en el Tic – Tac que sienten; que no es otra cosa más que el latido de sus corazones.

La obra de teatro te posiciona en la butaca y te recuerda que sos la sociedad de aquella época, te censura a través de una niebla que realmente impide visualizar lo que está aconteciendo; mientras que la fluidez de las actuaciones te permite entender la desesperación por querer al otro a tu lado y que recurrir al poder de la imaginación para que articule recuerdos va a ser vital para poder sobrellevar lo que te queda de presente. La vida en cautiverio se transita de un solo fogonazo comenzando por los deseos de la infancia y terminando por la añoranza de la libertad; el encierro y la tortura es el castigo de no pertenecer al sistema.

El Secreto Libre es un cúmulo de acontecimientos que te convence de la incondicionalidad del amor, como dos almas y un amor puro son capaces de vivir a pesar de las condiciones.

Ficha técnica.

Autor: Charlie Gerbaldo.
Dirección: Javier Rosón y Charlie Gerbaldo.
Elenco: Alexandra Geoffroy, Charlie Gerbaldo y Dalila Ferreyra.
Cantante: Luli Rössler.
Asistencia de dirección y producción ejecutiva: Victoria Soriano.
Música Original: Ramiro Álvarez.
Sonido: Gonzalo Lapadula.
Música de Sala: Hernán Valencia.
Iluminación: Fito Gómez.
Vestuario: Verónica Casanovas.
Escenografía: Celeste Bulfoni y Rafael Vallejos.
Diseño Gráfico: Manuel Padilla.
Fotografía para Prensa: Alejandra López.
Prensa: “Hola! Prensa & Difusión”.
Teatro: El Tinglado, Mario Bravo 948, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Funciones: Martes a las 21hs.
Reservas: 4863-1188. Costo entrada: $300 (Descuentos a estudiantes y jubilados $250) / elsecretolibre@outlook.com

Chicos malos es un show performático que está escrito y dirigido por Gabriel Gávila. Dicho espectáculo sigue a un grupo de hombres pretendiendo crear un gran show, pero que queda a medias debido a la rebeldía de uno de sus integrantes, quien busca poder dar algo original y verdadero. Se trata de una fórmula que ha obtenido éxito en sus anteriores temporadas y que aún así , logra renovarse a sí misma para atraer tanto a los nuevos como viejos espectadores.

La palabra «Show» es algo que se encuentra muy presente en esta puesta escénica , que lo definen como una acción o cosa que llama la atención y causa asombro o escándalo , algo que en distintos idiomas lo llaman del mismo modo. Eso es exactamente lo que es Chicos Malos, ¡¡Un show¡¡ ¿Y de qué va?. Una especie de ensayo teatral se pone en escena , un grupo de hombres semidesnudos están para darle a la gente lo que creen que ellos quieren: Ver hombres , cuerpos trabajados , seducción y sexo. Si , sexo…

Esto también lleva a un sinceramiento con el público, en el que logra darse por entendido de que algo quieren ver y es uno de los motivos por los cuales están presentes. Existe el rompimiento de la cuarta pared, sabemos que no es una obra de teatro convencional con una historia y un mensaje , y a la vez lo es. Uno de los personajes , protagonista o antagonista , está para cuestionar las bases del show , al creer que se está para algo más que la superficialidad de ser un chico malo.

Si llega a ser falta aclararlo, podemos decir que se trata de una puesta Gay Friendly, si bien no resulta algo exclusivo , la puesta es consciente del público que asiste y por ello juega con el desde el humor y algunos cuestionamientos dentro del ambiente. Así ha podido cosechar su éxito, también por la capacidad de renovarse y seguir contando una misma historia. Se ha sumado elenco a esta temporada, y lo han resuelto eficientemente desde lo performatico , ya que la misma puesta es capaz de actualizarse a lo largo de cada función.

Los actores en escena logran desenvolverse con soltura, siendo quizá la mayor exigencia de la puesta. La dirección de Gabriel Gávila es precisa , se nota todo el proceso de experimentación dentro de la obra , aunque lleve un tiempo ya compuesta. Seguramente hay varias personas que han ido a más de una función, y seguramente aquellos notarán los cambios en pequeños detalles , también las añadiduras en cuanto a temas de la cultura popular, que siempre se actualiza porque la obra no quiere quedarse en el tiempo.

Chicos malos es un show que cumple con su premisa , brindar un espectáculo capaz de llamar la atención y ser escandaloso , pero sin dejar de ser una puesta teatral. Con actores totalmente desinhibidos , la obra resulta más que efectiva para entretener y seducir al público. Su creador a logra que está puesta sea capaz de renovarse y que estos chicos malos estén siempre vigentes.

Chicos Malos pertenece a una trilogía escrita por el autor, cuya dramaturgia se completa con “Chicos Lindos” y “Chicos Feos”, espectáculos que estuvieron en cartel en 2017 simultáneamente en la ciudad de Bogotá, Colombia, y en Buenos Aires.

(Obra no recomendada para menores de edad)

Actores

Gonzalo Bourren

Javier Roldán

Emmanuel Martínez

Gonzalo Cetraro

Juan Felipe Peláez

Lucas De Stasio

Ernesto González

Alex Malave

Alejandro Chagas

Emerson Speratti

Ficha Técnica:

Autor y director: Gabriel Gavila.

Fotografía: Leandro Rodríguez PH. / Armando Bellorin Photography

Make up: Melina Acuña.

Vestuario: Ana Mastroberti.

Colaborador artístico: Luciano Crispi.

Diseño lumínico y Operación Técnica: Lucas Ontivero.

Comunicación audiovisual: Emmanuel Martínez.

Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.

Stage manager y selección musical: Joaco Balverde.
Prensa: Cakatúa Prensa

Links relacionados:

Facebook, Twitter, Instagram: @chicosmalosarg

LOCALIDADES: GENERAL $300| Promoción en redes sociales 2 x $500 | Domingo 21.30hs. Espacio Artistico «La Sodería». Dirección: Vidal 2549, Belgrano (CABA)

El planteo de Hedda Gabler, como muchos clásicos, comporta desde hace tiempo las mismas críticas y las pocas soluciones, por su tiempo, por su texto y su contexto; sin embargo el teatro independiente no puede ocultar su fijación (y con razón).

Que moleste Hedda Gabler comporta un triunfo: no tanto explicarla o re-re-representarla hasta hallar algo nuevo, sino intentar ganarla a algún discurso que importe. En el barrial Brío se da una de estas pequeñas victorias intermitentes que debieran importarnos.

La puesta a la que asistimos es una oportunidad de ver a Hedda con otros ojos y de manera explícita, dejando en suspenso el atractivo del personaje para mostrarnos una trama victimaria y patriarcal, una gramática que ocluye en su vida lo posible y le impone lo imaginable. A destacar: al fin la atracción lésbica en la obra deja de ser recurso estético y se vuelve fundacional.

Lo importante no es que la puesta lo entiende, sino que se compromete a mostrarlo: El desenlace de Hedda Gabler es el triunfo de una valentía entre tantos cobardes, pero sólo de una en el acotado horizonte de lo posible, pues ¿con qué se mata Hedda Gabler?

FICHA TECNICA:

Versión: Melina Petriella, Nayla Pose

Actúan: Melina Petriella, Maria Abadi, Nayla Pose, Pablo Chao

Diseño de vestuario: Belen Parra

Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo

Realización escenografica: Gustavo Disarro

Diseño grafico: Lucia Szlak

Asistencia de producción: Nahuel Saa

Asistencia de dirección: Florencia Halbide, Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

Las funciones se realizan los díasviernes a las 21hs y domingos a las 19hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Av. Alvarez Thomas 1582

Localidades $200 entrada general / $180 estudiantes y jubilados

Agustín Arosa

El mito del padre que come a sus hijos en un banquete y que luego de saberlo es condenado no a morir sino a vivir con el dolor; este mito concebido por los griegos y que luego se reproduce a lo largo de toda nuestra tradición occidental y cristiana, que fue convertido en tragedia por Séneca, en el siglo I, es retomado con maestría por Emilio García Wehbi, director de la obra que en su estreno en el Teatro Cervantes impresionó y conmovió a cientos de espectadores.

¿Cómo convertir en espectáculo el peor de los sufrimientos? ¿Desde dónde mostrar la angustia de la humanidad que viene cargando una piedra enorme sobre su espalda? El director de esta obra, que contó con un elenco de doce actrices, comienza por la voz de una niña, la más pequeña de todas, interpelando al Hades.

Las niñas juegan a ser fuertes en un mundo de monstruos, se desafían entre sí con el lenguaje para intentar perder el miedo, su casita de muñecas se asienta en el mismo jardín oscuro de donde surgen las garras que luego las matan.

Pero para entender la metáfora hay que construir un anclaje, ¿en qué consiste la matanza? ¿No será acaso un pensamiento que se extiende? ¿Seremos todos los adultos cómplices de la muerte prematura de los más débiles? El estribillo de funky retumba en los oídos del público, que trata aún de digerir las palabras: “No hay asunto más prolijo que comerse a sus propios hijos”. (Sí, aquí vale mencionar la maleabilidad artística de las intérpretes: ejecutan instrumentos, cantan, bailan, son gimnastas, dan vuelta la escenografía y pasan de un góspel a un rap).

Entonces comienza la historia desde el principio, en el Acto II. Tiestes y Atreo eran hermanos en disputa por el trono. Tiestes engaña a Atreo y éste busca venganza. Se debaten a un duelo de maldiciones. (Se aclara que para la actualidad hay una nueva versión a la de Séneca y que cada hermano, para vengarse, mata al hijo del otro y se lo sirve en bandeja). Ambos terminan devorando su propia descendencia. Las voces de las hijas hablan desde el estómago. Destruidos, sin vuelta atrás, los padres viven con el remordimiento.

La obra cumple en demasía con el objetivo de dejar que el espectador la complete, pero sin duda es una crítica sagaz a la cultura patriarcal, a la banalización de las infancias, a la mirada del adulto medio. El juego de contrastes entre contenido y forma es admirable. Puesta en escena voluptuosa.

Tiestes y Atreo

Yamila Juan

Saltimbanquis es una obra de teatro infantil que cuenta la historia que un grupo de simpáticos animales que buscan su camino luego de escapar del maltrato de sus amos. Una propuesta musical que está compuesta por actores adultos y niños , que son parte de un bello relato ideal para toda la familia.

Saltimbanquis, es un musical basado en el cuento Los músicos de Bremen de los Hermanos Grimm. Es una obra que habla de la unión, del respeto por el otro, la solidaridad y la buena convivencia en comunidad. Cuenta las aventuras de cuatro animales que fueron explotados por sus amos y deciden huir hacia la ciudad para probar suerte como banda musical.

Un burro, un perro, una gata y una gallina son los protagonistas de la historia , van apareciendo de a uno , todos con una historia en las que se han quedado solo luego de su paso con los humanos. Inmediatamente logran hacerse amigos , tienen el objetivo de llegar a la ciudad y formar una banda musical . En su recorrido descubren que sus sueños y fantasías pueden ser distintos a los que creían en un principio, todo esto lo aprenden a través de la unión y la amistad , uno de los valores más importantes para ser fuertes y no estar solos.

La obra es muy bonita en su premisa , su puesta escénica también lo es. Cada actor que compone a los animales en escena , posee un carisma y color particular , que se hace imposible no tomarles cariño de inmediato. La obra también cuenta con niños que son parte del ensamble del espectáculo, algo ideal e inclusivo ya que va dirigido a toda la familia, en el que también participan los más chicos. Además del divertimento , está el mensaje o la moraleja que todo cuento sabe dejar. Más allá de toda la fantasía existente en el relato , el papel que cumplen los animales, que en muchas ocasiones sufren el maltrato de los humanos , responde a algo real y se busca una forma entretenida para hablar y tomar consciencia sobre ello.

Esta obra ya tuvo su paso por el Teatro Regio y el San Martin , teniendo su espacio fundamental durante las vacaciones de invierno. Ahora su reestreno en Ciudad Cultural Konex, bajo el marco de «Konex para chicos» los días domingos a las 16 hs. Esta sala permite el impecable despliegue en escenografía y vestuario , además del amplio lugar para el público, donde los chicos inevitablemente salen de sus butacas para jugar.

Debo hacer una crítica sobre esta función , pero va dirigido al publico. Primero, toca hablar de la gente que llega demasiado tarde, al estar con chicos el espacio se ve obligado a dejar entrar al público aunque llegue media hora empezada la función. Y la segunda cuestión son los celulares , se que es lindo poder documentar una salida en familia , pero no sé si se llega a disfrutar un espectáculo del todo estando filmando. Es solo una opinión y necesitaba remarcar.

Saltimbanquis es una obra ideal para salir en familia y divertirse tanto los más chicos como los grandes. Muy buenas actuaciones por parte de un elenco que también incluyen niños y un más que bonito mensaje que nos deja la obra sobre el teatro hacia los animales.

Domingos de mayo16 hs.

Entradas: $230, $280 y $330 (según ubicación)

Gran Sala

Menores abonan a partir de los 2 años

No se suspende por lluvia

Entradas por Ticketek

Hemos tenido el placer de ir al teatro Lola Membrives y disfrutar de la obra Sugar, que ha estrenado el año pasado con mucho éxito, teniendo a Susana Giménez en la producción y con las actuaciones de Griselda Siciliani, Federico D’elia y Nicolás Cabré. Desde hace poco , el rol de Sugar lo ocupa «Laurita» Fernández, una grata sorpresa que se une a una comedia desopilante y con un gran nivel del producción.

La historia está ubicada en Chicago en 1929, durante el periodo de la ley seca norteamericana, cuando dos músicos se ven obligados a dejar la ciudad después de ser testigos de un enfrentamiento entre dos bandas de gángsters

Es imposible no quedarse encantado con el nivel de producción que existe desde un principio, que va desde lo escenográfico, los vestuarios y el notable ensamble con que la obra cuenta y eso solo es el inicio. La historia es bastante simple pero resulta efectiva en cuanto al espectáculo que se quiere montar , por un lado una comedia de tono absurdo y por el otro un show lleno de música y glamour. Aunque la obra se llame Sugar , el protagonismo le sigue a dos hombres que son testigos de un asesinato por parte de gangsters americanos y para poder escapar se disfrazan de mujeres y se unen a una orquesta compuesta solo por Señoritas. Allí se encuentran con Sugar , quien es la gran estrella del show , hermosa y talentosa , pero quizá algo despistada y «tonta» cuando hablamos de amor. Estos dos hombres que solo usan vestidos, pelucas y algo de maquillaje (uno bastante mal maquillado) quedan encantado con esta chica , al punto de intentar ligar con ella , acercándose desde el lado de «amigas». La puesta resulta divertida por la soltura en que se desempeñan los personajes , de lo absurdo que en momentos llegan a mostrarse , dejando espacio para reírse también de ellos mismos junto al público. Después la historia se las arregla sola para tener la excusa para montar un show musical , notorio y al mejor estilo de Broadway.

En cuanto a las actuaciones , la dupla Nicolás Cabré y Federico D’Elia funcionan perfectamente en la comedia , como mujeres son terribles pero en ningún momento se busca la personificación femenina de forma ideal , sino que esa manera absurda en que se visten es lo que hacen graciosos a sus números , se podría hacer una comparación con los hombres que se visten de rubias en aquella película que siempre suelen repetir en la televisión. Cabe destacar que Cabré roba varias escenas , maneja su humor característico y funciona.

Párrafo aparte para hablar sobre la participación de Laura Fernández en el show. Ella canta baila y actúa con gran soltura , si bien su personaje es más bien es el hilo que conduce la historia de los otros dos personajes , pero aún así tiene su momento para brillar. Brilla en los números musicales , acompañada por un ensamble que le permite lucirse. Grata sorpresa por la nueva incorporación.

Sugar es un más que agradable show , que vislumbra gracias al nivel de producción que posee, pasando por distintos escenarios y vestuarios que nos llevan a un lugar colorido y glamoroso. Su historia es sencilla pero cumple con su cometido que es entretener , buen trabajo de todo el equipo que compone esta obra musical.