Reseña: Las destructoras

Una historia de bailanta

El mundillo de la bailanta, sus códigos y cultores, ha sido tratado ya entre otras, por “Menea para mí” (Dir. Mariana Bustinza), en clave testimonial: los despectivamente denominados “villeros” cuentan su vida, la de todos los días, sus deseos, sus miedos, la mirada de los otros, la de si mismos. También “Todo piola”
(Dir. Gustavo Tarrío), aquí en clave metafórica: dos jóvenes de ese mundo de carencias, donde la más básica es la material, se enamoran y ese es un punto de encuentro con la maravilla.

La obra que ahora nos interpela, trata el tema mediante un discurso que apela a lo anecdótico. Organizado en cuadros, que se separan a través de canciones del repertorio del trío, éste musical nos relata las peripecias de Roxy, de Leila y de Bettina, durante las giras que realizan viajando en una van, de un local de bailanta a otro. Sus deseos y frustraciones, envidias, amoríos, sexo como moneda de intercambio y a veces, como placer, todo se manifiesta en el reducido
espacio vital del trío que, tal olla a presión bailantera, solo encuentra una válvula de salida, de liberación, en las canciones del espectáculo que brindan. El decadente trío nos cuenta sus vicisitudes con gracia, con cuidado mal gusto, con un histrionismo de tintes bataclanescos y desmesurada bizarría. Y también,
con encantadoras canciones.

Bueno es el trabajo actoral del siempre eficiente Mosquito Sancinetto, de Laura Manzini (interesante voz la de ésta actriz) y de Victoria Orquín, que aporta una
cuota de áspera sensualidad.

La escenografía, el perfil de la van, con una cortina que se pliega ó despliega, según estén en viaje o en un show, un hallazgo. Un musical bien realizado, que apela a lo festivo y lo logra con graciosa capacidad.

Ficha Técnica

Autor: ALFREDO MEGNA

Elenco: LAURA MANZINI // FABIO «MOSQUITO SANCINETO» // VICTORIA ORQUÍN

Dirección: MATÍAS STRAFE

Funciones: SÁBADOS 21 hs
Teatro: El Método Kairos
Dirección: El Salvador 4530 – Palermo
Entrada general: $250
Informes: 4831-9663

A. R. Belano

Reseña: No dejes de mirarme por favor

Un vodevil contemporáneo y fresco para narrar en tono cómico los fracasos de personajes que evocan a Chejov, intentando trascender y perdurar en la escena porteña

Una consagrada intérprete se dirige a la casa de una actriz del teatro off para evitar que estrene el unipersonal en el que su hijo la dirige. Una performance que contiene un video que compromete su carrera. Descubrió en la computadora del muchacho un video íntimo que grabó su actual pareja, un exitoso escritor, teniendo sexo con la joven actriz.

A partir de este conflicto, No dejes nunca de mirarme por favor se transforma en un dinámico juego cómico y absurdo de entradas y salidas en esa casa con mil puertas, donde abundan los desencuentros y confusiones, y subyace el deseo y la frustración.

Nina y Daniel fueron pareja y tienen un pequeño hijo en común. Hoy Daniel está casado con Leonor, madre de Lautaro. El joven es el impulsor de este proyecto teatral que ensaya con Nina como protagonista. Una obra autobiográfica, en la que se proyectan fotos de la infancia de la actriz. Un micrófono en escena le permite ir narrándose a sí misma. Citas explícitas y algunas más ocultas, permiten asociar este intento artístico a la La Gaviota de Chejov, que empieza justamente con la puesta en escena de una obra simbolista. La obra de Bernardo Cappa retoma los personajes chejovianos en un presente estallado y caótico donde se vuelven más explícitas las luchas por la necesidad de alimentar sus egos maltrechos. Trigorin, el autor exitoso, es aquí Daniel. Su mujer Arkadina, famosa actriz, es Leonor. El hijo de ésta, Treplev, es aquí Lautaro, un joven director teatral que busca innovar pronunciando discursos confusos mirando a público y filmando con su celular las escenas de la obra ensayada. Nina lleva el mismo nombre que en la obra del ruso, pero aquí se muestra como una mujer independiente, cuyo hijo es el motor para el cambio.

Mientras que en Chejov los sentimientos e ideas de los personajes tenían capas ocultas que apenas podíamos percibir a través de sus quiebres, con acciones que tardaban en exteriorizarse, aquí encontramos sentimientos a flor de piel, expresados por acciones impulsivas y un lenguaje actual confuso. Un tiempo convulsionado, estallado y acelerado que actualiza las influencias del teatro clásico.

Lautaro decide conscientemente exponer la intimidad de Nina y Daniel porque eso le sirve como medio para lograr su consagración. Eso desata la ira de Leonor, no por el deshonor que implicaría involucrar a su marido, sino porque los espectadores y la prensa, asociarán el nombre de su hijo con ella. Así, los cuatro discuten, se amenazan, se provocan y se extorsionan en un juego perverso que crece sin parar.

Ya desde el título de la obra vemos la angustia frente al paso del tiempo, la necesidad de estar en el foco de la escena los actores juegan con salir de la representación abandonando el espacio escénico, manteniéndose en la oscuridad del fuera de escena, de que los reflectores iluminen sus rostros de personajes estereotipados, de roles de los que no pueden salir.

Cada uno a su manera construye una impostura, una máscara frente a los otros. De esta manera, Cappa abre una reflexión irónica sobre el universo teatral actual: propuestas que no pueden despegarse de la lógica de mercado, obras como productos enlatados que no se cuestionan, que son puro entretenimiento, puestas que se consideran innovadoras por el sólo hecho de romper la cuarta pared y mirar a público.

La inminente fatalidad será la puerta de salida para que Nina logre abandonar el personaje e imponer sus deseos, frente a tanta hipocresía. Para cuestionar la necesidad meramente vanidosa del teatro, y sus actores, de ser alabados para existir.

Ficha técnico artística

Autoría: Bernardo Cappa

Actúan: Pablo Caramelo, Celina Font, Aníbal Gulluni, Maia Lancioni

Diseño de vestuario: Pia Drugueri

Diseño de escenografía: Pia Drugueri

Diseño de luces: Ricardo Sica

Fotografía: Natalia Pinilla

Asistencia de dirección: Agustina Dalmaso

Prensa: Carolina Alfonso

Colaboración en dramaturgia: Pedro Sedlinsky

Dirección: Bernardo Cappa.

Sala: El camarín de las musas (Mario Bravo 960, CABA). Viernes 20:30hs

Melina Martire

Crítica: El sacrificio del ciervo sagrado

Por Maximiliano Pouchan

Steven es un importante cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Tienen dos hijos hermosos, Kim de 14 años y Bob de 12. Viven en una bella casa, en un lindo barrio y disfrutan de todo lo que les puede ofrecer una buena posición económica. En su hogar abunda el amor y la perfección.

Martin es un amable y frágil adolescente de 16 años. Su casa es humilde y no está ubicada en el mejor lugar. Vive con su madre, una mujer inestable y buena, que intenta esperanzada sobreponerse a una perdida. La de su marido.

Steven y Martin poseen un extraño vínculo. El cirujano pareciera querer compensar la ausencia del padre del adolescente como si cargara con una culpa. Y el muchacho lo acepta. Al principio todo esto será oculto, pero luego Anna , Bob y Kim lo conocerán. Todo será agradable pero no tardara en volverse complejo y confuso. El cirujano comenzará sentir incomodidad en estos encuentros y tomara distancia. Entonces Martin, a modo de venganza, hará caer una aberrante maldición sobre Steven y su familia.

Basado en el mito de Ifigenia, este relato pareciera inicialmente una película de suspenso pero luego todo adquirirá un tono más de horror.

Con cuidada y excesiva composición de cuadro, con abuso de zoom, con constantes cambios de ángulo y posiciones de cámara, lo visual, termina resultando monótono y agobiante.

La insistente referencia a kubrick, es innecesaria. Y ciertas indefiniciones en cuanto al género hacen que pierdan valor algunas situaciones que son interesantes.

La distancia estética, los elementos argumentales y los recursos expresivos desplegados son tantos y tan ambiguos que terminan por volverse inaccesibles. Y este hermetismos solo termina construyendo otro mito que trasciende a la película. El del director, que algunos consideran un genio y otros una estafa.

Un filósofo me dijo hace un tiempo que en el arte, el límite entre la genialidad y la banalidad es sutil y uno puede pecar de entusiasta o de tonto con mucha facilidad.

Yo debo confesar que no me resulto estimulante. La película me pareció pretenciosa, confusa y demasiado distante del espectador.

Quizá este frente a una verdadera obra de arte, pero todos los recursos que poseo apreciarla me distancian de ella.

Calificación 5/10

The Killing of a Sacred Deer, Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos/2017. Dirección: Yorgos Lanthimos. Elenco: Nicole Kidman, Colin Farrell, Alicia Silverstone, Barry Keoghan, Bill Camp, Raffey Cassidy y Sunny Suljic. Guión: Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou. Fotografía: Thimios Bakatakis. Edición: Yorgos Mavropsaridis. Duración: 121 minutos. Apta para mayores de 16 años.

Chicago Med estrena su tercera temporada el 19 de febrero por Universal Channel.

“Chicago Med” estrena su tercera temporada el próximo lunes 19 de febrero a las 22hs ARG., a través de la pantalla de Universal Channel. La nueva entrega de este exitoso drama médico creado por Dick Wolf, contará con 22 emocionantes capítulos y mantendrá la participación del elenco protagonizado por Oliver Platt, Torrey DeVitto, Nick Gehlfuss, Colin Donnell, entre otros.

Luego de el sorpresivo final en la segunda temporada, donde el Doctor Charles (Oliver Platt) fue abatido por un lunático ex paciente, los doctores favoritos de la televisión vuelven con más dramas que no dejarán de sorprender a sus seguidores. Tras la llegada de la doctora Ava Bekker, una nueva y competitiva compañera interpretada por la actriz invitada Norma Kuhling, el Dr. Connor Rhodes (Colin Donnell) tendrá que demostrar su experiencia como cardiólogo. Mientras tanto, Sharon Goodwin (S. Epatha Merkerson), la respetable jefa de Chicago Med, continuará su ardua labor de cuidar todos los detalles del hospital más grande de Chicago, a fin de mantener el ambiente profesional y de excelente calidad.

El romance también se abre paso esta temporada, el Dr. Will Halstead (Nick Gehlfuss) debe lidiar con la resposabilidad que conlleva ser el médico de cabecera y a la vez, dedicarle tiempo al romance que mantiene con la Dra. Natalie Manning (Torrey DeVitto). Por otra parte, April Sexton (Yaya DaCosta), la inteligente y audaz enfermera de urgencias, hace oficial su relación con uno de los médicos más famosos del hospital, a pesar de las quejas por favoritismo de sus compañeras.

Para más detalles acerca del estreno de la tercera temporada de ¨Chicago Med¨, el lunes 19 de febrero a las 22hs ARG., visita www.universalchannel.com y súmate a la conversación a través de nuestras redes sociales:

Facebook.com/universalchanneltv

Instagram: @Universalctv

Twitter: @Universalctv

Youtube.com/universalctv

Crítica: Una mujer fantástica

Una mujer fantástica es la historia de Marina, una mujer transgénero, que enfrenta la muerte de su pareja Orlando, la familia de éste que no la acepta y no la deja despedirse de él, como cualquier persona haría ante la pérdida de un ser amado. Marina se ve luchando ante prejuicios y violencia de todo tipo. Pero esa mujer luchará para poder salir con dignidad de todas las pruebas a las que se ve sometida.

Sebastián Lelio, el director chileno, muestra con sutileza, claridad y mucha poesía, la lucha de ésta mujer transgénero por sus derechos ante la sociedad que no comprende y que excluye lo que no comprende.

Daniela Vega se luce, en su primer protagónico, en el papel de Marina. El personaje sufre en silencio la humillación y el rechazo social, una frase que resuena y de forma dura es la de la ex esposa de Orlando: «Para mí eres una quimera». Es lo que muchas veces la sociedad ve en esas mujeres.

La transexualidad en un mundo aparentemente abierto de mente y preparado para lo diferente. Pero te hace pensar ¿Qué es lo diferente? ¿A quién llamamos diferente? El espectador saldrá de la sala con la idea de un mundo lleno de muros y donde la exclusión es real, aunque no le pase. Deberá tomar a una mujer maravillosa, como un film que no solo es una historia más sino una historia que plantea lo que le pasa al colectivo LGTB, su lucha, su soledad y su exclusión.

Es la primera cinta latinoamericana en carrera por el Oso de Oro del festival de Berlín. Nominada para los Oscar como mejor película de habla no inglesa y ganadora de Premio Goya.

9.5/10

Ficha Técnica

Director: Sebastián Lelio
Guionista: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza
Productor: Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Sebastián Lelio, Gonzalo Maza
co-Productora: Maren Ade
Música: Matthew Herbert
Fotografía: Benjamín Echazarreta
Montaje: Soledad Salfate

Datos Técnicos

Drama

Año: 2017
Duración: 104 min.
País: Chile

Estreno en Argentina 22 de febrero

Alejandra Martínez

Review: Todo el dinero del mundo

Recuerdo que esta película me llamo la atención unos meses atrás gracias a Kevin Spacey. Fue elegido para protagonizar a el magnate John Paul Getty, pero las fuertes declaraciones de famosos estadounidenses sobre acoso sexual, en menos de un mes de su estreno, se decidió sacarlo de la película, siendo reemplazado por Christopher Plummer.

«El hombre que tiene hijos, le da rehenes a la fortuna»
Esta historia, que esta basada en hechos reales (con algunas escenas dramatizadas), ocurre mayormente en la década de los 70 en Europa, mas precisamente en Italia, donde secuestran a al nieto adolescente de John Paul Getty (Christopher Plummer), multimillonario creador de la petrolera Getty Oil, pidiendo 17 millones de dolares para su liberación.

Getty decide mandar a Fletcher Chase(Mark Wahlberg), un ex agente de la CIA, para ayudar a Gail Harris (Michelle Williams) madre de Paul (Charlie Plummer) para poder encontrarlo. El conflicto del film claramente se ve, por una parte, la ambición de un hombre con su dinero y el no querer pagar por el rescate y por la otra, una madre tratando de recuperar a su hijo a costa de su ex suegro.
Durante la trama, te explica como el hombre mas rico del mundo, construye su fortuna con el petróleo, su relación personal con su familia y los dias del secuestro de Paul.

Todos las historias reales llevadas a la pantalla grande suma mas expectativa de lo que se va a narrar, como se va a narrar y quien lo dirigirá. Al escuchar el nombre Ridley Scott, ya he imaginado una gran película que debes ir a ver, con sus grandes proyectos por detrás que lo defienden, siendo ésta una de las cintas más atractivas de su filmografía reciente.

Calificación:8/10

TITULO ORIGINAL: All the Money in the World

ACTORES PRINCIPALES: Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Michelle Williams.

GENERO: Policial, Nominada al Oscar, Drama, Biográfica.

DIRECCION: Ridley Scott.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

Fernando Benítez

Reseña: ¿Oíste papá?

¿Oíste papá? aborda el conflicto entre los miembros de una familia armenia. Tres generaciones de varones: abuelo, hijo y nieto. El regreso de la hija mujer del exterior sacará a la luz secretos, mentiras, la relación intergeneracional con nuestros mayores y las distintas miradas sobre el mundo cotidiano, la historia y el compromiso con lo social.

Ésta es una comedia que habla sobre la inmigración (en este caso la armenia), de la familia y de lo cotidiano. Observamos la relación de un hijo con su padre, ya mayor pero aún lúcido y fuerte, de sus diferencias, sus discusiones, pero también el profundo amor que subyace. Los cuidados y recomendaciones de Yirair para con su viejo padre, Garbis; los enojos cuando el viejo padre se comporta como un rebelde adolescente; los caprichos e ideas fijas, los asuntitos de Garbis con sus amigos, su obsesión con determinada cifra, la queja constante y, cuando se le hace notar, la negativa. Todo siempre en un tono que nada tiene de agresión y posee mucho de confidencia. La imaginería desbordada de Garbis: resulta que dice comunicarse con su esposa ya fallecida, y ésta le cuenta de un tesoro enterrado en el jardín. Entonces, a cavar hasta encontrarlo, tarea ésta en complicidad con Aram, su nieto mimado, el hijo un tanto díscolo de Yirair. Cavar para desenterrar aquello que está escondido. Una discusión por la hija que viene desde Armenia a visitarlo, luego de muchos años de no comunicarse, menos verse, todo lo pone en jaque. Es entonces que
se descubre un secreto familiar, una “verguenza”, de esas basadas en prejuicios y mandatos sin reflexión, una suerte de honorabilidad que más que dignificar, corrompe. Aram, comprensivo trata de unir, de curar heridas del pasado, de apelar a los sentimientos más profundos. Y al perdón, como bálsamo de lo más
precioso que tiene una familia: el reconocerse uno en los gestos, en la mirada de los otros.

Correcto trabajo el de los actores Kalusd Jensezian, Jorge Ducca y GastónbSantos. La dirección de Herminia Jensezian es prolija y permite el lucimiento de los actores y valoriza lo que se esconde por debajo de este relato familiar.

Ficha Artístico Técnica

Actúan: Garbis: Kalusd Jensezian / Yirair: Jorge Ducca y Aram: Gastón Santos

Asistencia de Dirección: María Laura Laspiur /Diseño espacial y de iluminación: Herminia Jensezian /Coreografía: Tro Jensezian /

Ilustración: Juan Pablo Cuchian / Fotografía y Diseño Gráfico: Edgardo Kevorkian / Producción Ejecutiva: Marina Kryzczuk

Traducción, Adaptación, Puesta en Escena y Dirección General: Herminia Jensezian

Producción General: TADRON Teatro / Prensa & Difusión: Simkin & Franco

Funciones: sábados a las 20.30hs

Dónde: TADRON Teatro

Dirección: Niceto Vega 4802

Informes: 4777-7976

www.tadronteatro.com.ar

Entrada General: $200/ Dto para Estud y Jubilados:$150

https://www.facebook.com/tadron/

Duración de la obra: 1 hora

A.R Belano

Crítica: Las horas más oscuras

Winston Churchill se convirtió en primer ministro del Reino Unido, en 1940. Sin embargo, subió al poder durante los momentos más cruciales de la Segunda Guerra Mundial debido a que el ejército nazi avanzaba de forma imparable por el continente europeo, con la amenaza de invadir Inglaterra. Las horas más oscuras (Darkest Hour) plasma las acciones de Churchill, quien tuvo que embarcarse entre la posibilidad de un tratado de paz con Alemania o ser fiel con sus ideales para luchar porque Reino Unido no caiga en manos de los Nazis.

El político es encarnado magistralmente por Gary Oldman, a quien no se reconoce gracias a la gran caracterización realizada por los maquilladores y además por sus inflexiones vocales, desplazamiento escénico y vestuario. Su presencia se hace notar en la cinta y logra dar vida a un personaje histórico que es considerado, por muchos, como muy polémico y hasta desagradable.

A Oldman lo acompañan Kristin Scott Thomas como su esposa, Clementine Churchill; Ben Mendelsohn como el Rey Jorge VI; Lily James como la secretaria personal del primer ministro, Elizabeth Nel; Ronald Pickup como el primer ministro Neville Chamberlain; y Stephen Dillane como Lord Halifax, secretario de Relaciones Exteriores.

Joe Wrigth dirige a este excelente elenco, con guión de Anthony McCarter (La teoría del todo) y una gran fotografía de Bruno Delbonnel (Amélie). En ésta biopic coherente, Wrigth nos muestra a un dirigente pragmático que es capaz de tomar decisiones difíciles en pos de su nación. Obvio que cuenta con su postura ideológica, nada raro en películas históricas.

Calificación: 8.5/10

TITULO ORIGINAL: Darkest Hour

ACTORES PRINCIPALES: Lily James, Gary Oldman.

GENERO: Nominada al Oscar, Histórica, Drama, Biográfica.

DIRECCION: Joe Wright .

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 15 de Febrero de 2018

Alejandra Martínez

Review: 3 anuncios por un crímen

Mildred es una mujer de mediana edad, áspera,un tanto masculina en sus maneras, dura como una piedra y al límite de la violencia. Es de ese tipo de personas que se manifiestan en su vida, con valores que no siempre coinciden con la moral de turno, pero que indefectiblemente se someten
al rigor de su propia ley, para su bien ó para su mal.

Uno no se atrevería a invitar a Mildred para que te alegre la fiesta, ahora, si estás en problemas, y ella te dijo que estaría con vos… andá preparando las vituallas, puede que sea un largo y sinuoso viaje, pero no lo harás solo. Mildred vive en un pueblito en los suburbios de Missouri (EE.UU.), y hace varios meses violaron a su hija, la mataron salvajemente y destrozaron su cuerpo, le prendieron fuego. Sucedió en un camino apartado, poco transitado, un tanto
periférico, a la vera de unos carteles de esos que tanto hay en las rutas.
Mildred contrata el servicio de esos carteles.

3 anuncios.
Tal 3 cruces en el Gólgota de ese suburbio de Missouri que hablan de un sacrificio, el de la joven hija de Mildred, el de ella misma…

“Violada mientras moría”

“¿Todavía no hay arrestos?”

“¿Cómo pasó, jefe Willoughby?”

Harta de no obtener justicia, de que la investigación por el horrendo asesinato de su hija no obtenga resultado alguno, Mildred grita al pueblo, a su pueblo, su reclamo. Y es escuchada por los medios. Y también por las autoridades y por sus conciudadanos. Entonces es, que esos 3 anuncios funcionan como un
revulsivo, un catalizador de voluntades, recibirá algún apoyo: la gente de raza negra, los latinos, los apartados de la fiesta. Y tendrá poderosos opositores: el cura que viene a darle consejos y Mildred lo pone en su lugar (que es el de los
miserables); y los policías. El relato los ubica aún con la impronta racista y
fascistoide en casi todos, pero especialmente en el agente Dixon, muestrario de brutalidad y prejuicio. Y otros, que apoyan a esta runfla de impresentables.

El sheriff Willoughby, objeto del ataque en los anuncios, es apreciado por el pueblo y por sus subalternos. Y aunque no es un dechado de sagacidad, es un buen esposo, un tierno padre, y enfrenta un interrogante (el asesinato de la
chica), que luego observaremos está más allá de sus capacidades, las propias y las del recurso humano que maneja ( “De 15 policías que tengo, debería echar a 11 por racistas. Y me quedaría con 4 homofóbicos”, dice).
Convengamos también, que Mildred no es un compendio de virtudes. Aunque mejor que los policías, es capaz de acciones brutales y tampoco está exenta de prejuicios. Para conseguir sus fines, no observa en detalle los medios a utilizar.
Todos los personajes de la película parecen tener opacidades y cargar culpas. Pueblo chico, infierno grande, expresa el dicho. Y en este pueblito de Missouri parece ser así.
El jefe Willoughby se suicida (tenía un cáncer terminal, que todos en el pueblo sabían) y el único retén de la bomba humana que es el policía Dixon, ya no está, por lo que por una explosión de violencia descontrolada y sin sentido, Dixon es expulsado de la fuerza policial por el nuevo jefe asignado. Un sheriff de raza
negra. Paradojas del destino, que se dice. Y si de paradojas hablamos, es Dixon, el ex policía, el golpeador, el racista, el borracho, quien escuchará una conversación casual en un bar (donde, si no), de alguien que cuenta como violó a una chica, para luego calcinarla. Dixon provoca al jactancioso abusador, y en una pelea obtiene su ADN.
También la patente de su vehículo. Lleva ésta información a la policía y luego de las averiguaciones pertinentes, les informan que es un soldado combatiente en
el Oriente, en una de las tantas guerras que emprende el gran país del norte. Les dicen que no es posible que haya estado en Missouri cuando sucedieron los hechos. En suma: es obvio que les mienten. Protegen un buen instrumento para
matar. Y si de paradojas plantea la película: un viaje en busca de justicia, pero que se parece un tanto a la venganza, une a Mildred y a Dixon, en camino a otra parada de ese infierno tan temido, como inexorable.

El inglés Martin McDonagh realizó un film estructurado como un policial, pero con densidad de tragedia griega, cruel, sin concesiones, donde todos los personajes son perdedores y de algún modo permeables a las ominosas fuerzas en juego.

La música de Carter Burwell, habitual musicalizador de los Hnos Coen, es sutil y elocuente en sumo grado.
El guión de McDonagh, es el sólido andamiaje que sostiene la potencia narrativa de la película. Frances McDormand compone un personaje difícil de empatizar, y lo logra con
maestría. Su Mildred es una furia con el corazón lacerado. Soberbia actuación. Woody Harrelson compone un sheriff Willoughby querible, con gestualidad mesurada, lo que es raro en éste actor. Uno de sus mejores trabajos. Sam Rockwell como el policía Dixon, tal vez al límite de la caricatura, pero no desentona.
Muy buen film.

Guión y Dirección: Martin McDonagh
Fotografía: Ben Davis
Música: Carter Burwell
Elenco: Frances McDormand. Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage,
Caleb Landry Jones
Origen: EE.UU.

A. R. Belano

Crítica : 50 sombras liberadas

Es difícil realizar una crítica objetiva de un film, del que si bien no me ha parecido una aberración, se trata de una entrega que es «Solo para fans». Seguramente aquellos fans de la trilogía de E.L James estarán más que emocionados con el final , y los demás, contentos de que al fin haya terminado.

Tercera y última entrega anunciada de la saga. Anastasia Steele y el millonario Christian Grey caminan al altar. Después de su luna de miel, en la que ocurrieron incidentes aislados regresan a Seattle donde Ana descubre una noticia que cambiará la vida de la pareja.

Cabe decir que la historia es una de las más flojas de la trilogía , el cierre responde más bien al peligro en que se ven sometido Christian y Anastasia , al encontrarse que quiere vengarse de ellos y hace difícil su recién vida de casados. Si bien muchas cosas se han resuelto entre la relación de estos lindos y cachondos , vuelven los problemas de parejas relacionado a lo que se quiere para el futuro, si, hablamos de hijos. Después de eso no hay mucho más que algunas escenas regaladas de sexo , aunque sin el interés y la intensidad mostrada en las anteriores entregas. La cuestión es que la historia terminó, y solo aquellos que la han seguido desde el principio , están pendientes de su desenlace que ha sido correctos pero sin grandes emociones.

En cuanto a las actuaciones, convengamos que es Dakota Johnson quien brilla con su interpretación, gracias al carisma que tiene , y Jamie Dornan, simplemente es el tipo buenorro que no tiene mucho más que eso. Es la realidad pero es lo que se ha buscado desde un principio , la química entre los personajes es natural y el público la ha comprado , eso es lo que importa.

También toca decir que el film pierde fuerza también en lo técnico y estético , mostrando antes una fotografía mucho más cuidada , al igual que su música, que ha sido un deleite en las películas anteriores . Lamentablemente no se ha trabajado mucho en eso , sino más bien en cerrar la historia de una vez por todas sin importar lo que se pierda en el camino.

50 sombras liberadas es una película que está dirigida a aquellos que aún siguen interesados en ser parte del desenlace de esta historia. Es una película correcta pero que pierde fuerza tanto en su guión como en la dirección de James Foley. Aprovechen a ver por última vez a esta pareja de lindos y ricachones , antes de que sean felices y ardientes por siempre.

PD: las comparaciones con el libro se las debo.

Calificación: 6/10

TITULO ORIGINAL: Fifty Shades Freed

ACTORES PRINCIPALES: Jamie Dornan, Dakota Johnson.

GENERO: Romance, Drama.

DIRECCION: James Foley.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 08 de Febrero de 2018

105 Minutos