La noche de viernes se había vuelto fría. Llegue al Camarín de las Musas media hora antes de las 23. Retire mi entrada y me indicaron por donde podía ingresar a la sala. Allí fui. Vi el banner de la obra colocado en una gran ventana por la cual se podía ver a los actores, y al director haciendo correcciones técnicas en escena, algo que me llamo poderosamente la atención 
La gente fue llegando y había buena vibración pese a la temperatura. Ingresamos. Las localidades eran pocas y el espacio compacto, pero muy cálido. Nos fuimos acomodando sin mayor dificultad y rápidamente. Los interpretes ya estaban ubicados y esperando. Apagamos los celulares y la función comenzó. Nuestra protagonista bebe vino y mira cada tanto por la ventana. Esa misma ventana que había captado mi interés al ingreso. A un costado de la escena, una pianista y cantante musicaliza en vivo. Y en las penumbras puede distinguirse una figura en un cuadro. La luz ira dando claridad, con sutileza casi imperceptible veremos esa pintura en estupenda composición y armonía de formas y colores. Ana va a cocinar una tortilla a la española, el plato favorito de su madre, el día de su cumpleaños. Tal vez como pretexto para poner en orden sus pensamientos y como puerta inconsciente al más allá, le escribe en un cuaderno y nos cuenta las desventuras de su propia maternidad. Del otro lado de la vida y la realidad, la destinataria de estas palabras, figura central del cuadro colgado en la pared, comienza a moverse y a oírla. Con la dificultad propia de un fantasma, no puede ser percibida por su hija. Pero entabla un dialogo a través de nosotros, contándonos y comentado lo que oye. Ana habla sobre su dificultad de adaptarse y sobre su incertidumbre por la falta de un plan. En el trascurso de este entrecruce de realidades y vínculos desencontrados, cocina. Corta papas, saluda a la gente que pasa por la calle (sorprendido por ver a una chica cocinando y con público) prende el fuego y toma otra copa. Una sucesión de aromas irán invadiendo el espacio y una voz dulce y poderosa nos alimentara los oídos con sus melodías. Diálogos y observaciones a veces profundas, otras graciosas. Simples. Humanas. Después te cuento habla sobre encontrarse con uno mismo y con el otro. Metáfora fabulosamente corporizada en la puesta en escena por el director, que ha abierto puertas que se atraviesan en los momentos oportunos y le otorgado la energía y el lugar adecuado a cada estimulo desplegado en el escenario. El libro es estupendo. Reflexivo y divertido. Con grandes momentos y plagado de detalles. Las actuaciones son precisas y efectivas. La Ana de Cecilia Pertusi es profunda y verdadera, Cristina Dramisino compone a una madre entrañable que todos quisiéramos tener y la voz e interpretación de Sonia Kovalivker, en el piano, es encantadora. La escenografía y el vestuario tienen el tono exacto y adecuado. La luz sutil y perfecta. Y la sala tiene la estructura y calidez que requiere la puesta. Es una obra sencilla y maravillosa, plagada de recursos y sensaciones que mezclan logrando su punto justo para que se produzca el encuentro y la magia suceda. Maximiliano Pouchan. Ficha técnica Ana: Cecilia Pertusi Madre: Cristina Dramisino Música en vivo y Pintura: Sonia Kovalivker. Escenografía e iluminación: Eduardo Perez Winter Vestuario: Nury Bertone. Gráfica: Florencia Huerga Fotografía: Victoria De Feo Prensa y Difusión: Carolina Alfonso Asistencia de Dirección: Oscar Duarte Dramaturgia: Adriana Gomez Piperno Adaptación y dirección: Juan Arena Duracion: 60 minutos Funciones: Viernes 23hs Camarín de Las Musas – Mario Bravo 960 Reservas 4862 – 0655 Entradas: $ 250 y $200 (estudiantes y jubilados con acreditación, menores de 30 2 x 1)
Archivo del Autor: Daniel Alvarez
Crítica: Desaparecido, protagonizada por Halle Berry
Hemos podido ver la película Desaparecido, protagonizada por la actriz Halley Berry. El film, narra la historia de una madre que hace todo lo posible para recuperar a su hijo que fue secuestrado.
¿Qué harías si mientras disfrutas de una tarde en la plaza con tu hijo el pequeño desaparece? Caminas rápido, gritando su nombre, nadie responde. La adrenalina sube por tu garganta. De pronto, lo ves: una mujer forcejea y lo mete en el interior de un auto.
Esta madre no se detendrá ante nada para recuperar a su hijo, ¡se metieron con la madre equivocada!
Desaparecido cuenta la historia de Karla Dyson (Berry), una mesera de Nueva Orleand y madre de un niño llamado Frankei (Sage Correa), a quien una tarde de paseo por el parque lo secuestran, siendo Karla testigo del rapto de su hijo. A causa de este acontecimiento pondrá en riesgo su vida para salvar a su hijo de los secuestradores y no desaparezca como otros niños. La película refleja lo que una madre es capaz de hacer para proteger a sus hijos.
El “thriller” dirigido por Luis Prieto comienza bastante bien, pero poco a poco empieza a decaer el interés, a causa del guion insuficiente y poco concluyente.
Es una película entretenida con una trama bastante predecible, pero con interpretaciones buenas, es un para mirar un día en que no sepas que ver o para pasar el tiempo.
Calificación 7/10
Duración: 94 minutos
Reparto: Halle Berry, Sage Correa, Dana Gourrier
Director: Luis Prieto
País de Origen: USA
Productor: Swen
Tamara Bucatay
Crítica: Good time, Viviendo al límite.
Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.
La historia se desarrolla en el barrio neoyorkino de Queens donde Connie y su hermano Nik, comenten el asalto a un banco con la idea de mudarse a las afueras y así vivir una vida tranquila. El plan les sale mal, y Nik, quién padece de un retraso madurativo, es encarcelado, Connie elabora un plan para sacarlo de ahí, pero todo comienza a complicarse aún más para él y sin darse cuenta se verá enredado en una difícil seguidilla de dificultades que lo pondrán a contrarreloj.
Rodada en las calles de New York , de una forma muy realista, esta es la quinta película de los hermanos Safdie, cineastas independientes, que con Good Time, han logrado llegar a Cannes.
Una película que inquieta en todo momento al espectador, acompañada con la frenética banda de sonora de Oneohtrix Point Never, que culmina con un recitado del legendario Iggy Pop en los títulos finales.
Con una extraordinaria combinación de actores, en la cuál se resalta Robert Pattinson, quien logró alejarse completamente del papel galán que le otorgó la saga de “Crepúsculo”, y transformarse en alguien irreconocible, en este delincuente de poca monta con una espectacular interpretación.
Un thriller intenso que logra combinar matices sociales, familiares y psicológicos.
Calificación: 7.5/10
Ficha técnica
Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.
Director: Benny Safdie, Josh Safdie.
País de Origen: USA
Productor: CDC
Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:
International Cinephile Society Awards.
Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie
Distribución : BDF ARGENTINA
Julieta Ale
Crítica: Djam, de Tony Gatlif
Djam es una chica joven, bonita y desprejuiciada, que vive en la isla griega de Lesbos. Su padrastro la envía a Estambul con un extraño encargo para una joven: reparar una pesada biela para su barco, una embarcación de turistas, ahora sin funcionamiento.
En viaje, conoce a Avril, una joven francesa que ha venido como voluntaria para ayudar a los refugiados, y que abandonada por su novio quedó sola y sin dinero. Djam se compadece y la hace su compañera de viaje, en su azaroso periplo. Consigue el repuesto que le encargaron, luego se lo roban y lo recupera con argucias. Las chicas se separan cuando Djam va a un
baño de una estación de servicio y el transporte se marcha sin ella. Djam
emprende el camino por la ruta, sin dinero y sin su encargo, en tanto Avril vuelve en taxi a buscarla hasta que por fin se encuentran. El taxista levanta a un hombre que pide ayuda para su hijo y cuando llegan, encuentran al hijo cavando un pozo
para acostarse y morir, ya que todo lo ha perdido.
A lo largo de este film de extrañas peripecias, se observa la angustia de hombres y mujeres que han perdido sus bienes cuando estalla la crisis financiera del 2009, y los bancos se apropian de todo. Aquello que veíamos en las pantallas de T.V.,
es el marco donde transcurre el relato: gente a la cual le arrebatan su pasado, le hipotecan su futuro, le aplastan sus esperanzas. Algo con muchas semejanzas a lo que conocimos en nuestro país en el 2001.
La miserabilidad del mundo
marchando esplendorosa, tal carnaval injurioso, parábola de los ciegos
bruegheliana, tosca, brutal, inhumana. El contrapunto con Djam es su desprejuicio, su juventud, su rebeldía instintiva, su naturaleza indomable, una suerte de Carmen moderna, y como tal caótica, soez,
infalible como un rayo para discernir lo que está bien, de aquello que está mal. Ésto es lo que atrae a Avril, lo que ama su padrastro, lo que resulta atractivo de Djam: no darse vencida, ni aún vencida.
Una de las paradas en el regreso, es por la casa del abuelo ya fallecido: allí
recogen papeles, fotos, discos, cosas que su padrastro le solicitó y que, en una emotiva escena juntos, le cuenta cuando la conoció de niña, como se enamoró de su madre y que aún la recuerda. También la familia de Djam sufre la expropiación del restaurante familiar. Es entonces que todos parten en la embarcación reparada, al mar, a reconstruirse, a lo que la vida les presente.
La actriz belga Daphne Patakia construye un personaje osado y tierno. Mucho de lo interesante del film se debe a su trabajo.
Guión y Dirección: Tony Gatlif
Fotografía: Patrick Ghiringhelli
Elenco: Daphne Patakia, Maryne Cayon, Simón Abkarian
País: Francia
Estreno en Argentina: 30 de noviembre.
A. R. Belano
Crítica: Empleado cama adentro
Empleado cama adentro es una obra muy particular , desde un principio notamos su intento de homenajear/parodiar a las telenovelas. Una novela presentada por una caracterización de Virginia Lago en su programa Historias del corazón , dicho programa se trata de un absurdo sin fin, pero un absurdo que entretiene y mucho más.
“Empleado cama adentro” es una obra que traslada el formato de las telenovelas al género musical.
Amor, envidia, atracción, venganza, son alguno de los sentimientos que suceden dentro de una casa en el barrio de la Horqueta donde conviven una familia y sus empleados.
Chiche, Ernesto, Gastón, Mandy, La Nona, Chester, Irupé y Rosemary encarnan así esta atrapante novela presentada por Virginia en su programa televisivo (Historias del Corazón).
La parodia que se realiza sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y nos comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas. La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas son los elementos que contienen la historia. Puede ser que parezca absurdo e inverosímil, pero si uno se pone en recordar muchos de los culebrones que existen , no está tan lejos de ellos , lo que hace la obra es homenajear y parodiar aquello que tanto caracteriza a las amadas novelas.
Si bien es una obra de teatro musical , éste más bien funciona como un añadido que como una condición para que se desarrolle la obra, siendo funcional a ella como una forma de complementar los recursos de la puesta escénica. Si bien en muchos aspectos puede resultar un disparate , podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.
Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función , de darnos a entender sobre de qué va esta obra y cuál es su intención , divertir al espectador.
En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno. Así mismo se ven los actores , cada uno tiene su personaje y su espacio , jugando con el estereotipo que poseen. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.
El viernes 24 de noviembre es la última función de Empleado cama adentro , presentándose en el Teatro Border, del barrio de Palermo. Se trata de una obra absurda y musical, que se adentra en el mundo de las novelas de una forma muy peculiar y sobre todo divertida. Ideal para pasar un viernes por la noche y reírse un rato disfrutando de buen teatro.
ELENCO
Mariel Velez, Matías Prieto Peccia, Jair Almar, Lucila Madeo, Belén Becerra, Camila Aldet, Javier Valdez, Rochi Contardi, Belén Cruz y la participación especial de Julián Sierra.
REESTRENO: 10 de Noviembre
FUNCIONES: 3 funciones.
DÍA Y HORARIO DE FUNCION: Viernes 23:00hrs
TEATRO:
TEATRO BORDER
Godoy Cruz 1838.
Tel: 5236-6183
DURACIÓN: 1:30hrs.
LOCALIDADES: $200. Entradas en venta en boletería del teatro o por Plateanet.
Promoción 2×1 con Club La Nación.
FACEBOOK @empleadocamadentro / INSTAGRAM: @empleadocamadentro
FICHA TÉCNICA
Libro y Letras: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo, David Monteros
Dirección y coreografía: Matías Prieto Peccia
Asistencia de Dirección: Florencia Druetta
Diseño de iluminación: Christian Camacho Solano
Escenografía: Giulano Benedetti
Vestuarista: Carla Torrico Ramírez
Diseño de logo: Romina Torrico Ramírez y Bheret Arnal
Diseño Gráfico: Matías Gordon para Iarok Design
Fotografía y Producción Audiovisual: Catrina Factory
Redes y Comunicación: Daiana Vera, Camila Aldet, Matias Prieto Peccia, Ro Torrico Ramírez.
Producción Ejecutiva: Romina Torrico Ramírez
Producción General: Matías Prieto Peccia y Romina Torrico Ramírez
Extraordinario, estreno 30 de noviembre en Argentina
El film basado en la novela Wonder (La lección de August) se estrena el próximo 30 de noviembre en las salas de cine en Argentina.
August Pullman (Jacob Tremblay) es un niño nacido con malformaciones faciales que, hasta ahora, le han impedido ir a la escuela. Auggie se convierte en el más improbable de los héroes cuando entra en quinto grado del colegio local, con el apoyo de sus padres (Julia Roberts y Owen Wilson). La compasión y la aceptación de sus nuevos compañeros y del resto de la comunidad serán puestos a prueba, pero el extraordinario viaje de Auggie los unirá a todos y demostrará que no puedes camuflarte cuando has nacido para hacer algo grande.
Tráiler:
https://www.youtube.com/watch?v=jOsNDOUBd2I
Elenco: Julia Roberts, Jacob Tremblay, Owen Wilson
Director: Stephen Chbosky
Guión: Jack Thorne, Steve Conrad
Productores: Todd Lieberman, David Hoberman
Genero: Drama
País: Estados Unidos
Distribuye: BF Distribution
Reseña: Leidenschaft
Tres cuentos escénicos sobre el Amor, la Locura y la Muerte.
Una obra de Danza/Teatro de Roberto Galván Interpretadapor el Grupo G5
“LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos” podemos leer en la descripción de la obra escrita por su director. Esta descripción también nos cuenta que en esta obra se unen dos universos que siempre rondan por su cabeza: el alemán y el argentino. Por eso en distintos momentos surgen elementos de cada uno, sobre todo en los audios tanto en alemán como en castellano, aunque el vínculo es difícil de reconstruir para quienes no entienden el idioma extranjero. En cuanto a lo textual, esta obra también tiene otra fuente de inspiración: los Cuentos de Amor, de Locura y de Muerte de Horacio Quiroga. Fragmentos de los textos, palabras sueltas, van apareciendo ya sea en audios en off o a través de la expresión verbal de los intérpretes. La obra está dividida en episodios, marcados por el cambio de tono en los movimientos corporales pero, sobre todo, en el cambio de vestuario. Cada cambio de vestimenta (que los actores/bailarines realizan en escena, desnudándose y volviéndose a vestir) marca una nueva historia, nuevos vínculos entre los cuerpos y nuevas disposiciones escénicas. En cuanto al lenguaje corporal, el segundo de estos episodios es el más destacable, con referencias al contact improvisation (no improvisado), conformando un texto físico expresivo e interesante, aunque en incómoda disonancia con el audio en off de ese momento, que cuenta una historia sobre un falcon verde, con todo lo que implica ese símbolo para nuestra historia. Sumando aún más referencias, en cuanto a la escenografía, ésta simplemente consiste en unos tubos de luces verticales y un conjunto de sillas que los intérpretes mueven, agrupan y disponen por el espacio escénico. Esto es una clara intertextualidad con Café Müller, de Pina Bausch, ícono de la danza-teatro, lo cual resulta un tanto redundante. Para finalizar, una referencia a la violencia de género bastante literal y estereotipada, una temática que al no ser tratada con demasiada profundidad no logra constituir una opinión al respecto, con lo importante que sería que el teatro pudiera decir algo al respecto.
Ficha técnica:
Idea y dirección: Roberto Galván
Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores
Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur
Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván
Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván
Voz en off y textos originales: Roberto Galván
Espacio escénico: GM Villa Elisa
Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván
Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato
Funciones:
Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs
Precio de la entrada: $250.-
Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-
http://www.alternativateatral.com
ELKAFKA, Espacio teatral.
Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439
Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com
Sol Grunschlager
Reseña: La belleza de los mortales
Un espacio vacío, dos personajes en penumbras que aguardan en un prolongado silencio que los cuerpos se expresen.
Hay un gran espacio en blanco. Ellos miran y no es posible saber lo que sucedió entonces, o a continuación… ellos oyen… para rellenar esos momentos perdidos. Él aparentemente inofensivo, ella aparentemente fatal.
Con una excelente puesta de luces, ambos reciben el impulso de explotar, entre susurros y cuidadosos movimientos.Silencio y tentación. Silencio y oscuridad. Y luz.
Una gran propuesta de expresión corporal que llega al texto por necesidad. Por momentos claro, por momentos perdido en el volumen y en el incesante ruido de los artefactos de la sala.
La historia transcurre casi a oscuras, detalle que permite fijar la atención exclusivamente en lo que atraviesa a los personajes, pero la misma, queda a completa interpretación del espectador, ya que no hay claridad en parte del transcurso y resolución de la obra. Algo distinto a lo que acostumbramos encontrar en una sala de teatro, que busca innovar con su clara fusión con la danza, ejecutada a la perfección.
Para la propuesta que se presenta, el acotado tiempo de función es acertado. A destacar, el fascinante trabajo corporal del actor.
FICHA TÉCNICA:
Género: Danza – Teatro.
Duración: 35 minutos.
Intérpretes:
Franco Capriotti
Karina Soledad Martínez
Asist. Direccion: Guadalupe Mothe
Dirección:
Nayla Manganiello
El Espion, Teatro. Sarandi 766. Caba.
Día y horario:
Sabados 11-18-25 de Noviembre 20.30hs
Contacto y reservas: labellezadelosmortales.obra@gmail.com
Laura Lasalvia
Reseña de “El regreso” dirigida por Agustín Alezzo
El regreso es una obra de Brian Friel, estrenada en 1977. Cuenta la historia de Frank Butler, un oficial del ejército irlandés que, tras lograr la hazaña de rescatar a un grupo de personas en una misión de Naciones Unidas, regresa a su pueblo como un héroe. Ese día de celebraciones termina siendo una tragedia gracias a que se destapa un secreto familiar que cambia su destino y arrasa con toda la gloria con la que regresa al hogar.
La obra transcurre en sólo esas 24 horas donde la vida y la muerte de este hombre se tocan en el mejor y peor momento de su vida. Pero la historia no transcurre de manera lineal, sino que se va representando de a episodios en los que los distintos personajes, miembros de la familia, hacen o dicen cosas que podrían haber cambiado el resultado de los acontecimientos. Y la decisión de qué episodios se representan y cuáles no es de un personaje/director, que va contando la historia según un registro escrito que encuentra de la misma. Este personaje, a quien llaman “el hombre”, se presenta en el comienzo de la pieza, llama a todos los personajes para presentarlos a ellos y luego los va llamando a cada uno según quién sea necesario para representar cada episodio.
Este recurso metalingüístico no es algo novedoso y muestra una clara intertextualidad con la obra “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello, estrenada en 1921 y que sí constituyó una novedad para la época, ya que presentaba procedimientos que, en el teatro moderno, no se desarrollaron completamente hasta la década del ‘60.
Hoy en día, en la vasta oferta teatral porteña, creo que es importante poner en escena obras que generen algún tipo de vínculo con el público y tengan relevancia en cuanto a la historia, cosa que cuesta encontrar en producciones de este tipo u otras como, por ejemplo, “Escenas de la vida conyugal” de Ingmar Bergman, estrenada en 1973.
Lo más destacable son las actuaciones, todas muy parejas y excelentes caracterizaciones, de estilo realista. Agustín Alezzo es un director con gran prestigio como maestro de actores y en esta pieza se puede observar que claramente el foco está puesto en su métier, la cual aplaudimos.
Funciones: de jueves a domingos, 20:30 hs.
Última función: 25 de noviembre
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.
Entradas: Pullman $200-, Platea $250-. Día popular (jueves).
Ficha técnica:
Elenco:
Carlos Kaspar – El Señor
Claudio Amato – Charlie
Alejandro Fain – Frank
Sol Fassi – Tina
Bernardo Forteza – Padre Tom
Stefania Koessl – Anna
Lorena Saizar – Helen
Federico Tombetti – Sean
Magela Zanotta – Myriam
Equipo Creativo:
Dirección: Agustín Alezzo
Asistente de Dirección: Edgardo Millán
Escenografía: Marta Albertinazzi
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal
Diseño de Vestuario: Analía Morales
Iluminación: Chango Monti
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers
Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio
Traducción de Texto: Marina Durañona
Producción Artística: Sebas Rojas
Sol Grünschläger
Crítica: El puente azul
AYÚDAME A MIRAR EL MAR
A principios del siglo XX, el flujo inmigratorio trajo a Antonio, desde la hermosa Italia entonces hambreada, dejando a María, su prometida, en su país. Ya en un tiempo contemporáneo al nuestro, Roni se marcha a vivir su aventura europea y en uno de sus tantos trabajos, conoce a Evangelina, una cantante italiana. Primero se hacen amigos, hasta que sin darse cuenta, un sentimiento más profundo los desborda.
El Puente Azul es una historia de distancias, de melancolía, de amores y soledad, de encuentros y alegrías, de individuos en búsqueda de un futuro soñado, arrastrados por un espíritu de aventura ó por una ilusión.
También narra la dureza de la vida del inmigrante a principios de siglo XX: jornadas de trabajo agotadoras, conventillos donde vivían hacinados, paga magra… y la distancia. Semanas, meses, para recibir una misiva de sus seres queridos. También cuenta los días azarosos, de descubrimiento y sorpresa de un argentino de este tiempo por Europa, en una suerte de viaje iniciático. Y el encuentro en Francia, de una mujer audaz como él, también inmigrante.
Con formato de epistolario (no importa si son cartas, whatsapps, mensajes de texto, facebook, etc) la historia permite un viaje temporal y acortar las distancias, cruzar el puente azul del inmensurable mar.
Antonio y María, Roni y Evangelina, tendrán encuentros, desencuentros, palabras como caricias, pensamientos como flores, se tendrán a sí mismos para ofrendarse al otro.
Pocos elementos de vestuario son suficientes para que los personajes muten: un pañuelo, una campera, un prendedor, una gorra, un chaleco… y las canciones. El Puente Azul es un bello pretexto para escuchar hermosas palabras de amor,
canciones que expresan sentimientos encontrados, un decir evocador.
Las actuaciones de Dolores Ocampo y Mariano Mazzei son simplemente
cautivantes, transportan al espectador por diferentes estados con maestría. Un violín y un piano, más una escenografía despojada sirven para mostrar un mundo con todos sus matices. La música en vivo interpretada por Nicolás Reboredo (violín) y Fernando Abinarrate (piano) es de tal impronta, que impone el ritmo del espectáculo.
La dirección de Emiliano Dionisi es precisa y sugerente. Es claro que maneja a la perfección los recursos adecuados para construir un espectáculo de calidad.
Estreno: sábado 23 de septiembre, 20:00 h.
Funciones: sábados, 20:00 h.
Función en el marco de la Bienal de Arte Joven: sábado 30 de septiembre, 20:00 h. (entrada libre y gratuita)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)
Informes: 4524-7997. Boleterías, de lunes a viernes de 11 a 21 h.
Entradas: $200-.
Duración: 65 min.
Ficha técnica:
Texto y música: Fernando Albinarrate
Idea original: Mariano Mazzei
Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei
Piano: Fernando Albinarrate
Violín: Nicolas Reboredo
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra
Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi
Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Fotografía: Lau Castro
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Director asistente: Juan José Barocelli
Dirección general: Emiliano Dionisi
A. R. Belano
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