Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Reseña: Quetza, el conquistador

Una adaptación teatral de la novela de aventuras El conquistador de Federico Andahazi.

Quetza, un niño a punto de ser sacrificado a los dioses, es salvado por un anciano azteca. Narrada con agilidad y cálida expresividad, el oficio del juglar nos transporta a lugares, situaciones y entrañables personajes que se conjugan en un espectáculo que sacude la imaginación.

Agustín García (intérprete) se pone al hombro este exigido unipersonal con la bravura de quien se enfrenta solo a la tarea de cruzar un océano de espectadores desacostumbrados a oír largas historias. Es que actuar tiene un poco del oficio del marinero; como Quetza, el protagonista de este relato, Agustín se embarca en una misión sin saber hasta el momento del aplauso si sus palabras llegarán a buen puerto.

Nos zambulle en la vida de este niño, devenido en un joven que se siente atraído por los mares; que es un valiente guerrero; que es un sabio y un conocedor del futuro: un héroe trágico que anticipa el enfrentamiento entre dos dioses. El actor y el director realizan un trabajo excepcional para que podamos sentir cercano a ese hombre endiosado que se nos presenta. Acompañado por una escenografía mínima y un texto apacible y descarado, Agustín logra progresivamente que las distracciones pierdan su poder sobre nosotros.

Un viaje, el riesgo del cruce de la frontera, la civilización y la barbarie… La travesía es tan placentera que termina antes de que nos demos cuenta y nos apena que llegue a su fin. La música de Pequeña Orquesta de Reincidentes da por finalizada la función y apacigua el sabor amargo que nos da abandonar la sala.

Quetza, el conquistador estará en cartelera durante los jueves de noviembre a las 21 hs. en El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530) –el lugar cuenta con un bar a la calle y los que lo atienden afirman que la especialidad de la casa es el gin tonic–. Las entradas tienen un costo de $220; también hay promoción de 2×1 con Club La Nación y se pueden reservar o comprar por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

Autor original: Federico Andahazi

Adaptación teatral: Daniel Kuzniecka

Intérprete: Agustín García

Iluminación: Daniel Kuzniecka

Fotografía: Marcelo Rembado

Vestuario y escenografía: Jorgelina Herrera Pons

Diseño gráfico: Guido García

Dirección y puesta en escena: Daniel Kuzniecka

Producción ejecutiva: Kazeta Prensa

Prensa y difusión: Kazeta Prensa

Lara Salinas

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Crítica : Liga de la justicia

Uno de los estreno más esperados ha llegado , si bien luego de lo que fue Batman vs Superman, con opiniones divididas tanto del público como la crítica, esta cinta viene con muchas expectativas debido a la unión de famoso equipo de héroes de DC cómics. Con algunas sorpresas y otros errores, el film viene con el objetivo de entretener y dividir al público nuevamente.

Motivado por su renovada fe en la humanidad e inspirado por el acto abnegado de Superman, Bruce Wayne une fuerzas con su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentar a un enemigo más amenazador. Batman y Mujer Maravilla trabajarán juntos para encontrar y reclutar a un equipo de metahumanos para dar batalla a esta nueva amenaza. Sin embargo y pese a la formación de esta liga de héroes inédita -Batman, Mujer Maravilla, Aquaman, Cyborg y Flash-, puede que ya sea demasiado tarde para salvar al planeta de un ataque de proporciones catastróficas

El objetivo de la película ha sido unir a un grupo de héroes conformados por Batman, Superman , Wonder Woman, Cyborg , Aquaman y Flash. Si a la película la analizamos desde ese sentido , se puede decir que ha sido una adaptación efectiva y que se ha podido presentar perfectamente a los personajes aunque algunos no hayan contado con alguna presencia en anteriores films, siendo algo más sencillo de adaptar. Tanto Flash , Cyborg y Aquaman han tenido una muy breve aparición en Batman vs Superman , que más bien fue una mención sobre su existencia , ya que serán posibles candidatos cuando se deba armar un equipo si la amenaza lo requiere. La muerte de Superman ha supuesto un miedo en la población y esto ha resultado oportuno para que el villano Steppenwolf decida ir a la tierra con un CGI terrible y el afán de conquistar el planeta para trasladar su mundo allí. Eso basta para que nuestros ya conocidos personajes (Batman y Wonder Woman) comiencen a reclutar a su propio ejército , el problema es que.. ¿Porqué un par de desconocidos estarían dispuestos a luchar por una causa que no es suya ? El films se toma su tiempo para conocer a los personajes, de convencerlos para enfrentar a la amenaza y formar el equipo que todo seguidor de DC quería ver.

Flash (Ezra Miller) es el chico gracioso y novato del grupo, su personaje pasa por un momento en el que aún no es consciente de sus poderes, siendo su participación un inicio del personaje y que da pie a que su historia pueda desarrollarse en forma individual. Su participación es más que correcta , tratándose de la mejor incorporación nueva. Mucho se ha hablado de Jason Momoa en cuanto a su participación como Aquaman, su participación es correcta. Si en este caso resulta necesario la expansión de la historia del personaje para que podamos decir si su fichaje es el correcto o no. El film apenas nos introduce en el océano para conocer a los atlantes , cosa que nos deja con ganas de un poco más. El caso de Cyborg ha sido uno de los más desarrollados , ya que su creación tiene que ver con el conflicto principal del film. Vemos al personaje casi desde sus inicios , donde apenas está comenzando a descubrir sus poderes y que decidirá hacer con ellos. En cuanto a Batman , Ben Afflek se afirma como una buena elección para el personaje , cuya importancia ha sido relevante para la unión del equipo . Wonder Woman (Gal Gadot) simplemente más fantástica que nunca.

Debería creer que estoy cometiendo un spoiler pero en si creo que era algo más que obvia la aparición de Superman, por mas que en los trailers y en los pósters oculten su presencia. El problema del films radica desde su aparición , y la forma tan apresurada que busca para derrotar al villano y culminar el film. En Batman vs Superman ha sucedido algo similar , ha tenido un perfecto desarrollo de los personajes y los conflictos hasta llegar a su enfrentamiento, después de eso le ha sido imposible encontrar una forma coherente de resolverlo , llegando al tan criticado y absurdo asunto de las «Marthas» . Por suerte en este caso el villano no tiene una madre llamada igual , así que el grupo se las tendrá que arreglar un poco mejor para derrotarlo. Cómo presentación de personajes , la película se encuentra muy bien desarrollada, aunque el villano no convenza , su aparición era sabida que era una excusa para unir a nuestra amada liga de la justicia. Hacia su final decepciona un poco, volviendo a dejar un gusto agridulce la dirección de Zack Snyder , abusando del CGI en muchas escenas de acción.

En conclusión, Liga de la justicia es una película que si bien no va a decepcionar a todo el público, no supone una gran sorpresa para la aparición del famoso equipo de héroes de DC . Estamos más bien ante un inicio donde se comenzará a expandir este universo en siguientes películas , de ese modo funcionan muy bien. A pesar de los fallos cometidos nuevamente , la cinta es llevadera y entretenida, así que vayan tranquilos a su sala de cine más cercana.

Nota: 7.5/10

TITULO ORIGINAL: Justice League

ACTORES PRINCIPALES: Henry Cavill, Gal Gadot, Ben Affleck.

GENERO: Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Zack Snyder.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 16 de Noviembre de 2017

Apta para mayores de 13 años

Daniel Alvarez

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Todo lo que nadie ve, de Javier Rodríguez Cano

Los viernes a la noche cobra vida en escena la primera pieza teatral redactada por este actor y director de prolongada trayectoria que, gracias a su experiencia en el arte escénico y a las bellas interpretaciones de su texto que realizan Lourdes Invierno (la Madre) y Julian Fuentes (el Hijo), mantiene en vilo al público a la espera de un derrumbe edilicio.

“Todo lo que nadie ve, vos lo ves, cada nervio que sufre, lo sanás” dice la canción Joga de Björk, y parece reducir, con sencillez, el vínculo primordial entre un hijo y su madre. Sin embargo, lo sabemos, las relaciones no son tan sencillas como las canciones.

Una madre y su hijo acaban de sufrir la muerte del padre de la familia. En algún momento el hijo aprendió que el dolor se paga con la enfermedad y la enfermedad con el aislamiento y desde entonces mantiene a su madre alejada de la realidad. Él cree que eso es lo mejor para ella. Ella, en cambio, pugna, sin fuerzas pero con insistencia, por salir.

La acción transcurre en el dormitorio que antes fuera del matrimonio: un papel tapiz raído y sucio, objetos que caen por su cuenta, paredes que truenan por dentro y una grieta que da cuenta de un derrumbe inminente. Algo se desmorona.

La puesta en escena indaga en los matices que tiene la sobreprotección a través de distintos gestos, tonos de voz, posturas del cuerpo y del vínculo simbiótico que se establece entre dos personas que solo se tienen mutuamente. La habitación del empapelado raído, los muebles viejos, las goteras y las hormigas hace las veces de cárcel casera custodiada por un hijo atento y afectuoso, pero no por eso algo machista y agresivo (si es que se puede hablar de violencia en términos graduales).

La canción que le da el nombre a este evento teatral también hace alusión a los “paisajes emocionales”; y este espectáculo nos ofrece un vasto avistamiento de los diferentes estados por los que una mujer, que es prisionera de sus recuerdos y de los psicofármacos, puede atravesar. Lourdes Invierno personifica con tanta naturalidad a la Madre que desdibuja su rol como actriz; la verosimilitud de su arte da la sensación que estuviera actuando de sí misma, cuando dista completamente de aquella mujer a personifica en escena. Por su parte, Julian Fuentes se desenvuelve con sumo profesionalismo y se vislumbra que tiene un gran talento por explorar y desarrollar.

Todo lo que nadie ve estará en cartelera hasta el 24 de noviembre en Vera Vera Teatro (Vera 108, barrio Villa Crespo) los viernes a las 21 hs. Las entradas tienen un costo de $200 –hay promoción para estudiantes y jubilados a $180– y se pueden reservar por la página de Alternativa Teatral.

Ficha técnico artística

Actúan: Julian Fuentes, Lourdes Invierno

Diseño de luces: Christian Gadea

Realización de escenografía: Federico Falasco

Realización de objetos: Lorena Pavesi

Fotografía: Gustavo Maggi

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción general: Carola Parra

Dirección de arte: Gustavo Maggi

Dramaturgia y dirección: Javier Rodríguez Cano

Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 50 minutos

Lara Salinas

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Crítica: Paterson, dirigida por Jim Jarmusch

La rutina de la vida, el día a día, el trabajo, el descanso, el amor y la poesía. Todo eso es Paterson, la última película del siempre original Jim Jarmusch.

Desde el nombre de su última ficción Jarmusch está jugando con la dualidad, ya que Paterson es el nombre del pueblo donde vive Paterson, el protagonista de la película, encarnado por Adam Driver quien es conductor de colectivo. Las repeticiones aquí no serán casualidad y se darán más a lo largo del film. De hecho, a base de repeticiones se construye la película. La vida de una persona normal, sin muchas complicaciones, con días simples y comunes, repetitivos como los de cualquier trabajador, son el eje principal de la historia: el despertador no suena, pero Paterson se despierta siempre a la misma hora; el camino al trabajo es siempre el mismo; la ruta del colectivo es igual todos los días; a la noche un rato de charla con su novia, el paseo con el perro, el bar y luego ir a dormir. Poco pareciera suceder en la vida de Paterson, pero él sabe observar lo cotidiano de una forma diferente, encuentra en lo usual una visión renovada, porque Paterson es un poeta, y la poesía se nutre de cualquier aspecto de la vida, hasta de lo que pareciera ser más sencillo y banal.

Durante esa rutina de la vida diaria, Paterson llena las hojas de su cuaderno con distintas poesías, reflexiones que hace de lo que le sucede. Una caja de fósforos se convierte en un poema de amor, la poesía de una niña en una profunda inspiración poética. Paterson siente en su interior esa necesidad que vive en los artistas de expresarse en un lenguaje propio, profundo, mientras el tiempo pasa y la vida sucede a su alrededor.

Jarmusch es un artista y su lenguaje el cine, con el cual nos transmite, de forma sutil y simple, esa segunda visión de la vida, esa visión más despierta e interesante, en la cual lo que se observa no es siempre igual, porque todo cambia, porque el tiempo corre, como las cascadas que se sienta a ver Paterson todos los días en el horario del almuerzo. Esta película transmite esa sensación, la de que todo lo que nos sucede es un acto mágico e inesperado del cual no conocemos nada y gracias al cual podemos conocer mucho de nosotros y del mundo. Paterson cree saber cómo serán los días, pero en la semana que vivimos con él, habrá pequeños cambios, inesperados, repentinos, mínimos que harán que se encuentre más consigo mismo.

Estamos ante una de las películas más sólidas del director norteamericano que sabe cómo mantener su originalidad y características personales más allá del éxito y reconocimiento internacional que ha tenido. Sabe cómo mantener su cine en una línea independiente y opuesta al cine convencional, pero no por eso es de difícil acceso al público. Es un director que no pretende y no defrauda, su cine es simple, directo, sobrio y claro y Paterson es uno de los mejores ejemplos de esto. Una película pasiva y silenciosa, bella en todos sus aspectos, gracias a la cual saldremos de la sala con una sensación de tranquilidad y paz.

9/10

Ian Quintana

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Reseña: Vidé/la vuelta móvil

Cuando el público ingresa a la sala para ver Vidé/la vuelta móvil se encuentra con una puesta en escena diferente a lo convencional: el escenario se ha desplegado por la sala, separando las butacas de los espectadores, enfrentándolos y colocándolos en la ladera de un camino por el cual transitará la vida de un hombre que sólo tiene un deseo: morir en paz.
Ese hombre es el militar y dictador Jorge Rafael Videla.

En esta pieza el humor y lo dramático se mezclan para narrar uno de los temas más importantes y sensibles de la historia argentina: la dictadura cívico militar de 1976. De forma sutil pero directa esta obra escrita por Vicente Muleiro recorre la vida y muerte de Vidé(la) (Carlos Vignola) cuyo único deseo es morir de forma digna. Para lograrlo, recibe la ayuda, los consejos y las burlas de Biondi (Carlos March) un curioso personaje que funcionará como un espejo, por momentos idéntico, por otros opuesto, de aquel serio y severo militar. En el intercambio dialógico entre estos dos personajes, en las inteligentes frases directas e indirectas a hechos o personas de la década del 70, en el juego con el lenguaje y con las palabras reside lo esencial de la historia.

Pero no sólo el texto es notable en esta obra. La puesta en escena, realizada originalmente por Norman Briski, contiene una variedad de recursos que se despliegan lenta y paulatinamente con el fin de ubicarnos en el contexto al que hace referencia la historia. La infancia de Videla, su aprendizaje militar, su llegada al poder, la dictadura y hasta el instante previo de su muerte es narrado aquí con ayuda del vestuario y los elementos escenográficos, que se alejan del típico atrezo del teatro independiente por su calidad y cantidad. Carlos Mauch, quien también dirige la obra, es un camaleón que se adapta a las varias situaciones históricas, transformándose en distintos personajes con sólo modificar el tono de voz, el idioma o la posición del cuerpo. Se destaca su trabajo actoral por la versatilidad y la impecable manera de hacer viajar al público por múltiples personalidades frente a las cuales el general Videla se mostrará inmutable y serio, siempre respetando lo establecido. La variedad de recursos y la originalidad de la puesta en escena hacen de la obra una exquisita demostración de las posibilidades del teatro.

Una obra para no dejar pasar: todos sus elementos se conjugan de manera eficaz y clara; es simple y directa por momentos, compleja y profunda por otros; la velocidad de los diálogos y el dueto actoral completan este grotesco que recorre casi cincuenta años de historia argentina.

Ficha técnica

Autor: Vicente Muleiro
Elenco:
Vidé – Carlos Vignola
Biondi – Carlos March

Escenografía: Guillermo Bechthold
Vestuario: María Claudia Curetti
Maquillaje: Elena Sapino
Diseño original de luces: Norman Briski
Diseño sonoro: Daniel Giménez
Banda de sonido: Martín Pavlovsky
Operación de luces y sonido: Daniel Giménez
Asistencia de dirección y escenario: Agustina Barach – Guillermo Bechthold
Títere: Guillermo Bechthold
Voz en off: Eduardo Aliverti
Música de noticiero: Gastón Cordera
Diseño gráfico y fotografía de flyer: Martín Garrocho
Dirección: Carlos March (sobre la Puesta original de Norman Briski)

VIDÉ / LA VUELTA MÓVIL

Funciones – Viernes 10 y 17 de noviembre a las 21:30 hs.

Entradas: $200

Teatro El Alambique – Griveo 2350 (Villa Pueyrredón) – 4571-8140

Reservas en www.teatroelalambique.com

Más info en: www.facebook.com/vide.la.vuelta.movil

Twitter @alambiqueteatro / Instagram: elalambiquecultural

Ian Quintana

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Crítica: La villana (The villainess)

No es algo típico que nuestros cines estrenen de forma comercial un film proveniente de corea del sur , no hace mucho se estrenó el film Invasión zombie (Train to Busan) , su sorpresivo éxito ha permitido que lleguen a nuestras cartelera otras cintas del país surcoreano, como la película en cuestión.

Desde niña, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina. Luego de la muerte de su mentor, Sook-Hee es reclutada por Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, para ser agente del gobierno. «Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad». Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con esa promesa, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para una mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla. Pero cuando dos hombres entran en su vida, los secretos de su pasado serán desvelados y Sook-Hee se ve obligada a tomar cartas en el asunto.

Una secuencia inicial que nos muestra a su protagonista realizando un asesinato masivo , visto desde la percepción de Sook Hee, como si estuviéramos dentro de un videojuego nos muestran la intensidad con la que se va a desarrollar la cinta. Luego de la masacre y tanta sangre , la película se va a hacia lo dramático , está mujer es reclutada por una agencia para cumplir misiones secretas, a cambio de ofrecerle en un futuro no muy lejano, una vida normal junto a su hija. Ella quiere tener una vida normal , a su vez los fantasmas del pasado la atormentan y tiene la difícil tarea de tomar una decisión sobre lo que quiere para su futuro.

Las escenas de acción se ven muy bien logradas y medidas en momentos determinados que la trama lo requiere , ya que la cinta se toma su tiempo para rememorar la vida de la protagonista. Quizá puede ser que la cinta se vuelva algo extensa tratando de explicar todo el pasado de Sook Hee, sobre cómo han marcado su vida las pérdidas de seres queridos a raíz de la violencia. Al final todo tiene un sentido, la acción se desata de forma intensa hacia el final asemejándose a la escencia y el mensaje que deja desde un principio.

El trabajo de dirección a cargo de Jung Byung-Gil denota calidad y precisión desde los aspectos visuales y el uso de la cámara en las escenas de violencia. El director encuentra una forma en que el movimiento de la cámara , montado de forma secuencial, pueda seguir la acción en primera persona , añadiéndole intensidad a las escenas y sin saturarse de ese recurso.

La villana es una película atípica que llega a nuestra cartelera , sin ser producto Hollywood ni tener actores reconocidos (Al menos en nuestro país ) es una cinta muy interesante para ver en los cines si a alguno le llega a llamar la atención. Correctas actuaciones , una trama cargada de violencia y drama, hacen de este film un digno y distinto entretenimiento que pronto llegará a nuestra cartelera.

Nota 8/10

FICHA TÉCNICA:
 
Título original: Ak-Nyeoaka
Título en inglés: The Villainess
Director: Jung Byung-Gil
Guion: Jung Byung-Gil
Música: Koo Ja-Wan
Fotografía: Park Jung-Hun
Productora: Next Entertainment World
 
Género: Thriller / Acción
Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Corea del Sur
 
Distribuye: Energía

Estreno Argentina : 23 de noviembre.

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Reseña: La casa esconde

En un espacio poco convencional lleno de cajas y muebles embalados transcurre “La casa esconde” una historia sobre el duelo y las muy queridas herencias que un padre deja atrás luego de su muerte. Cada uno de sus hijos buscará la manera de beneficiarse de aquella casa de la infancia que quedó en el aire sin saber que hay algo más allá de los papeles legales.

La casa esconde es un juego actoral donde los intérpretes se ponen al servicio de encarnar múltiples personajes. La trama principal gira en torno a la disputa por una casa como única herencia que un padre deja a sus hijos. Los espectadores conviven con los actores dentro del espacio en que éstos de baten a duelo. La proximidad involucra al espectador proponiéndole un punto de vista particular, como si se tratara de planos cinematográficos. Como en un viaje onírico, serán testigos de las transformaciones que los actores, siempre en escena, sufrirán al mutar de personaje como si cambiaran de piel.

Con 4 actores en escena “la casa esconde” logra narrar esta historia con más de 4 personajes poniendo en juego la capacidad de sus actores para transformarse tal cual camaleón frente a nuestros ojos. El espacio más largo que ancho hace que en cada butaca se cuente una historia distinta, así que vale la pena ir más de una vez para percibir las distintas formas de leer la obra.

Mientras transcurre la obra más secretos se van revelando y vale la pena saber cuales son.

Ficha técnica

Actores: María Milessi, Julieta Halac, Luis Gritti y Santiago Fondevila

Dirección: Miguel Israilevich

Asistencia de dirección: Diego Torben

Dramaturgia: Miguel Israilevich, Julieta Halac, Luis Gritti, Santiago Fondevila y Carla Pandolfi

Diseño de vestuario y escenografía: Isabel Gual

Diseño de iluminación: Sandra Grossi

Diseño gráfico: Miguel Israilevich

Domingos 19hs

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

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Vídeo

Good Time: Viviendo al límite. Estreno 14 de diciembre

El film protagonizado por Robert Pattinson y dirigido por Benny Safdie y Josh Safdie se estrena el 14 de diciembre en los cines de Argentina

Sinopsis: Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.

Ficha técnica

Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.

Director: Benny Safdie, Josh Safdie.

País de Origen: USA

Productor: CDC

Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:

International Cinephile Society Awards.

Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie

Distribución : BDF ARGENTINA

Trailer

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Reseña: Como si pasara un tren

Lo que se cuenta es simple: un adolescente con retraso madurativo, vive con su madre sobreprotectora, en un pueblito alejado de la capital, sin internet, ni televisión. Una sobrina adolescente entrará en la vida de esa madre con su hijo, y todos cambiarán.

Sabremos que Susana, la madre sobreprotectora, cría a su hijo sola y con mucho esfuerzo, ya que el padre de Juan los abandonó. Vemos a una mujer sólida, dura, estoica, nada sobra en esa casa sin faltar nada de lo importante. Conoceremos que Valeria, la sobrina adolescente, llegará a esa casa castigada por su madre (la hermana de Susana), porque le descubrió un cigarrillo de marihuana. Valeria estudia para ingresar a la facultad, posee una rebeldía tierna,
propia de su edad, quiere y respeta a su tía y a su primo. Fue enviada a su tía “del campo”, como castigo.
Descubriremos que Juan, también adolescente, es un niño grande, tierno y caprichoso, dulce y pletórico de su mundo, el de sus trenes, el juego que lo apasiona. Y ama a su madre, su dios protector, dios de tiránica ternura.

Lo que presenciaremos es como ese elemento catalizador, que es Valeria, ese tercero distinto, extraño, moviliza el capullo/mundo de la relación madre/hijo, interviene en esa simbiosis que brinda seguridad pero impide crecer, en un mundo sin nuevos desafíos. Primero surge el mutuo descubrimiento, la sorpresa,
la curiosidad ante mundos tan disímiles.Luego vendrá el rechazo, el límite, hasta que la lenta aceptación de aquello diferente subyugue con su encanto. Ésto se impondrá a los tres y los sorprenderá.

La escena coreografiada del baile que realizan Valeria y Juan, refleja la frescura del afán de descubrirse y compartir, la sensualidad de lo diferente, la alegría de construir algo juntos y verlo crecer, el juego.
Los tres descubrirán que el propio mundo, sin el contacto de otros mundos ajenos, es estable pero pequeño, asigna razón de ser pero llena de miedos. Comprenden que nada hay mas preciado que la libertad y la confianza de los otros en ti. Y la fe en uno mismo.

Las actuaciones sostienen la historia y le dan atractivo. Sobresale el trabajo de Guido Botto Fiora como Juan: minucioso, lábil e intenso. La escenografía de Isabel Gual: el comedor de una casa modesta, desplegado como una estación de trenes, resulta un hallazgo.
La dramaturgia y dirección de Lorena Romanin, bien escrita y mejor dirigida.

Ficha técnica:

Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso

Escenografía y vestuario: Isabel Gual (Laisa Wall)

Realización escenografía: Estudio WERKPLATZ

Coreografía: Juan Branca

Diseño de iluminación: Damián Monzón

Diseño gráfico: Fermín Vissio

Fotos: Male&Dapa fotos – Diego Mares

Producción: Casandra Velázquez | Puja Producciones

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia de dirección: Mariano Mandetta

Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin

Funciones: sábados y domingos 20 hs. hasta el 17 de diciembre.

Duración: 70 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.

http://www.elcamarindelasmusas.com/

Entradas: $ 250, $ 200 (estudiantes y jubilados con acreditación) y $ 150 (menores de 30 años presentando DNI).

A. R. BELANO

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Crítica: Yo no duermo la siesta

A Natalí la llevan a pasar el día a casa de su vecina Rita para resguardarla del difícil momento que se está viviendo en su casa con su madre enferma. Sin embargo, en la casa de Rita, la cosas tampoco están como se esperaba. Estás niñas vecinas atravesarán las horas de la siesta dejándonos espiar su singular universo e ir encontrando las piezas que nos harán comprender por qué ese día no será igual a ningún otro.

Dorita es la empleada de una humilde casa situada en algún pueblo cuyos acentos remiten a tonos correntinos, una casa en la cuál se desempeña en múltiples tareas para llevar adelante el hogar, ella es la cocinera, niñera, cuidadora de Aníbal, el hermano de la dueña de casa el cuál padece un trastorno neurológico, y claro, también de la limpieza. Como si esto le fuera poco, anda con mal de amores.

Es un día muy caluroso, Hila se fue a trabajar, y luego del almuerzo, Dorita quiere que todos descansen un poco y duerman la siesta, pero Natalí no comparte esa costumbre, y sus travesuras acompañadas por Rita, que la consciente en todo porque sabe que está pasando un difícil momento familiar, harán que nadie logre descansar.

El universo infantil que las acompaña, hace que todo se transforme en un caos, Aníbal luego de un ataque de nervios, se trepa a un árbol, los juegos de videoclips telenovelescos arrebatan la limpieza, también un perro muerto y una moto que no arranca son parte de este territorio, al cuál se suma el hijo de Cacho, que arrepentido y dispuesto cambiar, con la ayuda de las niñas, reclama por el amor de Dori y harán que ella tome una decisión.

Una historia atravesada por el cruce del mundo adulto con el de la infancia, vínculos que trascienden las edades, en una línea que se acerca al realismo costumbrista, con un toque de humor fresco.

Una dirección impecable, sensible, poética y llena de detalles, con imágenes que trascienden lo visual y actuaciones muy bien logradas que consiguen que todo encastre perfectamente y el espectador se sienta parte de ese mundo impredecible.

Ficha técnica

Actúan: Mauro Álvarez, Agustina Cabo/Laura Grandinetti, Sandra Grandinetti,

Luciana Grasso, María Marull y Marcelo Pozzi

Escenografía: Alicia Leloutre y José Escobar

Iluminación: Matías Sendón

Vestuario: Jam Monti

Foto y diseño gráfico: Natalia Milazzo

Fotografías de escena: Sebastián Arpesella

Sonido: Micaela Vilanova

Coreografía y colaboración creativa: Silvia Gómez Giusto

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente general: Lara Todeschini y Javier Torres Dowdall

Supervisión dramatúrgica: Javier Daulte

Dramaturgia y dirección: Paula Marull

Reestreno tercera temporada: 15 de marzo de 2017

Funciones: miércoles 21 hs.

Duración: 65 minutos

Espacio Callejón

Humahuaca 3759

Teléfono: 4862-1167

Reservas y compra de entradas: www.alternativateatral.com

Valor de la entrada: $200 / $ 180 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Venta anticipada: 2 x $ 360.

Julieta Ale

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