Review: La casa de papel (Temporada 1)

“Más inmoral que fundir un Banco, es fundarlo” ( Bertolt Brecht)

Tokyo narra cómo es que ingresa al variopinto grupo de facinerosos, ladrones, estafadores, encuentro que le cambió la vida, la de ella, y también la de toda esa runfla de perdedores.
Se reúnen en las afueras de Madrid, en un lugar apartado, una finca. Planean algo único, tan peculiar y desaforado que los enloquece. los tienta a más no poder, los desafía. ¿Planean robar un banco? No señores. El Banco. Más aún, el banco de todos los bancos: la fábrica de la pasta, la biyuya, la canela, el billete, la mosqueta, la tarasca, la guita, etc. La madre todas las riquezas: planean robar La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre. Ja. Nada menos que el cielo por asalto…

Y nosotros desde aquí, en el culo del mundo, podemos entender bien de que se trata. ¿Será por eso que la serie española prendió tanto por estas pampas? Si acá tenemos ladrones para exportar. Prácticamente toda nuestra clase política, buena parte del empresariado, buen número de sindicalistas, casi no hay espectro social que sea inmaculado. Pues entonces, de robar, en esta fecunda tierra, sabemos mucho.

Fendrich, Vitette Sellanes, vicepresidentes, jueces, son casi ídolos populares. Hay una frase remanida que le dicen los padres a sus hijos pedigueños: “Te crées que tengo la máquina de hacer plata”. A veces usan una frase escatológica, como si el dinero estuviera firmemente asociado a residuos orgánicos. La máquina de hacer plata. ¿Están armados? Si.¿Están de fajina? También.

El rojo los asocia con la izquierda pero son, por acto y por cosmovisión,
cuentapropistas. Y le dicen al capitalismo ramplón del mundo “Aquí estamos. No pasarán”. En un acto rebelde sí, pero no revolucionario.Entre un rojo enmascarado daliniano y Merkel … Ud: ¿a qué equipo jugaría?
Interesante planteo la de los creadores de la serie. Brillante idea la de El Profesor: no robar el dinero, eso lo hace cualquiera. ¡Fabricarlo! Robarle a las autoridades, al poder, la potestad del dinero. En la mente omnipresente de El Profesor uno no ve que el objetivo de todo su plan sea la avaricia. Uno ve un desafío, un guante en la cara del poder, una gambeta . Los anteojos demodé lo hacen intelectual, el traje lo uniforma y la barba nos remite al Che. Hay idea, desafío, desparpajo. El astuto y  manipulador “Berlín” (Pedro Alonso); la irreverente e indomable “Nairobi” (Alba Flores); el ingenuo “Río” (Miguel Herrán); el tierno hijo y muchachote lleno de vida de “Denver” (Jaime Llorente); “Moscú” (Paco Tous) siempre paternal; “Helsinki” (Dardo Peric) un oso con corazón de niño; el parco “Oslo” (Roberto García) y “Tokio” (Úrsula Corberó) la que cuenta el cuento, rebelde, bella, desenfadada. Y a la cabeza de estos avatares del latrocinio, “El Profesor” (Álvaro Monte), el que diseñó el plan, convoca voluntades, adoctrina, entrena, dirige este grupo de desesperados en términos individuales, que pretende ser “el equipo”, en la Champion League de los ladrones.

La ejecución según lo planeado por El Profesor, es perfecta. Ingresan a la
Fábrica de la Moneda limpiamente, toman rehenes, blindan con explosivos las entradas, dividen tareas, las de vigilar, hacer el boquete de salida, la comida, etc. Las fuerzas policíacas lo rodean, precintan la zona y da comienzo a una larga, minuciosa, y a ratos ambigua negociación entre la inspectora Raquel Murillo (Itziar Ituño) y El Profesor. Algunas relaciones secuestrador/cautivo se enrarecen, salen de cauce. Hay cercanías, acuerdos, también rebeliones.
El Profesor desde el exterior del edificio, monitorea los acontecimientos, manipulando acciones y voluntades. Empieza un juego de poder (y seducción)  entre El Profesor y la inspectora Murillo que linda con el exceso de audacia, y con la soledad de ambos.
Los policías atan cabos, encuentran la identidad de algunos de los asaltantes,
cierra el cerco sobre ellos. En tanto, uno de los objetivos de la banda; robar tiempo, funciona y lo utilizan para fabricar millones. El asunto consiste en salir con ellos de allí El plan ora parece funcionar como un mecanismo de relojería, ora parece tambalear en las escabrosas aguas del fracaso…

El final de la primera temporada, con el tema “Bella Ciao”, como cuasi leitmotiv de estos peculiares vivillos, nos deja a las puertas de una resolución: al borde del precipicio del robo consumado, ó del apresamiento de la banda. Al borde de la imaginería desbordada de sus fieles seguidores.

La Casa de Papel es una creación por Álex Pina.

País de origen: España.

A.R.Belano

Crítica: «Proyecto Florida», de Sean Baker

Crítica de Mariano Zamora

Orlando, Florida. A pocos kilómetros del parque de diversiones de Walt Disney. Magic Castle Motel. Actualidad. Este es el escenario donde se desarrolla y representa Florida Project, el último largometraje de Sean Baker. Director que podemos recordar de películas como Starlet y Tangerine. Pero más allá de googlear su filmografía, si vimos las películas anteriores, es fácilmente identificable su marca de autor y su ojo narrativo/analítico hacia la sociedad capitalista sectaria.

En el film nos vamos a encontrar con la vida ordinaria y poco feliz, más allá de la fachada Pop, de la niña Monee (Brooklynn Prince), su mama Halley (Bria Vinaite) y el gerente del Motel en donde ellas habitan temporalmente, Bobby Hicks (Williem Dafoe). El ojo lo vamos a centrar en las aventuras y desventuras de la familia de Moonee y su amigo Scooty. Infantes que el director pone en representación de lo contradictoria que puede ser el sistema en la sociedad actual, frente a una niñez víctima del mal manejo de la sociedad Post-Moderna. Halley, su mama, intenta a su manera darle la mejor calidad de vida posible a su hija, más allá de sus limitaciones y equivocaciones que vamos a ver claramente durante el transcurso del film, y que incluso llegan a fastidiarnos, pero también a enternecernos y empatizar en su lucha diaria. Williem Dafoe aparece en el film como pilar estructural anti caos. Y aunque parezca grande esta definición, lo interesante es con la simpleza que se lo representa a través del guion y de su gran trabajo actoral. Un detalle a tener en cuenta es que el mismo declara haber ido varios días antes a vivir al Motel donde se iba a rodar, para familiarizarse con el entorno y el modo de vivir que tienen las personas allí. Su papel puede verse como pequeño, pero a la vez fundamental y preciso, ya que durante todo el transcurso de la película, el personaje aparece en situaciones que tienen su propia estructura de acción/conflicto/resolución. En todas las escenas en donde toma intervención el gerente del Motel, vamos a encontrar desarrollada una micro-trama, que se unirá a la historia global de la película, y a su significativa expresada entre líneas/imágenes.

Temas como la prostitución, las drogas, la ignorancia, pero sobre todo el amor y la solidaridad son marcas representativas del director a lo largo de su filmografía, y esta película no es la excepción. Actualmente, unos de los directores que centra exclusivamente la problemática de sus películas en estos pilares, y que la representa con gente común. Pero lo común, por su simpleza, no deja de ser extraordinariamente complejo si se lo sabe ver. Es por eso que esta película no atrapa con sus colores Pop, la inocencia de la niñez, la inexperiencia parental y una trama que nos hace recordar lo difícil que puede ser tener una vida simple. La ignorancia que se le atribuye a la familia de Mooney, de a poco se va develando y va trayendo oscuridad a su felicidad temporal. Momentos oníricos claramente críticos hacia la sociedad capitalista, lo que representa la confrontación geográfica en un lugar para ‘’divertirce’’, y una hermosa cita al grito de Michael Corleone en El Padrino II (los dejo que descubran donde) nos llevan dentro de una película que nos pasea entre sonrisas y tristeza, pero que principalmente sirve como concientizadora de lo que puede suceder y sucede en la actualidad con un sector de la sociedad desprotegido, pero lleno de amor y color.

Calificación 8/10

Título original: The Florida Project

Año: 2017

Duración: 115 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Sean Baker

Guion: Sean Baker, Chris Bergoch

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Alexis Zabé

Reparto: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross

Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24

Reseña: Teoría de mi cuerpo enamorado

Por Maximiliano Pouchan

Emocionarse ante la mirada estremecida de quien hace el amor. Estar desnudo sin estarlo. Vestir otra piel, mutarla, turbarla, sacudirla, impactarla. Respirar el mismo aire y transpirarlo al unísono. Hablar con todo el cuerpo y no decir nada, porque no hace falta.

Teoría de mi cuerpo enamorado es una sucesión de imágenes hipnóticas enlazadas por el lenguaje de la danza. La virtud de estas imágenes es capturar la intimidad y desentrañar la verdad que vibra en ellas.

Al ingresar a la sala, uno se sumerge inmediatamente a una realidad alterna, de ensueño. La luz hace el primer gran aporte, con claroscuros y colores intensos. Todo está dispuesto para verse a dos frentes, aunque no hay un espacio necesario y obligatorio para ser espectador. La obra se desarrolla libremente por los lugares que debe transitar y podemos ser testigos perfectamente de todo, incluso de cosas impensadas.

Los intérpretes, ya en escena, se buscan y se perciben, necesitándose. Están envueltos en una suerte de transito caótico y suspensión de una realidad embriagadora. Están sutilmente vestidos. A simple vista parecen iguales, aunque son muy diferentes

La música es hermosa y bajo los efectos de ella, irán desplegándose en escena encuentros y vínculos en una armonía perfecta. Todo se ira transformando y adquiriendo dimensiones impensadas, seremos testigos privilegiados del leguaje oculto en el universo del amor.

Luciano Cejas, con mucho talento, maneja el espacio y el tiempo. Suceden muchas cosas en escena y cada una de ellas tiene su punto exacto y su medida justa para ser percibida. Y más allá de la danza y la técnica, claramente prioriza la interpretación. Sin duda es lo que hace la diferencia. Todos y cada uno de los que habitan este escenario, están desnudos física y emocionalmente, explorando su vulnerabilidad, tomándose los respiros necesarios, registrando y transformando este suceso en belleza.

Intérpretes: Bernardo Villafañe Doric, Camila Cardona, Carola Silva, Claire Hermaszewski, David Gutiérrez, Isaac Tablante, Jorge Yañez González, Juan Pedro Carrere, Juliana Oubel, Lucía Villanueva, Manuel Quesada, Maoi Fernandes, María José Sormani, Mora Mariani, Pilar Villadangos, Rodrigo San Sebastián, Sofía Pereyra Radetich y Tian Aviardi.

Producción: Ana Florencia Blejer Community Manager: Guadalupe Peralta Cáceres Asistente de Dirección: Micaela Rivetti Jefa de imagen: Pamela Dávalos Diseño de iluminación; Paula Garcia

Dirección artística y coreográfica: Luciano Cejas

Duración: 55 minutos Público: Adultos

Teatro IFA, Centro de Experimentación Teatral; Scalabrini Ortiz 326 CABA; Sala: Alicia Zanca, sábados a las 21

Crítica: Ready Player One

Un estreno muy esperado era la cinta Ready Player one , una historia basada en la novela de Ernest Cline. Cabe decir que es otra película que abraza a la nostalgia y la cultura pop , algo que ya puede no resultar novedoso, de todos modos la puesta de Spielberg resulta maravillosa y sumamente entretenía, así y con todos sus gags añadidos.

La historia sucede en 2045, con el mundo al borde del caos y el colapso. Pero la gente encuentra la salvación en OASIS, universo expansivo de realidad virtual creado por el brillante y excéntrico James Halliday. Halliday muere y su inmensa fortuna será heredada por la primera persona que encuentre un huevo de Pascua digital que él escondió en algún lugar de OASIS… y así se detona una competencia que engancha al mundo entero. Cuando Wade Watts (un joven e improbable héroe) decide unirse a la competencia, se ve arrastrado dentro de una vertiginosa cacería de tesoros que distrociona la realidad a través de un universo fantástico de misterio, exploración y peligro.

Esta película es necesaria verla como una aventura , la realidad virtual forma parte de la vida cotidiana de la gente , y también resulta el recurso económico más importante de aquella actualidad. Pero el creador de dicha realidad virtual (llamada Oasis) la ha creado como un juego , para poder vivir esa realidad que no podía tener en nuestro mundo , depositando en él lo que más ama: el mundo del cine y la cultura pop, aunque también existe un amor secreto por allí. De este modo, al no tener intereses económicos sobre esta programa tan codicioso decide regalar su compañía a quien pueda superar una series de pruebas que ha dejado, llevando a que un chico de una ciudad marginal logre comprender a este hombre y ser el jugador con más chances de ganar el gran premio.

Todo esto responde a un viaje , donde nos encontramos con cientos de referencias desde las más pequeñas a las que forman parte de la historia. Podemos ver a King Kong , Mazinger Z y hasta el muñeco Chucky , todo ello con un gran trabajo en poder conseguir los permisos para incluir a todo tipo de personajes en el film. Sin adelantar tanto la historia , existe una referencia a el film «El resplandor» de Stanley Kubrick, que resulta uno de los momentos más divertidos y destacables de este viaje , así que para un mayor disfrute , vea la película antes.

Tampoco podemos decir que aquel universo solo está hecho para vivir de las referencias , sino más bien que crea un universo propio en que vive cada una de estas cosas, como el clásico delorean. Y da paso a una historia sobre el amor , y de la realidad , más allá de sus escenarios.

Ready Player One es una película más que entretenida , que nos brinda aquello que Steven Spielberg nos sabe entregar , una cinta grande en su producción y algo realmente emocionante. El film resulta todo un viaje hacia lo conocido del cine y la cultura pop , pero además es la exploración de su propio mundo en el que logra introducir de forma alucinante al espectador capaz de meterse en el juego.

Calificación 9/10

TITULO ORIGINAL: Ready Player One

ACTORES PRINCIPALES: Mark Rylance, Olivia Cooke, Tye Sheridan.

GENERO: Ciencia Ficción, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Steven Spielberg.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

140 Minutos

Crítica: Sherlock Gnomes

Crítica de Nicolás Katopodis

John Stevenson plasmó aspectos superficiales de los grandes clásicos Sherlock Holmes (1887, Arthur Conan Doyle) y Romeo y Julieta (1597, William Shakespeare) en un mundo infantil de gnomos, donde la trama puede hacer de introducción antes de llevar al niño a las obras originales: el resultado es Sherlock Gnomes.

Aunque el título haga mención al personaje principal de la obra detectivesca más leída, es una combinación entre aquella y la tragedia romántica de Shakespeare. En un mundo como éste, habitado por seres humanos, la película está enfocada en la vida de los gnomos, donde éstos son raptados por el enemigo de hace tiempo de Sherlock Gnomes. Junto a su compañero, Watson, que representa un punto medio entre los gnomos y los humanos, caracterizado por la esencia londinense del siglo XX, ayudan a los gnomos Gnomeo y Julieta a rescatar a sus compañeros que convivían con ellos en el jardín de sus dueños.

Es una gran oportunidad para introducir, de manera superficial, a los más pequeños en las tramas de suspenso, misterio, deducción lógica y tragedia. En ellos puede observarse algo de lo que supieron representar Doyle y Shakespeare hace tiempo, aunque, obviamente, no con el mismo final: la relación entre Gnomeo y Julieta son, en un punto, idénticas a las que tienen los compañeros de aventuras, Sherlock y Watson. En la primera, hay una circunstancia que los excede a ambos y se interpone de momento en la relación; lo mismo pasa en la segunda pareja, y esto causa el conflicto de la historia.

El problema en ambas relaciones causa automáticamente una sensación de empatía, que pone al espectador del otro lado del personaje, con la sensación que causa en el momento . También pueden verse otras problemáticas, como los momentos en los que el detective pasa por alto las emociones, prefiriendo la racionalidad, aunque, como se dijo al comienzo de la nota, es sólo una introducción (muy buena) para que los chicos comiencen a entender los grandes clásicos.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Sherlock Gnomes

VOCES ORIGINALES: Chiwetel Ejiofor, Michael Caine, Maggie Smith, Emily Blunt, James McAvoy, Johnny Depp.

GENERO: Animación.

DIRECCION: John Stevenson.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

87 Minutos

Apta todo público

Reseña: «Macbeth», adaptación de Roberto Aguirre.

Reseña de Nicolás Katopodis

La obra más trágica y fantasmagórica, según algunos, de William Shakespeare, es uno de los clásicos que mayor veces se ha representado a lo largo de la historia: Macbeth. Aun así, Roberto Aguirre, premiado en el año 2000 como mejor director de la Provincia de Buenos Aires, supo dirigirla sin caer en lugares comunes, y dándole cierto, o completo frenetismo.

Con varios detalles a destacar, como el uso permanente del escenario y sin cortes tradicionales, el director y el elenco, conformado por Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Salez y Diego Gallardo representaron Macbeth con mucha suspicacia, y dio un gran resultado.

Las escenas que nacen de la iluminación que apuntan a Macbeth, o a su Lady en otros casos, solos, recitando unas líneas de manera muy dramática, son fundamentales para el desarrollo de los personajes. El autor de la obra original les dio, en especial a ellos, gran personalidad que el lector puede ir desmenuzando a medida que lee la obra; aquí pasó lo mismo. En reiteradas ocasiones, era explícita la construcción que los personajes hacían de sí mismos (sobre todo el principal), sin embargo, es importante las actuaciones en segundo plano de los otros, también.

Un consejo al lector: haber leído la obra antes. Una de las razones sobre esto son los numerosos papeles que tienen algunos actores, como por ejemplo Mauro Sález, que pudo hacer una gran interpretación de una de las brujas, y de Macduff. Es difícil para alguien que no esté familiarizado con el argumento, identificar cuándo un actor interpreta a un personaje o a otro. Además, otra premisa auténtica que se pudo apreciar, más allá del escenario en el que se puede observar desde el inicio hasta el final a los actores, son los efectos lumínicos que los mismos que están en escena encienden, que causa un punto de gran conmoción y de importancia en la historia.

El ya mencionado Sález tuvo una gran actuación al interpretar a más de un papel sobre el escenario. Supo utilizar las cuerdas vocales como una herramienta eficaz en su papel, al igual que las líneas que cantó Amanda Bond, que fueron importantes es los momentos cúlmines. Asimismo, Miguel Nocera pudo darle al personaje principal un aspecto de arrepentimiento, y así esparcir ese karma por toda la sala.

AGENDA
Estreno: sábado 10 de marzo, 20:00 hs.
Funciones: sábados, 20:00 hs.
Lugar: Actors Studio ( Av. Díaz Vélez 3842, CABA)
Reservas: 4958-8268
Entradas: $250 | 2×1 con Club La Nación, Clarín 365, Sagai, Club Escena.
Duración: 75 min.
Trailer: «Macbeth, dir. Roberto Aguirre«

Ficha técnica
Elenco: Amanda Bond, María del Carmen Sánchez, Mariano Sapetti, Miguel Nocera, Daniel Silveira, Gonzalo Martínez Castro, Mauro Sález, Diego Gallardo.
Asesoramiento Vocal: Flor Fränkel
Coreografía: Omar Saravia
Máscaras: Diego Gallardo
Iluminación: Martín Hoffmann
Vestuario: Trini Muñoz Ibáñez
Fotografía: Antonio Fernández, Federico Pérez, Aldo Ballarini
Gráfica: Patricio Pérez Ututo
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Amanda Bond
Adaptación y Dirección: Roberto Aguirre

Crítica: El Atelier, de Laurent Cantet

Crítica de Diana Decunto

La película L’Atelier del año 2016 con premios en varios festivales, acontece en un “aburrido” pueblo al sur de Francia: La Cistat, un hermoso lugar de la costa francesa, con un mar rodeado por acantilados, escenario natural que favorece lograr el clima de tensión que la película propone.

La historia principal es un taller de escritura, en la que participan adolescentes, el cual está a cargo de una famosa novelista. El cineasta Laurent Cantet, a partir de este eje principal, contará con varios disparadores secundarios para tocar la problemática de la sociedad actual poniendo énfasis en los adolescentes y el mundo con el que deben lidiar.

Rara vez se me ha presentado una película que realiza un análisis sicológico y sociológico de un mundo violento, con intolerancia, discriminación, guerras y en paralelo convive un thriller, que mantiene en vilo al público hasta el final.

El Director Laurent Cantet logra con la cámara romper la máscara superficial de los personajes, ahonda en sus fibras más íntimas, analiza sus vínculos, con una mirada fría, no convencional.

Es una película de disfrute para aquellos que participamos de talleres de escritura. Quienes mejor comprenderán algunas platicas, que no se tornan tediosas para el neófito, porque es un salpicado fino de comentarios sobre la escritura. En este sentido, me parece altamente rescatable el análisis sobre el uso de las palabras muertas.

Me parece muy interesante en Cantet, que se interne en una actividad, que recomiendo a todos contar con la experiencia, por lo menos, una vez en su vida de haber participado en un taller de escritura. La película desmitifica ese concepto generalizado, que se tiene sobre los talleres de escritura como una actividad reducida para unos pocos y aburrida. La película logra demostrar la importancia del taller como actividad grupal donde se potencian las individualidades y demuestra a medida que la convivencia avanza sobre la necesidad de aprender a escuchar al otro para poder en conjunto avanzar y la importancia que tiene el coordinador en su función de moderador. Cuenta con dos magníficas actuaciones, las de Marina Fois y Matthieu Lucci, quienes encarnan a la escritora y al alumno, dos personajes aparentemente, enfrentados, todo el tiempo, donde ambos se sienten atraídos, por la curiosidad y ponen el esfuerzo en intentar entender al otro.

Excelente la fotografía, los escenarios naturales donde se encuentra filmada, las actuaciones del resto de los actores y actrices.

Tengan en cuenta, que esta película se da dentro del marco del Ciclo de Cine Francés, que este año celebra sus diez años de arribo a Buenos Aires para disfrutar de la mejor filmografía. Comenzará el 5 de abril y donde la cartelera puede ser consultada en www.cine-frances.com. Recomendamos esta propuesta fílmica de la productora Zeta Films, cuyo estreno comercial está previsto para el 12 de abril. Gracias a Laurent Cantet, gran cineasta francés, quien con una cámara inquieta ha logrado para la pantalla grande, capturar el color de las diferentes pinceladas de esta comedia humana que nos toca vivir, con sus logros y desequilibrios.

Puntuación 8/10.

Festivales y premios

Les Redez vous de cinema francais a Paris – 2018. Secciòn Press Junket

Festival de Cannes 2017. Seccion Un certain regard

Festival International de la Rochelle 2017 – Selección oficial

Festival de Film Fracais d’Helvetica 2017 – Selección oficial

Festival International du Film de Vancouver 2017 – Selección oficial

Chicago International Film Festival 2017 – Selección oficial

UK French Film Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección World cinema

Dubai International Film Festival 2017 – Selección cinema of the World

Ficha Técnica

Titulo original : L’atelier

Año: 2016

Duración: 116 minutos

Distribuidora: Zeta Films

Director: Laurent Cantet

Con: Marina Fois, Matthieu Lucci, Wanda Rammach

Crítica de cine : La librería

Crítica de Isabel Urrieta

“Pinta tu aldea y pintarás el mundo”
León Tolstói

En esta entrega, la cineasta Isabel Coixet, nos trae una adaptación de la novela homónima de la autora inglesa Penélope Fitzgerald, publicada en 1978 y cuyo proyecto tomó a la directora catalana siete años en llevar a la gran pantalla. A primera vista algunos podrían pensar que se trata de “cine de mujer” –Lo que sea que ello signifique para quienes le aplican este reducido- Porque sí, es una historia marcadamente autobiográfica, en el caso de ambas autoras, y sí, posiblemente identificable para muchas de las espectadoras, pero hablamos de un relato bastante universal.

El filme narra la historia de Florence Green, una mujer que por razones sentimentales y un amor profundo por la literatura decide abrir una librería en un pequeño pueblo costero de Inglaterra a finales de los 50. Esta iniciativa, a pesar de noble, no es comprendida por la mayoría de los habitantes y en especial no es de agrado para Violet Gamart, una dama cuya voz está implicada en las decisiones de esa población y se sirve de toda una estructura de poder factico que reposa a los pies de sus caprichos. Por fortuna Florence no está sola en su empeño y es que en el transcurso de la cinta aparecen dos personajes de carácter muy marcado, Edmund Brundish un solitario lector y Christine una niña curiosa e inteligente, que serán para la protagonista un paliativo contra la desesperanza.

En la película se puede apreciar el poder como hecho transversal a las relaciones humanas pero a su vez nos habla de coraje, de un personaje principal que en hazaña quijotesca no está dispuesta a rendirse fácilmente ante las adversidades y que no todo lo que respecta a lo humano está en su totalidad perdido, relatado desde una perspectiva muy tradicional.

Con un casting maravilloso y una buena historia, se podría reprochar que existen algunas señales confusas en el discurso, un vaivén entre el usual sentimentalismo de la directora –que podemos apreciar en muchas de sus obras de ficción- y un tono seco y más bien sugerente cuyo origen es de conjeturar pertenece a la obra original.

Cuesta afirmar que sea una obra trascendental, sin embargo por el mero hecho estético, por una visión de los libros y de la lectura que es realmente apasionante y por los destellos de humor bien pensado aún en circunstancias desfavorables, es una obra que merece la experiencia sensorial de habitar el cine, la sala.

Como directora tenemos a una Coixet que vuelve a gustar a un amplio público y en honor a ello la siguiente frase que pronunció en rueda prensa de la Semana Internacional de Cine de Valladolid escenario del estreno mundial de La librería.

“Para mí los libros y las películas me han permitido vivir mil vidas, que de otra manera no hubiera vivido y me han permitido desarrollar un concepto de empatía, de ponerme en el lugar del otro, que para mí es fundamental para la convivencia.”

Calificación : 7/10

FICHA TÉCNICA:
Título original: The Bookshop
Año: 2017
Duración: 113min.
País: España, Reino Unido, Alemania
Dirección: Isabel Coixet
Guión: Isabel Coixet (Penélope Fitzgerald)
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Jean-Claude Larrieu
Montaje: Bernat Aragonés
Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O’Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega, Nick Devlin
Productoras: Coproducción España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films

Crítica: Un viaje en el tiempo

Disney ha tenido bastante éxito últimamente con sus producciones de Marvel y las habituales cintas animadas del estudio que estrenan año tras año. Si algo le faltaba era alguna película original más allá de estos productos mencionados, y ahí es donde entra en escena «Un viaje en el tiempo «. Se trata de una película sobre una fantasía y un viaje que traspasa el tiempo y el universo , basadas en las novelas de Madeleine L’Engle. ¿Resultado? Una historia con muy buenas intenciones , pero que estas no alcanzan para captar la escencia de un relato aparentemente complejo , convirtiéndose se un simple y soso entretenimiento.

Tras la desaparición de su padre científico, tres seres peculiares envían a la joven Meg, a su hermano Charles y su amigo Calvin al espacio para intentar encontrarlo.

La película comienza a partir de la desaparición de un hombre , padre de la protagonista , en el que siente la pérdida de aquel ser querido en su vida cotidiana. Un día , llega alguien para decirle que está vivo en algún lado , aunque para que sea posible debe realizar un viaje fantástico hacia una parte del universo que es desconocido por muchos. Sobre esta historia no podemos agregar algo que no hayamos visto , la importancia de esta es sobre el aprendizaje de dicho viaje ante la aparición de fuerzas como la luz y la oscuridad, y sé que forma repercuten en la vida real de todas las personas. Si , la película nos quiere enseñar que con el poder de la luz, esta que viene de nuestros corazones y el amor , es capaz de vencer cualquier oscuridad . ¿Después de eso que podemos aprender ? Absolutamente nada.

Es por eso que la película goza de buenas intenciones, además de una notable inclusión en cuanto a la diversidad racial , denotado en la participación del elenco. Que es algo interesante en cierto punto del film, pero que tampoco resulta algo crucial en la historia. El film relata un viaje tan largo para mostrar paisajes bonitos , aventuras algo peligrosas , pero que aún así se resolución podría haberse ejecutado en unos cuantos minutos.

Lo más destacable del film es su apartado visual, aunque no sean sobresaliente sus efectos visuales , si posee una estética que le es propia al film. Aquellas buenas intenciones se ven reflejadas en el colorido de sus paisajes , en los vestuarios que muestran la diversidad de culturas, algo que le da dado identidad a la cinta. A pesar de ello , el film de Ava DuVernay carece de esa complejidad que el relato requiere , además hacer a los personajes bastante llanos , evitando la capacidad de que el espectador pueda empatizar con algunos de ellos.

Un viaje en el tiempo es una película que parte de un relato con potencial , pero se queda ahí siendo un film con buenas intenciones pero con una deficiente resolución de su contenido. A pesar de ello es bella estéticamente, conteniendo una identidad propia marcada por sus coloridos escenarios y la diversidad cultural.

Calificación 5/10

Crítica de cine : La Ciambra

Crítica de Andrés Prillo

Nosotros contra el mundo

Un retrato crudo, realista y con rigor documental de la parte menos turística de Italia, el sur profundo, hogar de los marginados de otras tierras.

La Ciambra es el nombre del complejo de edificios donde vive una pequeña comunidad de gitanos en los suburbios de Calabria. El protagonista de este relato de iniciación a la adultez es un carismático chico de 14 años llamado Pío.

Siempre con un cigarrillo en la mano, vive con su numerosa familia en un humilde departamento. Carente de educación formal, la vida lo llevó a adquirir una serie de habilidades prácticas. Sabe manejar autos y motos, propios o ajenos. Es que este chico cree estar preparado para integrarse al negocio familiar: el delito. Los robos de autos, casas, valijas o radios suelen estar encargados por un grupo de mafiosos locales: “los italianos”, como los llaman los romaníes.

La película está interpretada en su totalidad por actores no profesionales, residentes reales de La Ciambra, que actúan versiones ficticias de sí mismos. Este afán documental es consecuente con los diálogos y escenas cotidianas, que generan un clima tan verosímil que por momentos hace dudar si lo que se está viendo es realmente una película de ficción.

La mayor virtud de la película es su voluntad de ser genuina en su representación de los habitantes de la Ciambra. Los personajes parecen personas reales, creíbles, de carne y hueso, sin la tendencia a idealizar propia de la ficción.

Gran parte de la tensión surge a partir de la detención del hermano mayor de Pio, que lo obliga a asumir el rol de adulto y jefe de familia antes de tiempo. Pío se debatirá entre el deseo de demostrar su madurez y hombría ante sus familiares, y las inevitables dudas y temores que le genera su nueva responsabilidad.

El único momento en que la película se despega del estricto realismo es en una serie de encuentros oníricos que Pío tiene con un caballo blanco, al que nunca puede alcanzar. Su significado queda abierto a la interpretación del espectador (acaso la pureza, la libertad perdida).

Parte de la complejidad del film aparece en la relación de los romaníes con otro grupo de extranjeros marginados, los africanos. Por un lado Pío mantiene una cálida amistad con Ayiva, un exiliado de su propia tierra, Burkina Faso, que roba para enviar dinero a su familia. A través de él conocerá a un grupo de inmigrantes ilegales de distintos países (Ghana, Nigeria). Tras el recelo inicial, aprenderá palabras en su idioma, mirará un partido de fútbol con ellos, y en definitiva humanizará ante sus ojos a las figuras abstractas de los refugiados africanos.

Por otro lado, la familia de Pío, tiene una imagen negativa, estereotipada de los africanos como “borrachos” y “violentos” en quienes no se puede confiar. Curiosamente similar a la percepción de los italianos, que consideran a los gitanos un pueblo de ladrones de otra tierra.

Estas contradicciones llegarán a su clímax cuando Pío tenga que llevar a cabo un último crimen, ya no sólo material, sino moral. El niño deberá decidir hasta donde está dispuesto a llegar para demostrar su lealtad. Un cruel dilema ético se le presentará cuando tenga que elegir entre su familia y su amistad.

Una película frontal, genuina y agridulce sobre el paso del tiempo, la pérdida de la inocencia y los choques entre el orden familiar y la libertad individual. También una película compleja y ambigua que reflexiona sobre la otredad, el pensamiento de tribu y la eterna distancia que separa a los propios de los “de afuera”. En palabras de su abuelo: “Recuerda Pío, somos nosotros contra el mundo”.

Calificación: 7.5/10

TÍTULO ORIGINAL: A Ciambra

ACTORES PRINCIPALES: Pío Amato, Koudos Seihon, Damiano Amato

GÉNERO: Drama

DIRECCIÓN: Jonas Carpignano

DURACIÓN: 118 Minutos

ORIGEN: Italia

DISTRIBUIDORA: Zeta Films

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018