EL productor Jerry Bruckheimer habla de su último trabajo en «Tropa de héroes». Actualmente en cines…

Desde hace más de cuarenta años, Jerry Bruckheimer continúa siendo uno de los productores más exitosos que trabajan en Hollywood. Después de su gran éxito con Electrodanza en 1983, sus películas incluyen varios sucesos, como Top Gun: Pasión y gloria, La caída del halcón negro, Un detective suelto en Hollywood, y las licencias de Piratas del Caribe y La leyenda del tesoro perdido. Su última película, Tropa de héroes, cuenta la historia real de un equipo de Fuerzas Especiales de los Estados Unidos enviado a Afganistán en una misión aparentemente imposible a raíz de los ataques del 11 de septiembre.Adaptada de Horse Soldiers, el best seller de Doug Stanton, Tropa de héroes tiene como protagonista a Chris Hemsworth como el capitán Mitch Nelson, el líder del escuadrón expedicionario que se asoció con una milicia local a caballo para derrotar a los talibanes y agentes de Al Qaeda, que estaban muy armados, en una de las primeras campañas clave de la guerra. Con la dirección de Nicolai Fuglsig (el galardonado reportero gráfico y director de comerciales danés, que debuta en Hollywood con esta película) y el guión del ganador del Óscar Ted Tally (El silencio de los inocentes), de Peter Craig (Los juegos del hambre) y de Taylor Sheridan (Sicario; Enemigo de todos), el elenco incluye al actor nominado al Óscar Michael Shannon (Animales nocturnos; La forma del agua) y a Michael Peña (Misión rescate) ―como el suboficial mayor Hal Spencer y el sargento primero Sam Diller― y a Navid Negahban (Homeland) como el comandante de la Alianza del Norte, el general Dostum.

Hablamos con Jerry Bruckheimer sobre la producción de Tropa de héroes en Los Ángeles. ¿CÓMO SURGIÓ TROPA DE HÉROES AL PRINCIPIO? Nos enviaron las galeradas del libro de Doug Stanton en algún momento en 2009, antes de que se publicara. Me cautivó de inmediato, de modo que compramos los derechos enseguida y nos pusimos a desarrollarla. Me encanta hacer películas sobre personas que cambiaron las cosas en este mundo y de las que la mayoría no oyó hablar. Hacemos eso una y otra vez en mi productora. Lo hicimos con La caída del halcón negro. Lo hicimos con Duelo de titanes. Lo hicimos con Camino a la gloria. Lo hicimos con Mentes peligrosas. Las personas que transforman el mundo para bien son las personas en las que estoy interesado. Y estos doce soldados no deberían ser olvidados nunca por su heroísmo.

CUÉNTENOS SOBRE EL CASTING DE CHRIS HEMSWORTH COMO EL CAPITÁN MITCH NELSON. Había estado persiguiendo a Chris durante mucho tiempo para que hiciera una película con nosotros. Creo que es una verdadera estrella. Es un actor maravilloso, carismático, buen mozo. Y esto era algo que, realmente, no había hecho antes. Una vez que se involucraron nuestros socios de producción, Black Label Media (Molly Smith, Trent Luckinbill y Thad Luckinbill), le hicimos una oferta formal para hacer la película. Por suerte, aceptó…

TAMBIÉN OBTUVO UN GRAN ELENCO DE REPARTO. Michael Shannon es alguien con quien trabajamos muchas veces y me encanta. Es alguien a quien salimos a buscar enseguida, inmediatamente después de que Chris aceptó. Michael Peña es alguien cuyo trabajo siempre admiré y me gustó, y lo perseguimos también. Por suerte, los dos querían trabajar con Chris y se conectaron con la historia de una manera genuina. Al final, les dimos un pequeño entrenamiento militar a todos los hombres para brindarles la información necesaria. Contratamos a un par de entrenadores, que eran exmilitares, para que trabajaran con ellos las tácticas y les enseñaran a manipular las armas correctamente. También contratamos cowboys para que les enseñaran equitación. Los pusimos a prueba, sin duda.

ASIMISMO, INCORPORÓ A UNA PERSONA RELATIVAMENTE NUEVA EN LA DIRECCIÓN, NICOLAI FUGLSIG. ¿CÓMO SUPO QUE LOGRARÍA UNA PELÍCULA DE ESTA MAGNITUD? Debo decir que Nicolai es un verdadero talento. Había visto los premiados comerciales que realizó. Y me gustó lo que tuvo para decir la primera vez que se dirigió a nosotros. Nos dio una presentación visual de lo que haría y cómo haría la película. Tenía que hacer la película con un presupuesto acotado y se ajustó a este. Es un director muy responsable y un verdadero artista. Siempre creo que, si le otorgas un gran guión ―y lo teníamos― a un director talentoso como Nicolai, estará a la altura de las circunstancias.

¿CÓMO TRABAJARON JUNTOS LOS TRES: USTED, NICOLAI FUGLSIG Y CHRIS HEMSWORTH? ¿CÓMO FUERON LAS CONVERSACIONES DE DETRÁS DE ESCENA ANTES DE EMPEZAR A FILMAR? Fue siempre un gran esfuerzo grupal. Nuestros socios de Black Label ―Molly, Trent y Thad (los productores Molly Smith, Trent Luckinbill y Thad Luckinbill)― también participaron. Además, les pedimos a nuestros escritores que vinieran a trabajar con nosotros. Al mismo tiempo, Chris se sentó en las reuniones y fue muy importante para darle forma a su personaje con nuestros escritores.

¿CÓMO ENTRÓ EN JUEGO SU EXPERIENCIA CON LA REALIZACIÓN DE LA CAÍDA DEL HALCÓN NEGRO EN LA PRODUCCIÓN DE TROPA DE HÉROES? ME IMAGINO QUE DEBE DE HABER SIDO MUY ÚTIL. La experiencia con La caída del halcón negro fue muy útil. Te das cuenta, con respecto a la historia, de lo que necesitas y lo que se requiere en una película como esta. Pero también obtuvimos mucha ayuda del ejército y de los hombres que en realidad estuvieron en esta misión. Ellos se ofrecieron y trabajaron con nosotros, lo cual nos dio una mirada interna de cómo fue realmente estar en Afganistán durante ese tiempo, qué tuvieron que soportar y cómo lo superaron. Vieron la película hace poco y se quedaron muy contentos. No todo es idéntico a lo que ocurrió, desde luego. Teníamos que contar, en dos horas, una historia que a ellos les llevó tres o cuatro semanas. Pero su aprobación significó mucho para mí porque validó lo que nos propusimos hacer al principio.

¿CÓMO FUERON ESAS PRIMERAS REUNIONES CON LOS HOMBRES REALES? ¿ESTABAN PREOCUPADOS RESPECTO DE QUE CONTARAN BIEN SU HISTORIA? Por supuesto. Participaron con duda, sin saber cómo íbamos a representarlos. Pero creo que se sintieron cada más cómodos cuando se sentaron con Nicolai, conmigo y el resto del equipo. Yde verdad seguimos el libro de Doug Stanton, que se basó en sus relatos, bastante religiosamente… Estos hombres no tenían idea de dónde se estaban metiendo. Recién cuando llegaron a Afganistán, descubrieron que había una recompensa de $ 100.000. No tenían idea de lo que iba a hacer su contacto de la Alianza del Norte, el general Dostum (Navid Negahban). Sus mapas de Afganistán no estaban actualizados. No tenían la ropa adecuada para el clima frío y así sucesivamente. Tratamos de mostrar todo eso.

¿CÓMO ABORDARON LAS SECUENCIAS DE BATALLAS Y DÓNDE LAS FILMARON? Filmamos la película en México. Tuvimos la suerte de encontrar nuestras locaciones allí. Filmamos en un sistema de cuevas en el que nadie filmó antes. Resultó que el propietario había prestado servicio en la Infantería de Marina, de modo que tenía mucho entusiasmo por ayudarnos a contar esta historia. También filmamos en el Campo de Misiles de Arenas Blancas: el ejército y el Pentágono nos permitieron filmar allí. Es un predio de alrededor de 8300 kilómetros cuadrados. Además, nos permitieron alquilar algunos equipos, tanques viejos y cosas por el estilo. Encontramos un cañón increíble para representar el desfiladero de Tiangi en Afganistán para la escena de la batalla culminante, y Doug Stanton, el autor del libro, dijo que era asombrosamente parecido al real.

¿CÓMO HICIERON PARA RECREAR LA CAMPAÑA MILITAR PROPIAMENTE DICHA? En cuanto a la puesta en escena de las mismísimas secuencias de batallas, tienes al coordinador de dobles, al director de fotografía, al director y a los guionistas trabajando en esto, planeándolo de antemano. También tuvimos una “sala de guerra”, donde instalamos una mesa enorme y colocamos soldados y tanques de juguete. Todo se coordinó y diseñó allí, usando las miniaturas para las explicaciones.

¿CUÁL FUE EL MAYOR DESAFÍO AL REALIZAR LA PELÍCULA? Es siempre el mismo: hacer bien el guión. Creo que esa es la cuestión siempre, esforzarse lo máximo posible para hacer bien el guión. Y tuvimos excelentes guionistas en esta película. Ted Tally (El silencio de los inocentes) escribió el guión original. Participó Peter Craig (Los juegos del hambre). Luego Taylor Sheridan (Sicario; Enemigo de todos) lo reescribió muy cerca de la producción y le dio la victoria… Siempre es el guión lo que cuesta más. La producción, siempre puedes resolverla.

¿CUÁL FUE LA SECUENCIA MÁS DIFÍCIL DE FILMAR? Diría que la secuencia de la batalla final, que ocurre a caballo. Nos llevó semanas hacerla bien. Fue una secuencia muy difícil. Estás manejando caballos. Estás manejando tanques. Estás manejando muchos explosivos. Estás manejando fuego. Muchos extras. Fue un rodaje largo y difícil esos días, sin duda.

¿QUÉ FUE LO MEJOR QUE LE DEJÓ ESTA EXPERIENCIA? Aprender a valorar la inteligencia y el profesionalismo de los propios hombres, cuán estupendos son. Fue una experiencia increíble trabajar con estas Fuerzas Especiales.

¿QUÉ TIPO DE PELÍCULAS ESPERA EL PÚBLICO ÚLTIMAMENTE?

Creo que esperan algo especial. Esta película es una historia real. Se trata de una historia que nadie conoce realmente, sobre hombres que fueron a un combate moderno a caballo, algo para lo cual, desde luego, no estaban preparados. Aunque creo que, sobre todo, la película le abre los ojos al mundo sobre personas que hacen cosas por el mejoramiento de otros. Y eso es exactamente lo que hicieron estos jóvenes.

Crítica: Perfectos desconocidos

En una cena entre cuatro parejas se propone un juego que pondrá sobre la mesa sus peores secretos: leer en voz alta los mensajes, y atender públicamente las llamadas, que reciban en sus móviles durante la cena.

Eclipse de luna. Hay una extraña inquietud que se apodera de todos.
Cena con amigos. Siete hombres y mujeres de entre 40 y 55 años
aproximadamente. Amigos de toda la vida. Eva y Alfonso, profesionales de buena posición económica, son los anfitriones. Están alterados y discuten con motivo de su hija adolescente. Sienten que el hastío se instala en su relación. Eduardo y Blanca: ella quiere formalizar y tener hijos, él aún ni lo piensa. Ana y Antonio: su relación ya se instaló en una meseta de agotamiento. Pepe: profesor de educación física, desocupado, con una novia que no se presenta con él y…. Blanca, la más nueva de ellos, la aún no aceptada del todo (obviamente, por las otras mujeres), propone un juego, plantea una idea: inquietante, riesgosa, peregrina… Consiste en dejar los celulares de todos y cada
uno en el centro de la mesa y, a medida que entren llamadas, mensajes, etc. todos sepan de qué va la cosa.

¿Monos con navajas? ¿Ruleta rusa? ¿Salto al vacío? ¿ Nos dispondríamos todos, en una reunión de amigos o familiar, a afrontar tal desafío?
Van surgiendo a medida que el film avanza, los correspondientes “secretos”: engaños, doble vida, pequeñas miserias mundanas, zonas oscuras, de laceración (que todos tenemos), aquello que los averguenza. Solo se oculta aquello que nos
muestra ó ubica en un lugar de debilidad.

El relato transcurre en el living comedor y en el amplio balcón terraza de un departamento céntrico y en tiempo real, durante la particular cena de amigos. Esta comedia, correctamente actuada, con un elenco de estrellas del cine español
(Belén Rueda, el gran Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Eduardo Noriega, entre otros) y muy bien realizada por el director español Álex de la Iglesia (“El día de la Bestia”, “Balada triste de trompeta”, dos muy buenas películas de este vasco,
ocurrente y creativo), que filmando una remake de la italiana “Perfetti Sconosciuti”, de Paolo Genovese, construye este film entretenido y dinámico, permitiendo al
espectador una diversión inteligente.

Calificación: 7/10

TITULO ORIGINAL: Perfectos desconocidos

ACTORES PRINCIPALES: Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Belén Rueda.

GENERO: Remake, Comedia.

DIRECCION: Alex de la Iglesia.

ORIGEN: España.

DISTRIBUIDORA: Energía entusiasta

ESTRENO: 08 de Marzo de 2018

96 Minutos

A.R Belano

Crítica: Deseo de matar

Crítica de Andrés Prillo

La secuencia inicial de Deseo de matar (Death Wish, remake de una versión de 1974 con Charles Bronson) contiene las virtudes potenciales y las carencias efectivas de toda la película. Se puede ver desde el cielo la ciudad de Chicago de noche, iluminada por los rascacielos mientras un patrullero recorre velozmente sus calles dirigiéndose a un hospital. Al llegar el médico encargado del caso, el Doctor Paul Kersey (Bruce Willis) anuncia fríamente que el oficial de policía que acaba de llegar herido no tiene salvación y se prepara para intentar salvar a su agresor que llegó en el mismo auto. El compañero del policía le pregunta dolido: “¿Vas a ir a salvar a el animal que le hizo esto?”. El Doctor contesta pragmáticamente: Si puedo, sí.

En esta secuencia había un concepto, una visión clara: La ciudad como una selva de asfalto, un terreno peligroso dominado por la violencia urbana, una decisión moral de parte del médico de tratar al criminal y al policía como seres iguales, el odio de la ley ante los delincuentes como seres inferiores. Lamentablemente, este contexto de cierta ambigüedad será abandonado en gran parte de la película, limitándose a un relato convencional de venganza. Un buen ciudadano, un padre y esposo ejemplar al que la injusticia de la inseguridad lo “obligará” a abandonar toda piedad y vengarse directamente de los “tipos malos”.

El disparador del relato es un típico asalto violento que despierta en el protagonista los peores instintos del ser humano. Es aquí donde aparece la mano del director Eli Roth (famoso por hacer películas de terror ultra violentas como “Hostel”) para filmar la cacería de Kersey de los tres criminales con grados de violencia cada vez más explícita. El momento clave de cambio para el Doctor sucede después del entierro de su esposa, cuando su suegro ataca a unos cazadores furtivos que entraron a su propiedad. En el incidente debe matar a un ciervo herido para acabar con su sufrimiento, sentenciando: “No hay Dios. Si un hombre quiere justicia tiene que actuar con sus propias manos”.

Esta visión desesperanzada y nihilista del mundo será el trasfondo de la acción dramática y la justificación para la violencia personal por fuera de la ley democrática. Aquí entra en juego el único personaje secundario de cierta relevancia, el policía a cargo de la investigación del asalto (Dean Norris, quien en gran medida repite su rol de policía que inmortalizó en Breaking Bad). La mejor escena entre Willis y Norris ocurre en la comisaría, cuando ante la incapacidad policial para resolver delitos el oficial le dice al Doctor: Ten fe. Y mirando las fotos de las decenas de casos sin resolver, el Doc decidirá entrar en acción. Los momentos más lúcidos se dan cuando la película se toma con ironía la oscuridad de la trama, burlándose de la facilidad con que se pueden conseguir armas en Estados Unidos, donde en pocos días se puede conseguir legalmente acceso a un fusil de asalto que “pesa menos que un recién nacido”.

En relación a este tema, es interesante la reacción polémica que está generando en su país de origen. Mientras la crítica la desprecia sin atenuantes, en el público tuvo una recepción positiva (14% contra 86% en Rotten Tomatoes). Esto se debe a que el enojo de la prensa excede a la obra en sí. Se la acusa de banalizar un tema sensible como el control de armas y los tiroteos civiles en Escuelas y Universidades al legitimar la violencia por mano propia. La película en definitiva merece ser cuestionada por la falta de tensión, escasa originalidad y casi nulo desarrollo de personajes. Pero se la criticó con una dureza excesiva por razones de coyuntura, cuando la película en última instancia es una obra trivial, escapista, sin ningún mensaje profundo sobre el mundo. Si Deseo de morir tiene un rasgo de redención es en el modesto placer cinéfilo de volver a ver a Bruce Willis con un arma en pantalla grande.

Calificación: 5.5/10

TÍTULO ORIGINAL: Death Wish

ACTORES PRINCIPALES: Bruce Willis, Dean Harris, Vincent D’Onofrio, Elizabeth Shue

GÉNERO: Policial, Drama, Acción, Humor Negro

DIRECCIÓN: Eli Roth

DURACIÓN: 108 Minutos

ORIGEN: Estados Unidos

DISTRIBUIDORA: Digicine

ESTRENO: 8 de Marzo de 2018

Crítica: Tropa de héroes

Crítica de Mariano Zamora

Después de los hechos del 11 de Septiembre en las Torres Gemelas y en otros puntos de Estados Unidos, el cine no hizo más que llevar a imágenes, desde diferentes perspectivas y motivos, lo acontecido de tal terrible suceso. Tropa de Héroes, de Nicolás Fuglsig ( Exfil 2017), nos cuenta la historia de un grupo especial del Ejercito que va a combatir, en un punto estratégico de Afganistán, contra los Talibanes, supuestos autores de los atentados. Lo que nos cuentan de los personajes en los primeros 40 min de la película, es lo que nos va a guiar durante todo el desarrollo de la misma. Chris Hemsworth será el capitán de la misión, personaje estereotipado que tomara el papel de Héroe y guerrero para cumplir la misión y traer a sus amigos a salvo. Michael Shannon lo acompaña como segundo, y lo que intenta es ser el lado más cauto y conservador, pero se queda en mitad de camino por un poco desarrollo de su personaje. Los espacios se van llenando de clichés, situaciones repetidas en películas bélicas, espacios comunes, puntos de giro previsibles y un clásico estilo Hollywoodense para llegar al clímax. Poco nos informa del conflicto, e incluso muestra desconocimiento por parte de los personajes del terreno en donde se manejan. En cuanto a su estructura en general, es una película que se puede ver y que a más de 1 va a entretener e hipnotizar con su estereotipo bélico. Por otro lado, no podemos dejar de pasar el hecho de que dan por sentado a los responsables de tal hecho, justificando acciones reales de matanza de parte del Ejercito Estadounidense. Es esas películas que nos hacen recordar que las inclinaciones políticas, la verdad y la moral, pueden disfrazarse en un mundo de pobre contenido, pero gran producción (Jerry Bruckheimer).

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: 12 Strong

ACTORES PRINCIPALES: Michael Shannon, Chris Hemsworth.

GENERO: Drama, Bélica, Acción.

DIRECCION: Nicolai Fuglsig.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 08 de Marzo de 2018

130 Minutos

Crítica: Yo soy Tonya

La patinadora Tonya Harding fue una de las más famosas de la historia del patinaje. También fue conocida por su gran competitividad y “juego sucio” para conseguir lo que ella quería, los primeros lugares en todas las competencias.

El 1994 Tonya Harding tenía una gran competidora, Nancy Kerrigan, que en algunas ocasiones lograba opacarla. De cara a las olimpiadas, y en uno de sus entrenamientos, Nancy sufrió una agresión que estuvo a punto de costarle una pierna; pero por suerte Kerrigan pudo salir indemne de ese ataque, pudo continuar con sus entrenamientos y llegar a las olimpiadas. Y aunque perdió gran parte de los campeonatos nacionales, en los juegos de invierno de Noruega tuvo su gran revancha contra Tonya, donde a ésta última la descalificaron.

La película cuenta la historia de Tonya Harding e intenta profundizar en los motivos que la llevaron a la agresión contra su compañera. No fue ella directamente pero si su marido y su guardaespaldas. Margot Robbie y Sebastian Stan hacen un gran trabajo contándonos la historia y poniéndose en la piel de Tonya y su marido Jeff Gillooly.

Un buen film con final abierto: hasta el día de hoy Harding mantiene su postura respecto a su inocencia y la investigación está cerrada. Las protagonistas de más de 40 años ya están olvidadas a no ser por éste incidente que marcó la historia del patinaje de Estados Unidos.

ELENCO
Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Paul Walter Hauser

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Craig Gillespie
Guion: Steven Rogers
Música: Peter Nashel
Guión: Steven Rogers

Género: comedia negra / drama
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos
Título original: I, Tonya

Calificación: 7.5/10

Alejandra Martínez

Reseña: Salón de belleza

¿Cuántas variantes puede abarcar el reparto de roles en una familia?

¿Y en una compuesta solo por mujeres?

¿Qué precio tiene ser la hija boba?

¿O la exiliada? ¿Exiliada de dónde?

SALÓN DE BELLEZA es un útero materno, Claudia, Natalia y Paula, madre e hijas se reúnen en el negocio familiar para embellecerse e ir a un casamiento.

El arte de convertir una situación dramática e insostenible en un cúmulo de risas. Salón de Belleza puede remitirnos a La casa de Bernarda Alba, aclamada obra teatral de Federico García Lorca: una madre autoritaria y sus dos hijas, supeditadas a su voluntad. La ausencia de la figura paterna transforma este centro estético en una cárcel, donde la vida se vuelve monótona. Natalia y su madre repiten las mismas acciones: se ocupa de hacer de las mujeres un prototipo de belleza a la par que escuchan constantemente sus conversaciones. Esta letanía ininterrumpida junto a las dificultades económicas se traducen en fuerzas desgastantes, las cuales devoran a ambas. Apenas poseen tiempo para preocuparse de su femineidad y el amago es sinónimo de represión. Los improperios empiezan a emanar. Gracias a sus magistrales actuaciones, logran generar un sentimiento contrario al esperado; lejos de provocar la indignación, ambas tiñen esta escena de ridícula y sarcástica.

La llegada de Paula sirve para expresar de manera brutal toda esa rabia y agonía contenida, “¡Sois dos enfermas psiquiátricas que están pegadas todos los días!”. Se desvelan secretos, oprimidos durante mucho tiempo. Se descubre la búsqueda del amor en hombres mayores.

Circunstancias cercanas a nuestra realidad: los anhelos de tener otra vida, la escasez monetaria, la persecución de la felicidad. Obra imperdible, ya que a través de la comicidad logra divertir y cuestionar nuestros preceptos.

FICHA TÉCNICA

Autoras: Marina Glezer y Sonia Stigliano.

Dirección: Marina Glezer.

Asistencia de dirección: Sonia Stigliano.

Elenco: Maitina De Marco, Luciana Lifschitz y Gilda Scarpetta.

Escenografía: Ariel Vaccaro.

Iluminación: Iván Gierasinchuk.

Vestuario: Greta Ure.

Producción: Marina Glezer.

Prensa : Raquel Flotta

TEATRO NÜN

NÜN TEATRO BAR

Juan Ramirez de Velasco 419, ESQUINA ARAOZ

VIERNES 21 HS

A PARTIR DEL 23 DE FEBRERO

América Arana

Reseña: Flores blancas en el mar

El ser humano esta atravesado por todo aquello que el destino le tiene preparado; es ahí en donde cada uno tomará las riendas del asunto de su vida. Anhelará sueños aunque sean inimaginables, necesitará creer para mantenerse en pie, se hará fuerte cuando lo traicionen y esperará a alguien que prometió su vuelta… esperará y esperará.

Lila y Violeta son hermanas, viven en un mundo pequeño, se llama Chivilcoy, allí se ven obligadas a hacer de todo por sobrevivir. Lila se aferra a lo efímero, quiere cuidar su techo sin importarle las consecuencias, quiere dinero; la atormenta la ambición de sobrevivir sin importarle con todo aquello que tenga que lidiar; mientras que Violeta es fe, abraza la esperanza del regreso del barco que zarpó, abraza a la Virgen Reina del Mar, cree tanto en un futuro irreal que se olvidó de ella misma. El remisero Travolta aparecerá en la vida de los personajes para recordarles que el mundo de pueblo es otro, y que las cosas pueden ser más fáciles si te adaptas a la realidad. Travolta nos muestra sinceridad, nobleza y el valor de la palabra, en contraste con la aparición de la Reina del Mar que logra enloquecer a Violeta con sus pedidos y predicciones, burla su fe llevándola a cuestionarse hasta su propia existencia.

Cada acto de la obra nos hace interrogarnos si la vida realmente debe ser aceptada como se nos presenta, nos pregunta nuestra lealtad hacia el otro… ¿Qué tan preparados estamos para lograr eso que tanto deseamos?.

Ficha técnico artística:

Actúan: Nora Kaleka, Cecilia García Moreno, Carolina Mugetti, Pablo Clariá.

Asistente de dirección: Pedro José Sánchez

Diseño de luces: Leandro A. Pérez

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Diseño de sonido: Pedro José Sánchez

Arte: Paula Amante

Escenografía: Carla Iglesias

Realización de vestuario: María Rodríguez

Fotografía: Carola Etche

Producción Ejecutiva: Cristina Sisca

Prensa: Simkin & Franco.

Dramaturgia y Dirección: Gabriela Romeo

Funciones: sábados a las 20 hs.

Teatro: La Ranchería

Dirección: México 1152

Entrada general: $250. Estud. y jubil. $200

Reservas: por Alternativa Teatral o al 4382-5862

Paula Fossatti

Reseña: Trasbordada

Una historia de sapos, príncipes y otras yerbas. Una comedia basada en hechos reales, que muestra las peripecias más diversas y las situaciones más disparatadas que atraviesa una mujer de 30, del siglo XXI, a la hora de encontrar un amor para toda la vida. Cuando la realidad supera la ficción.

La obra teatral escrita por Sabrina Mateos incurre en un tema sumamente trillado: la búsqueda del amor verdadero. El amor para toda la vida. Este tópico está comúnmente
asociado a sentimientos melosos, románticos. Proyectamos la sensación que ha de experimentar una pareja cuando se mira fijamente a los ojos: el inevitable cosquilleo en la panza. Lejos de encontrarnos ante esta imagen, Trasbordada muestra cuán grotesca es la experiencia de una mujer para hallar una persona acorde a sus gustos e intereses. El personaje
interpretado por Sabrina Mateos viaja a cuatro lugares cuyos apelativos devienen de las rarezas de sus habitantes. A saber, uno de ellos posee manías, cada cual más estrambótica. Su vestimenta es anticuada y tiene una inconsciente necesidad de echar ambientador. Estas características hacen de “Rirualia” su hogar. Se construye una trama a partir de un elenco reducido (tres actores) la reiteración de escenas, una decoración minimalista y el público. Los asistentes participan del espectáculo. Se los interroga y se espera de ellos la carcajada ante
situaciones aparentemente cómicas.

La obra finaliza con un mensaje cuya finalidad pretende ser didáctica: “no es requisito sine qua non estar con alguien para ser feliz”. Estas cualidades añadida a la ingenuidad de la protagonista, su manera de hablar y el lenguaje soez puede suscitar dos emociones diametralmente opuestas: la risa plena o la absoluta falta de afinidad.

FICHA TECNICA:

Autora: Sabrina Mateos.

Dirección y puesta en escena: Federico Mini.

Elenco: Sabrina Mateos, Federico Mini, Ada García, Ariel Cuño.

Asistencia de dirección y stage: Ariel Cuño, Joaquín Junco.

Fotografia: Jorge Tieghi.

Diseño grafico: Exequiel Abreu.

Luces y sonido: Mariano Alvarez.

Produccion ejecutiva: Sabrina Mateos.

Produccion general: Sabrina Mateos, Federico Mini.

*Desde el 10 de enero, todos los miércoles a las 21hs., en el Espacio Colette, Paseo la Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A., Argentina.

*Reservas: 011 6320-5300. Costo de entrada: $200 (Jubilados y estudiantes $150).

América Sánchez

Reseña: La ira de Narciso

La obra de teatro en cuestión se trata de un un monólogo en primera persona que relata la estadía del autor, Sergio Blanco, en la ciudad de Lubliana a donde es invitado para dictar una conferencia sobre el mito de Narciso. El mito de Narciso tiene como escenario una habitación de hotel, la 228.

Siguiendo la línea de autoficción en la cual el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco viene incursionando desde hace ya algunos años, La ira de Narciso es un monólogo que relata la estadía del autor en la ciudad de Liubliana a donde es invitado para dictar una conferencia magistral sobre el célebre mito de Narciso. La obra nos narra los últimos preparativos de dicha conferencia al mismo tiempo que da cuenta también de los distintos encuentros que el autor mantiene en su habitación de hotel con un joven esloveno que acaba de conocer.

Gerardo Otero, es el mismo y es Sergio Blanco, que prepara una conferencia sobre célebre mito y el arte, que a su vez tiene encuentros esporádicos en su habitación con un joven llamado Igor.

El autor-personaje encontrará a medida que transcurre su estancia, manchas de sangre en la pared que harán que la historia sobre su estadía profesional, se convierta en un misterio a resolver.

Gran actuación de Gerardo Otero como único personaje en escena, que se mueve como si él realmente fuera el autor de la obra. Va pasando por un sinfín de emociones, tristeza, alegría, pasión. Tocando temas como la soledad, la sexualidad, la desesperanza y la adicción.

Un escenario despojado pero muy pensado, con luces, música y proyecciones, que hacen que el actor realmente se luzca.

Ficha Técnica:

Texto: Sergio Blanco

Dirección: Corina Fiorillo

Actuación: Gerardo Otero

Asistencia de dirección: María García de Oteyza

Escenografía y Vestuario: Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación: Ricardo Sica

Prensa: Marisol Cambre

Fotos Gráfica: Sebastián Arpesella

Fotos Escena: Leandro Otero

Preparación física actoral: Vivi Iaspina

Video: Francisco Castro Pizzo

Diseño gráfico: El Fantasma de Heredia

Producción: Jonathan Zak y Maxime Seugé

Funciones: jueves y viernes 20.30 h

TIMBRe4 | México 3554 | 4932.4395 | CABA

Localidades $300 en boletería y $270 por compra online

Entradas a través de http://www.timbre4.com: click

En Facebook: La ira de Narciso: Click

Hasta el 25 de mayo

Reseña: «Frágil» un unipersonal de Sebastián Wainraich

Está claro que el stand up es un género que se encuentra más que presente en la actualidad aunque existan algunos detractores de este tipo de humor en teatro. Sebastián Wainraich es uno de los mayores exponentes que hay en nuestro país , logrando en esta ocasión brindar un espectáculo que le hace honor a este tipo de comedia pero que también logra orquestar una puesta integra desde lo teatral , jugando con el humor y el público.

Frágil recorre mucho de los estadíos que frecuenta el stand up, los monologos que funcionan como crítica hacia uno mismo , a la sociedad y sus costumbres, siempre dirigido al humor constante a través de los chistes y las parodias de situaciones de la vida cotidiana. Eso está presente , pero también Wainraich se toma el trabajo de realizar construcción de personajes para realizar sus números humorísticos , pasando por personajes del mundo del fútbol , del género femenino, y de él mismo como padre y persona. Una historia se construye en ese camino pero no se olvida de que la gente está ahí para reírse , así que juega con ellos , les habla , fastidia a los que llegan tarde para saber que en ese show el espectador está presente, que es un elemento fundamental del espectáculo.

Cabe destacar el trabajo del comediante, que más allá de sus logrados personajes y manejo del humor , hace uso de un escenario como el del Maipo para hacer un espectáculo completo en espacio , escenografía y música. La respuesta del espectador es necesaria y eso se debe al trabajo que el artista realiza para alentar dicha respuesta , que se logra de forma natural y sin necesidad de forzar situaciones.

Quizá al ser un show en el que el stand up está presente , no se puede relatar mucho en la reseña sobre que se habló o que chistes se realizaron . Basta decir que es un show fresco , con diferentes temas a tratar y con algo más que el chiste , aquella reflexión personal del actor que complementa a la comedia.

Frágil, como hace honor a su nombre , habla sobre el ser humano y sus fragilidades , utilizadas para reírnos de ella , aunque hacia su final de una forma más reflexiva que paródica. Toca aclarar que próximamente el show tendrá su espacio en el teatro Liceo comedy, que se inaugura para brindar espectáculos de comedia y stand up. Sea cualquier teatro en el que se exhiba, Wainraich hace suyo aquel espectáculo rico en humor y personajes.

FRÁGIL EN EL TEATRO MAIPO
Día: De jueves a sábados
Hora: 21.30
Lugar: Teatro Maipo (Esmeralda 443)
Tickets: Plateanet (11 5236 3000), enwww.plateanet.com y en la boletería del teatro.

REDES SOCIALES
IG: /sebawainraichok/
TW: @sebawainraichok |
IG de Frágil: @wainraichenfragil |

Daniel Alvarez