En el día de su compromiso Darío despierta al lado de una mujer que no es su novia, Renata, una completa desconocida.
¿Es una trampa tendida por su ex mujer o por su suegro?
¿Una broma pesada de sus amigos?. ¿Una estafa?
Esta misteriosa aparición no será la única y otros personajes van invadiendo la casa.

Soy tu Karma es una comedia metafísica de WHO, que cuenta la historia de un español arribista, a punto de casarse con la hija de un matrimonio de la clase alta argentina, pero que justo antes de anunciar oficialmente su ingreso a la familia, se ve enredado en una situación que lo obliga a enfrentarse a sus errores y replantear sus planes. Un extraño personaje aparece en el placard de la casa de sus suegros (con el simbolismo que esto implica) y, aunque no sabe muy bien qué, le reclama que resuelva un conflicto, que limpie su conciencia y haga las cosas bien de una vez. Este personaje resulta ser una reencarnación futura de su espíritu, que en ese futuro tiene un conflicto que no puede resolver si no limpia su karma, y por eso decide hacer un viaje espiritual al pasado para reencontrarse con él.

“Lo que niegas te somete y lo que aceptas te transforma” es la frase de Carl Jung que abre el film, y la moraleja que éste nos deja. Pero ese no es el único mensaje de la película. En reiteradas ocasiones, los personajes mencionan que tienen que dejar de ver comedias de enredos hollywoodenses y comenzar a ver más cine iraní. Parecería ser un mensaje un tanto extraño, tratándose justamente de una comedia de enredos, salvo por el detalle de que no es para nada hollywoodense. Tampoco es un documental iraní, claro está, pero la representación de la idiosincrasia de cierta clase social argentina y el poco convencional elenco hacen que esta comedia tenga su condimento especial. La mezcla de nacionalidades sumada a los diversos contextos en los que estos actores se han desempeñado, forman un grupo armónicamente diverso. Creo que siempre es valorable destacar y promover la producción cinematográfica nacional, ya sea la independiente, que se mueve por el circuito de festivales internacionales, o bien incluso la comercial, que favorece el constante crecimiento de la industria y atrae a un público cada vez más masivo hacia un cine popularmente desatendido.

Respecto de los aspectos más formales, la construcción de los personajes está bien realizada y muestra un sano balance entre el cliché absoluto y el estereotipo del que parte todo personaje cómico. A nivel visual resulta muy atractivo el diseño de arte de la película, especialmente la utilización del monocromo en espacios y vestuarios.

En resumen, se trata de una comedia liviana que, así como nos invita a divertirnos por un rato, también nos propone vivir más livianos.

Calificación: 7/10

ELENCO
Personajes Principales
Willy Toledo – Darío
Ana María Orozco – Renata
Florencia Peña – Nuria
Reparto
Liz Solari – Margarita
Boy Olmi – Ricardo
Silvia Perez – Teresa
Leonora Balcarce – Melisa
Luisa Kuliok – Amanda
Gino Renni – Supervisor
Ariel Nuñez – Vaccaro
Emilio Disi – Aviador


Datos Técnicos
Duración: 80 min
Director: WHO
Guionista: Gustavo Cornillon
Productora: Del Toro Films
Productor Ejecutivo: Néstor Sánchez Sotelo
Asistente de Dirección: Martin “Oso” Armoya
Director de Fotografía: Leonel Pazos Scioli / Editor: Guille Gatti
Dirección de Arte: Cecilia Castro / Vestuario: La Polilla
Diseño de Sonido / Música: Pablo Sala

Estreno : 23 de noviembre.

Sol Grunschlager

Hemos podido ver la película Desaparecido, protagonizada por la actriz Halley Berry. El film, narra la historia de una madre que hace todo lo posible para recuperar a su hijo que fue secuestrado.

¿Qué harías si mientras disfrutas de una tarde en la plaza con tu hijo el pequeño desaparece? Caminas rápido, gritando su nombre, nadie responde. La adrenalina sube por tu garganta. De pronto, lo ves: una mujer forcejea y lo mete en el interior de un auto.

Esta madre no se detendrá ante nada para recuperar a su hijo, ¡se metieron con la madre equivocada!

Desaparecido cuenta la historia de Karla Dyson (Berry), una mesera de Nueva Orleand y madre de un niño llamado Frankei (Sage Correa), a quien una tarde de paseo por el parque lo secuestran, siendo Karla testigo del rapto de su hijo. A causa de este acontecimiento pondrá en riesgo su vida para salvar a su hijo de los secuestradores y no desaparezca como otros niños. La película refleja lo que una madre es capaz de hacer para proteger a sus hijos. 

El “thriller” dirigido por Luis Prieto comienza  bastante bien, pero poco a poco empieza a decaer el interés, a causa del guion insuficiente y poco concluyente.

Es una película entretenida con una trama bastante predecible, pero con interpretaciones buenas, es un para mirar un día en que no sepas que ver o para pasar el tiempo.

Calificación 7/10

Duración: 94 minutos

Reparto: Halle Berry, Sage Correa, Dana Gourrier

Director: Luis Prieto

País de Origen: USA

Productor: Swen

Tamara Bucatay

Mañana se estrena en los cines del país el colosal documental Marea Humana (Human Flow) del aclamado artista plástico Ai Weiwei, que nos ofrece su visión poética y sincera de los refugiados en la actualidad. Tras filmar en 22 regiones del mundo, nos invita a conocer cuáles son las ciudades que se convirtieron en blanco de misiles, cómo sucede el desplazamiento masivo de quienes buscan amparo de la guerra y cuáles son las fronteras que permanecen cerradas para ellos. ¿Podemos llegar a imaginar cómo es quedar varado tras el alambre de púas, armar campamento y esperar durante meses la ayuda de los organismos internacionales, sin la certeza de si se presentará?

Oriente, esa parte del planeta que hoy en día más nos duele, es a la que el cineasta nos desea aproximar para que conozcamos a su gente. A pesar de la cruda realidad a la que las familias inmigrantes se somenten y a las zonas inhóspitas que la película pretende dar a conocer, carece de golpes bajos. En cambio, nos deslumbra con la belleza indescriptible de los paisajes y la identificación que podemos experimentar con esos hombres y sus preocupaciones, aún en medio de la profunda crisis del humanismo en la que estamos inmersos.

En las montañas de la región turca, un anciano y su esposa hablan a cámara sentados entre los yuyos. Él no puede meter bocadillo, lo intenta pero ella no lo deja; su verborragia se lo impide. Expresa con velocidad y hondo dolor lo que pasó en la ciudad y cómo la guerra afectó a toda la sociedad. Explica que hay quienes, como ellos, se quedan a vivir entre los escombros. Otros embarcan al mar, sin la certeza de si será su medio de escape o su tumba, provocando el oleaje humano que desemboca en las hostiles costas vecinas.

Mientras tanto, en tierra firme, los diferentes tipos de campamentos y asentamientos de refugiados se expanden y varían en volumen, antigüedad y cimientos. También, nos asombra conocer aquellas zonas que se encuentran bloqueadas e impiden una necesaria inmigración, como Gaza, hogar de un grupo de mujeres jóvenes y agradables que hablan acerca de cuáles son sus sueños y explican cómo viven en esa prisión, como llaman a su país.

Desde noviembre hasta finales de febrero de 2017, Weiwei exhibirá en Fundación Proa (de Buenos Aires, barrio de La Boca) algunas de sus célebres obras, entre ellas, una adaptación local de Semillas de girasol. Se trata de cien millones de semillas de girasoles, cada una de ellas realizadas en porcelana y pintadas a mano por miles de artesanos. Aparentemente idénticas, pero únicas cada una, las semillas funcionan como una alusión al consumo masivo y a la producción industrial que caracteriza China, su país. La misma lógica mercantilista parece ser blanco de sus críticas en la película, que descarta a los seres humanos por su condición de refugiados y, por lo tanto, improductivos. En este punto, el documental explicita muy bien cómo el humanismo está en crisis en la actualidad y deja en evidencia las consecuencias que supone que los gobiernos sean inmunes al dolor de sus vecinos.

Marea Humana tiene una duración de 140 minutos y participará de la sección Panorama del 32° Festival del Mar del Plata 2017 (17 al 26 de noviembre). Debido a su extensión y a algunas fallas en el montaje que hacen que sea ardua de sostener hasta el final.

Vale la pena ir a verla al cine con un anotador y una lapicera en mano para tomar registro de los datos y los fragmentos literarios que el documental proporciona.

Calificación 8/10

Lara Salinas

DATOS PELÍCULA

Título original: Human Flow
Dirección: Ai Weiwei
Origen: Alemania . USA
Idioma: inglés – subtitulado castellano
Duración: 140 min
Guión: Boris Cheshirkov, Tim Finch, Chin-Chin Yap
Fotografía: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei
Montaje: Nils Pagh Andersen
Productora: 24 Media Production Company/
AC Films / Ai Weiwei Studio
Fecha de estreno: 23/11/2017
Distribuidora: LAT-E
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso

Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.

La historia se desarrolla en el barrio neoyorkino de Queens donde Connie y su hermano Nik, comenten el asalto a un banco con la idea de mudarse a las afueras y así vivir una vida tranquila. El plan les sale mal, y Nik, quién padece de un retraso madurativo, es encarcelado, Connie elabora un plan para sacarlo de ahí, pero todo comienza a complicarse aún más para él y sin darse cuenta se verá enredado en una difícil seguidilla de dificultades que lo pondrán a contrarreloj.

Rodada en las calles de New York , de una forma muy realista, esta es la quinta película de los hermanos Safdie, cineastas independientes, que con Good Time, han logrado llegar a Cannes.

Una película que inquieta en todo momento al espectador, acompañada con la frenética banda de sonora de Oneohtrix Point Never, que culmina con un recitado del legendario Iggy Pop en los títulos finales.

Con una extraordinaria combinación de actores, en la cuál se resalta Robert Pattinson, quien logró alejarse completamente del papel galán que le otorgó la saga de “Crepúsculo”, y transformarse en alguien irreconocible, en este delincuente de poca monta con una espectacular interpretación.

Un thriller intenso que logra combinar matices sociales, familiares y psicológicos.

Calificación: 7.5/10

Ficha técnica

Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.

Director: Benny Safdie, Josh Safdie.

País de Origen: USA

Productor: CDC

Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:

International Cinephile Society Awards.

Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie

Distribución : BDF ARGENTINA

Julieta Ale

Djam es una chica joven, bonita y desprejuiciada, que vive en la isla griega de Lesbos. Su padrastro la envía a Estambul con un extraño encargo para una joven: reparar una pesada biela para su barco, una embarcación de turistas, ahora sin funcionamiento.

En viaje, conoce a Avril, una joven francesa que ha venido como voluntaria para ayudar a los refugiados, y que abandonada por su novio quedó sola y sin dinero. Djam se compadece y la hace su compañera de viaje, en su azaroso periplo. Consigue el repuesto que le encargaron, luego se lo roban y lo recupera con argucias. Las chicas se separan cuando Djam va a un
baño de una estación de servicio y el transporte se marcha sin ella. Djam
emprende el camino por la ruta, sin dinero y sin su encargo, en tanto Avril vuelve en taxi a buscarla hasta que por fin se encuentran. El taxista levanta a un hombre que pide ayuda para su hijo y cuando llegan, encuentran al hijo cavando un pozo
para acostarse y morir, ya que todo lo ha perdido.

A lo largo de este film de extrañas peripecias, se observa la angustia de hombres y mujeres que han perdido sus bienes cuando estalla la crisis financiera del 2009, y los bancos se apropian de todo. Aquello que veíamos en las pantallas de T.V.,
es el marco donde transcurre el relato: gente a la cual le arrebatan su pasado, le hipotecan su futuro, le aplastan sus esperanzas. Algo con muchas semejanzas a lo que conocimos en nuestro país en el 2001.

La miserabilidad del mundo
marchando esplendorosa, tal carnaval injurioso, parábola de los ciegos
bruegheliana, tosca, brutal, inhumana. El contrapunto con Djam es su desprejuicio, su juventud, su rebeldía instintiva, su naturaleza indomable, una suerte de Carmen moderna, y como tal caótica, soez,
infalible como un rayo para discernir lo que está bien, de aquello que está mal. Ésto es lo que atrae a Avril, lo que ama su padrastro, lo que resulta atractivo de Djam: no darse vencida, ni aún vencida.

Una de las paradas en el regreso, es por la casa del abuelo ya fallecido: allí
recogen papeles, fotos, discos, cosas que su padrastro le solicitó y que, en una emotiva escena juntos, le cuenta cuando la conoció de niña, como se enamoró de su madre y que aún la recuerda. También la familia de Djam sufre la expropiación del restaurante familiar. Es entonces que todos parten en la embarcación reparada, al mar, a reconstruirse, a lo que la vida les presente.

La actriz belga Daphne Patakia construye un personaje osado y tierno. Mucho de lo interesante del film se debe a su trabajo.

Guión y Dirección: Tony Gatlif
Fotografía: Patrick Ghiringhelli
Elenco: Daphne Patakia, Maryne Cayon, Simón Abkarian
País: Francia

Estreno en Argentina: 30 de noviembre.

A. R. Belano

La rutina de la vida, el día a día, el trabajo, el descanso, el amor y la poesía. Todo eso es Paterson, la última película del siempre original Jim Jarmusch.

Desde el nombre de su última ficción Jarmusch está jugando con la dualidad, ya que Paterson es el nombre del pueblo donde vive Paterson, el protagonista de la película, encarnado por Adam Driver quien es conductor de colectivo. Las repeticiones aquí no serán casualidad y se darán más a lo largo del film. De hecho, a base de repeticiones se construye la película. La vida de una persona normal, sin muchas complicaciones, con días simples y comunes, repetitivos como los de cualquier trabajador, son el eje principal de la historia: el despertador no suena, pero Paterson se despierta siempre a la misma hora; el camino al trabajo es siempre el mismo; la ruta del colectivo es igual todos los días; a la noche un rato de charla con su novia, el paseo con el perro, el bar y luego ir a dormir. Poco pareciera suceder en la vida de Paterson, pero él sabe observar lo cotidiano de una forma diferente, encuentra en lo usual una visión renovada, porque Paterson es un poeta, y la poesía se nutre de cualquier aspecto de la vida, hasta de lo que pareciera ser más sencillo y banal.

Durante esa rutina de la vida diaria, Paterson llena las hojas de su cuaderno con distintas poesías, reflexiones que hace de lo que le sucede. Una caja de fósforos se convierte en un poema de amor, la poesía de una niña en una profunda inspiración poética. Paterson siente en su interior esa necesidad que vive en los artistas de expresarse en un lenguaje propio, profundo, mientras el tiempo pasa y la vida sucede a su alrededor.

Jarmusch es un artista y su lenguaje el cine, con el cual nos transmite, de forma sutil y simple, esa segunda visión de la vida, esa visión más despierta e interesante, en la cual lo que se observa no es siempre igual, porque todo cambia, porque el tiempo corre, como las cascadas que se sienta a ver Paterson todos los días en el horario del almuerzo. Esta película transmite esa sensación, la de que todo lo que nos sucede es un acto mágico e inesperado del cual no conocemos nada y gracias al cual podemos conocer mucho de nosotros y del mundo. Paterson cree saber cómo serán los días, pero en la semana que vivimos con él, habrá pequeños cambios, inesperados, repentinos, mínimos que harán que se encuentre más consigo mismo.

Estamos ante una de las películas más sólidas del director norteamericano que sabe cómo mantener su originalidad y características personales más allá del éxito y reconocimiento internacional que ha tenido. Sabe cómo mantener su cine en una línea independiente y opuesta al cine convencional, pero no por eso es de difícil acceso al público. Es un director que no pretende y no defrauda, su cine es simple, directo, sobrio y claro y Paterson es uno de los mejores ejemplos de esto. Una película pasiva y silenciosa, bella en todos sus aspectos, gracias a la cual saldremos de la sala con una sensación de tranquilidad y paz.

9/10

Ian Quintana