Por Sofía Luna Roberts

¿Por qué en lo extremo, en la adrenalina existe esa llamativa emoción que nos despierta y hace darnos cuenta de que estamos vivos? La aventura nos permite vincularnos con ese lado que solemos ocultar debido al “modo automático” que estamos acostumbrados como sociedad. Las imágenes, historias de vida, los documentales cumplen la función de acercarnos un poco a esa vida fuera de lo cotidiano, fuera de la ciudad, de cualquier inseguridad posible. Los paisajes y las culturas lejanas, las inspiradoras historias de vida y la unión con la naturaleza, son los temas que se verán reflejados a través de la pantalla del Banff Mountain Film Festival World Tour. La Gira 2022 llegará a la Argentina para presentarse en 6 ciudades de nuestro país: comenzará en San Carlos de Bariloche, del 11 al 13 de agosto, y sus funciones seguirán en San Martín de los Andes, del 18 al 20 de agosto; y llegarán al Teatro Coliseo de la Ciudad de Buenos Aires, el 29 y 30 de agosto y el 5 de septiembre. Luego la Gira continuará por Mendoza los días 3 y 4 de octubre y culminará los días 11 y 12 de noviembre, en El Calafate.

En esta edición 2022, el programa incluye una selección de 14 cortometrajes y películas documentales que provienen de países como Canadá, Austria, Noruega, Francia y Estados Unidos. Entre los films internacionales, “Exit the North Pole” es una de las favoritas. Este documental noruego retrata la experiencia de Børge Ousland, junto a su acompañante Mike Horn, donde ambos emprenden una travesía de esquí de 1.500 kms, a través del casquete polar, con temperaturas inferiores a los -30° C y viajando casi siempre en la oscuridad.

La tercera función del evento estuvo dedicada solamente a los realizadores argentinos que se presentaron durante el Festival Nacional de Cine Aventura. Entre las 6 películas elegidas, se podrá ver “Cerro Torre Climb & Fly”, con dirección de Mario Heller. Un film que cuenta la gran aventura de tres escaladores y parapentistas, donde toma una enorme presencia el barilochense Pablo Pontoriero, durante su ascenso por el Cerro Torre y su victorioso descenso en parapente hasta la ciudad de El Chaltén. Otro de los films será “100”, un documental de Alejandro Rivera que refleja las vivencias del corredor argentino Santos Gabriel Rueda, mientras completa los 100 kms de Bariloche 100 Ultra Trail, competencia de trail running más duras de la Argentina en plena montaña.

Luego se presentó “Argentina sin atajos”, el viaje de Nacho Saso por el país durante 18 meses en moto, después de renunciar a su trabajo monótono y a su compromiso de matrimonio. El film de la directora Bianca Fidani, “La travesía de corsario”, será el siguiente relatando la historia de Martina sobre el sentido del éxito en el deporte, el disfrute, las presiones y el objetivo final; generando una analogía entre la realidad y los videojuegos estilo retro de los años ‘80. Seguidamente, se presentó “Sueños de Chañi”, un documental dirigido por Chelo Sossa donde nos muestra la vida de Armando, nacido y criado en la puna Jujeña, encomienda su sueño al tata Chañi, quien lo escucha y lo ayuda a lograr su propósito junto a su fiel compañera de cumbre. Y por último, la directora Emily Hopcian nos presenta “Durga: forjando un nuevo sendero” y nos relata la historia de Durga Rawal, quien siempre buscó una independencia hasta que se convierte en la primera guía de su aldea, en Nepal. De esta forma, no solo cambió su rumbo y las expectativas que la sociedad, y su familia, tenían sobre ella sino también las esperanzas de futuras generaciones.

Éstas historias de vida, de superación, de aventuras únicas son lecciones que nos ayudan a seguir y cumplir nuestros objetivos de vida. Logran una fuerte empatía con los espectadores ya que no sólo muestran paisajes inmensos y culturas lejanas, sino también presentan los miedos e inseguridades de los exploradores a la hora de seguir sus sueños. Nos brindan la oportunidad de compartir experiencias e inspirarnos con personas que se superan a través de la aventura y enfrentan increíbles retos en la naturaleza.

Emergencia en el aire (Han Rae-jim, 2022, Corea del Sur)

Volar puede ser una experiencia traumática para muchos, el solo hecho de saber que  una vez estando arriba cualquier emergencia puede significar la vida o muerte, aunque las estadísticas arrojan que hay pocas probabilidades de sobrevivir  ante lo peor.

»Un investigador farmacéutico amenaza con matar a los pasajeros del avión en el que viaja, lo que da paso al caos, desesperación y miedo, no solo dentro del avión, también en el planeta». Esta es la premisa del thriller surcoreano de Han Rae- jim.Los actores surcoreanos conocidos Song Kang, jo (Parasite) y 

Lee Byung-hun (El Juego del calamar) encabezan a los protagonistas de este thriller.
Un avión, 121 pasajeros, una amenaza invisible, un único objetivo: aterrizar a salvo. Bajo estos  condimentos narrativos este thriller de dos horas nos sumerge en una tensión apabullante,  todo esto con la clásica del género de acción en el aire de Hollywood pero con una impronta muy coreana.
Emergencia en el aire es una mezcla entre Vuelo 93 (Paul Greengrass, 2003), Contagion (Steven Soderbergh) y un sinfín de películas que ya hemos visto sobre amenazas aeroportuarias. No es nada innovador lo que veremos, pero si se garantiza una experiencia única marcada con una dirección ingeniosa,
El director es sobrio a la hora de retratar este filme de acción, utiliza la cámara en mano y ángulos interesantes de cámara que le dan protagonismo al avión. El melodrama está servido pues es la esencia del cine coreano, sin embargo este no recae en abuso, se siente parte de los personajes en su situación. 

Emergencia en el aire (Emergency alert) es una película que desespera, angustia y sorprende. Un thriller de acción que no tiene pérdida y debe verse obligatoriamente en el cine aunque sabemos que la propuesta ya está refrita.

Calificación 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. 

Vértigo (Fall, Scott Mann, 2022)


Advertencia: Si tienes fobia a las alturas, esta película no será la indicada para ti,


El haber traducido al castellano como Vértigo (su nombre original es Fall) este filme, suele ser un sacrilegio para los amantes del cine pues es una ofensa al clásico de Hitchcok, aunque si bien ambos protagonistas poseen miedo a las alturas, la comparación es inaudita.

Vértigo se resume de la siguiente manera: Para Becky y Hunter, la vida trata de superar tus miedos y empujar tus límites. Sin embargo, después de subir hasta la cima de una torre de comunicaciones abandonada, se encuentran atrapadas y sin forma de bajar. A 600 metros del suelo y totalmente alejadas de la civilización, las chicas pondrán a prueba sus habilidades de escaladoras expertas y lucharán desesperadamente por sobrevivir aunque lo tengan todo en contra.


 No es más que eso pues es lo que importa de la trama, ver como sobreviven. Hay un drama de fondo pero lo que menos importa, lo que realmente interesa es cómo sobreviven. Grace Fulton y Virginia Gardner son las actrices que encarnan a estas amigas aventureras. Las dos  hacen una interpretación decente ante lo inaceptable del guión de Jonathan Frank y el propio guión, es un desastre argumentativo.


Vértigo es deficiente en sus argumentos, y una de las cosas que caen además de los clavos oxidados de la torre,  es lo verosímil, lo lógico y cuerdo, pero la película es consciente de todas sus fallas y las acepta, lo cual es curioso  ya que construye un thriller de supervivencia estilo 127 horas y 47 metros profundo, la diferencia es que  estas tenían un drama interesante, esta lo tiene pero no importa, de hecho sin diálogos y sin historia hubiera sido más productiva.


No todo es negativo pues los efectos visuales son prácticos y las chicas si estuvieron colgadas en una torre (no tan alta obvio). Los ángulos de cámara son inmersivos por lo que te puedes meter dentro del filme, a su vez ayuda el diseño de sonido que pone los nervios de punta. En IMAX puede ser una experiencia angustiante para los que teman de las alturas. Vértigo no es buena pero es clara en lo que quiere transmitir: ganas de agarrarse con fuerza al asiento.


Calificación: 5/10


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Madres argentinas


Desde inicios del cine se ha retratado la imagen de la madre como una mujer abnegada que todo lo puede, especialmente en latinoamérica con la proliferación de las telenovelas que son producto del imaginario popular. La visión de la madre que lucha por su familia sin ayuda de un hombre, hoy en día es un cliché y una representación desfasada que sigue estando en las producciones actuales..

Marcos Carnevale es conocido por dirigir y producir comedias familiares y dirigidas a un público que vivió los 90 a flor de piel y replica su humor hoy.  Luego del gran éxito  en ventas y su posterior adaptación al  teatro, la novela de Hernán Casciari llega al cine con Florencia Peña y Diego Peretti como protagonistas.


»Mirta es una ama de casa de 50 años a la que el mundo se le cae abajo cuando la crisis económica de 2001 arruina a su familia llevándola de la clase media a la pobreza absoluta. Su vida se convierte en un infierno y deberá desarrollar un humor a prueba de balas para convertir cada desgracia en una lección de vida.» Es la sinopsis de esta comedia argentina.


Más respeto que soy tu madre es simpática y una comedia llena de clichés y obviedades, digna de película de domingo en Telefe. Florencia Peña rompe la cuarta pared desde el inicio, es la narradora de una historia clásica, muy familiar y empalagosa. La ciudad de Mercedes es escogida para la fotografía del filme, con una música y puesta en escena muy »tana», con Diego Peretti haciendo de nonno rockero con un porro en la boca.


Más respeto que soy tu madre te hace no pensar  y a la vez querer enviar memes mientras la ves. Una historia simple y predecible que recuerda mucho a Esperando la Carroza, usando el género grotesco criollo. Es… lo que es, el poster ya dice cómo será y el filme está claro a qué público se dirige, en mi caso, paso.


Calificación: 5/10


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crimenes con sello argentino

En estos últimos años se ha vuelto tendencia el cine criminal inspirado en casos reales. Una impronta muy nacional, casos que dejaron atónitos a la opinión pública por su grado de complejidad y también porque hoy en día muchos siguen impunes.
Los antecedentes que preceden al siguiente filme son por ejemplo, El robo del siglo (Ariel Winogard, 2020) o la más reciente serie de HBO max sobre el caso de María Marta Belsunce.

Lucas Combina Un crimen argentino, su primer largometraje cómo director:

«Basado en un hecho real ocurrido en los años 80: la intrigante desaparición de un hombre de negocios en la ciudad de Rosario, en el marco de la dictadura militar argentina. El caso es asignado a dos secretarios de un juzgado de instrucción pocas semanas antes de que uno de ellos emigre a España. En una carrera contra el tiempo ambos juristas intentarán resolver el caso enfrentando las interferencias de una policía subordinada al poder represor»

La joven promesa de la actuación Nicolás Francella (hijo de Guillermo Francella) es el protagonista de esta historia junto a Luis Luque. Ambos son detectives encargados de este caso. Rita Cortese y Darío Grandinetti forman parte del elenco.

Tanto Luque cómo Francella poseen una buena química actoral en una película de narrativa clásica. Los elementos del cine negro son aplicados: La historia de un policía que persigue un caso complicado y sus posibles sospechosos, cae en las trampas del asesino y termina (o no) con la resolución del crimen.

El resultado es decente sin sobresaltos, pues es una formula ya vista, sin embargo posee una buena ambientación de época de la ciudad de Rosario, así como también la caracterización de los personajes.

Un crimen argentino se pasea por todas las convenciones del nuevo cine negro argentino, otorgando un producto que oscila entre el thriller y la comedia. Sin embargo posee revelaciones interesantes que no son predecibles, se encarga de mostrar la oscuridad de este suceso, concluyendo en un episodio similar a CSI pero con sello argentino. Dario Grandinetti está impecable en este rol lleno de matices y laberintos actorales.


Calificación: 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Nope (Jordan Peele, 2022)

Luego del rotundo éxito de Get Out, su primer filme, y de la interesante pero regular Us llega Jordan Peele apuntando la vara más alto con su película de mayor presupuesto: Nope!

Nope o nop en español puede parecer a una negación poco seria ante algo que es obvio, esta palabra estará en gran parte del guión de la película pues, el tema a tratar son OVNIS y raptos, lo que está arriba es de no creer así que podemos decir: Nop, no está pasando.

Nop en parte refleja un homenaje al cine de sus inicios al recordar las primeras cámaras grabadoras, la primera secuencia en movimiento y los escenarios western. Hay mucha sátira y crítica al mundo del cine, lo cual la hace ligera con sus comentarios y momentos chistosos. Al momento de ponerse tensa lo hace muy bien y logra meternos en la atmósfera que Peele sabe recrear. Es una mezcla de géneros no compatibles entre sí: terror, ciencia ficción, western y comedia. Se vuelve una película que atrapa desde el primer minuto con un par de plots interesantes, sin embargo queda vacía y sin respuestas.

Es un filme de mayor presupuesto con un diseño de sonido espeluznante, una fotografía en luz natural delicada. Daniel Kaluuya monótono y aburrido, una Keke Palmer eléctrica y divertida que se vuelve el personaje que hace efecto gancho.
Queda muy corta a pesar de su duración, entonces preferimos las tramas más simples de sus primeras películas.

Sin embargo merece ser vista en el cine pues toda una experiencia pero Nop, no es mala pero si olvidable.

Calificación: 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Daniel Alvarez

Dragon Ball es una franquicia tan longeva como exitosa, su éxito ha seguido luego de que volviera a la gran pantalla con «La batalla de los dioses» y que derivaría a una serie que continúa las historias de Goku y compañía. También vinieron varias películas, y que por su éxito nos llega este nuevo capítulo que no tardaremos en analizar.

Vamos a decir la verdad, los films para cine de Dragon Ball nunca tuvieron historias con mucha inspiración,  han servido para reunir personajes ya conocidos de la franquicia y mostrar una gran batalla para los fans que apelan a la nostalgia. Si es una realidad que con la aparición de la serie Super, han tratado de introducir cosas nuevas pertenecientes a esta generación,  pero que en fin siempre se ha tratado de revivir cosas ya conocidas para el disfrute y entendimiento de todo su público. Este film vuelve a los sucesos de la patrulla roja, la creación de androides (de donde salieron número 17 y 18, y también el reconocido villano Cell). Afortunadamente al inicio se hace un repaso completo de toda esta historia para llevarnos directamente al presente con casi toda la problemática explicada .

Acá toca aclarar algo, que puede parecer spoiler pero si es algo que se tiene que tener en cuenta para ver el film. La película no está protagonizada ni por Goku ni Vegeta, sino que se le da lugar a otros personajes como Picolo y Gohan, quienes son los encargados en esta ocasión de derrotar a los villanos. Si bien es extraño acercarse a esta historia con la presencia bastante reducida de los personajes favoritos de todos, la realidad es que termina siendo un soplo de aire fresco, ya que permite desarrollar los hechos de otra manera a lo que veníamos acostumbrados, al menos en cine.

En cuanto a la animación, puede que también algunas cosas nos parezcan extrañas ya que muchas de las escenas están desarroladas a través de la animación actual, algunos detalles en 3d y acabados digitales que se hacen notar pero que al final mantiene toda la escencia del Dragon Ball de siempre. Las escenas de acción de disfrutan por todo lo alto, desde la animación de los personajes, colores y efectos que ya nos tienen acostumbrados.

Dragon Ball Super: Super Hero es una película más que entretenida. Que si bien esta hecho para que los vean los fans del anime, es una realidad que nos trae un film fresco y mejor que las últimas experiencias de cine cine hemos visto. Puede que se le extrañe un poco a Goku, pero el resto de los personajes hacen todo para notar que ellos también tienen relevancia y pueden cargar con una película sobre sus hombros.

Calificación 7.5/10

I

El universo de Adrián Suar

Adrián Suar no necesita presentación, ya es parte de la leyenda de la televisión y el cine en Argentina. Actor, productor, director y guionista, su trayectoria con Pol-ka y Canal 13 sigue siendo relevante hoy en día en el cono sur, aunque causa reservas cuando se trata de una nueva película de él.

«Luego de estar años separado de su esposa, «El Turbo» (Adrián Suar) acepta el pedido de su hija en que convivan nuevamente por 30 días con su ex esposa que se está recuperando de una larga internación. La nueva vida en familia podría reavivar los sentimientos de amor y la ilusión de estar juntos».

Pilar Gamboa y el mismo Suar protagonizan esta comedia romántica grabada enteramente en Buenos Aires.
Suar hace nuevame de Suar: un hombre de clase media alta que tiene problemas con su mujer (o mujeres), lo tiene todo: casa, auto, dinero, prestigio pero pareciera no poder conectar con sus relaciones amorosas, son un total quilombo.

30 noches con mi ex es lo mismo que ya viene haciendo Suar desde antes «Un novio para mí mujer», solo que acá quien brilla en su máxima esencia es Pilar Gamboa, su carisma y energía hacen de este personaje entrañable.

Pilar interpreta a una paciente psiquiatra y acá puede generar cierta controversia, su interpretación es buena pero posiblemente no sea la más adecuada para los especialistas o personas que sufran dichos trastornos, pero como es el universo de Suar, supongo que sus espectadores la verán para desconectar el cerebro.

30 noches con mi ex es una comedia romántica evidente, tiene momentos hilarantes que se pueden volver memes, una Plar Gamboa que está increíble y más de lo mismo. Es una película que podría funcionar bien en televisión, no en el cine.

Calificación: 5/10.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

David Cronenberg siendo David Cronenberg

Para quienes no conozcan a este director canadiense y decidan ver su nuevo filme ‘Crimes of the future’, es mejor hacerlo con la mente abierta y el estómago vacío.
Cronenberg siempre estuvo decidido a hacer cine no convencional, desafiar los límites de lo normal, ético y normal, rozar y profundizar en temas polémicos y utilizando el cuerpo humano como un personaje más.

MUBI tiene el honor de presentar este 29 de julio en su plataforma Crimes of the future, la nueva película de David Cronenberg, la cual se puede resumir de la siguiente manera:

«Cuando la especie humana se adapta a un entorno artificial, el cuerpo humano es objeto de nuevas transformaciones y mutaciones. Con la ayuda de su compañera Caprice (Léa Seydoux), Saul Tenser (Viggo Mortensen), célebre artista escenifica la metamorfosis de sus órganos en espectáculos de vanguardia. Timlin (Kristen Stewart), una investigadora de la Oficina del Registro Nacional de Órganos, sigue de cerca sus prácticas».

Durante los primeros cinco minutos ya se muestra el impacto de las trémulas escenas que causan repulsión desde el inicio, este especie de prólogo con una delicada pero misteriosa banda sonora da inicio a un futuro distópico, decadente, abandonado y sucio. Dónde la nueva tecnología contrasta con la retro y los diseños de máquinas son animalescos y dieselpunk.

Es un filme cuya trama es interesante y original aunque queda corta, en un formato miniserie hubiera sido mejor desarrollada ya que el universo que plantea es único. Posee una sensualidad conflictiva y desagradable pero aún así se vuelve hipnótica durante escenas claves y muy floja durante la mitad.

Crimes of the future es David Cronenberg diciendo: Soy yo y esto soy yo. Disponible en MUBI el 29 de julio. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Calificación 7/10