Crítica: Reporte Clasificado

Reporte Clasificado (The Report, 2019), de Scott Z. Burns
Por Francisco Guerrero


A lo largo de siete años, el empleado de la CIA Daniel Jones (Adam Driver) junto con el Comité de Inteligencia del Senado, lleva a cabo una ardua investigación sobre las acusaciones de tortura realizadas por la agencia a sospechosos musulmanes para obtener información a raíz del 11 de septiembre.

Los atentados al World Trade Center en el año 2001 marcaron mucho más que el acto terrorista más grande jamás efectuado. Ser la puerta de entrada definitiva al nuevo milenio no está exenta de las representaciones en el arte. Y por eso me interesa hablar de lo que se logra en The Report, una película que no pone un énfasis tanto en el atentado en sí, si no en las repercusiones a nivel seguridad en lo que esto derivó. Es una película que logra una cierta empatía con los prisioneros musulmanes (algunos injustamente encarcelados) dando a conocer que algunos de ellos no tenían relación con las altas esferas del poder de Al-Qaeda. Los métodos para sacar información eran a base de torturas realmente insoportables. La película hace hincapié en la explicación de estos métodos (los cuales fueron ampliamente aprobados) y la exposición de los mismos, que logra desembocar en las escenas más crudas del film, incluyendo ahogamiento o privación del sueño.

Hay un juego político constante. La invisible, pero presente lucha entre demócratas y republicanos logra un conflicto de intereses en donde se plantea si realmente hay que dar a conocer la información y que pasaría si cesan los métodos de interrogación. En una escena se menciona que un ataque terrorista podría debilitar al partido demócrata por los próximos veinte años. Esto, debido al conocido extremismo del partido republicano y su recurso de la mano dura. Algo que la población estadounidense anhela luego de un atentado terrorista.
La película posee un ritmo ágil como ya este ha caracterizado a las biopics norteamericanas de los últimos años, que parecen no salirse de la fórmula y que logran un entretenimiento informativo muy eficaz. Bastará ver ejemplos como Vice, The Big Short o The Wolf of Wall Street.
En las actuaciones no hay mucho que se pueda resaltar. Ningún personaje resulta complejo ni con profundidad. Todos parecen ser arquetípicos sin ningún tipo de desarrollo ni evolución. Se puede observar en algunas escenas algún que otro arranque de enojo, pero todo vuelve a la normalidad luego de unos segundos, como si no hubiese ocurrido. Es lo que la película amerita. No hay un Adam Driver obsesionado al estilo Zodiac.
En cuanto a la fotografía, la película alterna entre una paleta azulada, cámaras fijas y movimientos sutiles para las escenas en donde está Daniel Jones con su respectiva investigación; y una paleta anaranjada, con cámara en mano y movimientos más bruscos para las escenas correspondientes al mundo por fuera de la investigación de Jones, dando un aire de intranquilidad. La fotografía resulta simple y con esto quiero decir que no toma riesgos y que a la hora de metraje (o incluso antes) ya podemos adelantarnos al plano que viene. Esto no comprende un desafío ni una sorpresa para el espectador, que debe concretarse puramente en los diálogos, a veces por demás explicativos.

The Report resulta una película muy entretenida y dinámica, no por eso memorable, pero logra darnos una visión más amplia sobre los hechos post-9/11 y de cómo las grandes esferas de seguridad estadounidenses harán hasta lo más descabellado como excusa para asegurar el bienestar de sus ciudadanos.

Calificación 6.5/10

Crítica: Doctor Sueño

Por Agustín Villegas

Stephen King compro Disney!

Sí, finalmente se animaron y filmaron una secuela de ‘EL RESPLANDOR’. Tengo en claro que la película se basa en la novela homonima de King, pero el director Mike Flanagan se animo a que la adaptación haga canon la versión cinematográfica de Stanley Kubrick ¿fue una buena decisión? ¿le falta el respeto a la original? … bueno, hablemos de eso.

Ewan McGregor se pone en la piel del adulto Danny Torrance (sí, el nene del triciclo), quien continúa lidiando con sus poderes psquicos (el ‘resplandor’) y con sus traumas tras lo sucedido en el Hotel Overlook. Tras años de excesos y descontrol el muchacho consigue estabilizar su vida en un pequeño pueblo, pero todo se va a ir al carajo cuando un grupo de … ¿vampiros deboradores de almas? Liderado por una tal Rose the Hat se obsesione con cazar a una jovencita (Kyliegh Curran) dotada de un ‘resplandor’ extramadamente fuerte.

La película tiene muchisimas virtudes. El apartado visual de Mike Flanagan deja en evidencia la libertad creativa que el director tuvo para esta idea, ya sea en lo exótico de los planos o en lo perturbadora que puede llegar a ser por momentos. Si bien agarra MUCHISIMO de la versión de Kubrick se podría decir que la película se vale mucho por si sola, no copia el estilo visual de su predecesora e intenta hacer algo nuevo. Los primeros dos actos se sienten como una continuación verosímil de lo visto en ‘The Shining’, mientras que el climax cae en un exceso de referencias y fan service que tira por la borda la personalidad y la fuerza que Flanagan le había puesto al concepto inicial.

El nivel actoral es MUY flojo. A Ewan McGregor no se le cree ni un poco ninguna de sus lineas, y esto se aplica a TODOS los personajes excepto a Fergusson, quien hace a una villana muy alocada, soberbia y visualmente intrigante. El problema está en los dialogos, son pésimos. La escritura es tan plana y cursi que ni siquiera la brillantez de lo visual la caretea. La mezcla de sonido es de lo mas brillante de la película, cada vez que un elemento meta físico va a hacer aparición de fondo escuchamos el palpitar de un corazón, haciendo que la atmósfera sea mucho mas atrapante para el espectador.

El ritmo de la historia esta bien nivelado, lo cual no quiere decir que la historia sea buena. Las cosas inexplicables de EL RESPLANDOR se explican se formas cutres y simplistas, se pierde mucho el misterio detras del Overlock y de sus fantasmagóricos habitantes. Volvemos a ver al pequeño Danny de la película original junto a su madre, interprerados (gracias a Dios) por actores nuevos y no por copias en CGI, idea que me parecio técnicamente brillante pero a nivel narrativo solo fue un fan service mas.

Aunque me queje del fan service de «DOCTOR SUEÑO» por tener que ser objetivo admito que disfrute mucho volver a ver el Overlook, la recreación que se hizo fue magnífica y como fan de EL RESPLANDOR (de la película, nunca me interese mucho en el libro) me sentí feliz por un rato. ¿la recomiendo? La verdad que sí. Esta lejos de ser perfecta pero si es tomada como un homenaje con sello personal pueden disfrutarla, a pesar de sus errores la volvería a ver.

Calificación 6/10

Crítica: Un día lluvioso en Nueva York

Por Macarena Maidana
“Un día lluvioso en Nueva York” (A rainy day in New York, 2019) es una comedia romántica escrita y dirigida por Woody Allen. Con un flamante joven elenco entre los que resaltan Timothée Chalamet (Call me by your name) Elle Fanning ( Maléfica) y Selena Gomez (Monte Carlo); y lo completan Liev Schreiber, Jude Law, Diego Luna Cherry Jones, Kelly Rohrbach, Rebecca Hall, Suki Waterhouse, entre otros.

Gatsby Welles (Timothée Chalamet) y Ashleigh Enright (Elle Fanning), son dos jóvenes que se conocieron en la universidad de artes de Yardley y se enamoraron . Ashleigh, reportera estudiantil, consigue una entrevista con Roland Pollard (Liev Schreiber),un famoso director de cine que está próximo a estrenar una nueva película, para la revista de la universidad . Ya que la entrevista debe llevarse a cabo en Manhattan, Gatsby decide acompañar a su novia y de paso llevarla de paseo por los lugares más románticos.
Para mala suerte de Gatsby, Ashleigh se verá involucrada en una serie de eventos inesperados con Pollard, el guionista Ted (Jude Law) y un reconocido actor llamado Francisco Vega (Diego Luna). Completamente convencido de que iba a desperdiciar su fin de semana en la gran ciudad, Gatsby se encontrará de casualidad con Chan (Selena Gomez),una estudiante de moda que, casualmente es la hermana de su ex novia.

Noventa minutos le bastaron al director para hacernos sentir parte de tan bella historia, con planos increíbles del Central Park, las constantes lluvias sobre la ciudad y hasta incluso, el Museo Metropolitano de Arte ( aka The Met); la cinta lleva de paseo al espectador por toda la travesía que vive Ashleigh en la Gran Manzana o logra que muevan el pie al ritmo del jazz, con tomas de Gatsby tocando el piano que son verdaderamente majestuosas.

No hay que dejarse llevar por los afiches porque, según mi criterio, acá las estrellas son Elle Fanning y Selena Gomez. Con un humor completamente inocente por parte de Fanning y la dosis justa de sarcasmo en los chistes por parte de Selena, mantienen a uno riendo o sonriendo la mayor parte de la película. Con la duración justa y un final encantador, la película invita a vivir momentos espontáneos y románticos durante todo momento.

Crítica: Terminator: Destino Oculto

Estamos en una época dónde ya nos acostumbramos a la resurrección de franquicias que han sido icónicas en el pasado, pero que su uso o abuso posterior las han llevado al desgaste, pero que siempre hay lugar para un glorioso regreso. El caso de Terminator Destino Oculto es algo similar a lo que sucedió con el regreso de halloween, si bien son géneros e historias completamente diferentes, guardan una relación al regresar tomando como línea argumental solo las mejores películas de la saga, borrando huella de las terribles continuaciones que han tenido.

Terminator Destino Oculto vendría a ser como la tercera película de la franquicia, de este modo nos olvidamos de la genérica pero entretenida Terminator 3, de ese experimento raro que fue Salvation, y sobre todo del horror que fue Génesis (En que estaban pensando al poner a Emilia Clarke como Sarah Connor). Si bien podría parecer un pequeño alimento a la nostalgia (otro más) hubo factores en esta adaptación, que la hacían por más atractiva. Primero es la producción por parte de James Cameron (Padre de la saga y director de las dos primeras películas), la dirección de Tim Miller (Que nos dió mucho con muy poco en Deadpool) , el regreso del T800 (Hey, Arnold), y lo más importante, el regreso de Linda Hamilton en el icónico personaje de Sarah Connor. La realidad es que uno de los motivos por los que las siguientes entregas no han funcionado del todo, más allá de cierto maltrato de la franquicia, fue el hecho de que no contaban con el personaje de Sarah, en esta entrega nos damos cuenta que la franquicia también radica en lo personal de su historia, en la lucha que ha iniciado para salvar al mundo y que sea invisible a los ojos de los demás , y sobre todo la lucha por salvar a su hijo y ser una madre a la vez.

La historia nos da un golpe drástico para con Sarah Connor, y aunque pueda resultar muy tajante en un principio, fue una decisión efectiva para que podamos ver cómo siguió su vida después de todo. La historia presente, lamentablemente no está tan bien desarrollado, ya que han optado en pisar por lo seguro y contar algo que ya hemos visto. El relato se reescribe nuevamente, y volvemos a tener una nueva guerra contras las máquinas (Más precisamente contra la inteligencia artificial) , volvemos a tener un nuevo robot asesino que viaja al pasado para ir contra un personaje clave para la resistencia, se desata la acción, llega alguien para protegernos, participación del T800 y bla, bla.. Como cinta de acción funciona muy bien, aunque pisa por lo seguro solo para contarnos efectivamente el drama del personaje más importante (No quien es clave para la nueva resistencia, sino Sarah, la que siempre importó). La vuelta del T800 lo hace de una manera casi absurda, que si bien siempre es un placer ver a Arnold en acción, la realidad es que se podrían haber ahorrado toda esa trama de robot jubilado que presentaron.

Terminator Destino Oculto es la mejor tercera parte que tiene esta saga, y que su mayor virtud es el regreso de Sarah Connor, con una Linda Hamilton comprometida con su papel como en las épocas de los films de Cameron. La realidad es que aunque su acción es dinámica y entretenida, la película pisa por lo seguro para darnos una trama un tanto genérica, más bien una evolución de Terminator 2 que no termina de convencer.

Calificación 6/10

Crítica: Rambo: Last Blood

Por Agustín Villegas

Reseña: Rambo – Last Blood

Cuando te haces el loco con uno mas loco que vos…

Recuerden, si van a secuestrar a una joven no secuestren a la sobrina de John Rambo, eso es mucho muy importante. Sylvester Stallone vuelve a interpretar al mítico ex combatiente de vietnam en una quinta entrega que se diferencia bastante del resto de la franquicia. Si bien el guión respeta las características básicas del gran John Salchichon (todavía lo vemos lidiando con su estres post traumatico originado en Vietnam) la película toma un camino genérico de PELÍCULA DE VENGANZA.

La historia se centra en un John Rambo retirado y relativamente alegre, habitando en el rancho que solía ser de su padre (el mismo que vimos al final de la cuarta película). Junto a el viven Maria Beltran, una amiga de la familia Rambo (… o algo así) y la nieta de ésta, personas que se convierten en la nueva familia del guerrero. La cosa se va un poco muy al carajo cuando la pibita decide huir a México para buscar a su papá, ya que al llegar es secuestrada por una red de trata de blancas. John se saca de quicio y junto a una periodista interpretada por Paz Vega va directo a enfrentar a los hermanos Martinez, lideres de esta diabólica organización.

En el reparto tenemos nombres como Sergio Peris-Mancheta, quien junto a Oscar Jaenada nos brindan unas geniales interpretaciones como los villanos del film. Unos hermanos tan perversos y crueles que la catarsis en el climax hace que se sienta hasta el hueso. Por otro lado tenemos a Yvette Montreal, la joven encargada de ponerse en la piel de Gabrielle, la sobrina adoptiva de Rambo y motivación principal del personaje. Ésta joven es mas un elemento argumental para justificar el regreso del Rambo que en teoría conocemos (los que vimos la primera película sabemos que el personaje es mas que eso), su actuación no es nada del otro mundo pero su rostro y expresiones consumen (en el mejor de los sentidos) toda escena en la que sale. El personaje de Paz Vega se nota que fue agregado a último momento en el guión, sus aportes a la trama estan forzados y brinda información que literalmente ya sabíamos. Y por último tenemos a un Stallone que no se esfuerza mucho en lo actoral. El tipo es uno de los escritores comerciales que mas sentimiento le pone a lo que escribe, todas sus historias estan compuestas por personajes duros pero sensibles, con hermosas relaciones interpersonales … pero su actuación en ‘Last Blood’ se la noto genérica y carente de fuerza. Dudo que sea la edad, mas bien creo que pasa por una zona de confort en la que el interprete se quedo guardado.

La historia en su simpleza funciona. Rambo es la violencia necesaria, la justicia en su estado mas animal, cada traquea que arranca, cada cuchillazo que pega se siente bien. Estamos lejos de ver una película perfecta, se nota mucho que el director Adrian Grunberg deja en evidencia que todavía es un director amateur, recordemos que estamos ante su segundo largometraje como director (el primero es el genial ‘GET THE GRINGO’ protagonizado por su mentor Mel Gibson, muy recomendado), sus elecciones de vestuario y puesta en escena son bastante cutres … pero cumplen con su función. La violencia se hace esperar, no vemos violencia hasta ya adentrado el acto dos, no obstante cuando esto ocurre se torna un festival de sangre y cuchillazos que culmina en un climax soberbio y cargado de emocionalidad.

Quizás el problema mas grande de la película sea que es una película de venganza más. Conceptualmente se aleja de la esencia del personaje al meterlo en una trama que vimos miles de veces.

Recomiendo ‘RAMBO: LAST BLOOD’ porque es divertida de ver y se le nota una gran dedicación detras de la historia. A pesar de sus errores es una buena película que volvería a ver.

Por cierto, recuerden que el primer borrador de ‘RAMBO V’ se centraba en John cazando a una criatura mutante en la frontera de México, asi que el resultado final pudo haber sido mucho peor.

Calificación 6/10

Crítica: Desertor

Película nacional, estrenada el jueves 31 de octubre, con dirección de Pablo Brusa, con guion de Mario Pedernera, Hugo Curletto, con las actuaciones en papeles centrales: Santiago Racca y Marcelo Melingo con la actuación de Daniel Fanego, en un rol secundario, pero no por eso menos importante.

La película, está filmada en Mendoza, excelente el paneo fotográfico de Gio Croatto. La trama se centra en un joven soldado, Rafael Márquez, interpretado por el actor Santiago Recca un personaje de unos 20 años, que sigue la carrera profesional dentro del ámbito militar, estudiando para recibirse de médico, en un regimiento de montaña de Mendoza, próximo a Camino del Inca.

Su padre de condición militar fue oficial en el mismo regimiento, y según cuentan los camaradas de su padre, un día, el padre de Rafael, desapareció del regimiento y fue declarado desertor.

La película hace una mirada sutil, sobre como Rafael no es mirado con buenos ojos, porque su padre lleva el estigma de ser desertor.

A medida que avanza, el eje comienza a centrarse en el enigmático coronel Santos, quien conocía y era amigo del padre de Rafael y además intenta acercarse al joven.

Una misteriosa mochila, arrojada en la puerte del regimiento será el punto de inflexión disparador para desarrollar la trama y llegar al desenlace, en la que acá juega un rol importante el personaje de Daniel Fanego.

La película, tiene un elenco que supera ampliamente las expectativas, el guion guarda intriga suspenso. Lo que no comparto, es a la crítica, que en general la ha tildado de western. Con todo respeto, la encasillo dentro del thriller, del género de suspenso. Me da la impresión como que está de moda decir que una película argentina es western, le da más categoría a la hora de querer captar público. Y me parece un error, porque el cine nuestro no es western es latinoamericano y a mucha honra, porque la calidad no tiene nada que envidiar a un western.

Pore las dudas, deseo aclarar que bajo ningún concepto, quiero caer en algún tipo de discriminación tratando peyorativamente a las películas del género western, porque tuvo, tiene y tendrá excelentes realizaciones.

Pero bueno, no quiero salir de contexto, porque el elenco tiene un excelente desempeño, la dirección, logra mantener la tensión. Tal vez, la única crítica es un amesetamiento pequeño en el medio del relato, pero como thriller se comprende.


Calificación 7/10


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Crítica: Maléfica: Dueña del mal

Por Macarena Maidana
“Maléfica: Dueña del Mal” (Maleficent: Mistress of Evil, 2019) funciona como secuela de «Maléfica»(Maleficent, 2014).


Dirigida por Joachim Rønning y co-escrita por Linda Woolverton, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue, esta mega producción vuelve a estar protagonizada por Angelina Jolie y Elle Fanning, como Maléfica y la princesa Aurora; sumando en esta entrega a Michelle Pfeiffer, Sam Riley, Harris Dickinson, Robert Lindsay, Chiwetel Ejiofor y Juno Temple, entre otros.
Aurora (Elle Fanning) es feliz con su reinado en el Páramo, conviviendo y mantiendo la paz entre las criaturas mágicas y hadas del lugar.
El príncipe Phillip (Harris Dickinson) decide proponerlo matrimonio, cosa que Aurora acepta sin dudarlo. Aunque, no sea de su agrado, debe presentar a su Madrina/ Maléfica (quien la crió) ante los padres de su prometido,los reyes Ingrith (Michelle Pfeiffer) y John (Robert Lindsay). El Rey encuentra dicha unión como el inicio de paz entre los dos reinos pero Ingrith no está muy de acuerdo con dicha paz.
Maléfica llegó allá por el año 2014, de sorpresa para muchos, planteando el punto de vista de una de las villanas mas malas de Disney, esta adaptación live action basada en la película de 1959,incluía muchos detalles que nadie había visto, e inclusive, cambió su final. «El beso de amor verdadero» ya no lo realizaría un príncipe sino que sería la misma Maléfica. Pero, hoy estoy acá para hablar sobre su segunda parte.
Maléfica : Dueña del mal, es de esas películas que nadie pidió y que será fácil de olvidar. La historia se carga de clichés, montajes más que notables y un cambiazo de último momento para el príncipe Phillip. Una vez más, una villana con propósitos muy predecibles a la vista e intenciones muy a lo Lannister y una sed de venganza que implica destruir todo lo que se le interponga, la verdad un desperdicio de Michelle Pfeiffer.
Podría destacar la intención de demostrar conciencia a la hora de mostrar el resultado del ser humano destruyendo lo que no le corresponde (como siempre) y hasta ahí no más. Ya que con casi dos horas de duración, se torna un tanto aburrida. Otro paso en falso en el camino de los live action para Disney.

Calificación 4.5/10

Crítica: ¿Dónde estás, Bernardette?

Por Macarena Maidana
Antes de comenzar un viaje familiar a la Antártida, Bernadette (interpretada por Cate Blanchett) la mamá de Bee desaparece inesperadamente que creen está relacionado con sus ataques de ansiedad. Así, Bee comienza su búsqueda y en el camino descubrirá algunos secretos de su mamá.


¿Dónde estás, Bernadette?” (Where’d you go, Bernadette, 2019) es una comedia dramática dirigida y co-escrita por Richard Linklater ( Trilogía Antes del Amanecer 1995, 2004 y 2013 ; y Boyhood ,2014). Basada en la novela homónima de Maria Semple, la película cuenta con el protagónico de Cate Blanchett e incluye un reparto con nombres como el de Emma Nelson, Billy Crudup, Kristen Wiig, Judy Greer, Laurence Fishburne, Troian Bellisario y Zoe Chao, entre otros.

Bernadette Fox (Cate Blanchett),es una prestigiosa arquitecta (y muy creativa) que sufre un grave caso de agorafobia, lo que la obligó a dejar su trabajo. Su única hija, Bee (Emma Nelson) está a un par de años de emigrar a un internado y su esposo Elgin Branch (Billy Crudup), es un destacado trabajador de Microsoft. Tal como mencioné, Bernadette sufre de agorafobia, que según el diccionario es un trastorno de ansiedad y significa “Miedo a los lugares y las situaciones que pueden ocasionar pánico, impotencia o vergüenza.”, por lo que cuenta con un asistente virtual, al que nunca conoció en persona, para las compras y recordatorios diarios.
Como regalo por sus buenas calificaciones en la secundaria Bee decide optar por un viaje familiar a la Antártida. Sin embargo, sin previo aviso, Bernadette desaparece de la casa.

Si bien está catalogada como una película de misterio, ¿Dónde estás, Bernadette? también funciona como una película de autodescubrimiento y la carga de las frustraciones constantes. Cate Blanchett hace un espectacular trabajo como Bernadette ,demostrando una vez más su capacidad para papeles tan complejos porque a pesar de que el título hace referencia a su desaparición física, el transcurso de los minutos nos dejan en claro que también se pregunta a dónde fue mental y creativamente, una artista que no encuentra la forma de crear , no tiene mucho para aportar en el día a día.
Lamentablemente, se pierde en varios diálogos que no llegan a nada ni aportan demasiado a la trama, o situaciones bastante inverosímiles pero el buen desarrollo de los personajes principales logra que empaticemos de entrada con el argumento y con la historia que intenta plantear Linklater. Es una historia agradable y conmovedora, conecta fácilmente con el espectador logrando que entendamos a Bernadette desde el primer minuto.

Calificación 7/10

Crítica: Pistolero

El jueves 10 de octubre en el cine Gaumont, concurrí a la función de prensa de Pistolero, un film con dirección y guion Nicolás Galvagno, con las actuaciones de Juan Palomino, Lautaro Delgado Tymruk y el debut en el cine del boxeador Sergio «Maravilla» Martínez.

La historia está basada en hechos reales, en la década del sesenta, Isidoro Velázquez, un correntino, que fue un asaltante y secuestrador y que durante seis años asoló junto con su hermano Claudio, con sus fechorías hasta que fue abatido por la policía.

La trama, no es original, el final está anunciado, la dirección es excelente, fue filmada en el departamento de Lavalle en Mendoza, las actuaciones son todas impecables, los silencios y ese odio de Isidro Velázquez protagonizado por el actor Lautaro Delgado Tymruk, es interesante, logrando con la actriz María Abadi, escenas fílmicas atractivas a la visual.

La actuación de Juan Palomino es excelente, como la del actor Diego Cremonesi, y por ser el debut la actuación de Sergio «Maravilla Martínez» me pareció más que correcta.

Si me preguntan cuál es la debilidad que le encuentro al film, diría que es la falta de tensión en la trama, tiene momentos argumentales en que decae, pero al momento de aludir fortalezas, podemos decir que el film nada tiene que envidiar a un película de Sergio de Leone, en lo técnico y lo actoral.

Tiene mucho del cine clásico, y las interpretaciones crean ese climax. Pero tal vez, las emociones se diluyan y eso es lo que hace que pierda la potencialidad del film.

Una película para ver, por aquellos que le gusta un cine donde le dan valor agregado a la sicológica de los personajes, con excelente fotografía y donde el mensaje social, de los que protegían a Isidro, ese es el principal mensaje, un Robin Hood argentino, donde ahí comienza a hilvanarse otra historia.


Calificación 7/10


Pistolero»

Policial. Argentina, 2019, 110’. SAM 13. Dirección y guion: Nicolás Galvagno. Con: Juan Palomino, Lautaro Delgado Tymruk, María Abadi, Sergio «Maravilla» Martínez, Diego Cremonesi.


Reseña Diana Decunto – Inboxmatutino@gmail.com

Crítica: Porno Para Principiantes

Por Candela Otero
Una comedia protagonizada por Martín Piroyansky y Nicolás furtado, y dirigida por Carlos Ameglio. Ezta coproducción entre Uruguay, Argentina y Brasil, nos sitúa en los años ’80 en Montevideo, y cuenta la historia de un treintañero, cineasta amateur, que solo ha logrado hacer unos cortos de muy bajo presupuesto y trabajar en eventos sociales. A punto de casarse con su novia (También protagonista) de todos sus cortos, y ante la incomodidad de no poder pagar los gastos que la boda y la mudanza implican, al hombre le llega la oportunidad, gestionada por su amigo, empleado de un videoclub (Nicolás Furtado) de dirigir una película tan particular como sospechosa, en la cual el productor,un hombre bruto y agresivo, que nada sabe de cine, invierte mucho dinero, logrando contratar a una actriz de renombre en el extranjero.


A medida que avanza el proyecto, el personaje descubre que se trata de una película pornográfica, lo cual entusiasma muchísimo a su socio, fanático del género, pero a él lo aterra por completo. La necesidad del dinero y el deseo de realizador son más fuertes que el miedo. Así es como este personaje, inspirado en La novia de Frankenstein (película de 1935), comienza el viaje de filmar la película, procurando que la novia y el suegro no descubran de qué trata el proyecto, lidiando con el productor que lo presiona, su amigo (un tiro al aire), una actriz muy seductora y el desafío de dirigir una porno.

La película refleja una época en la cual, luego de la dictadura militar en Uruguay (que abarca desde el ’73
hasta el año ’85), resurge la curiosidad y el interés por hacer, explorar y explotar las cosas que durante esos años estuvieron restringidas y/o prohibidas: tales como el cine, la libre expresión y la pornografía.
En cuanto a las actuaciones, se destaca Nicolás, Furtado que compone al personaje con las intervenciones más cómicas y vuelve a sorprender con un personaje diferente; Martín Piroyansky cumple con su papel, pero no se destaca. La mujer que encarna a la célebre actriz, Carolina Manica, realiza un buen trabajo y compone a una mujer intrigante, decidida y sensual, con mucho que contar.


Una comedia que no resulta muy efectiva, con mucho del absurdo, chistes que no terminan de cerrar y pocas intervenciones cómicas (la mayoría en manos del personaje de Furtado). La parte interesante puede ser la originalidad y el hecho de que aborda temas que son difíciles de encontrar en las películas actuales, pero lejos está de ser una película para no perderse.


Calificación: 5/10