Por María Luz Stella

Joaquín y Julián Azulay han realizado ya cinco films en los cuales documentan viajes a distintas partes del mundo donde van acompañados de sus tablas de surf, que por cierto son muchas. Los gauchos del mar – como fueron bautizados por unos amigos – apasionados por el cine y el surf, son los protagonistas de un film que en esta oportunidad se propone viajar a las Islas Malvinas en búsqueda de una ola perfecta. La ola sin fronteras nos acerca a un sitio que recuerda parte de la historia argentina con la idea de transmitir un mensaje de paz y unión entre seres humanos, olvidando los límites geográficos y haciendo hincapié en que no son más que eso: lineas imaginarias.

Al estilo de una road movie, el relato nos sumerge en un trayecto que recorre por tierra, mar y aire distintos lugares de las islas. La belleza del paisaje, la fauna y el mar contrasta con los escalofriantes restos latentes de la guerra. Además de ir en búsqueda de una ola perfecta para zambullirse con sus tablas, los directores se entusiasman con la idea de conocer a los dos únicos habitantes de las Islas Malvinas que practican el deporte y que casualmente son hermanos como ellos. Por lo que, la necesidad de este encuentro se torna parte de la motivación de la película. Encuentro que se ve afectado por las dudas de estos hermanos y la mala comunicación de la zona.

Con una narrativa y puesta en escena tan simples como armónicas logran transmitir a la perfección y con transparencia su mensaje pacifista de reconciliación.

Calificación 7/10

Production: Gauchos del Mar / Caudillo Cine

Producers: Joaquín Azulay, Diego Amson

Directors: Joaquín Azulay, Julián Azulay, Fernando Salem

Screenplay: Joaquín Azulay, Julián Azulay, Fernando Salem

Directors of Photography: Julian Azulay, Joaquín Azulay

Edition: Leandro Ferrer

Line Producer: Lucila de Arizmendi

Mograph Designer: Pablo Brancatella

Sound Post Production: BUM! Audio

Original soundtrack: Ignacio Seratti and Matias Gibbs

Por Candela Otero 

En su primera experiencia como director, Pablo González Pérez nos trae un film que llega a las salas tras poca difusión, y que, a priori, no promete mucho, pero resulta ser un gran
trabajo, que deja conforme al espectador.

En esta oportunidad, Pablo Echarri, de gran trabajo, encarna a un “típico” hombre de clase media: Ya ha formado una familia, trabaja en una oficina, no está a gusto con su empleo y siente que allí está perdiendo el tiempo. Por lo que, acepta el retiro voluntario que ofrece su
empresa, y compra el kiosco de barrio al que tanto iba durante su niñez, del cual guarda hermosos recuerdos. Pero las cosas se complican cuando se anuncia la construcción de un
viaducto en esa calle, hecho que aislará al kiosco de los autos y los colectivos, y le quitará a los clientes.

 
Además de Echarri, se destaca en su actuación Rolly Serrano, quien interpreta a un pizzero muy ocurrente, quien busca todos los medios posibles para resolver el tema del viaducto, y
otorga la mayor cuota de humor al film.
La película cuenta con un guión firme, que no deja cabos sueltos, y que sabe enfrentar al personaje principal a un fuerte conflicto, que necesita resolución inmediata: Las deudas son cada vez mayores, la casa está hipotecada y al kiosco no ingresa dinero.

 
Desde la dirección, sorprenden algunos planos aéreos donde se aprecia la magnitud de los edificios y las autopistas de Buenos Aires. El montaje y el sonido hacen un gran trabajo.
Prolija en todos sus aspectos, alterna momentos cómicos con otros dramáticos, y presenta un fuerte tono de melancolía, visiblemente en el personaje de Echarri.

 
No pasan de largo los comentarios de la situación socio-económica crítica que atraviesa el país: la radio informa que el dólar no hace más que subir, las empresas ofrecen retiros voluntarios, y hay reiterados comentarios sobre que no es un buen momento para dejar el trabajo y aportar por un emprendimiento como el kiosco.

Con una creativa resolución, y un buen trabajo de todas sus partes, se logra una buena película, de carácter muy actual, que le genera una identificación al espectador, y llega para ser vista en el momento justo.

Calificación: 7/10

Por Pedro López

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía en esta película Mariano, personaje protagónico interpretado por Pablo Echarri. Una comedia que nos enseña a mantener nuestros valores en momentos de crisis. 

Harto de su trabajo en una oficina, Mariano  decide darle un giro a su vida. Tras aceptar un retiro voluntario, invierte el dinero obtenido y todos sus ahorros en la compra del kiosco de Don Irriaga, un lugar repleto de buenos recuerdos en el barrio de su niñez.

Poco tiempo después, descubre que la calle sobre la que está ubicado su flamante kiosco será próximamente cerrada al tránsito para hacer un viaducto, obra que dejará a su emprendimiento completamente aislado.

Condenado a una ruina inminente, Mariano tiene los días contados para hacer “algo” que los salve, a él y a su familia, antes de que la calle quede clausurada. Para eso, deberá confrontar con la adversidad, con sus afectos y, sobre todo, consigo mismo.

Un guión bien logrado se conforma de escenas bien logradas y es claro que esta película tiene algunas, como así también tiene algunas situaciones cómicas, alguna que otra buena toma, y algunos estupendos actores. Pero decir que esta película es buena es omitir muchísimos detalles, ya que “El kiosco”, película dirigida y escrita por Pablo Perez Gonzalez, también nos deja situaciones cómicas genéricas y un guión que falla rotundamente sobre el final, pues no posee un arco dramático. Una de cal y otra de arena. En fin, una película zafable y costumbrista. No corre muchos riesgos y cumple, al igual que muchas otras, con la simple función de entretener.

También existen cuestiones que debo comentar acerca del bagaje cultural que se inserta y se distribuye a través de este medio de comunicación masivo. Esta película no es solo una comedia costumbrista; sino que también exhibe los valores clásicos del estereotipo argentino clase media, respetando los intereses neoliberales vigentes.

Me explico.

¿Recuerdan cuando dije “que no posee un arco dramático”? Bueno, en general las películas tienen personajes que pueden poseer o no un arco dramático. Algo que el protagonista debe cambiar de sí mismo o debe enterarse para poder resolver el conflicto, y así completar su objetivo. Cuando el personaje principal no tiene un arco dramático, (quiere decir que mantiene sus valores iniciales en toda la historia) lo que adquiere un arco dramático es su entorno, ósea los personajes secundarios. Entonces la historia trata de cómo ese entorno modificado ayuda al protagonista a conseguir su objetivo.

En esta película el entorno no cambia al igual que su personaje protagónico, entonces ¿cómo se resuelve el conflicto? Bueno lo voy a decir sin más vueltas: SOLO. El conflicto se resuelve solo. Y esto es, además de un enorme error del guionista, una forma de inculcar cultura. “Todo se va a resolver” “Vamos a estar bien” “Tranquilo todo se va a arreglar”.

Creo que lo lindo en las historias es ver la transformación del personaje, ver cómo este sortea los obstáculos y cumple su objetivo. Es motivador ver cómo alguien no se rinde hasta conseguir lo que quiere o hasta entender que en verdad lo que quiere es otra cosa. Lo motivante no son estos finales “esperanzadores” donde el conflicto se resuelve gracias a alguna mano invisible. De hecho es todo lo opuesto, es desmotivante

La esperanza no reside en confiar que el destino pueda acomodar tu camino hacia la felicidad, sino en que uno mismo o un colectivo de gente pueda lograr un objetivo más allá de los obstáculos que encuentre. Reside en creer al menos que nosotros podemos llegar a ser dueños de nuestro futuro y de nuestro destino.

La esperanza reside en la lucha, en el conflicto y sobre todo en vencerlo. Esa es la enorme diferencia entre un final feliz y un final “esperanzador”.

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía Mariano protagonista de esta película. Una comedia que nos podría haber enseñado a mantener nuestros valores en momentos de crisis, pero optó por un básico y rotundo final “esperanzador”

Calificación: 5/10 

LA SANADORA  | La Guérisseuse (Largos Árabes) Un film de MOHAMED ZINEDDAINE (2018) MARRUECOS, ITALIA, CATAR, ficción, dialecto marroquí – Función: Miércoles 27/3 EL CULTURAL SAN MARTÍN – SALA 1 / Crítica: CJ COLANTONIO.

Si tienes interés de salirte del circuito cinematográfico comercial, el Festival Internacional de Cine Latino Árabe aterriza en su octava edición.  El año pasado, la organización fue galardonada por la UNESCO y considerada como una de las 100 instituciones más influyentes en el mundo árabe por el Arab Cinema Magacine en el marco del 71º Festival Internacional de Cine de Cannes.

En forma anticipada pude ver “LA SANADORA”, una película hablada en dialecto marroquí que podría considerarse -de manera transversal- dentro del cine social, más que nada porque se muestra a los personajes como “a la suerte de Dios”.

Su protagonista, un joven que vive en las afueras de un estanco minero, intenta aprender a leer y escribir, y su madre adoptiva, la curandera del pueblo, busca proteger su lugar de privilegio a través de las leyes del oscurantismo.  Paralelamente, un ladrón de poca monta, sufre una enfermedad en la piel y termina visitándola. Entre ellos, se traza una fina línea que delimita aún más el destino opresivo.

Calificación: 3/10.

* SEDES: 

– Complejo Bajo Plaza – CCGSM  (Sarmiento 1551): Valor de las entradas: General  $ 70 – Jubilados y Estudiantes $ 40.

– Alianza Francesa  (Córdoba 946): Entrada Gratuita.

– Sala Leonardo Favio – Biblioteca del Congreso de la Nación (Alsina 1835): Entrada Gratuita.

PROGRAMACIÓN:  http://www.cinefertil.org/latinarab/index.php/programacion/

UN LADRÓN CON ESTILO (The Old Man & The Gun) Un film de David Lowery / La película con la que se retira de la actuación el icónico Robert Redford. Con Sissy Spacek, Cassey Affleck, Danny Glover y Tom Waits. Basada en una historia real reportada por David Grann en el New Yorker en 2003 (al pié, link al artículo) / Fecha de estreno en Argentina: 21 de Marzo. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Robert Redford dijo que sería su última aparición, y encontró un relato que habla por sí mismo, sobre cómo se ha tomado su trabajo y un homenaje a las películas de antaño.  Basado en una historia real, su personaje es un viejo ladrón de bancos que roba con cierta amabilidad y quien logró escaparse 18 veces de prisión. Un evidente trazo de aquellas películas, muchas de las cuales rodó con su amigo Paul Newman.  

Aquí, te encontrarás con una las escenas más románticas del cine de los últimos tiempos, la que comparte con Sissy Spacek; como también, una de los momentos de mayor reflexión –acompañado con Casey Affleck- cuando policía y ladrón se encuentran cara a cara, y ambos entienden que no se trata de perder o ganar, se trata de tener la oportunidad de hacer un papel en la vida que te mantenga vivo.

Las líneas de diálogo lo dicen todo: “Se ha pasado la vida entre rejas.  Salvo cuando se escapaba”. “Debería haberse retirado hace tiempo.” “Bueno… cuando encuentras algo que te apasiona…”.  “Una vez estaba con él y le dije: -Tiene que haber otra forma de ganarse la vida. Y él miró y me contestó: -No se trata de hablar de cómo ganarse la vida, sino te trata de vivir.”

Ó… “Siempre que cierro la puerta, pienso, ¿será la última vez que pueda hacer lo que fuera que estaba haciendo?” / “¿Sabes lo que hago?, saltar por la ventana.”

Calificación: 9/10.

Acceso al artículo en donde se basó la película: ACÁ

Por Agustín Villegas

Sacando al espectador de su zona de confort…

La cantidad de inversión que Universal le está poniendo encima al marketing de éste proyecto me genera esperanza por el alcance y el futuro del cine de autor. Pensar en que una película tan creativa y distinta va a llegar al espectador común me alegra debido al aporte que ésta puede brindarle a una persona que, al estar acostumbrada al cine de genero, puede acercarlo a un estilo que cada vez se aloja más en servicios de streaming y no tanto en las salas de cine convencionales. El punto al que intento llegar es que la rueda funciona de una forma perfecta. El espectador conoce un estilo diferente, éste le vuela la cabeza y por ende comienza a buscar más proyectos similares para ampliar un poco su espectro. Esto deriva a que los estudios tomen más riesgos y más artistas puedan contar con la libertad de hacer películas con un sello mucho mas personal.

Antes de hablar del talento de Jordan Peele hay que darle crédito a Blumhouse productions, una productora que vive demostrando que apuesta a un cine de primera linea. En su impecable curriculum tenemos películas como ‘SPLIT’, ‘THE PURGE’, ‘GET OUT’ (la cual va a ser mencionada en ésta reseña), ‘WHIPLASH’ y la reciente ‘BLACKKKLANSMAN’. En su historial tiene tres nominaciones al Oscar y un oceano de halagos por parte de los cinefilos experimentados. Ahora hablemos un poquitito de Jordan Peele, productor, director y escritor de ‘US’, quien conquisto a la crítica especializada con la ingeniosa ‘GET OUT’. Antes de ésto algunos lo conociamos por su gran show de comedia ‘KEY & PEELE’, el cual protagoniza junto al crack Keegan Micheal-Key. Ambos pasaron un ratito por la primera temporada de la serie «FARGO» (recomendadisima por cierto), basada en la película de Los Hermanos Coen, en donde interpretan a dos extravagantes agentes del FBI quienes buscan solucionar con urgencia una cagada grande que se mandaron durante la investigación de un sindicato criminal. Con éste nuevo proyecto confirmamos que Peele llego a Hollywood para quedarse, y en un cine repleto de monotonía y bajada de linea carente de sutileza la llegada de un tipo así siempre es algo positivo para el arte en general.

La historia sigue a una familia que, en sus vacaciones, es acosada por doppelgangers diabólicos de ellos mismos. Lupita Nyongo, Winston Duke y Elisabeth Moss protagonizan éste surrealista film.

La escasez de información en la sinopsis es intencional, los proyectos como éstos es mejor ir a verlos con poco conocimiento de la trama en la cabeza. El genero de la película es una cuestión muy dificultosa de abordar. No estamos ante una película que de MIEDO constantemente, la fortaleza de la idea se encuentra más que nada en el suspenso y en la incertidumbre de la situación que esta familia vive. El mensaje de la película va a ser muy subjetivo para cada uno de ustedes, si ‘GET OUT’ buscaba transmitir la falsa aceptación de la comunidad blanca hacia los afroamericanos entonces podemos decir que ‘US’ va mas allá criticando a la sociedad en general. La idea se dedica a hablarnos de miedo a lo externo y del consumismo excesivo de la sociedad occidental. En la review de ‘CAPITANA MARVEL’ les mencione que uno como crítico debe alejarse de la ideología y enfocarse en como ésta es aplicada en una obra. En éste caso el mensaje esta plasmado de formas tan sutiles y abiertas a la heterogeneidad de interpretaciones que se me es imposible no aplaudirla. En un mundo en donde los mensajes son metidos a la fuerza resulta fresco que alguien se digne a tocar temas desde un punto de vista tan delicioso.

La película es estéticamente increíble. Los dobles malvados tienen un estilo visual que no solo es reconocible, sino que es atractivo a la vista y contrasta perfecto con la prolijidad y la pulcritud de la versión original de ésta familia afroamericana moderna. El hecho de que los monstruos sean las mismas personas a las que queremos ver salir de esa situación es una maravilla que sale de todo patrón que establece el cine de horror. Además hay que agregar que la comedia está presente de una forma muy inteligente, lo que hace de este proyecto digno de piropearle algo que yo AMO ver en las películas y series que consumo … la imposibilidad de encasillarla en un genero especifico, ya que mezcla de todo un poco.

Mí única critica negativa es que por momentos la película se torna demasiado surrealista, bordeando lo exagerado, pero SIEMPRE encuentra la forma de volver a la ruta sin desbarrancar.

«US» es una película que TIENE que verse por el bien del cine y por lo excelente de su planteo. Las actuaciones son una joya y, en aspectos técnicos, no falla absolutamente NADA.

Calificación 9/10

Por Sebastián Sabio

Con unos paisajes extraordinarios provenientes de Tierra del Fuego, este filme cuenta la historia de un hombre de la ciudad que quiere aprender a conducir un trineo tirado por perros. Lo más destacable del filme son las tomas y encuadres, producto de la acogedora choza que toman como locación y, principalmente, los increíbles bosques del sur patagónico argentino debido a que ni las actuaciones de Gaston Pauls, Jose Luis Gioia y Victor Laplace ni el guión son algo memorable. Pauls realiza otro personaje similar a todos los demás que interpretó a lo largo de su carrera y los otros dos actores no terminan de convencer. El guion se vuelve obvio por momentos y peca de intelectualoide pero no logra engañar a muchos. Con un final poco creíble por el transcurrir de los hechos y a la vez no del todo claro (culpa compartida por actores, director y guionista) la película deja al espectador con dudas sobre lo que acaba de ver y preguntándose “por qué” repetidas veces.

Calificación: 5/10

MARÍA CALLAS: EN SUS PROPIAS PALABRAS (Maria by Callas: In Her Own Words) Documental de 113 min. / Director: Tom Volf – Montaje y Fotografía: Janice Jones – Voz en off: Fanny Ardant / Fecha de estreno en Argentina: 14 de Marzo. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Como una manera de adelantar el Concierto con una María Callas en Holograma que se llevará a cabo en el teatro “Gran Rex”, éste documental que se estrena el 14 de marzo en Argentina no pretende sólo oírla cantar, sino que se centra en su camino emocional, su relación con Onassis y hasta su prematura muerte.

Uno de los tantos hallazgos de este documental de Tom Volf – además de imágenes y archivos de sonido, más del 50% de los cuales se verán y escucharán por primera vez- es acercarnos a una María Callas que pese a ser una disciplinada artista desde pequeña, y amada por el público, no estuvo exenta de las críticas.

Esa fama ganada que creó la diva, también creó una brecha para algunos relacionados con el arte que no la perdonaron cuando –en una ocasión- debido a una angina, debía suspender una actuación a mitad de concierto.  

A pesar de ello, en una de las tantas contestaciones que otorgó a los periodistas -cuando bajaba de un que otro avión- María siempre demostró estar muy lejos de los demás mortales.

Calificación: 9/10

EXTRAS

Festivales y Premios:

– Festival Internacional de Chicago Nominada Mejor Documental

– Masters of Arte Film Festival Ganadora Mejor Documental en Música y Danza.

Testimonios de la propia Callas, Onassis, Marilyn Monroe, Alain Delon, Yves Saint-Lauren, John Fitzgerald Kennedy, Luchino Visconti, Winston Churchill, Grace Kelly, Liz Taylor y otras personalidades que la conocieron.

Acerca de la producción:

A lo largo de tres años, el director Tom Volf viajó a los cuatro rincones del mundo en busca de archivos excepcionales, la mayoría de los cuales no se habían publicado nunca: películas privadas en Super 8, 16 mm, fotos inéditas, grabaciones pirateadas de las actuaciones por sus admiradores, cartas íntimas o entrevistas perdidas.

Gracias a Tom Volf, este extraordinario material dará lugar a una gran exposición en París, de septiembre a diciembre de 2017 (preventa en Nueva York, Londres, y en negociaciones con países asiáticos para 2018), y tres libros: una versión de lujo en Éditions Assouline, Maria By Callas (publicado en todo el mundo en mayo de 2017), otro libro en Éditions La Martinière, Callas confidential, y un tercero en Éditions Fayard, en el que se publica su correspondencia y memorias inéditas: Maria Callas, mémoires, lettres et écrits. Estos dos últimos libros se publicarían en septiembre de 2017.

La banda sonora se compone de grabaciones raras o inéditas tomadas de cintas remasterizadas obtenidas a través de los conocidos de Callas y de círculos de admiradores. Ninguna otra película presentará una colección tan rica en imágenes y archivos de sonido, más del 50% de los cuales se verán y escucharán por primera vez.

Por Agustín Villegas

La película de la polémica…

A mí en lo personal los dichos extremistas de Brie Larson en contra de los hombres blancos heterosexuales no me movieron mucho con respecto a lo que esperaba de éste film, soy capaz de comprender como las grandes empresas tienen que bajar linea para contentar al poder mundial real. Nosotros como espectadores y/o críticos tenemos que contemplar a las películas (u obras artísticas en general) como un TODO, analizar la calidad de las historias y, teniendo en cuenta que esto es cine de lo más comercial, observar como estas se adaptan a las tendencias actuales que los estudios PIENSAN que atraen público nuevo. No quiero sonar despectivo con respecto al cine hollywoodense, de hecho es el tipo de cine que más suelo consumir y del que más me gusta escribir debido a la trascendencia que éste tiene entre los lectores, pero los riesgos que las grandes empresas toman se basan en movimientos sociales protagonizados (en su mayoría) por gente que, si de verdad estuviese instruida con respecto a la cultura pop, no pediría personajes que muestren una diversidad superficial que solo entre por los ojos más que por los sentimientos … y claro, ¿como van a confirmar que sus petisiones son llevadas a cabo? la industria necesita demostrarlo en los aspectos mas visibles (posters, portadas, trailers) de lo que ellos no quieren consumir pero sí cambiar. Sarah Connor no necesitaba autodeteminarse como una mujer fuerte para que el espectador la considere como tal ya que sus solas acciones dejaban en evidencia su personalidad guerrera. El Joker, uno de los villanos más carismáticos, emblemáticos y conocidos de la historia, es abiertamente bisexual y jamás tuvo que confirmarlo con un poema de inclusividad para que se entienda. Ejemplos como estos hay miles y en caso de «CAPTAIN MARVEL» estamos ante un personaje aburrido que intenta probarnos a todos que no tiene que probarnos nada … vaya paradoja.

Hablemos un poco de la historia:

Vers (Brie Larson) es una guerrera Kree sin recuerdos de su vida pasada que lucha por la seguridad del universo. Junto a su grupo liderado por Yon Rogg (Jude Law) se ve envuelta en la emblemática guerra contra los Skrulls, unos aliens capaces de infiltrarse en cualquier sociedad gracias a su poder de convertirse en cualquier ser que vean. La aventura de nuestra protagonista la trae a su planeta tierra natal, en donde se alía con un joven agente llamado Nick Fury (Sam Jackson) para llegar a la verdad de la milanesa.

Antes de empezar con las indiscutibles falencias de la película quiero mencionar lo que me gustó. Samuel Jackson ofrece un acercamiento mucho más casual, cómico y hasta humano que el de su versión madura y tuerta vista en los films situados en la actualidad del universo AVENGERS. Además su rejuvenecimiento digital fue más que aceptable, pero que conste que el actor está en escabeche y con un poco de maquillaje le podemos creer a cualquiera que su personaje este en sus 40s. La dupla de Fury con el gato Goose es de lo mas gracioso y tierno que los guionistas lograron idear. El villano interpretado por Ben Mendelsohn es otro gran elemento, no puedo revelar el POR QUÉ exactamente pero su personaje nos permitió ver una faceta del actor alejada de lo que estamos acostumbrado a ver en sus papeles más recientes. Volvemos a ver personajes como Phil Coulson (Clark Gregg), quien actualmente goza del éxito teniendo su propio show de televisión, al guerrero Korath (Djimon Honsou) a quien se le da un poco más de personalidad que en su primera aparición en ‘GUARDIANS OF THE GALAXY’. Lee Pace retorna como Ronan el Acusador pero sin aportar nada muy nuevo a la trama. Y para cerrar la forma en la que lograron plasmar la decada de los 90′ fue sublime, desde la música hasta los chistes de epoca nos recuerdan que ya estamos bastante mayores. Por lo general consideraría esto negativo por el enfrentamiento con mí propia mortalidad que ésto conlleva, pero fue una de las primeras películas en hacerme sentir nostalgia por cosas que los nenes de ahora ni siquiera conocen.

Pasemos a lo malo…

Lamentablemente y como muchos esperamos Brie Larson fue una de las peores actuaciones protagonicas del universo Marvel hasta la fecha. Ésto no es solo culpa de la actriz, el guión se molesta constantemente en probarnos que Carol tiene la posibilidad de sobreponerse ante obstaculos que ni ella sabía que tenía en frente. Los personajes secundarios nos quieren hacer creer que ella es lista, graciosa y genial pero en ningún momento fui capaz de captar esa sensación. Cero encanto, cero carisma y cero interes con respecto a su historia.

El apartado visual de la película me recordo al de ‘SOLO: A STAR WARS STORY’. Todo es tan oscuro que apenas podemos ver lo que esta pasando, esto nos distrae muy facilmente de la tensión dramática y, más que nada, de las escenas de acción.

Hay muchos detalles feos de la historia que si mencionase se considerarían spoilers grosos, pero les adelanto que el sorpresivo plot twist es innesesariamente desleal al material original y tira a la basura la posibilidad de hacer TODA una fase de películas centradas en un evento comiquero que esperaba ver en cines.

En definitiva yo si fuera ustedes me ahorraría la entrada de ‘CAPITANA MARVEL’ para ‘AVENGERS: ENDGAME’. Si se limitan a enfocar la atención en los origenes de Nick Fury y en la creatividad de algún que otro concepto de ciencia ficción quizás está sea una película medianamente aceptable, aunque es probable que solo recuerden lo escencial para cuando veamos la guerra final contra Thanos … espero con todas mis fuerzas que Carol no sea la heredera del protagonismo del universo cinematográfico Marvel, porque de ser así dudo que muchos mantengamos el interés.

Calificación 5/10