Diálogo con Hans Weingartner, Director y Co-Guionista del film “303”

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En un cómodo y cálido diálogo, en el que se habla de varios temas, podemos descubrir y conocer a la persona detrás del Director, un ser muy agradable, con inquietudes interesantes y sumamente sencillo.

El éxito le llegó sobre todo por dos películas: Das weisse Rauschen («El ruido blanco», 2001), en la que Daniel Brühl interpreta el papel de Lukas, un estudiante esquizofrénico; la segunda es Die fetten Jahre sind vorbei (literalmente, «los años de abundancia han terminado», 2004), que narra la historia de tres jóvenes antisistema interpretados por Daniel Brühl, Julia Jentsch y Stipe Erceg. Ambas cintas recibieron multitud de premios. Die fetten Jahre sind vorbei se estrenó en más de 50 países bajo el título inglés «The Edukators«.

Con respecto a su motivación para contar esta historia, Weingartner expresa:

El film 303 en la superficie, se podría decir, que es una película de amor, pero tal vez más que mensaje referirnos a cuál es la pregunta fundamental y ese cuetionamiento está relacionado con qué es lo que determina a la humanidad y nos convierte a nosotros en hombres; y una vez que nosotros nos damos cuenta de las fortalezas que tenemos como humanos, eso tal vez, nos daría la posibilidad de salvar a la humanidad; el capitalismo, de hecho, está oprimiendo a la naturaleza del hombre.

Creo que la característica que más nos diferencia con los animales, es el sentimiento que podemos tener por el prójimo, lo que hoy en día, llamamos empatía, y eso de hecho es esta sensación que el capitalismo anula. Un ejemplo muy simple, que no se corresponde con la naturaleza humana, es matar animales, esclavizarlos, torturarlos y después, finalmente, comérselos.

Ningún hombre mataría con un hacha a una vaca y después pondría a cocinar la carne y comérsela.  La industrialización o tecnificación de este proceso, es lo que después llevó a oprimir esta empatía, el consumo de la carne genera el %60 del calentamiento global, que está en gran medida ligado a esta industria de la carne. Entonces si nosotros de hecho decidiéramos no consumir carne, podríamos sobrevivir; es decir que, en cierto modo, nosotros, estamos matándonos por el consumo de la carne y este karma de asesinar a los animales, en cierto modo, se está volviendo en nuestra contra, porque podríamos decir que hay 8.000.000.000 de animales de uso o de aprovechamiento en este mundo y nosotros todo este dolor que ellos sienten también lo percibimos.

Otro ejemplo sería que nadie tomaría un serrucho y cortaría un árbol verde y vivo, porque cualquier persona sentiría dolor al hacerlo. De todos modos, estamos abatiendo toda la selva tropical porque podemos dejar de lado nuestra humanidad que justamente se está perdiendo, por todos estos temas tecnológicos.

Y podríamos decir que 303 celebra la empatía; en una canción pop diría que celebra el amor, pero yo prefiero decir que celebra la empatía. Siempre mis películas tratan los mismos temas, de cómo podemos generar un mundo más justo, de cómo podemos superar la soledad; está presente ese anhelo por el sentido comunitario, la comunidad en sí y creo que eso está relacionado con mi propia biografía porque de niño siempre me sentí muy solo, a pesar de venir de una familia de ocho hermanos, nuestros padres siempre es como que nos incitaron a oponernos los unos a los otros, provocando contradicciones y eso generó este anhelo por el amor y sentir el calor familiar.

Mis personajes son los que buscan el amor, sin embargo, la realidad es que soy yo el que lo busca. Obviamente está relacionado también con mi búsqueda de un lugar en el mundo que esté en paz, siempre fue un sueño mío, pero nunca encontré ese sitio, por eso el mundo se me presenta como un lugar frío, en el que hay mucha lucha, y estoy convencido que la causa de ello, es este sistema económico en el que vivimos, esta locura que busca el crecimiento constante, que siempre quiere más y más y por eso el mundo no puede ser un lugar pacífico, puro y calmo.

Hay países que son más pacíficos que otros, que se van acercando cada vez más a mi ideal, como Dinamarca, por ejemplo, que tiene un sistema social muy fuerte, donde uno paga quizás hasta un %60 de impuestos, pero a cambio formas parte de esa gran comunidad y hace años los daneses son el país que ganan una y otra vez en estas encuetas que se hacen y se caracterizan por ser el país más feliz del mundo.

Alemania depende demasiado de los Estados Unidos, pero es un caso muy particular y extremista, porque está relacionado con hechos históricos, que después de la Segunda guerra mundial fueron bastante adoctrinados por los estadounidenses, en los que se decía que la cultura alemana estaba prohibida y era hasta peligrosa; las películas estadounidenses se muestran muchísimo en Alemania y los programas de TV también captaron la mayoría del mercado.

Desconocía el éxito de Los Educadores en Argentina, lo cual es muy gratificante. Es decir, que llegó el mensaje que transmití en este film. La pregunta es ¿eso alcanza? No es tan fácil eliminar el capitalismo. A veces pienso que habría que matar a todos los ricos… (risas)… pero es ridículo pensar en eliminar a los millonarios, así no se acaban porque siempre surgirían nuevos y tampoco serviría de nada asesinar a los 100 presidentes de las compañías más millonarias del mundo. Porque lo absurdo de esto es que las compañías hacen lo que se espera de ellos, generar una ganancia máxima.

No creo que los ricos en sí, sean malas personas, creo que, si yo fuese rico como ellos, también me convertiría en un idiota. Considero que viene de la mano con el dinero. Hay que cambiar los principios. Que ese también, es el punto de partida de 303, hay que cambiar son las películas, las leyes, por ejemplo, una ley que determine que el fin de las compañías no sea garantizar la ganancia máxima, sino la felicidad y el bienestar de sus empleados.

 

Laura Pacheco Mora.

Reseña: La luna en la taza

Con puesta y dirección de Daniel Dibiase, los jueves a las 21:30 en el teatro Tadron, se encienden las luces, para presentar el conflicto de pareja, planteado por la dramaturga Beatriz Mosquera.

La obra está trasladada a un momento de la historia, donde estaban de moda, en las mujeres, hacerse la toca y usar los pantalones acampanados.

Los personajes centrales son marido y mujer, un matrimonio joven, con dos hijos, donde predomina la frustración, del marido, en el ámbito laboral, por no llegar a fin de mes. El renunciamiento a los estudios, de la esposa, en pos de tener los hijos y en el profundo sentimiento de fracaso, en el matrimonio.

Este sinceramiento, se da en un día muy especial, en el festejo de aniversario de casados, donde los invitados al festejo, echan a la situación, más leña al fuego, en lugar, de paños de agua fría.

No seguiremos contando más, porque lo importante de la obra, son los diálogos, en boca de los personajes. Excelente la actuación de la actriz: Silvana Seewald, en el papel de esposa resentida, junto al actor Cristian Thorsen, ese marido, mutante entre sentimientos culposos a tomar la actitud de la defensiva, donde la queja del personaje, es que su generación hizo las cosas a destiempo. La actriz Rosario Garcia Coni y el actor Ramiro Gatti, que también se lucen en sus papeles, con sus dramas y una confesión, que es uno de los detonantes.

Se preguntarán el porqué de La luna en la taza. Tiene mucho que ver con la búsqueda, con el hecho de darse por vencido de no renunciar a los sueños. Por eso, la invitación está abierta, a que el público encuentre como dijo Gastón Breyer sobre el teatro, “la mirada y la escucha deseante”

Ficha técnico artístico

Dramaturgia:Beatriz Mosquera

Actúan: Rosario García Coni, Ramiro Gatti, Silvana Seewald, Cristian Thorsen

Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Fabián Molina Candela

Diseño sonoro: Sebastian Berenguer, Daniel Dibiase

Fotografía: Carlos Aguado

Diseño gráfico: Diego Berenguer

Asistencia de dirección: Violeta Parodi

Prensa: Simkin & Franco

Producción técnica: Sebastián Ferreyra

Producción ejecutiva: Sebastian Berenguer

Puesta en escena y dirección general: Daniel Dibiase

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

TADRON TEATRO Y CAFÉ

Niceto Vega 4802

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 4777-7976

Web: http://www.tadronteatro.com.ar

Jueves – 21:30 hs – Hasta el 20/09/2018

Crítica: Mi ex es un espía

Hagamos una comedia de acción de las que sale Sandra Bullock pero sin ella. Creo que fue una de las primeras impresiones que he tenido cuando ví la cinta protagonizada por Mila Kunis y Kate Mckinnon. Una película con acción, humor absurdo y mucho cliché. Todo ese combo funciona , no llega a ser un film memorable , pero al menos es entretenido.

La historia comienza con el personaje de Justin Teraux, quien resulta ser un agente de la CIA que se encuentra en peligro y al estar en contacto con Audrey (Su ex) la compromete en una misión para evitar que un objeto valioso caiga en las manos equivocadas. La historia no es nada nueva , y funciona a modo de parodia hacia las películas de espías , por suerte la acción comienza desde el principio , evitando aquellas situaciones sosas de introducción, que si bien están pero de forma esporádica. Si , no es una película para tomarse en serio , pero si no te disgustan aquellos films como por ejemplo Armadas y peligrosas ( justamente de Bullock) se pasa un momento agradable , con buenas dosis de humor.

Al reparto no se le puede pedir mucho , las protagonistas Kunis y Mckinnon denotan química entre ellas aunque el guión no acompañe para destacarse actoralmente. Llega a dar un poco de pena el personaje que interpreta Gillian Anderson, quien está relegada a un aparición muy secundaria, lastima que solo haya pasado por ahí para cobrar el cheque.

La dirección de Sussana Fogel es correcta , combinando con dinamismo las escenas de acción y comedia. Aunque cabe destacar que en un principio resultaba muy extraño el aspecto de la fotografía, no llego a recordar en qué lugar ocurría la acción (creo que en algún país árabe) pero parecía que se estaba en otro film, con una tonalidad oscura pero luego cambia completamente y se siente raro. Luego están las locaciones , que funciona para hacer un tour por europa , en el que logran destacarse varias escenas.

Mi ex es un espía es una película bastante ligera pero que resulta entretenida en un film de Sandra Bullock sin Sandra Bullock. Mila Kunis y Kate Mckinnon dejan sus dosis de acción y comedia , con una historia llena de clichés , pero que se deja ver.

Calificación 6/10

Crítica: El justiciero 2

El justiciero 2 es la secuela de la película protagonizada por Denzel Washington, quien vuelve para repartir golpes y hacer justicia, esta vez con asuntos personales. Aunque cuenta con algunos fallos se trata de una agradable secuela, con trepidantes escenas de acción y que pide a gritos una trilogía.

Olvidemos un poco la primera entrega y solo pensemos en el personaje principal, un ex agente del gobierno que reparte justicia a los desafortunados al azar. Trabajando como chófer de una app estilo Uber, encontrándose con gente que requiere su ayuda. Desde un principio nos encontramos con historias secundarias que funcionan para introducir la acción y dar pie al conflicto principal, se metieron con alguien cercano a el. Desde ese momento comienza lo interesante del film, aunque en muchos aspectos resulta bastante previsible , la acción y la guerra entre personajes resulta muy entretenido.

Puede que Washington parezca que esté un poco grande para repartir golpes , pero de todos modos su personaje funciona , tiene sus valores y un objetivo claro, y lo compramos. Quien no sale tan bien parado en el film es Pedro Pascal , si bien su interpretación es correcta , el personaje está bastante desdibujado, mostrándose previsible y hasta caricaturezco.

Antoine Foqua nos regala escenas de acción muy intensas , así como el manejo de un relato simple pero efectivos, ya que en ningún momento se pierde el interés a lo largo de la cinta.

El justiciero es una cinta que cumple lo que quiere dar , unas buenas dosis de acción , con una historia simple pero atrapante. Denzel Washington parece que todavía tiene garra para la acción , y si la taquilla acompaña, queremos un cierre para la historia de este entrañable justiciero.

Calificación 7/10

Crítica: Latidos en la oscuridad

A veces me sorprende la forma en que desfiguran el título de una película en su doblaje al español. La película en cuestión se llama Bad Samaritan originalmente y traducida a nuestro país como Latidos en la oscuridad. Al parecer existe una necesidad en nuestro cine de darle un nombre para que creer que se trata un film de terror puro, algo erróneo cuando vemos la cinta. La historia nos trae a unos jóvenes delincuentes que entran a robarle la casa al sujeto equivocado, porque este personaje resulta ser un psicópata que tiene a una mujer en cautiverio. La historia es más bien un thriller que empieza de forma interesante y entretenida pero que al final derrapa con sus excesos.

David Tennant es un actor que da para el perfil de psicópata y funciona muy bien su participación desde un principio. Un inicio lento pero en la medida justa para entrar en clima sobre el verdadero conflicto de la trama, hay una mujer secuestrada y el ladrón que entró a la casa de este loco intenta ayudarla. Robert Sheehan , actor reconocido por la serie Misfits, encarna al «Bueno» de la historia, su papel es correcto aunque cae en las falencias del guión, más en su último tramo.

El último tramo de la historia es lo que denota todo lo que salió mal en el film, ya que tuvo un inicio potente y con una dosis interesante de tensión y misterio. El problema es que se quiso terminar el relato de la forma más excesiva posible , y lo hace, pero rozando el ridículo. Comentario especial para el FBI , que está ahí para nada y que parece que están en otra película mientras todo pasa.

En resumen, latidos en la oscuridad es una película entretenida , con un inicio interesante pero con una culminación bastante ridícula. Buena participación de David Tennant como antagonista y psicópata de turno . Cabe aclarar que no es una película de terror como su título nos hace sonar , pero de todos modos tiene sus momentos de tensión bien logrados. Buena ambientación y fotografía, lastima que su final es irreparable.

Calificación 6/10

Crítica: Mi obra maestra

Crítica de Gonzalo Borzino

Un hombre yace inerte ante un caótico y colosal paisaje. Este hombre es Renzo Nervi (Luis Brandoni), un pintor hosco, inconformista, quien fue exitoso en la década del 80, pero ha caído en desgracia por el pasar de los tiempos. Convive con la decadencia diaria y es incapaz de adaptarse a lo que le exige la modernidad para que Arturo Silva (Guillermo Francella), su amigo de toda la vida y galerista exclusivo de arte, sofisticado y sin escrúpulos, pueda vender sus cuadros. Ambos forman una dupla balanceada entre orden y caos, control y libertad. Juntos transitan una amistad cómplice, consecuencia de años de unión, que los llevará a extremos insospechados hasta el punto de planificar una estafa grandiosa ¿Hasta donde seguirías a tu amigo?

Con el desafío de ser su siguiente trabajo después del multipremiado film El Ciudadano Ilustre (2016), el trió formado por los hermanos Dupart y Mariano Kohn vuelve a las andadas, apostando esta vez por un estilo de humor preciso. La comedia manejada podría ser llamada de carácter serio, carece de las exageraciones aberrantes tan clásicas en cine Argentino, y opta por mecanismos más sutiles e irónicos para provocar la risa en el espectador. Siendo por primera vez enteramente dirigida por Gastón Dupart, la película cuenta con un dualismo que permite ser leída como una pieza profundamente Argentina, donde el público local se podrá reconocer en lo mejor y lo peor de los personajes, pero también intenta brindar un mensaje universal que puede ser accedido por cualquier espectador a lo largo del globo.

Andrés Dupart, quien además del guionista es el Director del Museo de Bellas Artes, define su trabajo como uno grupal entre las tres cabezas, a pesar de que él figure acreditado solo en este departamento. A pesar de asegurar que el guion no es para nada una improvisación, Andrés asegura que tampoco es intocable, encontrándose muy abiertos a las intervenciones de los actores, quienes en las largas sesiones de prácticas (a las cuales Brandoni se refirió como «las más ensayadas de su vida») podían proponer cambios y nuevas vueltas para los personajes.

La historia cuenta con un verosímil propio de gente atravesada por el arte, dotada de la cercanía que tiene el escritor con el ambiente. Un explayamiento muy natural y, afortunadamente, carente de esa vergüenza ajena que puede provocar el mirar a un autor que desconoce de lo que escribe. Durante la conferencia se dio mucho énfasis a la importancia de este verosímil construido con base solida, felicitando a Luis Brandoni por su excelente interpretación de pintor. Sus dedos recorrieron los lienzos con fineza y técnica propia de un verdadero artista a pesar de que, como el confiesa, nunca se atrevió a tomar un pincel. Por el lado de la actitud Renzo no es un hombre que posea maldad, sino que solo es un caprichoso y testarudo. Inspirado en todos aquellos artistas que han sido canibalizados por las masas de este país, donde siempre se está buscando la novedad y se rechaza lo ya conocido, la película critica el sistema snobiano del «arte elevado» que mata a quien se queda por fuera de la rueda, situación que parece haberse acentuado en las ultimas décadas.

El elenco también cuenta con la participación de Raúl Arévalo, actor Español de creciente renombre, y con menor tiempo en pantalla también hace acto de presencia la actriz fetiche de los Duprat, Andrea Frigerio. Raul participa en el papel de Felix, un joven idealista con sueños de ser pintor, quien viene a representar esa moralidad del artista puro y nobel que quiere cambiar un mundo podrido y cuyo physique du rol esta excelentemente logrado. Por su parte, Andrea interptreta de la excéntrica galerista con la que Arturo deberá congeniar para llevar a cabo su plan, realizando una propuesta actoral llamativa, perteneciente a una mujer de altas esferas sociales, con posturas y gestos que denotan su estatus.

En lo que respecta a producción, Mariano Cohn señala que el film está pensado como una gran superproducción, en parte gracias a la coproducción con la productora Española Media Pro. Durante la rueda de prensa aseguró haber cumplido su rol no como obstaculizador, sino como facilitador. Era su intención que la visión artística de Gastón se llevase a cabo de la manera más completa posible, sin guardarse nada ni cortar por lo económico. Así fue que, cuando se dijo de ir a grabar a más de 4.000 metros de altura en las montañas jujeñas, el equipo partió hacia allí, y a pesar de los dolores de cabeza y las dificultades para respirar, se grabaron algunas de las escenas más icónicas y espectaculares del proyecto.

Cuando se les preguntó a ambos actores, quienes ya habían trabajado juntos en televisión en dos ocasiones (El hombre de tu vida (2012) y Durmiendo con mi jefe(2003)), Francella y Brandoni confirmaron tenerse un enorme cariño y respeto, y añadieron, jocosamente, que les faltaría trabajar juntos en el teatro para completar su lista de pendientes. Congeniaron en tener buena química actoral y buena devolución para con el género cómico, situación que puede apreciarse en pantalla y que vuelve real la amistad de años que pretenden llevar adelante estos personajes, quienes de no contar con ello ya se hubieran matado mutuamente.

Si se busca una historia enternecedora de dos viejos amigos soportando sus añejadas y testarudas personalidad, absorbiendo lo que el tiempo les fue dejando y devolviendo los golpes de la vida entre risas compañeras, esta es esa historia. El mismo hombre del principio se mantiene inerte ante el monte, pero ya no está solo: su amigo de toda la vida está allí para él. Y en cuanto a la estafa, no se preocupen tanto por ella. Mas bien, disfruten de la calidez del dúo y siéntense atravesados por los más nobles sentimientos de compañerismo. En palabras de Francella la película es «Una verdadera obra maestra de la estafa y un canto a la vida, en cuanto a la amistad».

Calificación: 8.0/10

Crítica: La educación del rey

Reynaldo Galíndez, el “Rey”(Matías Encinas), es un adolescente que tiene la desventura de, al escapar de su bautismo como delincuente, caer en el patio de la casa de un guardia de seguridad retirado, Carlos Vargas (Germán de Silva). Vargas le propone no entregarlo a la policía, a cambio de que repare los daños que causó.

Es un film que cuenta con algunas escenas que atrapan al espectador; la música, fotografía y montaje, acompañan correctamente la acción y la intriga.

Nos cuenta una historia sobre un camino recurrente, con una vuelta de tuerca; la idea en sí misma, es buena, sin embargo, en mi opinión, no se aprovecharon todos los recursos disponibles, para “contar” algo diferente.

Los diálogos se ajustan en forma adecuada a la trama, aunque se genera de a ratos una desconexión entre los actores y la misma.

Con respecto al guion, se puede decir tras un breve análisis, que nos ofrece la huella de un relato con un punto de vista ajeno… es decir, quizás no se profundiza lo suficiente al no interiorizarse en el contexto en el que se desarrolla, cayendo en cuestiones predecibles que asimismo se corresponden poco entre sí.

Se destacan las actuaciones de Matías Encinas y Germán de Silva, por sus personajes bien logrados y ejecutados. De todas maneras, resulta un tanto difícil, familiarizarse y empatizar con ellos… Realmente sólo los observamos y no experimentamos junto a ellos sus vivencias.

El mensaje que transmite la película queda bien planteado… “todos somos espejos/maestros de los demás” … pero honestamente no se logra esa comunión buscada en la relación entre los protagonistas, lo que hubiese sido una grata sorpresa.

Calificación: 5/10

Laura Pacheco Mora

Crítica: El Ángel

Catalogada como una de las películas argentinas más esperadas del año, partiendo por el hecho de contar con la participación de productoras nacionales de alta categoría como lo son K&S Films y Underground, asimismo, con el aporte de la productora española perteneciente a Pedro Almodóvar El deseo.



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De la mano de esta unión esta como director y co-guionista Luis Ortega, conocido por sus trabajos anteriores como La caja negra, Monoblock, Los santos sucios, Verano maldito, Dromómanos, Lulú y las dos series televisivas Historia de un clan y El marginal. Con su impronta personal en esta nueva entrega decide evocar una parte de la vida de Carlos Robledo Puch, el criminal más antiguo dentro de la historia penal Argentina, culpable de haber cometido 42 robos y 11 asesinatos teniendo tan solo 20 años, quien en la actualidad sigue entre rejas. Ortega toma la decisión (muy acertada), de no enfocarse únicamente en los diferentes actos delictivos del mismo, sino que se centra en la relación de amistad, atracción y peligro que presenta hacia su amigo Ramón.

Lo particular y atrapante en cuanto al argumento de El Ángel, es la construcción que presenta el personaje principal Carlitos, puesto que además de mostrar de manera muy natural su esencia como delincuente, se manifiesta como un chico carismático, sensual y atrevido, que inmediatamente resulta envolvente. La historia posee un hilo conductor hilarante y al mismo tiempo escalofriante. Al principio el ritmo es vertiginoso y las acciones se presentan de manera muy continua, seguidamente todo este ritmo va disminuyendo y la trama se estanca un poco, volviéndose repetitiva en un punto, pero ya casi al final retoma fuerza en la narración. Asimismo, están implícitos diferentes tonos de erotismo, acción y comedia.

La historia se sitúa en 1971 y presenta a Carlitos (Lorenzo Ferro), un joven bien parecido, con una rostro que emana inocencia y dulzura, hijo único de una familia de clase media conformada por su madre Aurora (Cecilia Roth) y su padre Héctor (Luis Gnecco). Pero debajo de ese perfil de un chico posiblemente “normal” que asiste a la secundaria, toca el piano, tiene una novia guapa, se esconde un alma criminal que en un principio solo robaba por placer y obsequiaba los objetos que hurtaba. Todo esto cambia cuando conoce a Ramón (Chino Darín), juntos se convierten en una dupla de delincuentes peligrosos sin escrúpulos, subordinado por el padre de Ramón, José (Daniel Fanego) quien había estado preso anteriormente, teniendo como cómplice en los delitos que realizan los chicos a su seductora mujer Ana María (Mercedes Morán). Carlitos comienza a desarrollar una atracción física y sexual hacia Ramón, quien hace caso omiso de ello, pero se vale de eso para manipular al mismo. A medida que avanza la trama se hace cada vez más estrecha la relación entre ambos, pero se modifica cuando son detenidos por la policía, Carlitos huye asegurando que volverá para sacarlo a Ramón. Al poco tiempo, se reencuentran nuevamente pero esta vez ya no son una dupla sino que aparece Miguel (Peter Lanzani), quien se roba la atención de Ramón causando celos en Carlitos. Ambos son asesinados en diferentes circunstancias por Carlitos, conllevándolo hacia su destino tras las rejas.

Desde el comienzo de la historia resulta envolvente toda la composición visual y sonora. La dirección de arte en manos Julia Freid, se muestra prolija, todo el entorno esta ambientando exactamente en el contexto social y la época en la cual se sitúa la trama (principio de la década de los setenta). Desde el vestuario, la utilería en la puesta en escena, la caracterización de cada uno de los personajes, los autos, las casas, los decorados son muestra de un impecable trabajo. Todo esto, va de la mano con la dirección de fotografía a cargo de Julián Apezteguía, merito que se debe destacar por los matices vibrantes utilizados de manera ingeniosa en diferentes escenas y locaciones, logrando así una estética estupenda.

En cuanto a la banda sonora, la utilización de temas musicales icónicos de la época representado por artistas de la misma como Billy Bond, Johnny Tedesco, Manal, Palito Ortega, entre otros, generan un toque de alegría y elocuencia durante diversas escenas.

Se debe enfatizar en el elenco, conformado por grandes figuras del cine nacional e internacional, pero sin duda alguna el actor a destacar es Lorenzo Ferro, quien a su corta edad incursiona por primera vez en el mundo del espectáculo. Nunca antes había participado en nada, esta interpretación fue su escuela. Luis, el director tuvo seis meses preparándolo para poder encarnar a Carlitos, desde clases de conducir y de baile, entre otras herramientas, le permitieron llevar el protagónico de manera acertada; además cabe destacar el parecido con el verdadero Robledo Puch.

Ortega una vez más fue asertivo en cuanto a la reconstrucción ficcional de una historia basada en hechos de la vida real, destacando elementos peculiares en cuanto a una parte de la vida del entonces joven delincuente Carlos Robledo Puch.

En definitiva, es uno de los films que no se deberían perder este año, sobretodo para los amantes del cine de acción y la comedia negra, esta película posee todas las herramientas para poder pasar un buen rato en el cine. No es apta para menores de edad, puesto que tiene muchas escenas con alto grado de violencia.

Clasificación: 8/10

Betania De Armas

Crítica: El amor menos pensado.

Después de estar casados por más de 25 años, Marcos y Ana atraviesan una crisis existencial que los lleva a separarse. Sus nuevas vidas de solteros les parece fascinante y excitante al principio, pero de a poco se empieza a volver monótona para Ana y una verdadera pesadilla para Marcos.

La opera prima de Juan Vera, narra la historia de un matrimonio, que cuando se liberan de las preocupaciones y finalmente tienen más tiempo para dedicar a la pareja tras la partida de su hijo a España, se dan cuenta que que pese a tener una relación agradable y en armonia, algo les falta. El amor y la pasión que tiempo atrás los envolvía, se volvió una simple rutina de compañerismo y estabilidad que no les es suficiente y deciden separarse para explorar el mundo de la soltería que ya tenían olvidado.

Protagonizada por Ricardo Darin y Mercedes Morán,quienes con su notable química nos cuentan de una forma fresca ,sencilla y divertida,una historia de amor atravesada en la madurez. Con actuaciones impecables,aprovechando hasta el último detalle y personajes secundarios que darán que hablar, está película probablemente sea de lo mejor del cine argentino de este año, con un humor eficaz y diálogos efectivos, logra emocionar al espectador en una reflexiva y acertada comedia romántica.

Calificación 8.5/10

Producida por Patagonik & Kenya Films

Elenco
Ricardo Darín
Mercedes Morán
Claudia Fontán
Luis Rubio
Andrea Pietra
Jean Pierre Noher
Claudia Lapacó
Chico Novarro
Gabriel Corrado
Andrea Politti
Andrés Gil
Mariú Fernández

Con la participación de Norman Briski
y Juan Minujín

Ficha Técnica
Título: EL AMOR MENOS PENSADO
Director: Juan Vera
Guión: Juan Vera y Daniel Cúparo
Sobre una idea original de Juan Vera
Producción: Patagonik & Kenya Films
Producida por: Juan Pablo Galli, Juan Vera & Christan Faillace – Ricardo Darín, Chino Darín & Federico Posternak
Productor Ejecutivo: Juan Lovece
Directora de Arte: Mercedes Alfonsín
Director de Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Director de Sonido: José Luis Díaz
Músico: Iván Wyszogrod
Montaje: Pablo Barbieri
Dirección de Casting: María Laura Berch
Vestuario: Mónica Toschi
Género: Comedia Romántica
Fecha de Filmación: Febrero-Marzo 2018
Distribuida por: Buena Vista Internacional
Ventas Internacionales: Film Sharks

ESTRENO 2 AGOSTO 2018

«ANTES QUE SEA TARDE», LA PELÍCULA DE NAT GEO EN EL GREEN FILM FEST


Antes que sea tarde, dirigido y producido por el realizador galardonado con un premio Oscar®, Fisher Stevens; conducido por Leonardo DiCaprio, actor ganador de un premio Oscar®, activista por el medio ambiente y Mensajero de la Paz de la ONU, y con la producción ejecutiva de Martin Scorsese.

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Antes que sea tarde estrenó en 171 países y en 45 idiomas, y presentó un relato tan informativo como atrapante de los dramáticos sucesos que estuvieron ocurriendo en todo el mundo debido al cambio climático, y las acciones que tanto los individuos como la sociedad pueden impulsar para prevenir una catastrófica disrupción de la vida en nuestro planeta. El espectador es testigo de la gravedad de la crisis medioambiental que causa un daño irreversible que afecta distintas geografías, desde Groenlandia hasta Indonesia, perturbando el equilibrio del clima mundial y acelerar la extinción de animales.

 

DiCaprio entrevista a individuos de todos los sectores de la sociedad, tanto en países desarrollados como en naciones en vías de desarrollo, que con vehemencia y pragmatismo brindan opiniones sobre lo que se debe hacer hoy −y en el futuro− para poder lograr una transición de los sistemas económicos y políticos hacia instituciones favorables al medio ambiente.

 

Entre los entrevistados, se destacan el Papa Francisco, Barak Obama, Bill Clinton, investigadores de la NASA de primera línea, conservacionistas forestales, científicos, líderes comunitarios, fervientes activistas, el secretario de estado de EE.UU. John Kerry, y el secretario general de las Naciones Unidas Ban Ki-moon.

 

“El cambio climático es el mayor peligro que enfrenta nuestro planeta”, dijo DiCaprio. “Debemos trabajar juntos como una voz colectiva para exigir acciones drásticas ya. Nuestra supervivencia depende de ello. Este documental traduce los síntomas y las soluciones del cambio climático antes de que la información sea distorsionada, como pasa muy a menudo, por aquellos que tienen un interés económico en la producción de combustibles fósiles”, agregó.

 

“Si uno pudiera saber la verdad sobre el daño que ya le hemos hecho al planeta y cuánto tiempo nos queda para encontrar soluciones antes de que todo el ecosistema colapse, ¿querría saberla? Ya no podemos hacer la vista gorda sobre este problema y esperar que se solucione por sí solo”, manifestó Fisher Stevens y añadió tengo la esperanza de que este documental sea un llamado de atención sobre el destino inexorable que nos espera si no actuamos”, añadió.

 

Aclamado por la crítica, Antes que sea tardefue Selección Oficial del Festival de Cine de Toronto, el Festival de Cine de Londres y del Festival de Cine Internacional de los Hamptons.

 

“Fisher y yo quisimos hacer una película para educar a la gente de todo el mundo sobre el problema urgente que es el cambio climático y para inspirarla a que sea parte de la solución. Aplaudo a National Geographic por su compromiso a llevar la película a la mayor cantidad de gente posible en un momento tan crítico”, expresó Di Caprio.

 

Por su parte, Stevens agregó: “El nivel de apoyo que National Geographic está brindando para generar conciencia sobre el cambio climático es exactamente lo que estábamos buscando Leo y yo cuando hicimos la película. El cambio climático es real, y estamos sintiendo sus efectos cada vez más día tras día. Es hora de que dejemos de discutir su existencia y que hagamos todo lo posible por llevar el problema a un primer plano en la mente de la gente de manera que se tomen medidas reales para combatirlo”.

 

El documental es una producción de RatPac Documentary Films, Appian Way e Insurgent Media. Los productores son Leonardo DiCaprio, Brett Ratner, Fisher Stevens, Jennifer Davisson y Trevor Davidoski, y Martin Scorsese es el productor ejecutivo. La banda sonora fue creada por Trent Reznor & Atticus Ross, Gustavo Santaolalla y Mogwai.