Análisis: Hotline Miami Collection para Nintendo Switch

Análisis de Hotline Miami Collection
Reseña escrita por Agustín Czyrka

Un viaje psicodélico y ultraviolento para los amantes del Retro.

La Historia:

En el Juego 1, la historia comienza en Miami a fines de los años 80 y, luego de un breve tutorial, sigue la “vida” y las pesadillas de nuestro personaje principal, que se ve envuelto en una seguidilla de asesinatos masivos sugeridos por llamados telefónicos anónimos y voces a las que él escucha. Al principio no está del todo claro quién o qué es cada personaje y cuáles son las motivaciones profundas para tanta masacre, pero el juego se preocupa por los pequeños detalles, cuenta pequeñas cosas en forma de “sprites” y va profundizando en una trama narrada en fragmentos, noticias y recuerdos. Toda esta narración queda mezclada con un estado alucinógeno inducido por la violencia y locura.

Antes de cada masacre manejamos al personaje dentro de su departamento, donde él nos muestra un fragmento de su vida cotidiana en cada pixel y donde luego atenderemos una llamada telefónica que nos ordenará hacia dónde dirigir nuestra violencia.

Después de cada sangrienta misión hay una pantalla extra en la que el personaje interactúa con alguna persona en un bar, pizzería, disquería, etc. Estas pequeñas historias desarrollan un poco más al personaje detrás de la máscara.

El Juego 2 continúa con algunas premisas del primero, pero construye una historia con varios personajes, donde siempre controlaremos a alguien que se deja llevar por sus instintos violentos y asesinos pero sus motivos y orígenes difieren del anterior. Manejaremos a un pandillero de alta mafia a punto de jubilarse, a un policía justiciero que se vuelve verdugo, a un actor de películas de acción que confunde la realidad con la ficción y así sucesivamente. Este juego cuenta con una trama más expansiva que la anterior entrega.

El control:

Hotline Miami es un juego de tiros de dos mandos con perspectiva cenital. Los controles son configurables, con el analógico izquierdo se maneja al personaje y con el analógico derecho manejamos su mirada y su puntería. Con los gatillos se agarran armas, se dispara y golpea.
El juego nos explica como desplegar la masacre: aunque si vas corriendo y disparando sin pensar no podés pasar los niveles, al morir y reiniciar constantemente empezás a ver bien el plano del lugar, los puntos ciegos, el patrón de caminata de los enemigos, etc.
El juego posee una acción desbordante y acelerada pero se juega como un puzzle, sobre todo en algunas misiones en las que correr y disparar no sirve.
Mi crítica a los controles es que, jugándolo en la Nintendo Switch, al apuntar la mira sobre un enemigo se siente la falta de mouse. Algunas muertes se sienten injustas ya que el mando no es tan preciso para responder a varios ataques de múltiples direcciones. Sobre todo cuando te selecciona automáticamente a un enemigo que no querías en vez de al que tenías en frente.

Los niveles:

El primer juego de esta colección está dividido en cinco partes y cada una de ellas está dividida en 4 capítulos, para un total de 20+ capítulos. Cada uno cuenta con una introducción, la misión propiamente dicha y el diálogo posterior en algún negocio.

El juego esta visto desde arriba y desde una altura considerable. Esto nos ayuda a ver y planear nuestros movimientos para optimizar el uso de cada bala, cada golpe para abrir una puerta o el lanzamiento de un bate bien apuntado.

Los niveles se sienten variados y diversos: si bien el juego trabaja con la misma fórmula, al cambiar el plano de cada misión, las armas o powerups disponibles y algunos enemigos especiales, logra dar frescura y mantener la atención del jugador.
El juego no es “roguelike”, no se autogenera artificialmente. Cada misión está hecha artesanalmente y se siente bien diseñada.

El segundo juego está dividido en Seis Actos, con un total de 25 escenas (misiones que jugamos) con mayor variedad de escenarios y lugares en los que desatar las masacres del juego, llenos de pequeños detalles que te invitan a detenerte y observar.

El Arte:
Hotline Miami está narrado con una cámara muy alta y lejana donde solo vemos la cabeza y los hombros de los personajes, y tiene escenas de diálogo que abren ventanas dibujadas con texto de los personajes.

Toda la estética del juego está muy cuidada del principio a fin, desde la paleta de colores de un neón vibrante y el efecto de blur y narcóticos sobre el control hasta las tipografías y detalles en cada menú del juego. El apartado de diseño retro está muy bien conseguido.

El trabajo de pixeles es bueno, y podemos detenernos en cada nuevo lugar a contemplar pequeños elementos que agregan profundidad a este mundo. Las animaciones y movimientos de los personajes son aceptables y sobre todo las muertes en el suelo son particularmente detalladas y violentas.
Si bien no es mi estética favorita reconozco su calidad, lo único que puedo criticar son los rostros y los retratos que me desagradan. Tengo entendido que son toscos, grotescos y mal dibujados intencionalmente, pero me hacen sentir que no alcanzan la calidad que muestra todo el resto del juego y me molesta esta disonancia.

Hotline Miami 2: Wrong Number mantiene una estética similar, pero mejora cada menú del juego: ahora utiliza cassettes y cintas de películas como selectores de misiones que se ven fantásticas, cambia la paleta de colores a una algo más oscura y menos vibrante, y agrega mayor variedad en los lugares que van a visitar los personajes a lo largo del juego.

El juego se disfruta mejor en modo portátil, ya que los gráficos ampliados en una tv de 50 pulgadas se ven sencillos. Mejora su atractivo en la palma de la mano.

La Música y el Sonido:
El sonido y la banda sonora del juego son excelentes, con una mezcla de estilos de los 80 y 90, intensa y retro. El sonido acompaña cada disparo, cada puerta y cada cuchillazo de forma adecuada y se siente de calidad. La banda sonora cuenta con unas 3hs de música llena de temas memorables, que acompañan gratamente en cada misión.

La Rejugabilidad y Desbloqueables: Hay muchas horas de juego en esta colección. Solo completar la historia del juego Hotline Miami lleva unas 5hs aproximadamente, a razón de una 1 hora para completar una parte, y unos 15 minutos para cada misión.
En el Hotline Miami 2: Wrong Number la historia dura unas 7+ hs de juego, unas 2 o 3 hs más largo que el primero, y esto es solo para la historia principal. Ya tenemos un total de 12hs para completar todas las misiones de esta colección, sin contar que el juego cuenta con numerosos desbloqueables y la posibilidad de mejorar nuestros records en cada nivel. Para los jugadores que les guste completar al 100% van a tener más de 25hs de juego en este título.

Los desbloqueables vienen en forma de Máscaras y Armas para utilizar en la misión.

Cada máscara además de variar levemente la estética del personaje nos agrega un poder/modificador por ejemplo poder matar con el puño, o abrir las puertas de forma letal sobre los enemigos. El primer juego tiene un total de 27 máscaras que se desbloquean sacando altos puntajes en las misiones. El segundo juego cuenta con 9 máscaras.
Sumando los dos juegos hay más de 30 armas entre armas de fuego y armas de corta distancia. Más de la mitad de éstas son desbloqueables durante la historia.
También hay piezas de puzzle con letras para encontrar en cada misión y completar un mensaje secreto que se forma con todas ellas.

Conclusión: Hotline Miami Collection es un Juego de Acción Ultraviolento con una estética muy cuidada; un juego divertido con numerosos desbloqueables que te mantendrán ocupado con una trama interesante que nos acompaña en la aventura, una banda sonora excelente adecuada al título y suficientes horas de juego para alegrar a cualquiera. No es un juego para todo el mundo, la trama y la violencia dejan de lado a mucha gente, pero si sabés de qué se trata y te interesa, sus desarrolladores cuidaron hasta el último detalle para dar una experiencia de calidad.

Mi nota 8/10

Positivo:

  • La acción frenética y divertida
  • La trama y estética muy cuidada en cada detalle
  • Los desbloqueables agregan rejugabilidad y variación
  • El sonido y la música son excelentes
  • Rejugar las misiones es instantáneo, sin tiempo de carga

Negativo:

  • El control en consolas dificulta la puntería
  • Algunos bugs molestos
  • Las caras mal dibujadas

Reseña: La Zapatera prodigiosa

En el Teatro El Vitral, hasta el domingo 4 de agosto, a las 17:30, todos los días, el musical infantil, y para grandes también La Zapatera prodigiosa, un hermoso homenaje a Federico García Lorca.

La zapatera prodigiosa original: es una obra de teatro de Federico García Lorca que fue estrenada en 1930 y que en esta puesta, en el 2019, ha sido adaptada por María de las Mercedes Hernando, las letras de las canciones son de su autoría y la música original de Angel Mahler.

La obra cuenta cómo una mujer más joven se ha casado con un zapatero, y él cree que ella se casado por interés. Las comadres del pueblo, no la quieren, y el hombre atribulado, por amarla y creer que no es correspondido, se termina yendo del pueblo. Tiene un final feliz, pero como se desovilla la madeja, lo dejamos ahí, para que la vayan a ver.

Es una obra con mucho de baile flamenco, Federico García Lorca, está presente y es una pieza que se caracteriza por el buen humor, como estandarte, logra escenas poéticas, llevadas por la dirección de Franz García Reynaldi.

Además tiene incluído una puesta de títeres, mucho baile español., mucho Lorca, hermoso el vestuario y la iluminación.

Una obra ideal para el público infantil, en estas vacaciones de invierno que se lo quiere sacar a distraerse con una opción diferente, no clásica, y que los atrapa.

El elenco compuesto por Franz García Reynaldi , Paula Reus Menéndez, Ramiro Maluendez, Valu Zapata, Jazmín Fernández, Micaela Baylac y Marcelo Bielawin, son compactos, encargados en cada uno de sus personajes darle ese toque de alegría que se mantiene a lo largo de todo el espectáculo.

Es una obra con premios, en el 2018, Premio Hugo Federales y en el 2019, ganadora de dos premios Atrezzo, con la mejor dirección.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Análisis: Reedemer Enhanced edition para PS4

Por Jorge Marchisio
Nos metemos en la piel de Vasily, un ex paramilitar, que decide retirarse a un monasterio budista para encontrar la paz interior, tras una vida de violencia y muerte. Pero su purificación dura poco cuando la antigua agencia para la que trabajaba, lo encuentra, haciendo que Vasily vuelva a tomar las armas y para defender su nueva vida.

Vamos a serles sinceros, y decir de entrada, que estamos ante uno de los videojuegos más rotos que vimos en tiempo. Suena drástico, pero es verdad, y Sobaka Studios parece que nos ofrece una versión beta, y no el producto final que podremos comprar dentro de poco.
En Redeemer controlamos a Vasily con una vista cenital, pudiendo ver desde arriba toda la acción y el desmadre que crea nuestro personaje, que, a base de puños y patadas, tumba cuanto enemigo se le cruza. En algunas ocasiones también contaremos con armas blancas o garrotes, y armas de fuego; incluso podremos usar el escenario a nuestro favor para empalar a los enemigos en ramas o pinchos que sobresalen de las paredes.Hasta ahora, no mencionamos porque es que empezamos el análisis de forma lapidaria. Y es que Redeemer lo comienza de la misma manera. Empezamos fuera del monasterio, y quien les habla, se puso a explorar el mapeado antes de entrar a dicho recinto, con el resultado de caerse por un precipicio y no ver morir jamás a su personaje, por ende, tener que reiniciar el juego para poder avanzar. Y si a eso le sumamos que en menos de diez minutos sufrimos un bajonazo de frames solo porque en la pantalla había más de cinco personajes pegándose…Estos fallos técnicos en menos de diez minutos, son imperdonables, para cualquier videojuego proveniente de cualquier desarrolladora. Y si a eso le sumamos una historia súper vista y básica, y un gameplay que no se molesta en innovar en ningún aspecto; tenemos como resultado un game bastante plano, que no se arriesga a proponer cosas nuevas, y que peor aún, en su simpleza, falla también.
Poco queda para decir de Redeemer. Para aquellos que les gusten los juegos de vista cenital y estilo hack´n lash, les decimos que lo prueben sin dudarlo. Pero si buscan alguna variante a lo mil veces ya visto, hay mejores opciones en el mercado.

Calificación: 3/10

Lo mejor: el apartado visual

Lo peor: muchos bugs y caídas de frame, no innova en ningún apartado.

Reseña: Saltimbanquis

En el Centro Cultural San Martín, en la Sala Muiño, con dirección de Pablo Gorlero, un espectáculo teatral para ser compartido en familia, con funciones en vacaciones: de miércoles a domingo a las 16:30hs.

Es la historia de un burro, que no rebuzna sino que se queja porque no es bien tratado por su dueño, que lo único que hace es cargarlo y para colmo de males, lo llama mula en lugar de burro. A este burro, lo encuentra un perro, que está buscando que lo adopten, quiere tener un dueño, porque es muy cariñoso y también cuando perdió el olfato fue reemplazado por un pit Bull. En esta compañía que sin querer de animalitos se va formando se encuentran en el camino con una muy simpática gallina ponedora, que reclama, que la dueña, le roba todos los huevos. A este trío que deciden llamarse Saltimbanquis porque deciden juntos recorrer el mundo e ir cantando, se le suma una gatita. Una hermosa historia, de mucha ternura, comicidad, colorido. Un musical, con un hermoso vestuario, coreografías, canciones con libro y letras de Sergio Bardotti y música de Luis Bacalov.

Un espectáculo infantil, apto para todo público (recomendado de 2 a 10 años), con precios populares para los días miércoles 24 y 31 de julio. Tienen previstos funciones todos los sábados y domingos a las 16:30 hs (hasta el domingo 18/8 inclusive en el Día del Niño) y tener presente que las funciones en vacaciones de invierno son de miércoles a domingo siempre a las 16:30 hs.

La propuesta es a disfrutar, en estas vacaciones, con los peques, a pasarlo entretenidos, grandes y chicos, compartiendo momentos que son únicos, donde la obra capta la atención, es muy dinámica, y son muy lindas las canciones.


OBRA MULTIPREMIADA!

PREMIO ACE – Mejor Musical Infantil

PREMIOS HUGO – Mejor Musical Infantil – Mejor Coreografía

PREMIO TEATRO DEL MUNDO – Mejor infantil

8 PREMIOS ATINA (Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes) – Incluye Mejor infantil


Elenco: Julián Rubino (Perro), Magalí Sánchez Alleno (Gata), Mariano Taccagni (Burro) y Mariela Passeri (Gallina), Nicolás Leguizamón, Mariel Rueda, Sheila Saslavsky , Francisco Tortorelli y Manuela Perín (Amos) Ensamble infantil: Nicolás Cúcaro, Valentina Mooney, Luna Caré, Florencia Ferrari, Guido Kañevsky, Emma Longhi, Angelina Nápoli, Zarek Nazar Dutka, Mía Rodriguez, Nicolás Sousa y Alejandro Justiniano

Ficha Técnica

Dirección y adaptación: Pablo Gorlero

Libro y letras: Sergio Bardotti

Música: Luis Bacalov

Traducción original: Roberto Palandri

Coreografía: Verónica Pecollo

Dirección musical: Martín Bianchedi

Dirección vocal: Matías Ibarra

Producción y Stage Manager: Andrés Vaulet

Diseño de escenografía: Tadeo Jones

Diseño de vestuario: Gustavo Calandra y Claudio Hock

Operador de sonido y pantallas: Matías Taborda

Coach actoral de niños: Maite Giribaldi Pochat

Asistente de dirección: Francisco Tortorelli


Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Hair

Luego de estrenarse Hair en nuestro país en el año 1971, y todo lo que esa época significó, vuelve después de 50 años de la mano de Pablo Gorlero y con mas de 40 interpretes en el escenario. La obra también cuenta con músicos en vivo dirigidos por Juan Ignacio Lopez, encargado también de los arreglos musicales.
La obra , que lleva como subtitulo “The American Trivial Love/Rock Musical”, habla sobre la cultura hippie de los Estados Unidos en los años 1960, época en la que dicho país estaba en guerra con Vietnam. Nos habla del amor, la paz, la revolución interna y la libertad sexual. En resumen un movimiento de contracultura. Hair recrea el espíritu y las formas de vivir de una comunidad hippie y en la puesta de Gorlero eso se ve, se siente y se trasmite.

La cantidad de actores y actrices sobre el escenario hace que la idea de esta comunidad quede plasmada sobre el escenario. Si bien hay escenas en las que claramente dialogan dos o tres personajes , los demás interpretes siguen estando sobre el escenario realizando una actividad o simplemente siendo espectadores de lo que acontece , ya que en una tribu todo es visible. Mientras sucede una escena , puede que algún interprete esté pintando un cuadro u otro se este bañando y ese concepto de tribu se agradece en la puesta actual.
La escenografía a cargo de Magali Acha, compuesta por andamios giratorios y escaleras de metal sobre el fondo del escenario, también ayuda a crear el ambiente. Dando la sensación de viviendas en la que cada espacio es de todos y a la vez de nadie.
Se destaca el labor de cada actor y actriz sin nombrar a ninguno en particular porque lo que plantea la obra es eso, poder separarse de las individualidades y ver los que los interpretes crean juntos , armonizando sus voces y haciendo que la música te haga levantar del asiento e ir a bailar y cantar con ellos. En casi tres horas de obra el elenco muy pocas veces se ausentan del escenario, un equipo por demás talentoso.

Autores: Gerome Ragni, James Rado y Galt Macdermot
Adaptación y dirección general: Pablo Gorlero
Funciones: Viernes, sábados y domingos 21 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131)

Crítica: Ricordi?

Una película dirigida por Valerio Mieli, en el cine Gaumont, este lunes 1 de julio, de origen italo-francés, filmada en el 2018, donde el estilo del director, me recuerda mucho al de Leonardo Favio. La característica de Mieli, en común con Favio, es muchas escenas, no son fotogramas sino que logran ser piezas de arte en cuanto a la belleza fotográfica, el momento emotivo que enmarcan, o sobre la calidad del texto.

Incluso me fui inevitable esta asociación de directores, cuando en un fragmento de la obra, se baila un tango y se toca la canción de fondo de Gatica.

Las actrices son Linda Caridi y Camilia Diana y los actores son Luca Marinelli y Giovanni Anzaldo. Un elenco muy joven, que el mensaje que da la película, y en alusión a su título, aplica esa frase que dice “todo tiempo pasado fue mejor”, nosotros, los seremos humanos, los hechos que guardamos en el pasado, lo etiquetamos como momentos vividos hermosos, aunque no hayan sido así, pero nuestra mente es quien participa de ese juego donde distorsiona la realidad, porque justamente las emociones pertenecen a un pretérito indefinido, en donde el recuerdo, ese velo de la mente, hace sobre lo vivido que lo recordemos con la media copia llena.

La película trata de una pareja que se ama apasionadamente, pero con el paso del tiempo ellos van cambiando, y se van distanciando hasta cortar la relación. Y la tesis de la película, es que lo único que los une es el recuerdo. A mí me generó sentimientos encontrados, sobre la tesis, porque la filosofía actual, dice que se viva el presente, el ya y ahora, cuando la película, con su teoría, hace que el presente, se lo destine a remontarse a los recuerdos.

Es una película con numerosos premios, el mensaje me parece interesante, la dirección tiene muchos logros, la selección musical que aplica a las escenas, es muy bueno, la fotografía es excelente, pero me resultó algo reiterativo, un estilo romántico algo empalagoso, como que el guion, cae en pozos, donde el mensaje es claro apenas comienza la película y no se sale de ese argumento. El elenco interpreta muy bien sus papeles, pero se les complica a la hora de actuar con un guión con algunas carencias.

El film fue visto gracias a la invitación de Cine Club Núcleo, quien lleva a cabo sus funciones todos los lunes a las 18 y 20.30 hs., y el segundo y cuarto domingo de cada mes a las 11 hs. en el Cine Gaumont – Av. Rivadavia 1635, Congreso -, exhibiendo las películas más esperadas que aún no se han estrenado comercialmente . Mientras tanto, el ciclo de revisión (de grandes films clásicos y modernos) se realiza todos los jueves a las 19 hs. en el Cine Malba.

La página web es www.cineclubnucleo.com.ar. Recuerden que para información sobre la programación llamar al 4825-4102. Y ahora en Instagram: https://www.instagram.com/cineclubnucleo/

PREMIOS:

  • Giornate degli autore – Venice Days 2018.
  • Premio Nuovolmaie Talent para Linda Caridi.
  • Premio Fedic para Valerio Mieli.
  • Premio del público BNL para Valerio Mieli.

Calificación 7/10


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Crítica: Anabelle 3: Viene a casa

Por Daniel Alvarez

Luego de que James Wan dirigió las dos cintas de El conjuro, se ha creado una franquicia que ha resultado de lo más rentable en el género de terror, si nos ponemos a hablar de dinero. La cruda realidad es que más allá de las cintas realizadas por el director malayo, la calidad de los siguientes films a modo de spin off ha sido bastante cuestionable, destacando una decente Anabelle 2 luego de una mediocre primera parte. Está entrega nos trae devuelta a Ed y Lorraine Warren, que lejos de ser los protagonistas de la historia, están para abrirnos las puertas de su casa, con todos los chiches incluídos.

Es increíble que una muñeca que no hace nada por si sola ya tenga una tercera entrega, esto igual le vale gracias a un segundo filme que nos trajo una historia interesante con una puesta en escena que fue efectiva con la creación de dicha muñeca. Es así que ahora damos un salto en el tiempo y nos cruzamos con el matrimonio Warren, que luego de resolver un caso donde el tormento ha sido la misma Anabelle, se quedan con ella para contener el mal que ella posee. Si bien al principio podemos llegar a pensar que podía tratarse de un filme protagonizado por los personajes de Patrick Wilson y Vera Farmiga, estos dejan su casa para ir a trabajar y nos dejan con su hija y su niñera, las protagonistas de la historia. Debido a la inconsciencia de una chica que se ha introducido en la casa de los Warren, liberan a la muñeca Anabelle y junto a ella, a todos los demonios y males que residen en esa casa , para obviamente atormentar a nuestros protagonistas.

Salvo por el desarrollo de personajes, donde nos muestran un poco más sobre la niña Warren, y como ella también posee las habilidades perceptivas de su madre, y la chica que perdió a su padre y entra en la casa para poder hacer contacto con el, hay muy poca historia en el filme. Si bien la película se llama Anabelle 3, y que su propósito es quedarse con un alma (apenas mencionado) no es recurso suficientes para justificar el protagonismo de la muñeca. Es por ese motivo que el filme ha hecho uso de todos los objetos que se encuentran en el cuarto y mostrar la maldición de cada uno de ellos (y ver si alguno cala para otro spin off). En conjunto, los juguetes de los Warren funcionan, aunque muchas escenas de terror parecen recicladas de las entregas de el conjuro.

Si hay algo que funciona bien en Anabelle 3, es el desarrollo de los personajes. Si bien no nos cuentan relatos con gran profundidad, los personajes son carismáticos , sobre todo la pequeña Judy Warren (McKenna Grace) y su niñera (Madison Iseman). Si bien la presencia de Farmiga y Wilson es un tanto testimonial, les llegamos a agradecer que nos abran las puertas de su casa.

Anabelle 3 es una película que resulta entretenida en su ejecución, gracias al escenario que nos brinda Ed y Lorraine Warren, la presencia de su carismática hija. Eso no quita que se trate de una historia no muy necesaria, y que el protagonismo de Anabelle no está muy justificado. Aún así tenemos entretenimiento con todos los juguetes del Warrenverse.

Calificación 6/10

Crítica: Pesadilla al amanecer

Por Gonzalo Borzino
Tras la misteriosa muerte de su hermano, Sveta (Alexandra Drozdova) comienza a tener pesadillas vividas y perturbadoras, las cuales la terminan forzando a buscar tratamiento en un instituto de somnología. Sveta participará de un experimento de sueño lucido colectivo donde, junto a otros tres candidatos, entrará en un mundo onírico buscando calmar sus síntomas, pero encontrará que sus sueños no son tan inofensivas como le habían hecho creer.

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Presentándose como la opera prima del ruso Pavel Sidorov, Pesadilla al amanecer (Rassvet) resulta un thriller de terror con muy pobre ejecución. Los momentos donde más se luce son algunos planos simétricos durante las etapas previas del experimento, donde se hace uso de la atmosfera para generar una tensión bastante decente. Es, a su vez, el cuarto largometraje de género de su escritor Evgeny Kolyadintsev (Diggery, Spoiler), quien lamentablemente toma una postura en extremo expositiva, donde los personajes relatan de forma literal sus relaciones, sentimientos y conflictos, logrando que estos parezcan poco naturales.
La actuación general es bastante regular, pero Alexandra Drozdova, la actriz protagónica, deja en demasiada evidencia su carencia de experiencia. Según su perfil de imdb este sería su primer trabajo audiovisual registrado, y se haría notar en sus gestos y formas de comunicarse. Sin embargo, no todo el problema recae en ella, habiendo otros actores más experimentados que también parecen fallar en sus ejecuciones, por lo que estimo podría tratarse de una falla de un director inexperto.
Los escenarios, sobre todo los del sueño, tienen una estética muy marcada. En un principio juegan mucho con la simetría, pulcros espacios vacios y líneas rectas, mas luego a medida que se profundiza el sueño, estos cambian a habitaciones grises, sucias, atiborradas de objetos. Esto bien podría representar de forma explícita la psiquis de los personajes, quienes comienzan a explayarse en sus traumas y a obrar en consecuencia.
A pesar de los problemas evidentes, la película logró sorprender con un astuto camino de migajas que llevan a una conclusión parcialmente predecible. Es evidente que sus fracasos son debido a la falta de experiencia de los involucrados, así como la implementación en técnicas demasiado obvias en la narrativa. No voy a sugerir, sin embargo, que el visionado de esta película haya resultado una pesadilla.

Puntuación: 4.0/10.0

Reseña: 200 golpes de jamón serrano

Por Victoria Seri 

Lo bueno de ir a ver obras de teatro de distintas temáticas y en diferentes espacios teatrales es dejarse sorprender por la propuesta. 200 golpes de jamón serrano. De una cosa tengo la certeza y es que luego de haber visto el espectáculo no sé todavía por qué se llama así. Esto es advertido durante la obra, pero de todas maneras tampoco creo que sea necesario saberlo.

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El espectáculo se presentará en el teatro Chacarerean por lo menos durante el mes de junio los miércoles a las 21 hs.

 

Como lo ha descripto la directora y dramaturga Marina Otero la obra es un biodrama. Gustavo Garzón interpreta a Gustavo Garzón. El actor cuenta a corazón abierto con monólogos y actuaciones en conjunto con Otero, sin pudor y sin temor, la historia de su vida. Repasa de manera audaz sus comienzos en la profesión, sus trabajos, habla de su familia, de los problemas de salud por los que ha atravesado, de su relación con sus compañeros y amigos actores, etc. Básicamente de la vida misma. La realidad es que escucharlo hablar de esa manera tan abiertamente de tantos temas es simpático, te hace empatizar, te acerca a su persona. Y también habla sobre sus deseos de experimentar otras maneras de hacer teatro, de lo disruptivo, de los gustos que se quiere dar después de tantos años y de cómo surge la idea para realizar esta obra con Marina Otero, con quien no se conocía, pero admiraba profundamente.

 

Sin embargo, ésta no es una obra común y corriente. Acá bailas, cantas, tomas vino, podes participar activamente o no, te reis y te emocionas, hay canciones, composiciones y música.

 

La propuesta es genial y única con performance y sketches, video y música en vivo. Completo y divertido. Y aunque quizás a priori uno se puede preguntar que tienen en común un artista snob de teatro capitalista con una bailarina que solamente ha trascendido por haber participado en un festival de teatro en Singapur. Cuando los vean lo entenderán. La respuesta es que hay mucho. La obra ofrece mucho. Definitivamente hay que ir a verla y  dejarse sorprender.

Ficha técnico-artística

 

Intérpretes: Gustavo Garzón, Marina Otero

Asistencia en escena y dirección: Agustina Barzola Würth, Lucía Giannoni

Cámara y música en vivo: Fede Barale

Adaptación y realización escenográfica: Los escuderos

Adaptación vestuario 2019: Chu Ferreyra

Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi

Diseño gráfico: Sergio Calvo

Música original: Fede Barale

Fotografía: Andrés Manrique, Candelaria Frías

Prensa: Mutuverría PR + Media + CM

Producción ejecutiva: Marina D`Lucca

Textos: Gustavo Garzón, Marina Otero

Dramaturgia y dirección: Marina Otero

 

Producción integral de la primera versión del proyecto:

Teatro La Comedia de la Provincia de Buenos Aires

 

Duración: 70 minutos

Crítica: Notti magiche

En su temporada Nro 66, Cine Club Núcleo en el Espacio INCAA – Cine Gaumont, nos sigue trayendo un cine, independiente y europeo, al que tan bien acostumbrados nos tiene.

Notti magiche, es un film italiano dirigido por Paolo Virzì, año 2018, con Mauro Lamantia, Giovanni Toscano, Giancarlo Giannini, Ornella Muti. Traducido “Notti magiche” significa noche mágica, y fue tal cual lo que a mí me pasó en la función del lunes 11 de junio.

Es una película que plantea crisis existenciales sobre lo que ha pasado con la filmografía con la decadencia en todos los sentidos, con pasar facturas. Decía que me hizo vibrar porque recordé ser adolescente, suspirar por una hermosa mirada, ojos azules, de Giancarlo Giannini, cuando hacia sus primeras armas, con películas junto a la directora von Trotta, una vanguardista en aquella época de las banderas del feminismo y vuelvo al 2019 donde pinto canas, Giannini también, junto a otro gran director del cine italiano como Paolo Virzi.

La trama de la película apunta a una investigación ante un supuesto asesinato o no, de un productor cinematográfico. Su muerte como consecuencia que cae su auto en las aguas del río Tíber, y nadie le presta la atención, porque justo se dirime en la TV, la capacidad de italiana, para continuar compitiendo o no en la final del mundo, el partido es contra Argentina, futbolísticamente en ese partido juega el nro. 10 de la selección Diego Maradona.

Se inicia, la investigación, la policía interpela, desde un mundo muy particular, porque a medida que los sospechosos, tres jóvenes aspirantes a guionistas, van contando su versión de los hechos, el policía les va enrostrando todos los errores que considera que cometen los guionistas, se transforma más en un juez del cine italiano, se habla del desplazamiento que sufre la actividad cinematográfica por culpa de la TV, como estos jóvenes pretenden liberar responsabilidades, alegando su inocencia y acusando a la «herencia» de las generaciones pasadas y así una historia con prostitutas, exceso de drogas y sensación de fracaso.

Un elenco sólido, un director de amplia experiencia, una película para caminar Roma junto a Ornella Mutti, otra ex famosa de la filmografía junto a Giannini, que será siempre ese hombre más bien bajito, con una mirada cautivadora, que hoy discurre sobre la decadencia del cine italiano, evocando la época de oro de Fellini y dejando a relucir que Fellini hubo uno solo.

Calificación 7/10


Diana Decunto Inboxmatutino@gmail.com